Mais pour l’heure, voici un petit report de ce concert qui est surtout l’occasion de revenir sur les visuels du groupe, artwork et clip vidéo qui font un sublime écrin à ce groupe. Vous trouverez ci dessous les visuels pour l’album « vilains »
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Artwork
Qui est Queens of the stone age
Nées en 1995 des cendres du légendaire groupe Kyuss, les Queens of the stone age sont rapidement devenues célèbres dans le monde des stoners.
Avec deux anciens rois du désert aux avant-postes, en la personne de Josh Homme et Nick Olivieri, complétés par une formation à géométrie variable qui sera complétée par de nombreux musiciens talentueux tels qu’Alfredo Hernandez (ancien Kyuss) Matt Cameron (Soundgarden), Mike Johnson (Dinosaur Jr), Mark Lanegan (Screaming Trees).
The Queens Of The Stone Age réussira à partir du premier album titre, qui fournit un stoner plus léger que celui que nous pouvons trouver à Kyuss, plus rapide mais plus léger, transférant leur musique dans un univers qui se rapproche plus du rock.
Puis ils partiront en tournée avec des groupes comme Bad Religion, Rage Against The Machine, Hole ou The Smashing Pumpkins.
Queens of the stone age – Rated R
« Rated R » est le deuxième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2000. Il est considéré comme un tournant dans la carrière du groupe, car il a reçu des critiques positives et a été un succès commercial. L’album est devenu l’un des plus connus de Queens of the Stone Age, avec des chansons comme « Feel Good Hit of the Summer », « The Lost Art of Keeping a Secret » et « Leg of Lamb » qui ont été jouées fréquemment en concert. Il a été enregistré dans le studio de Josh Homme en Californie. Rated R a également été nominé aux Grammy Awards en 2001.
Entre deux sessions Desert, Queens of the stone age consacre du temps à l’enregistrement de l’énorme Rated R, d’abord publié en septembre 2000, puis la deuxième fois dans l’édition vinyle (2001).
C’est un tournant musical pour Queens of the stone age , car c’est sur cet album que le « son » des reines de l’âge de pierre prend vraiment forme qui s’éloigne de Stoner, que l’on connaissait avec Kyuss ou Monster Magnet.
Environ un an plus tard, ils reviennent en compagnie de Dave Grohl à la batterie pour Song For The Deaf, qui sera le premier grand succès du groupe, grâce auquel ils vont vraiment démarrer à l’international et le couronner comme l’un des meilleurs groupes de rock américain. En 2004, Josh Homme s’est séparé de Nick Olivieri, fatigué du bassiste en excès qui avait été arrêté pour avoir joué nu sur scène. Josh Homme le remplace par Alain Johannes, guitariste du groupe de rock Eleven, recrutant au passage la claviériste Natasha Schneider du même groupe.
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Queens of the stone age – Lullabies to paralyze
Le successeur attendu de Song For The Deaf est sorti en 2005, intitulé Lullabies To Paralyze, marqué par un retour à Mark Lanegan et Troy Van Leeuwen, le guitariste de A perfect Circle, qui a déjà participé à Song For The Deaf.
« Lullabies to Paralyze » est le quatrième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2005. Il a été enregistré aux Rancho De La Luna Studios en Californie et a été produit par le leader du groupe, Josh Homme. L’album a été bien accueilli par les critiques de musique, qui ont loué sa diversité musicale et son approche innovante de la composition de chansons. Les chansons les plus populaires de l’album incluent « Little Sister », « Burn the Witch » et « In My Head ». Il a été nominé pour un Grammy Award en 2006.
. Josh Homme n’est pas en reste, profitant d’une pause dans son emploi du temps pour participer au projet Eagles of Death Metal de son ami Jesse Hugues, avec qui il donne des concerts (notamment en jouant de la batterie).
Il trouve également le temps d’épouser la chanteuse The Distillers et d’avoir un enfant, mais là, bien sûr, il a besoin de se calmer un peu, et Queens of the Stone Age en profitera pour publier un album live et un DVD. correspondant, Au fil des ans et à travers la forêt. Cependant, pour les hommes, le congé de paternité sera de courte durée…
Queens of the stone age – Era Vulgaris
En 2007 Queens of the stone age revient sur scène avec l’album « Era Vulgaris », pour lequel Homme fait appel aux nouveaux bassistes Michael Schuman et Dean Fertita comme claviéristes.
« Era Vulgaris » est le cinquième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2007. Il a été enregistré aux studio The Pink Duck et produit par le leader du groupe, Josh Homme. L’album a été bien accueilli par les critiques de musique, qui ont loué son approche plus expérimentale et son énergie débridée. Les chansons les plus populaires de l’album incluent « Sick, Sick, Sick », « 3’s & 7’s » et « Make it wit Chu ». Il a été un succès commercial pour le groupe, atteignant la 36ème place du Billboard 200 aux États-Unis.
Josh Homme a appris cette leçon et est revenu à une musique plus robuste pour … comme une horloge.
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Artwork
Queens of the stone age – Vilains
« Villains » est le septième album studio du groupe Queens of the Stone Age, sorti en 2017. Il a été enregistré aux studio The Pink Duck en Californie et a été produit par le leader du groupe, Josh Homme, et Mark Ronson. L’album a été bien accueilli par les critiques de musique, qui ont salué sa maturité musicale et son approche rafraîchissante de la composition de chansons.
Les chansons les plus populaires de l’album incluent « The Way You Used to Do », « Feet Don’t Fail Me » et « The Evil Has Landed » . Il a été un succès commercial pour le groupe, atteignant la 1ère place des charts rock aux États-Unis.
« Villains » a reçu des critiques positives de la part des critiques de musique. Les critiques ont loué l’énergie débridée de l’album et sa diversité musicale, allant de la pop rock aux influences funk et disco. Les chansons ont été jugées comme étant plus mûres et plus conscientes que les précédentes sorties du groupe.
La collaboration avec Mark Ronson a également été saluée pour avoir apporté une nouvelle dimension à la musique de Queens of the Stone Age. D’autre part, certains critiques ont déploré un manque de risque et d’innovation par rapport aux précédents albums de Queens of the Stone Age.
Bonus: L’interview de Josh Homme de Queens of the Stone Age par SPIN
Après six ans, plus de projets parallèles, et un coup de pinceau avec la mort, le leader de QOTSA revient avec le sixième album de son groupe, le tendu, intime «… Like Clockwork».
Assis sur un lit dans une chambre d’hôtel du centre-ville de Manhattan deux jours après la sortie de Queens of the Stone Age ‘s … Like Clockwork (Matador), Josh Homme allume une cigarette électronique et inhale profondément. «J’ai trouvé la bonne excuse», dit-il, «alors maintenant je la cherche à nouveau.»
Il parle d’essayer d’arrêter de fumer, mais de faire signe à quelque chose de plus grand – et de plus effrayant. Fin 2010, Homme a failli mourir de complications survenues lors d’une chirurgie du genou et a été cloué au lit pendant trois mois déprimants pendant sa convalescence.
Pendant ce temps, Homme, 40 ans, et père de deux petits enfants avec sa femme, la chanteuse de Spinnerette Brody Dalle, ont eu du mal à trouver une raison de continuer une carrière qui a explosé il y a plus de 20 ans avec le majestueux métal du désert californien de Kyuss, navigué dans le rock rythmique très populaire de Queens of the Stone Age, ravitaillé en Them Crooked Vultures avec un ami et partenaire musical Dave Grohl et l’ancien bassiste de Led Zeppelin, John Paul Jones, et se sont relayés pour travailler sur la production avec Arctic Monkeys et ses propres albums de longue date et hautement collaboratifs Desert Sessions .
En fin de compte, Josh Homme a repris pied avec l’épineux, intense émotionnellement … Comme Clockwork , un album qui offre une preuve irréfutable à la fois de sa résilience et de sa proximité avec le bord – qui, en fait, était là où l’avenir l’attendait.
Vous ne pensez pas que six ans est long entre les albums? Josh Homme: Objectivement, oui, mais pas du tout. Je considère ma carrière comme une œuvre, pas seulement les disques de Queens of the Stone Age. Je suis dans Eagles of Death Metal, je suis dans Them Crooked Vultures, je fais des disques avec d’autres personnes. Six ans n’a l’air drôle que sur le papier.
Si j’étais juste dans un groupe, j’aurais un problème avec le temps entre les enregistrements, parce que je ne veux pas agiter un seul drapeau. Je veux juste faire partie de quelque chose de cool. Parce que ce que c’est, et il est fou de putain, mec. Six disques? Comment fais-je encore ça? Je suis à New York et je sors un disque. C’est tellement bizarre.
Lorsque vous vous remettiez de vos problèmes de santé, avez-vous déjà pensé que vous ne feriez pas plus de musique de Queens of the Stone Age? Josh Homme des Queens of the stone age : J’ai passé cinq ou six mois à attendre un signe. J’aime aller de l’avant et remarquer des choses le long de la route qui indiquent où je dois aller.
Et donc j’ai fini par passer beaucoup de temps à attendre sans avancer, à essayer de comprendre ce que faire pendant que j’étais assis mentalement dans ma propre pente. Cela a été utile parce que j’ai réalisé que c’était la pire chose que je puisse jamais faire.
Qu’est-ce que vous voulez dire? Josh Homme des Queens of the stone age: Lorsque vous tombez malade et que c’est prolongé, vous passez par toutes ces phases mentales et tout le monde les gère différemment. Mais ce qui a rendu les choses difficiles, c’est que j’étais si fatigué de moi-même, vous savez?
J’aurais aimé pouvoir me séparer de moi-même – me quitter. Le problème est que la musique est égoïste dans la mesure où vous devez la créer vous-même, pour pouvoir la donner, et ces deux choses ne fonctionnent pas. J’avais besoin de trouver la bonne raison de jouer qui avait la magie, le mystère et l’excitation qui me donnaient envie de jouer en premier lieu.
Où avez-vous trouvé cette raison? Josh Homme des Queens of the stone age: Eh bien, pendant un moment, j’ai pensé: « C’est tellement stupide. » Qu’est-ce que c’est que tout ça? [ Gestes autour de la pièce ] C’est tellement détestable. Puis, tout à coup, vous commencez à dire: «Non. La musique est belle. »
Vous pouvez faire pleurer quelqu’un et vous pouvez dire des choses que vous ne diriez jamais autrement. Alors pourquoi n’y croiriez-vous pas? Pourquoi choisiriez-vous d’être amer plutôt que de faire de la musique? Être amer est dégoûtant. Cela ne vaut rien.
Pouvez-vous m’en dire un peu plus sur votre rétablissement? Cela a-t-il changé vos interactions avec votre famille et les personnes avec lesquelles vous faites de la musique? Qu’est-ce qui vous poussait exactement à l’amertume? Josh Homme des Queens of the stone age: Je préfère ne pas dire. C’est juste – je n’ai jamais été arrêté froid avant. Les obstacles sont toujours, comme: «À travers lui, par-dessus, par-dessous: que vais-je faire?» C’est juste difficile de partager certaines choses.
Je ne suis pas le gars qui dit: « Ce truc sent la merde, prends une bouffée. » Je pense juste: « Ça sent la merde. » Je ne veux pas que vous ayez à le sentir aussi.
Pouvez-vous dire ce qui s’est passé physiquement? Josh Homme des Queens of the stone age: Eh bien, j’ai toujours été assez dur avec moi-même. Alors quoi qu’il m’est arrivé, je l’ai totalement mérité. C’est presque comme si je le demandais. Mais pourquoi se concentrer sur des choses qui craignent? Ça ne vaut pas le coup.
Mis à part les problèmes de santé, vous avez 40 ans et vous avez deux petits enfants qui ne sont pas nés la dernière fois que vous avez sorti un album de Queens of Stone Age. Avez-vous repriorisé du tout? Josh Homme des Queens of the stone age: Les reines ont grimpé sur ma liste de priorités. Au lieu d’être mon copain, c’est devenu mon copain de guerre. Et les gars du groupe sont aussi plus importants pour moi maintenant. Quand ils voulaient vraiment faire un disque, j’ai dit: «D’accord, si tu veux faire ça, je ne suis pas dans le plus grand espace.
Vous devez commencer dans la confusion et je ne sais pas où ça va aller et vous ne le saurez pas non plus. Mais cela nous a rendus tellement plus serrés. Nous devions nous faire confiance ou nous nous séparerions. Je pense que cela a quelque chose à voir avec la raison pour laquelle nous avons perdu [le batteur] Joey [Castillo] et avons dû le laisser partir…
Il avait du mal à naviguer dans cette incertitude. Même si c’était très amical, c’était comme, « Merde, pourquoi est-ce que cela a dû arriver? » Mais cela a rapproché le reste d’entre nous.
Les conséquences du licenciement de Joey ont-elles été différentes de celles où vous avez laissé [le bassiste et membre fondateur de la QOTSA] Nick Oliveri s’en prendre à Songs for the Deaf ? Josh Homme des Queens of the stone age: Nick et moi avons eu des problèmes qui n’étaient pas musicaux. Il chante sur le nouvel album. Mais à l’époque, en 2004 ou à chaque fois, j’avais l’impression qu’au lieu d’être compris pour avoir pris une décision difficile concernant quelqu’un qui était hors de contrôle, les gens se disaient: «Putain Josh Homme, il veut juste chanter plus.
Quoi? Tu dois être fou. Je voulais chanter plus? Après Deaf , le groupe a commencé à se concentrer davantage sur les personnalités que sur la musique et cela ne se sentait pas bien. Honnêtement, les gens du monde de la musique avaient déjà décidé de moi au moment [2005] de Lullabies to Paralyze sortit de. Nous avons divisé tout le monde dans notre monde et je me suis dit: « Oh, merde. »
Mais maintenant je me rends compte que tout ce truc extérieur est inutile. Je m’intéresse au long arc d’une vie de musique, dans une vie d’honnêteté.
Vous ne pensez pas avoir été honnête avant? Josh Homme des Queens of the stone age: J’étais en train de piquer et de pousser avant, mais maintenant je veux pousser et pousser là où ça fait mal. C’est la même idée que pour les anciens albums de Queens, mais orientée dans une direction différente.
Les paroles de … Like Clockwork sont la plus grande différence pour moi par rapport à vos trucs passés. Une chanson comme « The Vampyre of Time and Memory », où vous chantez sur le fait de vous sentir mal aimé et de vouloir que Dieu vienne vous emmener – c’est loin de « Feel Good Hit of the Summer ». Essayiez-vous d’être plus direct? Il n’y a plus beaucoup de sarcasme.
Josh Homme des Queens of the stone age: Je me sens comme«Go with the Flow» ou [ Lullabies to Paralyze ’s] « Long Slow Goodbye »sont des chansons très directes. Mais avec ces records, je pouvais voir l’objectif final avant de commencer. Celui-ci a commencé sans fin en vue… c’est juste différent cette fois pour le groupe.
[Le fondateur de Matador] Chris Lombardi m’a dit que c’était le deuxième acte de Queens of the Stone Age et je suis d’accord avec ça. L’acte deux a commencé par me réveiller dans un hôpital.
Je ne me plains pas, mais j’aurais aimé que cela ait commencé d’une manière différente. J’ai toujours pensé que la musique était séparée de la réalité, mais il est impossible d’échapper à la réalité d’où cet album a commencé. Je n’avais pas d’autre choix que de m’en occuper.
Si la motivation a changé, qu’est-ce que c’était sur, disons, [2000] Rated R ou Songs for the Deaf ? Une grande partie de Queens of the Stone Age, du nom aux pochettes d’album en passant par les paroles, semblait être un commentaire ironique sur le fait d’être dans un groupe de hard-rock. Josh Homme des Queens of the stone age: Je pense que c’est un jugement précis. N’importe quel groupe sur ses deux premiers albums essaie juste de suivre son inspiration. Vous êtes pris dans ce raz-de-marée de grandes idées: «Et si un groupe avait trois chanteurs? Personne ne fait jamais ça!
Je pensais à ce que ce serait si le chant était entrelacé, comme si vous chantez en solo, alors vous chantez des harmonies, puis vous chantez à peine – juste une transition transparente tout le temps.
Il s’agissait de ce genre de choses, d’essayer de créer quelque chose que personne ne faisait. Et j’ai toujours eu un sens de l’humour malade et j’ai toujours voulu que cela imprègne la musique parce que je ne me prends pas au sérieux. Je prends la musique au sérieux, mais je sais que je ne suis pas le cadeau de Dieu à personne sauf à ma mère.
Revenons à une chanson comme « Feel Good Hit of the Summer ». Ou même plus tôt, quand vous étiez à Kyuss, qui est l’un des grands groupes de stoner-rock de tous les temps – même si je sais que vous n’aimez pas ce terme. Il y avait cette aura d’excès autour de vous et de votre musique.
Je veux dire, votre maison de disques a organisé une fête pour Songs for the Deaf et vous avez demandé qu’ils apportent des nains et des mimes. Dans quelle mesure était-ce un «commentaire» et dans quelle mesure avez-vous vraiment apprécié l’excès?
Josh Homme des Queens of the stone age: Il est impossible de savoir. Avec la fête, je l’ai fait parce que les nains et les mimes effraient les gens. C’était une fête pour nous et ils se sont dit: « Qu’est-ce que tu veux? » Et je me suis dit: « Oh, c’est facile: les nains et les mimes. » C’était la fête la plus inconfortable de tous les temps, mais je pensais que c’était génial.
Rendre les gens mal à l’aise est l’un de mes hobbies. J’espère toujours que la moitié des gens de la blague et l’autre moitié sont la blague. Mais quelque part en cours de route, surtout après les sourds et l’explosion – puis l’implosion avec Nick – il est devenu clair que cela devait être plus sur la musique.
Ce sens de l’humour malade est toujours là, mais je ne suis pas si blasé de le répandre partout. Il doit être utilisé aux doses appropriées, car ce serait dommage si cela confondait le vrai problème, qui consiste à essayer de chanter sur la vie. J’avais l’habitude de considérer Queens of the Stone Age d’une manière irréaliste, uniquement comme une évasion. Je ne pense plus ça.
Que pense votre famille de la façon dont la musique a changé pour vous? Josh Homme des Queens of the stone age: Je ne peux pas vraiment répondre à cela si ce n’est de dire que j’ai toujours été proche de ma famille et des gens qui me tiennent à cœur et c’est tout ce qui compte vraiment.
Ils savent que les choses ont changé. Je n’essaye pas de donner un sens à ce qui s’est passé, je sais juste que c’est arrivé. Je sais ce que j’ai traversé. Je n’ai pas besoin qu’on me dise d’arrêter et de sentir les roses parce que je renifle si fort.
« Renifler si fort. » Ça vous dérange si je prends cela hors de son contexte? Ce serait un bon titre. Vous ne seriez pas le premier à faire ça.
Un autre exemple? Josh Homme des Queens of the stone age: Une fois, j’ai dit bêtement à un intervieweur que les chansons parlaient de tout ce que vous vouliez qu’elles parlent, et cela a été repris par la suite. « Oh, vous dites que vos chansons ne parlent de rien. » Ce n’est pas ça. C’est embarrassant de parler de quelque chose de personnel même si je chante quelque chose de personnel.
Non pas que tout était toujours enveloppé de mystère avant, mais sur Lullabies, je me sentais un peu persécuté parce que j’avais viré mon meilleur ami et c’était vraiment dur et ce n’était pas une question de musique. Et je n’ai rien dit, pensant que les gens respecteraient cette décision. Mais au lieu de cela, j’ai senti ces roches sociales me frapper.
Au lieu de dire: «Je me sens persécuté», j’ai écrit [de Berceuses ] «Brûlez la sorcière».J’ai pensé: « Eh bien, c’est clair comme le jour » et c’est plus intéressant que d’écrire « C’est quoi ton problème? » Mais les gens ne l’ont pas compris.
Mais quand l’histoire est clairement si centrale dans la musique, il est difficile de ne pas être curieux de connaître les détails plutôt que de simplement en parler.
Cela ne me dérange pas de les encercler, un peu comme quelque chose dans une cuvette de toilette. C’est juste que se concentrer sur les mauvaises choses pour expliquer les bonnes choses est bizarre.
Vous avez parlé plus tôt de la confusion liée à la création du nouvel album. Qu’est-ce que cela signifie concrètement? Y avait-il plus assis et se regardant en attendant que des idées viennent? Josh Homme des Queens of the stone age: Ce que nous faisons dans le Queens, c’est de parler de chansons comme si elles étaient une personne. La personne n’est pas censée être parfaite. Il est censé avoir des cicatrices et il est censé être représenté avec précision. Vous commencez à dire: «Qui est cette personne? Qu’est-ce que cette personne a vécu? Vous commencez à jouer à ça .
Et parfois, l’un de nous dira: « C’est si proche, mais ce n’est pas juste. » Vous ne savez pas toujours pourquoi. Vous êtes donc obligé de poser les choses, de donner de l’air aux choses et d’y penser. C’est pourquoi il a fallu si longtemps pour ce disque. Normalement, nous entendons tous ce qu’est le jeu final: cela devrait ressembler à ceci.
Quand nous avons commencé à faire cet album, j’aurais adoré faire un album de répétition bluesy, semblable à la transe, James Brown, mais ce n’était tout simplement pas censé être.
Il est devenu que c’était un disque où la musique était censée soutenir la voix. Visuellement, c’était une voix blessée et elle avait besoin de la béquille du moins de musique possible. Telle était la situation, et lorsque vous servez la situation, vous devez attendre que quelqu’un sonne la cloche avant de la servir à nouveau.
C’est drôle que je vous ai demandé si vous pouviez décrire des différences pratiques et vous m’avez donné un tas de comparaisons élaborées. Josh Homme des Queens of the stone age: [ Rires ] Désolé, mec. J’aimerais pouvoir être plus concret pour vous, mais il s’agit de mystère et de ne pas laisser la réalité prendre le dessus. La réalité et le mystère doivent être de taille égale.
Que puis-je dire d’autre? Je suppose que vous connaissez la phrase: « Quelque chose de méchant vient de cette façon? » J’adore cette phrase. C’est tellement sexy. C’est, « Oh mon Dieu, qu’est-ce que cela vient à l’horizon? » J’écris beaucoup là-dessus.
Lorsque vous étiez allongé, écoutiez-vous quelque chose qui vous a donné des indices sur la façon d’aller de l’avant? Il existe une tradition d’albums d’alerte post-santé. Time Out of Mind de Bob Dylan en était un. The Next Day de David Bowie en était un autre. Cherchez-vous des précédents? Josh Homme des Queens of the stone age: La vérité est que j’ai arrêté d’écouter beaucoup de musique. Je veux aimer autant que je peux, mais il n’y a pas grand-chose là-bas. Le but serait de trouver le bien dans tout. Les gens qui disent aimer tout n’ont pas le sable pour vous dire ce qu’ils aiment vraiment . J’adore le disque Metronomy de la Riviera anglaise .
C’est putain incroyable. Cela ressemble à la sombre côte de l’Angleterre. J’aime le disque des Savages [ Silence Yourself] pour la façon dont il traîne ce qui était en avant. J’aimerais beaucoup plus de musique, mais j’ai presque l’impression que ça ne dépend pas de moi. J’essaye, mais que faire une fille?
Une musique qui avait déjà été importante pour vous est-elle devenue plus importante? Josh Homme des Queens of the stone age: Je me souviens avoir écouté la radio et la chanson de Bruce Springsteen «I’m on Fire» a commencé. Je n’ai jamais vraiment été à Springsteen. Non pas que je ne l’aimais pas, c’est juste que je m’en fichais.
Cette chanson est venue et je me suis dit: « Putain de merde, c’est bien. » Je ne suis pas allé acheter un album de Springsteen, mais j’ai acheté cette chanson et j’ai commencé à l’écouter avec une perspective différente. J’en ai compris certaines choses auxquelles je n’avais pas prêté attention auparavant.
Vous avez dit dans le passé que l’enregistrement est la partie la plus amusante de la création musicale pour vous. Mais est-ce toujours amusant quand le sujet est si sérieux?
Josh Homme des Queens of the stone age: Avant … clockwork , je ne vous considérais pas comme l’un de ces musiciens pour qui l’enregistrement est un processus cathartique, presque masochiste. Je m’inquiète parfois pour ça. Le disque de Them Crooked Vultures, chanter et écrire les mots et mettre tout cela ensemble était très éprouvant. Ce nouvel album était très éprouvant.
Est-ce que ça va être comme ça tout le temps? Je prie le dieu du rock’n’roll que ce ne soit pas mon nouveau style. Parce que: Non . J’ai toujours pu apprécier ce que c’est et je détesterais perdre la clé de ça. L’alternative est que vous deveniez un grognard. J’aimerais penser que mes derniers mots seront un gloussement.
Le nouvel album va faire ses débuts au n ° 1, et c’est votre premier album sur Matador après quatre avec Interscope. Qu’est-ce qui a été différent dans le travail avec un indépendant? Josh Homme des Queens of the stone age: Le système des grands labels avait vraiment peur de tout. C’est presque comme s’ils se réveillaient dans la mauvaise pièce et se disaient «Oh mon dieu». Mais risquer de ne rien obtenir.
Et à un moment où ils devraient faire confiance à leur instinct, ils font le contraire, je ne voulais pas passer du temps à discuter d’une idée créative avec quelqu’un qui ne joue pas de musique et ne sait pas ce qu’ils font. re parler. C’était un gaspillage d’énergie. Je veux juste faire de la musique et faire de l’art et faire des vidéos et je me fiche que ce soit « pour le single ». Qui s’en soucie? Ne m’interrompez pas. Ne me censurez pas. Ne m’arrêtez pas. Laisse-moi tranquille.
Vous vous cogniez la tête contre le mur d’Interscope? Josh Homme des Queens of the stone age: C’était une bataille constante. Vous ne voulez pas faire quelque chose, dites: « Je ne veux pas le faire. » Je m’en fiche. Mais ne donnez pas une bonne réunion. C’est le moment [en musique] où si vous n’êtes que vous-même, vous pouvez briller.
Certaines personnes veulent vendre des écouteurs et des conneries comme ça et c’est totalement cool, mais je ne veux pas être là. Je veux mettre en place un modèle où les gens d’affaires nous laissent simplement faire ce que nous voulons faire et Matador a dit: «Nous allons aider vous faites cela. »
Nous aurions pu prendre plus d’argent et prendre plus ceci et plus cela, mais ce sont des conneries temporaires. Je veux faire quelque chose de classique. Si nous faisons cela correctement, nous pourrions en fait être le groupe préféré de quelqu’un de tous les temps. C’est putain de rad. Comment pouvez-vous battre cette merde? Beaucoup de gens écoutent de la musique sur le chemin de la banque et ils n’y pensent plus et c’est très bien. Mais certaines personnes écoutent une chanson 60 fois de suite. Je fais de la musique pour eux.
À ce stade de votre carrière, qui regardez-vous comme modèle? Josh Homme des Queens of the stone age: J’adore Iggy [Pop]. Je me suis toujours considéré comme un étudiant du monde Iggy, tu sais? Laisse juste ‘er déchirer – et peut-être que ça va déchirer, et c’est pas grave.
Nous avons beaucoup parlé de moments difficiles. Quel est le meilleur moment que vous avez passé à faire de la musique? Josh Homme des Queens of the stone age: Depuis 20 ans, tout ce que je recherche, c’est le sentiment que j’avais l’habitude de jouer avec Kyuss dans le désert avec des groupes électrogènes. Vous n’avez jamais su ce qui allait se passer. C’était merveilleux. J’ai eu beaucoup de chance parce que c’est avec ça que j’ai grandi. C’était une conséquence du temps et du lieu.
Cette scène n’existait pas à cause de moi, j’étais juste là. Et c’est là que j’ai appris la bonne façon de jouer. La bonne façon de jouer n’est pas pour l’argent ni pour devenir célèbre. Vous êtes censé éviter quelque chose comme ça. Vous jouez pour la musique et vous jouez parce que vous n’avez aucune idée de ce qui va se passer, mais vous savez que les chances que ce soit bon augmentent lorsque vous êtes honnête sur ce que vous faites.
Avez-vous toujours ce sentiment? Josh Homme des Queens of the stone age: Absolument, et avec le groupe en ce moment, jouant cette musique si honnête et vulnérable, nous avons de bonnes chances d’arriver à ce putain de sentiment. Je ne sais pas comment le décrire. C’est cette boule d’énergie. Un jour, vous pourriez vous en approcher si près que vous vous brûlez.
Et si cela arrivait? Quelle belle façon d’en finir.
Heureux de vous présenter ma 11e cover pour le groupeMass Hysteria. Cela fait plusieurs années que je suis photographe pour leurs pochettes d’albums. J’ai shooté le Hellfest 2019 en me demandant comment une image pouvait synthétiser ce concert… Juste après ça , je me suis dirigé vers la sortie de scène après une heure à courir partout lorsque je vis le groupe se rassembler pour saluer le public. Ce n’était pas prévu, je suis revenu en courant pour shooter à l’arrache trois photos, dont celle-là. Tout cela sans savoir qu’elle serait la photo pour la pochette d’album Mass Hysteria Hellfest 2019.
Je compris sur le moment que si une photo devait représenter ce concert ce serait celle-là, car en dehors des prouesses, des écrans géants, des flammes et de la baffe musicale, c’est cette relation si particulière entre le groupe et son public qui pousse ce groupe, depuis 20 ans, à en faire toujours plus, à ne rien lâcher, à se surpasser à chaque concert.
L’album Mass Hysteria Hellfest est un enregistrement live du groupe français de métal. Il a été enregistré lors de leur performance au festival de musique Hellfest en France, en juin 2019. L’album contient 14 titres enregistrés en direct, y compris des chansons de leurs albums précédents, ainsi que de nouveaux titres tels que « Le Bal des Enragés » et « Réanime ».
Sorti en novembre 2019, « Hellfest » a été acclamé par la critique et les fans de musique métal pour sa production de haute qualité et l’énergie brute de la performance en live. L’album est une célébration de la musique métal française et de l’expérience du festival Hellfest, qui est devenu un événement majeur pour les amateurs de musique métal en Europe.
Avec Mass Hysteria Hellfest, le groupe a réussi à capturer l’essence de leur performance live et à la transmettre aux auditeurs, offrant ainsi une expérience immersive pour ceux qui n’ont pas pu assister au concert en personne. L’album est également une étape importante dans la carrière du groupe, qui a réussi à se forger une réputation solide en France et dans d’autres pays francophones, en se produisant sur des scènes importantes telles que le Hellfest.
Contexte de la création de l’album Mass Hysteria HELLFEST
L’album « Hellfest » de Mass Hysteria a été enregistré lors de leur performance au festival de musique métal français du même nom, qui a eu lieu en juin 2019. Le groupe avait déjà joué au Hellfest auparavant, en 2016, mais leur performance de 2019 a été particulièrement remarquable, avec une énergie et une intensité qui ont attiré l’attention des organisateurs du festival.
Le groupe a été approché par les organisateurs pour enregistrer leur performance en live et sortir un album pour commémorer l’événement. Mass Hysteria a accepté et a travaillé en étroite collaboration avec les ingénieurs du son pour s’assurer que la qualité de l’enregistrement était à la hauteur de leurs normes élevées.
L’enregistrement live de Mass Hysteria Hellfest été réalisé sans aucune modification en post-production, à l’exception du mixage final, afin de préserver l’authenticité de la performance. Le groupe a déclaré que l’enregistrement de leur performance en live au Hellfest était une expérience incroyablement intense et émotionnelle, et que l’album capturait parfaitement l’énergie brute de leur performance sur scène.
La sortie de Mass Hysteria Hellfest a également coïncidé avec la tournée du groupe pour promouvoir leur album studio « Maniac », sorti en octobre 2019. Cette tournée a été l’occasion pour le groupe de présenter leur nouveau matériel, ainsi que de revisiter leurs anciens classiques, tels que « Contraddiction » et « Furia ». L’album « Hellfest » a donc été une manière pour Mass Hysteria de célébrer leur expérience au Hellfest, ainsi que leur carrière dans la musique métal française.
Mass Hysteria HELLFEST
Le groupe Mass Hysteria : Brève présentation du groupe
Mass Hysteria est un groupe de métal français qui a été fondé en 1993. Le groupe se compose de six membres, avec Mouss Kelai au chant, Yann Heurtaux et Fred Duquesne à la guitare, Raphaël Mercier à la batterie, Jamel Dridi à la basse et Anthony Miranda au clavier.
Mass Hysteria est connu pour son style de métal unique, qui combine des éléments de punk, de hardcore et de thrash metal avec des paroles engagées en français. Le groupe a sorti son premier album « Le Bien-être et la Paix » en 1997, qui a été salué par la critique pour son énergie brute et sa créativité.
Depuis lors, Mass Hysteria a sorti de nombreux albums, notamment « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, « L’Armée des Ombres » en 2003, « Failles » en 2009 et « Maniac » en 2019. Le groupe a également remporté plusieurs prix, notamment le prix de la meilleure vidéo rock aux Victoires de la Musique en 2002 pour leur chanson « Furia ».
Mass Hysteria est connu pour ses performances live énergiques, qui ont été saluées par les fans et les critiques. Le groupe a joué dans de nombreux festivals en France et dans d’autres pays, notamment le Hellfest, le Download Festival et le Wacken Open Air. Mass Hysteria est considéré comme l’un des groupes de métal les plus influents et les plus respectés en France, avec une base de fans dévoués qui les suivent depuis plus de deux décennies.
Découvrez la version 360° de Mass Hysteria HELLFEST
Réflexion sur l’impact de l’album « Hellfest » sur la carrière de Mass Hysteria et sur la scène métal en général.
Mass Hysteria Hellfest a eu un impact considérable sur la carrière du groupe ainsi que sur la scène métal en général.
Tout d’abord, « Hellfest » a été une sorte de consécration pour Mass Hysteria, qui a ainsi affirmé sa place dans le paysage musical français et international. L’album est un enregistrement en live du concert donné par le groupe lors de l’édition 2019 du Hellfest, l’un des plus grands festivals de métal en Europe. Grâce à ce concert, Mass Hysteria a pu montrer l’étendue de son talent et de son énergie à un public très large, composé de fans du monde entier.
De plus, Mass Hysteria Hellfest a permis à Mass Hysteria de renouer avec ses racines et de retrouver l’esprit punk et hardcore qui avait animé ses premiers albums. En effet, le groupe a enregistré une grande partie de ses premiers albums en live, dans des conditions souvent spartiates. Avec « Hellfest », Mass Hysteria a retrouvé cette spontanéité et cette urgence qui ont fait son succès.
Enfin, « Hellfest » a eu un impact considérable sur la scène métal en général. En tant qu’enregistrement live d’un concert donné lors d’un des plus grands festivals de métal au monde, l’album a permis de mettre en lumière l’importance de ce genre musical, ainsi que la vitalité et la créativité des groupes qui le composent. De plus, Mass Hysteria Hellfest a permis à Mass Hysteria de gagner de nouveaux fans, mais aussi de donner envie à de nombreux autres groupes de se produire sur scène et de créer une expérience inoubliable pour leur public.
En somme, l’album « Hellfest » a été un véritable tournant dans la carrière de Mass Hysteria et un événement majeur pour la scène métal en général. Grâce à cet enregistrement en live, le groupe a pu montrer toute l’étendue de son talent et de son énergie, tout en affirmant sa place parmi les plus grands groupes de métal français et internationaux.
Le tracking et les crédits de Mass Hysteria HELLFEST 2019
Version CD
1. Reprendre mes esprits
2. Positif à bloc
3. World on fire
4. Vae soli
5. Nerf de boeuf
6. Se brûler sûrement
7. Tout est poison
8. L’enfer des dieux
9. Chien de la casse
10. Contraddiction
11. Arômes complexes
12. Plus que du metal
13. Furia
Version Blu-ray
1. Reprendre mes esprits
2. Positif à bloc
3. World on fire
4. Vae soli
5. Nerf de boeuf
6. Se brûler sûrement
7. Tout est poison
8. L’enfer des dieux
9. Chien de la casse
10. Contraddiction
11. Arômes complexes
12. Plus que du metal
13. Furia
Production images
Sombrero & Co
Réalisation : Thierry Villeneuve & Julien Metternich
Post-production images
Little Big Films
Directeur de production : Yann Merrien
Montage : Julien Metternich
Étalonnage : Tristan Donard
Authoring : Thomas Garbis
Production concerts & booking
Veryshow Productions
Ghost band est un groupe de métal qui s’est formé en 2006 dans la petite ville de Linköping, en Suède. Contrairement à la croyance populaire, Ghost n’est pas un «groupe» mais le projet du membre fondateur, chanteur, compositeur et leader du groupe : Tobias Forge. Découvrez les membres de Ghost (groupe) ci-dessous…
Ghost est surtout connu pour ses théâtres occultes / black-métal et ses performances scéniques captivantes. Le fondement de Ghost est le suivant: un pape diable et ses serviteurs (les goules sans nom, et maintenant les ghoulettes); c’est le thème récurrent de tous les albums et époques.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) Créditphoto Eric CANTO
La caractéristique la plus distincte de Ghost est ses «uniformes»; Les goules sans nom portent des masques et des vêtements identiques, tandis que Tobias a dissimulé son identité sous un masque et un maquillage prothétiques complets qui créeraient ses papes démoniaques qui ont changé à chaque époque du groupe, jusqu’à présent.
Malgré le fait que les goules sans nom étaient censées être sans nom , les fans ont commencé à nommer des surnoms pour ce qui est maintenant connu comme les «goules originales».
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Guitare Rythym = Aether Ghoul (qui plus tard s’appelait Omega et « stompy »)
Claviers = Air Ghoul
Tambours = Earth Ghoul
Les noms provenaient des symboles qui étaient étiquetés sur leurs costumes; une fois que la gamme «originale» de Ghouls a été licenciée du groupe (2017); le nouvel ensemble de goules a également pris des surnoms .
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Jusqu’à la fin de 2018, l’anonymat était la partie la plus convaincante de Ghost; beaucoup de gens ont d’abord été attirés par Ghost pour le mystère qui accompagnait ce groupe clandestin chantant des airs rythmés mais lourds sur Satan et l’enfer.
Personne ne savait qui ils étaient, personne ne savait d’où ils venaient, mais ils ne pouvaient pas détourner le regard du spectacle «effrayant». Cependant, il y a quelques mois, Tobias s’est «démasqué» dans une émission de radio suédoise et a confirmé ce que les plus intenses savaient déjà; Tobias Forge EST Ghost.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
La raison? Eh bien, personne ne sait vraiment ce qui l’a poussé à sauter le pas, à part Tobias qui a dit que le « mystère » ne pouvait rester en vie aussi longtemps de nos jours avec les téléphones-appareils photo et la communication instantanée, donc il préfère faire la « sortie » que cela ne soit annoncé ailleurs.
Pour les trois premiers albums, Tobias Forge a pris différentes incarnations et personnages de Papa Emeritus. Jusqu’à présent, nous avons eu un papa émérite I, II et III. Avec leur dernier album, nous avons également été présentés à Papa Nihil (alias Papa Zero) qui est essentiellement le manager du diable-pape (également le père de tous les Papa).
Papa Emeritus I’a fait face à Ghost de 2008 à 2012, puis en décembre 2012, Ghost a fait ses débuts « Secular Haze », ainsi que Papa Emeritus II, comme annonce pour leur deuxième album « Infestissumam », dans leur ville natale de Linköping.
Trois ans plus tard, en 2015, Papa II a présenté le public à son «frère cadet», Papa Emeritus III, qui prendrait la responsabilité d’essayer de renverser l’Église et le gouvernement, car Papa II avait été licencié pour ne pas avoir réussi à cet objectif ne remplissant pas son devoir de renverser les églises, ce fut le début de l’ère Meliora, ce qui a vraiment fait entrer Ghost dans la scène hard-rock / métal.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
En septembre 2017, à Göteborg (Göteborg), en Suède, Papa Emeritus III a été traîné hors de la scène par deux hommes, les hommes ont ensuite escorté Papa Nihil en introduisant que le prochain chapitre et l’ère actuelle commencerait…
Fait amusant: vous pouvez réellement visiter les papas morts à la «Vénération des reliques» lorsque vous achetez des pass Meet and Greet pour la tournée en cours.
Un Papa III et moi morts à Stockholm, en Suède.
Ce n’est qu’en janvier 2018 que nous avons appris la sortie de Prequelle et avons été informés par le clergé (qui est essentiellement le QG fantôme) que nous ne verrons pas le retour d’un papa, du moins pas encore.
En avril 2018, Ghost a fait ses débuts au Cardinal Copia à un public privé lors d’une émission acoustique secrète, confirmant aux fans que Ghost n’est plus «contrôlé» par un papa. Le cardinal est le premier «leader» et membre du clergé à ne pas appartenir à la lignée Nihil. Le cardinal a été amené par soeur Imperator, qui détient un titre élevé dans le clergé, pour intervenir en tant que leader de Ghost en raison du fait que la lignée émérite est maintenant entièrement morte,
Papa Nihil n’est pas sûr du Cardinal, malgré le fait que Sœur imperator insiste sur le fait que Ghost a besoin « d’un nouveau leader avec la jeunesse, l’endurance et le charisme sexuel », auquel Nihil accepte à contrecœur simplement parce qu’il veut continuer la mission Ghost de diffuser le message de Satan.
En conclusion, où le groupe est en ce moment est: The Cardinal est toujours en face de Ghost et en tournée le quatrième et dernier album Prequelle qui a été publié en 2018. Tobias Forge a récemment déclaré que le cinquième album et la cinquième ère de Ghost seront toujours dirigés par le Cardinal , il est rare pour Ghost de garder le même personnage…
Les albums et leurs concepts
La musique est en fait un sujet controversé avec Ghost, car beaucoup de « metalheads » ont tendance à rejeter l’idée de laisser Ghost s’asseoir dans le genre Métal; et beaucoup d’élitistes n’aiment pas Ghost.
Une partie du plaisir d’être fan de ce groupe est que vous êtes toujours face à de la nouveauté; que ce soit la musique, les personnages, les costumes, l’intrigue, etc.
Ghost Band – membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Opus éponyme (2010) – Ghost Band
En 2006, alors que Tobias Forge faisait toujours partie de son groupe Subvision (qui comprend des membres qui deviendront des Ghouls sans nom « originaux »), il a écrit la chanson « Stand By Him » puis s’est réuni avec un ancien compagnon de groupe de Repugnant pour enregistrer la chanson.
En 2008, Tobias Forge, et ce qui allait bientôt être une goule sans nom, a écrit et enregistré «Stand By Him», «Prime Mover» et «Death Knell», et c’est dans ce processus que les deux ont décidé de poursuivre cette thématique satanique, mais dans un format «groupe de théâtre» car ils pensaient que leurs apparitions ne seraient pas prises au sérieux avec les chansons.
Utilisant l’amour de Tobias pour les films d’horreur et les traditions du black métal scandinave, il est venu avec le concept original de membres masqués pour les « Nameless Ghouls », tandis qu’il a enfilé le personnage de « Papa Emeritus » dans les insignes papaux et la peinture de cadavre. -une peinture faciale.
Membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Tobias Forge a offert le rôle de chanteur à plusieurs autres musiciens suédois, car il voulait un rôle plus «en coulisses» d’écriture de paroles et de musique, et de ne jouer de la guitare que sur scène. Cependant, comme trop de gens rejetaient l’idée d’être un «pape diable», Tobias devait le faire lui-même, et le tour est joué, le reste appartient à l’histoire!
En mars 2010, Tobias Forge a posté les trois premières chansons de Ghost sur MySpace et en moins de deux jours, il a été approché par des maisons de disques et des managers! Ghost a ensuite terminé son album à Linköping et a sorti son premier single «Elizabeth» en juin 2010, puis a sorti Opus Eponymous en octobre 2010.
L’album a atteint le numéro 50 du top suédois, et a déjà commencé à créer beaucoup de buzz avec le premier album. Il est inquiétant, lourd, satanique et parvient toujours à faire vibrer votre corps avec ces crochets mélodiques. Opus, est également la pierre angulaire des albums conceptuels de Ghost et le fondement de notre position actuelle en termes de «story line»
Sur le plan thématique, Opus met le groupe en place pour «libérer» l’antéchrist dans le monde, car l’objectif de l’album est le «rituel et la conception de l’antéchrist» et ce n’est pas avant le deuxième album d’Infestissumam, où nous obtenons réellement le Antéchrist.
Ghost Band – Crédit photo Eric CANTO
Infestissumam (2012) – Ghost Band
En février 2012, «Special Ghoul» (qui est Tobias déguisé en Nameless Ghoul quand il fait des interviews, parce que les Papas n’ont pas fait d’interviews) a annoncé que le groupe avait terminé d’écrire et d’enregistrer leur deuxième album. Comme mentionné précédemment, en décembre 2012, à Linköping, en Suède, le groupe a joué «Secular Haze» et leur reprise ABBA de «I’m a Marionette» avant de présenter Papa Emeritus II, annonçant qu’il [Papa II] reprendra le groupe comme il [Papa I] a été renvoyé du clergé.
C’est en même temps que Ghost a fait face à beaucoup de contrecoups des États-Unis, légalement. Tout d’abord, ils ont dû devenir temporairement Ghost BC aux États-Unis pour éviter des problèmes juridiques. Ensuite, la date de sortie aux États-Unis d’Infestissumam avait été repoussée en raison du fait qu’aucune entreprise de fabrication américaine ne voulait presser les albums en raison de l’illustration blasphématoire sur les CD de luxe, les entreprises se plaignant qu’il s’agissait « essentiellement d’une orgie du XVIe siècle ».
Hélas, Ghost a décidé de changer la couverture de l’album pour éviter tout retard supplémentaire et a réservé la «couverture de luxe» pour toutes les copies européennes et les copies en vinyle aux États-Unis.
Infestissumam est l’album qui a vraiment fait de Ghost un groupe «live», car le groupe a tourné consécutivement pendant deux ans d’affilée. C’est également cet album qui a permis au groupe de se constituer rapidement une large base de fans!
En avril 2013, ils ont joué Coachella, puis en juillet ils ont joué Lolla Chicago; ce qui est en fait assez important si l’on considère qu’en 2012 le groupe Ghost était encore dans sa «phase effrayante» et plus «intimidante». Fin 2013, ils ouvrent pour Iron Maiden & Slayer, puis Avenged Sevenfold & Deftones, et terminent 2013 par une ouverture pour Alice in Chains en Europe.
En novembre 2013, Ghost a sorti son EP de reprise, If You Have Ghost, produit par Dave Grohl. (Dave a également admis avoir joué de la batterie pour Ghost en costume à quelques reprises!)
En termes de thème d’Infestissumam, c’est l’album dans lequel l’antéchrist est enfin né!
Le clergé célèbre et prépare le mouvement prévu de libérer l’antichrsit dans le monde, afin qu’ils puissent conquérir le monde. Musicalement, vous pouvez déjà dire que Ghost Band a commencé à croître financièrement, en termes de valeur de production, mais vous pouvez également entendre que Tobias Forge a trouvé le son de Ghost Band.
Il a sorti beaucoup d’éléments «heavy métal» et les a édulcorés avec des touches pop mélodiques.
Meliora (2015) – Ghost Band
En mai 2015, il a été annoncé que Papa Emeritus II avait été congédié pour avoir échoué en tant que leader du pape antichrist pour Ghost Band, en raison du fait qu’il n’avait pas réussi à renverser les Églises de toutes les religions ni à succéder aux gouvernements du monde (combien ambitieux, eh ?). Alors que le buzz du battage médiatique était toujours fort, Ghost a publié le single «Cirice» en téléchargement gratuit sur le site officiel du groupe comme un aperçu de Meliora, qui a été publié plus tard en août 2015.
Meliora est vraiment l’album «révolutionnaire» de Ghost Band en termes de succès international, de production scénique et de concepts thématiques; une fois Meliora sortie, Tobias et Ghost Band n’ont pas fait marche arrière, car cela a vraiment fait de Ghost Band l’un des plus grands groupes de la décennie.
Selon Tobias, cependant, tout ce succès n’est pas venu avec un manque d’effort. Tobias Forge a travaillé avec le producteur suédois Klas Åhlund, plus connu pour sa production de musique pop. Il réfléchira plus tard que l’expertise pop de Klas avait été la touche manquante parfaite qui manquait à Ghost Band manquait pour créer le parfait « disque ABBA sombre ».
Meliora parle de l’antéchrist et réussit son titre de «tout-puissant» renversant Dieu. Comme Tobias Forge l’a expliqué (comme Special Ghoul): «Les paroles parlent du vide qui se produit quand il n’y a pas de dieu, quand il n’y a personne pour vous aider. Mais même alors, il y aura toujours des f * cker pour vous guider. Et le groupe est essentiellement décrit comme le parti religieux qui vient avec une main directrice. Nous offrons le seul endroit au monde qui soit spirituel ».
Il continue avec «la toile de fond que nous voulions peindre devant laquelle nous jouons ces chansons, est censée être, une image futuriste super-urbaine, métropolitaine, pré-apocalyptique, dystopique» qui reflète également la société moderne.
Cet album a prouvé la capacité de Tobias Forge à maîtriser l’habileté de créer un album concept. Il y a tellement de petits détails auxquels il a pensé, des détails techniques des costumes aux choix de couleurs de l’œuvre d’art, aux connexions avec leur quatrième album. Tobias Forge a finalement pu réaliser son rêve d’un album de doomy-clerical-rock, et clairement la vision de Tobias a porté ses fruits puisque le groupe a remporté un Grammy pour Cirice dans la catégorie «Best Métal». Performance »en 2016.
Ghost Band – Crédit photo Eric CANTO
Prequelle (2018) – Ghost Band
Prequelle est le quatrième et dernier album studio de Ghost Band, et est le premier album avec l’identité de Tobias Forges. Depuis «l’enlèvement» public de Papa Emeritus III en 2017 lors de leur émission à Göteborg, les fans avaient des attentes et une attente élevées pour ce record; créant beaucoup de pression sur Tobias, car c’est le premier album où il pourrait être personnellement critiqué pour le travail de Ghost Band.
Tobias avait prévu Prequelle pendant des années, il a apparemment commencé à planifier cet album avant Meliora. Prequelle est la peste après l’apocalypse, littéralement. Tobias décrit l’album comme «la survie à travers une période tumultueuse où votre existence est fondamentalement menacée», ce qui, en dépit du thème médiéval de Meliora, reflète également les problèmes modernes du monde.
Tobias est entré dans cet album pour tourner autour des concepts de «mort et malheur», c’est pourquoi le thème central de Prequelle est la peste et la peste noire, mais il a dit qu’il était important de l’équilibrer avec des «problèmes de mortalité» tels que memento mori et «saisissez le jour» parce que l’autre moitié a survécu.
Ces thèmes décrits manifestent également des problèmes personnels dans la vie de Tobias Forge au moment de l’enregistrement de Prequelle, car cet album a été écrit et enregistré alors qu’il était en train de lutter contre un procès, chez lui en Suède, avec les anciens Ghouls (et amis de longue date). Par conséquent, le thème du «memento mori», comme l’a dit Tobias, ne concerne pas seulement les personnages qu’il a créés, mais aussi pour lui-même.
Malgré les deux nominations aux Grammy Awards de l’album, cet album a reçu des critiques mitigées dans tous les domaines. En moyenne, les critiques ont donné à cet album une note de 4,5 étoiles sur 5, alors que les fans, en moyenne, ont donné à cet album 3 étoiles sur 5.
Pourquoi? Très probablement en raison de ses tons pop-centrés. Auparavant, les albums de Ghost Band avaient des aspects pop mais étaient toujours fortement hard-rock. Cependant, c’est ce que voulait Tobias, il veut que Ghost Band grandisse en tant que groupe de stades, il veut vendre des stades et de grandes tournées, et il veut surtout des tubes en radio, ce qu’il a obtenu avec les singles « rats » et » danse macabre ».
Membres de Ghost (groupe) – Crédit photo Eric CANTO
Style et influences musicales de Ghost band
La musique de Ghost Band a été classée dans de nombreux genres, les critiques les ont classés en hard rock , heavy métal , doom metal , pop rock , rock progressif, rock psychédélique, rock occulte , et rock arena. Adrien Begrand de PopMattersa déclaré que Ghost Band rappelle « les premiers sons de Black Sabbath , Pentagram et Judas Priest , ainsi que le rock progressif et psychédélique de la fin des années 60 ».
S’adressant à Noisey.com, une goule sans nom a décrit Ghost Band comme un groupe de black metal au sens traditionnel, mais a déclaré qu’ils ne correspondaient probablement pas aux normes de la scène black métal actuelle. Cette Nameless Ghoul décrit la musique de Ghost Band comme un mélange entre la musique pop et le death metal.
Dans une interview, une goule sans nom a déclaré qu’ils étaient influencés par « tout, du rock classique aux groupes de metal underground extrêmes des années 80, aux musiques de film et à la grandeur de la musique harmonique émotionnelle ».
Un membre du groupe a déclaré que le mouvement suédois et scandinave du black métal du début des années 90 joue un rôle majeur dans leur acte, [105] et a déclaré que chaque membre venait d’un milieu métallique.
Cependant, le groupe a déclaré à plusieurs reprises qu’il ne visait pas à être un groupe de métal. Pour leur deuxième album, Ghost Band a choisi un style d’écriture plus diversifié; un membre a déclaré: « Nous avons essayé de faire en sorte que chaque chanson ait sa propre signature ».
Seuls quelques membres écrivent des chansons. Les auteurs composent un contour acoustique de chansons avant que d’autres instruments ne soient ajoutés pour que cela sonne comme un groupe, plutôt que d’être dominé par la guitare.
Leurs paroles sont souvent de nature satanique; un Ghoul a dit: « le premier album parle de l’arrivée prochaine du Diable , parlé en termes bibliques, tout comme l’église dira que le Jugement Dernier est proche. [ Infestissumam ] parle de la présence du Diable et de la présence du Antichrist . «
Cependant, le groupe a dit à plusieurs reprises que leur image était toute ironique, citant que « Nous n’avons pas de programme militant. Nous sommes un groupe de divertissement. » Infestissumam traite également de « comment les gens se rapportent à une divinité ou à Dieu, des thèmes comme la soumission et la superstition, les horreurs d’être religieux. »
En outre, une goule sans nom a déclaré que le deuxième album parlait de « la façon dont l’humanité – principalement des hommes – ce qu’elle a considéré comme la présence du diable, à travers l’histoire et même de nos jours. Et c’est pourquoi le disque est alimenté par des thèmes sexuels et des femmes. .. l’ Inquisition était essentiellement des hommes accusant les femmes d’être le diable ».
La scénographie du groupe est influencée par Kiss, David Bowie et Alice Cooper , mais un membre a dit qu’elles étaient plus influencées par Pink Floyd .
Papa Emeritus III – performance vocale (2015-2017)
Cardinal Copia – performance vocale (2018-2020)
Papa Emeritus IV – performance vocale (2020-présent)
A Group of Nameless Ghouls – guitares, basse, batterie, claviers, chœurs (2010-présent)
Papa Nihil – saxophone (2018-2020)
Anciens membres de Ghost band
Martin Persner
Simon Söderberg
Mauro Rubino
Martin Hjertstedt
Henrik Palm
Gustaf Lindström
Aksel Holmgren
Rikard Ottoson
Linton Rubino
Megan Thomas
Papa émérite I, II, III et Nihil
FAQ sur le groupe Ghost
1. Qui est Ghost ?
Ghost est un groupe de heavy metal suédois formé en 2006. Le groupe est connu pour sa musique influencée par le rock des années 70 et 80, ses costumes théâtraux et son image sombre.
2. Qui sont les membres de Ghost ?
Le groupe Ghost est connu pour garder l’identité de ses membres secrets. Le chanteur principal, Tobias Forge, est le seul membre connu du groupe et incarne un personnage nommé Papa Emeritus ou Cardinal Copia, selon l’ère du groupe. Les autres membres du groupe portent des masques et des costumes sur scène pour rester anonymes.
3. Quel est le style musical de Ghost ?
Le style musical de Ghost est principalement influencé par le heavy metal, le rock des années 70 et 80, le hard rock et le doom metal. La musique du groupe est souvent décrite comme mélodique et sombre, avec des paroles centrées sur l’occulte, la religion et la mort.
4. Quels sont les albums de Ghost ?
Ghost a sorti six albums studio à ce jour : « Opus Eponymous » (2010), « Infestissumam » (2013), « Meliora » (2015), « Popestar » (2016), « Prequelle » (2018) et « Impera » (2021).
5. Quelles sont les chansons les plus connues de Ghost ?
Parmi les chansons les plus connues de Ghost, on peut citer « Square Hammer », « Cirice », « From the Pinnacle to the Pit », « Rats » et « Dance Macabre ».
6. Quelles sont les influences de Ghost ?
Ghost s’inspire de nombreux artistes et groupes de rock et de heavy metal des années 70 et 80, tels que Black Sabbath, Blue Öyster Cult et Alice Cooper. Le groupe est également influencé par la musique classique, le théâtre et les films d’horreur.
7. Quel est le concept derrière l’image de Ghost ?
L’image de Ghost est inspirée par les films d’horreur, la religion et l’occultisme. Les membres du groupe portent des costumes sombres et théâtraux, et Tobias Forge incarne différents personnages à chaque ère du groupe. L’image de Ghost est un élément important de leur performance en direct et contribue à leur ambiance unique.
8. Quelle est la signification du nom de Ghost ?
Le nom de Ghost fait référence à l’idée de la mort et de l’au-delà, ainsi qu’à l’obscurité et au mystère. Le groupe a choisi ce nom pour refléter leur image sombre et théâtrale.
9. Comment est l’expérience d’un concert de Ghost ?
Les concerts de Ghost sont connus pour leur ambiance sombre et théâtrale. Le groupe utilise des éclairages et des effets spéciaux pour créer une atmosphère mystique et engageante. Les membres du groupe portent des costumes théâtraux et Tobias Forge interagit souvent avec le public sous le personnage de Papa Emeritus ou Cardinal Copia. Les concerts de Ghost sont une expérience unique, où la musique, l’image et la performance se rejoignent pour créer une ambiance envoûtante.
10. Quelle est l’histoire de Ghost ?
Ghost a été formé en 2006 à Linköping, en Suède, par Tobias Forge, qui est le principal compositeur, chanteur et guitariste du groupe. Le groupe a sorti son premier album, « Opus Eponymous », en 2010, qui a reçu des critiques positives et a permis à Ghost de se faire connaître dans le monde du heavy metal.
Depuis, le groupe a sorti cinq autres albums, remporté un Grammy Award en 2016 pour la meilleure performance de metal, et a tourné dans le monde entier. Ghost est considéré comme l’un des groupes les plus importants du heavy metal contemporain, grâce à leur musique unique, leur image sombre et théâtrale et leur performance envoûtante.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
J’ai fait les photos et les artworks de cet album qui est sorti en trois exemplaires. Un premier exemplaire digipack standard, un second artwork entièrement fait pour la série limitée et enfin un vinyle avec là aussi un artwork complètement différent.
La genèse de Mass Hysteria Maniac.
Lorsque l’on travaille sur un artwork, le concept arrive parfois par hasard. L’idée de Mass Hysteria Maniacprovient d’une réunion du groupe Mass Hysteria. Le première artwork que je proposais ne convenait pas : trop violent. Il fallait trouver dans l’urgence une direction à prendre. Nous cherchions quelque chose qui fasse résonner l’album enregistré, néanmoins, les propositions de chacun ne faisaient pas l’unanimité.
Le point de départ de Mass Hysteria Maniac fut deux dessins de l’illustrateur Jean Luc Navette qui étaient sur le téléphone de Yann, le guitariste du groupe. Il montra ces dessins aux autres membres du groupe : la décision fut prise de partir dans cette direction et de créer un couple. Le groupe et moi aimons énormément le travail de Jean Luc Navette, ce dessin d’une femme et d’un homme aux yeux blancs fut le point de départ de la réflexion.
Un lieu fut trouvé ( L’hôtel Providence à Paris) et le shooting s’organisa en un temps record. J’avais en tête l’idée d’avoir suffisamment de matière pour travailler deux ambiances différentes. Le résultat c’est trois artworks différents pour Mass Hysteria Maniac suivant le support (CD, Vinyle,…). Un résultat que je vous laisse découvrir ci dessus.
Trois ans après « Matière Noire », MASS HYSTERIA revient avec un nouvel album intitulé « Maniac ». C’est probablement l’album le plus métal de toute la discographie du groupe. Énergie et violence, probablement expliquées par une tournée de concerts intensifs de trois ans. La production, une nouvelle fois signée Fred Duquesne qui produit la 5ème l’album de MASS HYSTERIA et le deuxième en tant que guitariste.
01. Reprendre Mes Esprits
02. Ma Niaque
03. Partager Nos Ombres
04. L’antre Ciel Ether
05. Chaman Acide
06. Se Brûler Sûrement
07. Nerf De Boeuf
08. Arômes Complexes
09. Derrière La Foudre
10. We Came To Hold Up Your Mind
Mass Hysteria Maniac est le neuvième album studio du groupe de métal industriel français Mass Hysteria, est sorti le 26 octobre 2018. Album produit par Frédéric Duquesne à la guitare. Masterisé par Ted Jensen.
MASS HYSTERIA MANIAC TOUR 2018- 2019
Date de la tournée Maniac de Mass Hysteria
06/10/2018 La Cartonnerie REIMS (51) / COMPLET
13/11/2018 La Poudrière BELFORT (90) / COMPLET
14/11/2018 Le Grillen COLMAR (68) / COMPLET
15/11/2018 La Chapelle des Trinitaires METZ (57) / COMPLET
Est-il encore nécessaire de faire les présentations lorsque le nom Mass est mentionné? Leader du métal français depuis plus de vingt ans, c’est toujours avec une joie non déguisée que nous mettons à nos oreilles un nouveau disque des Parisiens. Trois ans après le très acclamé «Matière noire», Mass Hysteria est de retour sous les projecteurs avec son neuvième album studio: «Maniac».
Ce nouvel album fera-t-il partie de la discographie qualitative du groupe? D’une part, la première chose qui stimule notre appétit et nous fait écouter davantage est le soin de la production. Toujours sous la direction de Fred Duquesne, également guitariste, le résultat mérite des applaudissements.
Le son est d’une précision chirurgicale, les guitares répondent superbement aux rythmes sauvages de la batterie de Raphaël Mercier. La basse donne aux compositions beaucoup de rondeur. La voix de Mouss, apporte elle, toute l’énergie et la rage qu’on lui connaît et donne encore plus de valeurs à l’ensemble.
Après Matière noire, largement salué par le public, une présence médiatique plus importante et un disque d’or emblématique certifiée par Contraddiction, nul doute que Mass Hysteria est un fier représentant du patrimoine métal français – sinon rock – et qu’il est mérité. Pour les mass, ce succès n’est clairement pas une excuse pour se calmer ou camper sur leurs acquis.
En effet, le nouveau disque maniaque risque de surprendre avec ses inspirations plus extrêmes, plus prononcées que jamais, pour montrer qu’ils n’ont rien perdu de leur niac.
Cette niac symbolise avant tout un principe qui a fait la joie du groupe depuis un quart de siècle: celui de la résistance. D’abord celui de l’individu qui se fait face, ses émotions, qu’il doit essayer de gérer. Ceci est illustré par l’intrigante entrée « reprendre mes esprits ».
Mais il est difficile de trouver la raison quand nous avons été frappés en mode rouleau compresseur par des guitares et une caisse claire cinglante qui ouvre l’album. Là où nous voyons évidemment l’esprit du combo, c’est dans sa relation avec le collectif.
Maniac incarne cette résistance fraternelle et en particulier le lien avec son public. Donc, dans la scène de « partager nos ombres », nous verrons des clins d’œil réguliers qui maintiennent l’intensité définie au début de l’album. À l’apogée de sa technique (impressionnant sur « Reprendre Mes Esprits »), le batteur Raphaël Mercier conduit les riffs dans un groove massif, presque tribal qui saisit l’auditeur par le col.
« L’Antre Ciel Ether » reste dans la thématique et rappelle ce besoin qui lie Mass Hysteria à leur passion et à leur art.
Le combo canalise sa colère afin de l’exploser chirurgicalement. « Ma Niaque » recherchera ses influences dans la nervosité du Thrash Metal et en particulier du Slayer qui plane sur tout le pont, également dans la chanson qui semble adopter une diction spécifique au style.
« Nerf De Bœuf », dans lequel Mouss prétend que sa « colère dépasse celle des dieux », fait revivre le Death Metal de Yann Heurtaux, comme le montre un échange de solos enragés old school.
Cette colère vient aussi des observations sur notre société avec une lutte contre l’oisiveté et l’ignorance qui domine l’espace public: « Chaman acide » ou les « Arômes complexes » dérangeants avec leurs guitares happent « l’auditeur » et ne le lâche plus.
Mass Hysteria ne manque pas non plus, comme d’habitude, d’exprimer du ressentiment contre les politiciens qui sont «l’orchestre du Titanic», et clôt «Arômes complexes» par des cris alarmants, voire terribles. Rappelle, cependant, que la fameuse résistance ne peut se faire dans la retraite et la passivité, puis invite l’auditeur à regarder vers l’avenir.
Un discours qui se transforme en catharsis, avec des rythmes sourds et des répétitions de voix dramatiques.
On retrouve aussi le groupe sur un sol plus sensible avec » Derrière La Foudre » qui, lorsque l’intensité est omniprésente, utilise des breaks et des samples « à la Mass Hysteria » pour créer un chœur entêtant dans un registre plus sentimental.
La formule répétée à la fin «Tu meurs de peur, mais tu ne meurs pas» seule porte toute la finesse de la plume de Mouss. Maniac se termine par un petit bonbon électronique / industriel près d’un combichrist: « We Came To Hold Up Your Mind » qui se démarque du reste de l’album, part son ton obscur, mais rappelle surtout les origines du groupe.
D’une certaine manière, Mass Hysteria Maniac délivre le même message que l’armée des ombres et Matière noire, mais en enfonçant à nouveau le clou pour utiliser leurs propres termes.
S’il peut surprendre par son tempérament, Maniac représente finalement ce qui incarne le groupe : un groupe qui évolue dans le temps, qui continue à s’inspirer de son environnement et qui ne décolère pas.
L’album « Maniac » est le huitième album studio du groupe de metal français « Mass Hysteria ». Il a été publié en 2018, après une pause de quatre ans depuis la sortie de leur précédent album « L’Armée des Ombres ». Cet album est considéré comme un retour en force pour le groupe, avec une énergie brute et une ambiance sombre et agressive.
Voici quelques informations supplémentaires sur l’album « Maniac » de Mass Hysteria :
Quel est le concept de l’album « Maniac » ?
L’album Mass Hysteria MANIAC est un album concept qui explore le thème de la folie et de l’aliénation mentale. Le titre de l’album fait référence à cette idée de la folie, et chaque chanson explore une facette différente de ce thème.
Quel est le style musical de « Maniac » ?
Mass Hysteria MANIAC est un album de metal puissant et énergique, avec des influences de thrash, de groove et de metalcore. Les riffs de guitare sont lourds et rapides, les rythmes de batterie sont puissants et la voix du chanteur est agressive et expressive.
Quelles sont les chansons les plus populaires de l’album ?
Certaines des chansons les plus populaires de l’album incluent « Vae Soli » e. Chaque chanson apporte une énergie et une ambiance différente à l’album, tout en explorant le thème de la folie.
Qui a produit l’album « Maniac » ?
L’album « Maniac » de Mass Hysteria a été produit par Fred Duquesne, guitariste et compositeur. Il a également travaillé avec d’autres groupes de la scène rock et metal française tels que Bukowski, Tagada Jones, et Ultra Vomit. Le mixage de l’album a été réalisé par Dan Certa, un ingénieur du son américain qui a travaillé avec d’autres groupes de metal tels que Bring Me The Horizon et The Amity Affliction.
Quels sont les membres du groupe Mass Hysteria ?
Le groupe Mass Hysteria est composé de cinq membres :
Mouss Kelai – chant
Yann Heurtaux – guitare
Frédéric Duquesne – guitare
Raphaël Mercier – batterie
Jamie – basse
Le groupe a été formé en 1993 à Paris, France, et a depuis sorti 10 albums studio. Les membres ont évolué au fil des années, mais la formation actuelle est celle qui a enregistré l’album « Maniac ».
Comment a été accueilli l’album MANIAC par la critique et le public ?
Mass Hysteria MANIAC a été très bien accueilli par la critique, qui a salué le retour du groupe à un son plus brut et agressif, ainsi que les thèmes abordés dans les paroles. Le magazine Rock Hard lui a décerné la note maximale de 10/10, qualifiant l’album de « chef-d’œuvre du genre ». D’autres critiques ont souligné la qualité des compositions et de l’interprétation, ainsi que la production soignée de Fred Duquesne.
Le public a également été conquis par l’album, qui a atteint la 26ème place des ventes d’albums en France à sa sortie. Le groupe a également fait une tournée pour promouvoir l’album, en jouant notamment dans des festivals tels que le Hellfest et le DownloadFestival.
10.Quelle est la place de l’album MANIAC dans l’histoire du groupe MASS HYSTERIA ?
Mass Hysteria MANIAC est considéré comme un des albums les plus importants de la carrière de MASS HYSTERIA. Après plusieurs années d’exploration musicale dans des directions plus expérimentales, le groupe est revenu à un son plus brut et plus direct avec cet album, qui a été très bien accueilli par la critique et le public.
Mass Hysteria MANIAC a également permis à MASS HYSTERIA de renouer avec son public et de gagner de nouveaux fans, en prouvant que le groupe était toujours capable de proposer une musique puissante et engageante. Aujourd’hui, l’album est souvent considéré comme un classique du metal français, et les chansons qu’il contient sont toujours jouées en concert
Retrouvez chez YellowKorner Paris l’histoire de la musique avec une collection numérotée et limitée de photographies consacrées à cette forme d’art. Des images d’artistes qui ont laissé une empreinte permanente dans le monde de la musique et notamment les photos de Peter Hankfield.
Mais la musique est avant tout un univers, ou plutôt des centaines d’univers. Jazz, rock, musique classique, hip-hop ou rap, reggae et disco: il y a tellement de types de musique qu’il serait réducteur de se concentrer sur un seul.
Peter Hankfield
Peter Hankfield chez Yellowkorner Paris
Des Beatles à David Bowie, de U2 à Miles Davis, Michael Jackson et Serge Gainsbourg, ces photographies de YellowKorner Paris vous permettront de décorer votre intérieur selon vos goûts musicaux.
Amateur de musique plongé depuis longtemps dans le monde du rock, Peter Hankfield semble avoir capturé comme par magie le talent des artistes sur scène. Dans ses images, les musiciens semblent avoir quitté les limites physiques de la scène pour se produire en dehors de l’espace et du temps.
Le jeu de lumière qui est apporté à ces images en noir et blanc renforce la puissance et la virtuosité de ces grands chanteurs et musiciens. C’est un art qui s’apparente à celui du photographe Jan Werner .
Peter Hankfield
Ses images de célébrités au milieu d’un concert sont éblouissantes par leur force. Après les avoir regardés de près, le spectateur peut presque entendre les notes de piano, les voix chantées et les accords de guitare joués si précisément.
Grâce à sa collection de plus de 15 millions de photographies couvrant de nombreux sujets, l’ Agence Keystone a une magnifique sélection d’images liées à la musique.
Vous pouvez découvrir une multitude d’images vintages et couleurs d’artistes saisis dans l’instant disponibles chez YellowKorner Paris. Petits moments de la vie, simples mais vécus par les plus grandes personnalités de notre monde moderne. Les amateurs d’instruments de musique seront fascinés par des coups de pianos, de violons ou de guitares.
Peter Hankfield
BIOGRAPHIE DE PETER HANKFIELD
Originaire de Liverpool, Peter Hankfield s’était toujours plongé dans la culture rock. Sans oreille musicale, Peter Hankfield a eu un œil pour la photographie dès son plus jeune âge. Alors que tout Liverpool écoutait les Beatles à la radio, Peter avait déjà fièrement tourné son attention vers la scène musicale américaine.
En 1969 à 18 ans à peine, contrairement aux souhaits de ses parents, Peter Hankfield décide de se rendre à Londres pour devenir photographe. Peter savait que la formation institutionnelle ne conviendrait pas à sa forte personnalité. Il a donc choisi de se former.
Peter Hankfield
Contre les rebuffades mais inspiré par les critiques et les conseils qui lui ont été donnés, Peter a appris à devenir un bon technicien et a fini par devenir un photographe talentueux. En juillet 1972, alors que Peter n’avait que 23 ans, il se rendit à Montréal pour photographier les Rolling Stones en concert. Sa carrière de photographe avait décollé.
Peter Hankfield a travaillé soit par commande, soit en offrant ses clichés aux grands journaux. Son habileté lui a permis de se désengager des contingences techniques en réalisant des photos artistiques candides.
Peter Hankfield ne s’est pas contenté de photographier des légendes de la musique comme Marley, Keith Richards, James Brown et Miles Davis. Il s’est mélangé avec eux. C’est sa connaissance du milieu et son immense respect pour les musiciens qui lui ont permis d’appréhender la réalité sur scène. Maintenant âgé de 65 ans, Peter a choisi de vivre à Cornwall dans le village de Polperro.
Il continue à travailler comme photographe et expose régulièrement.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le magasin est situé au 9 rue des Filles du Calvaire, dans le 3ème arrondissement de Paris, en France. Il y a également d’autres boutiques Yellowkorner dans d’autres villes de France et dans le monde entier.
2. Quel type de produits peut-on trouver chez Yellowkorner Paris?
Le magasin propose des œuvres photographiques de haute qualité, imprimées en édition limitée et signées par les photographes. Les images sont proposées dans une variété de formats, allant des petites cartes postales aux grands tirages encadrés. Les sujets de photographie incluent le paysage, le portrait, la nature, la ville, l’architecture et bien plus encore.
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Les prix des photographies chez Yellowkorner Paris varient en fonction de plusieurs facteurs, notamment la popularité du photographe, la rareté de l’image, le format de l’image et la qualité de l’encadrement. En général, les tirages en édition limitée ont tendance à être plus chers que les cartes postales ou les reproductions non limitées.
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Le magasin propose une politique de retour de 30 jours pour les achats effectués en ligne ou dans leurs magasins. Si vous n’êtes pas satisfait de votre achat, vous pouvez retourner la photographie pour un remboursement ou un échange. Toutefois, les photographies encadrées sur mesure ne peuvent pas être retournées.
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L’achat d’une photographie chez Yellowkorner Paris est simple et rapide. Tout d’abord, il est possible de se rendre dans l’un des magasins physiques de la galerie pour voir les photographies en vrai et discuter avec les conseillers de vente. Il est également possible de passer commande sur le site internet de la galerie, où toutes les photographies sont présentées en ligne avec des informations détaillées sur chaque tirage. Les achats en ligne sont sécurisés et peuvent être livrés dans le monde entier.
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AC/DC Back in Black : L’album légendaire qui a redéfini le rock
Introduction
AC/DC *Back in Black* n’est pas seulement un album ; c’est un phénomène culturel qui a marqué l’histoire du rock. Sorti en 1980, cet album est devenu l’un des plus vendus de tous les temps, cimentant la place d’AC/DC parmi les géants du rock.
À travers ses riffs puissants, ses paroles percutantes, et son énergie brute, *Back in Black* a redéfini le genre, tout en rendant hommage à Bon Scott, le chanteur emblématique du groupe décédé peu avant l’enregistrement.
Cet article explore en profondeur l’histoire de l’album, son impact sur la musique et la culture populaire, et pourquoi il reste une référence incontournable pour les amateurs de rock du monde entier.
AC/DC Back in Black
1. Contexte historique et création de l’album AC/DC Back in Black
L’album *Back in Black* est né dans un contexte unique, marqué par la tragédie et le défi de surmonter la perte. Cette section retrace l’histoire de la création de l’album, depuis la mort de Bon Scott jusqu’à l’introduction de Brian Johnson en tant que nouveau chanteur du groupe.
1.1 La tragédie : La mort de Bon Scott et son impact sur le groupe
Le 19 février 1980, le monde du rock est choqué par la mort soudaine de Bon Scott, le chanteur charismatique d’AC/DC. Cette sous-partie explore l’impact de cette tragédie sur le groupe, les doutes qui ont entouré l’avenir d’AC/DC, et comment la perte de Scott a influencé le processus de création de *Back in Black*.
**La mort de Bon Scott** a été un coup dur pour AC/DC, menaçant de mettre fin à la carrière du groupe. Cependant, après une période de deuil, les membres restants ont décidé de continuer, déterminés à honorer la mémoire de Scott avec un nouvel album. Nous examinerons comment cette décision a conduit à la recherche d’un nouveau chanteur, et comment l’esprit de Bon Scott a inspiré les thèmes et le ton de *Back in Black*.
1.2 L’arrivée de Brian Johnson : Un nouveau départ pour AC/DC
En mars 1980, AC/DC recrute Brian Johnson, un chanteur britannique avec une voix puissante et un style énergique. Cette sous-partie explore comment Brian Johnson a été choisi pour rejoindre le groupe, son intégration dans AC/DC, et comment il a contribué à l’écriture et à l’enregistrement de *Back in Black*.
**L’arrivée de Brian Johnson** a marqué un tournant dans l’histoire d’AC/DC. Johnson, connu pour son travail avec le groupe Geordie, a apporté une nouvelle énergie au groupe, tout en respectant l’héritage laissé par Bon Scott. Nous discuterons de son influence sur les chansons de *Back in Black*, notamment sur des titres comme « Hells Bells » et « You Shook Me All Night Long », et comment il a aidé AC/DC à traverser une période de transition difficile.
1.3 L’enregistrement de l’album AC/DC Back in Black : Des sessions historiques aux Bahamas
L’enregistrement de *Back in Black* a eu lieu aux studios Compass Point aux Bahamas, un choix inattendu pour un album de hard rock. Cette sous-partie explore les conditions d’enregistrement, les défis rencontrés par le groupe, et comment ces sessions ont donné naissance à un album devenu légendaire.
**Les sessions d’enregistrement aux Bahamas** ont été marquées par des conditions météorologiques difficiles, mais aussi par une détermination collective à créer quelque chose de spécial. Le producteur Robert John « Mutt » Lange, qui avait déjà travaillé avec AC/DC sur *Highway to Hell*, a joué un rôle crucial dans le façonnage du son de l’album.
Nous analyserons comment l’atmosphère unique des Bahamas, combinée à la direction artistique de Lange, a influencé la production de l’album, en faisant de *Back in Black* un chef-d’œuvre du rock.
2. Analyse des chansons de AC/DC Back in Black : Des classiques intemporels
*Back in Black* est composé de dix titres, chacun ayant laissé une empreinte indélébile sur la musique rock. Cette section propose une analyse détaillée des chansons de l’album, en explorant les thèmes, les compositions, et l’impact de chaque morceau.
2.1 « Hells Bells » : L’ouverture légendaire
« Hells Bells » ouvre l’album avec un riff de guitare sombre et des cloches funèbres, établissant immédiatement le ton de *Back in Black*. Cette sous-partie analyse les paroles, la composition, et l’impact de ce morceau sur l’ensemble de l’album.
AC/DC Back in Black
** »Hells Bells »** est un hommage direct à Bon Scott, avec des paroles qui évoquent la mort et l’au-delà. Le riff d’Angus Young, couplé au son des cloches, crée une atmosphère unique qui capture l’auditeur dès les premières secondes. Nous examinerons comment « Hells Bells » a non seulement introduit l’album, mais a également fixé les attentes pour le reste des chansons, devenant l’un des morceaux les plus emblématiques d’AC/DC.
2.2 « Shoot to Thrill » et « What Do You Do for Money Honey » : L’énergie brute du rock
« Shoot to Thrill » et « What Do You Do for Money Honey » sont deux morceaux qui illustrent parfaitement l’énergie et la puissance brute de *Back in Black*. Cette sous-partie explore la dynamique de ces chansons, leurs structures, et comment elles ont contribué à définir le son de l’album.
** »Shoot to Thrill »** est un morceau énergique, avec un tempo rapide et des paroles qui célèbrent l’excès et l’aventure. ** »What Do You Do for Money Honey »**, quant à lui, aborde des thèmes de matérialisme et de survie, avec un riff accrocheur et une performance vocale puissante de Brian Johnson.
Nous analyserons comment ces deux chansons capturent l’essence du hard rock, avec des guitares tranchantes, une rythmique solide, et des refrains mémorables.
2.3 « Back in Black » : L’hymne ultime du rock
La chanson titre, « Back in Black », est devenue l’un des hymnes les plus célèbres du rock. Cette sous-partie analyse en profondeur ce morceau emblématique, de sa composition à son impact culturel, en passant par les raisons pour lesquelles il est devenu un classique intemporel.
** »Back in Black »** est un hommage à Bon Scott, avec des paroles qui célèbrent la résilience et la renaissance du groupe après la tragédie. Le riff principal, écrit par Angus Young, est l’un des plus reconnaissables de l’histoire du rock, et la performance vocale de Brian Johnson est à la fois puissante et émotive. Nous discuterons de la manière dont cette chanson a capturé l’esprit du rock n’ roll, devenant un standard dans les concerts et un incontournable pour les amateurs de rock du monde entier.
3. L’impact commercial et critique de *Back in Black*
*Back in Black* n’est pas seulement un succès artistique ; il est aussi l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Cette section explore l’impact commercial de l’album, sa réception critique, et comment il a consolidé la place d’AC/DC parmi les légendes du rock.
3.1 Un succès commercial phénoménal : Les chiffres qui font l’histoire
*Back in Black* s’est vendu à des millions d’exemplaires à travers le monde, devenant l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Cette sous-partie explore les chiffres de vente, les certifications, et comment cet album a atteint un tel niveau de succès commercial.
**Le succès commercial de *Back in Black*** est sans précédent. Avec plus de 50 millions d’exemplaires vendus, il est l’album de rock le plus vendu de l’histoire après *Thriller* de Michael Jackson. Nous analyserons les raisons de ce succès, notamment le timing de sa sortie, l’impact de la tournée qui a suivi, et la manière dont l’album a touché un public mondial. Nous discuterons également des différentes certifications obtenues par l’album, des ventes en Amérique du Nord à celles en Europe et en Australie.
3.2 La réception critique : Comment *Back in Black* a redéfini le genre
*Back in Black* a été acclamé par la critique dès sa sortie, et est depuis considéré comme un chef-d’œuvre du hard rock. Cette sous-partie explore les critiques contemporaines de l’album, son impact sur le genre du hard rock, et comment il est perçu rétrospectivement.
**La réception critique de *Back in Black*** a été extrêmement positive, avec de nombreux critiques louant sa production, ses compositions, et l’énergie du groupe. Nous examinerons les critiques publiées à l’époque, ainsi que les réévaluations rétrospectives qui continuent de placer *Back in Black* au sommet des classements des meilleurs albums de rock.
Nous discuterons également de la manière dont l’album a influencé le genre, en redéfinissant les attentes pour les albums de hard rock et en établissant de nouvelles normes pour les productions musicales.
3.3 L’héritage de AC/DC Back in Black : Un album intemporel
L’héritage de *Back in Black* va bien au-delà de ses ventes et de son succès critique. Cet album a laissé une empreinte indélébile sur la culture populaire, influençant des générations d’artistes et devenant un incontournable pour les amateurs de rock. Cette sous-partie explore l’héritage de l’album, son influence sur la musique et la culture, et pourquoi il reste pertinent des décennies après sa sortie.
**L’héritage de *Back in Black*** est vaste et durable. Nous examinerons comment cet album a influencé d’autres artistes dans le genre du rock et du metal, inspirant des groupes comme Metallica, Guns N’ Roses, et bien d’autres. Nous discuterons également de la manière dont les chansons de l’album continuent d’être utilisées dans la culture populaire, des films aux publicités, en passant par les événements sportifs. Enfin, nous analyserons pourquoi *Back in Black* reste un album essentiel pour tout fan de rock, et comment il continue de captiver de nouveaux auditeurs, génération après génération.
4. *Back in Black* : Un modèle de résilience et de renouveau
*Back in Black* est plus qu’un simple album ; c’est une déclaration de résilience et de renouveau pour AC/DC. Cette section explore le message derrière l’album, la manière dont il a aidé le groupe à surmonter la perte de Bon Scott, et comment il symbolise la force et la détermination dans le monde du rock.
4.1 Le message de résilience de *Back in Black*
*Back in Black* est souvent interprété comme un album de renaissance, où AC/DC surmonte la tragédie pour créer l’une de leurs œuvres les plus puissantes. Cette sous-partie explore le message de résilience véhiculé par l’album, et comment il a aidé le groupe à se reconstruire après la perte de Bon Scott.
**Le message de *Back in Black*** est celui de la résilience et de la force face à l’adversité. Nous discuterons de la manière dont les paroles de l’album, combinées à son énergie brute, ont servi de catharsis pour les membres du groupe et leurs fans. Nous examinerons également comment cet album a permis à AC/DC de non seulement se réinventer, mais de se solidifier comme l’un des groupes les plus résistants et durables de l’histoire du rock.
4.2 L’impact de AC/DC Back in Black sur la carrière d’AC/DC
AC/DC Back in Black a joué un rôle crucial dans le maintien et l’élévation de la carrière d’AC/DC. Cette sous-partie explore comment cet album a transformé le destin du groupe, lui permettant de surmonter la perte d’un membre clé et de s’affirmer comme une force majeure dans l’industrie musicale.
**L’impact de *Back in Black*** sur la carrière d’AC/DC ne peut être sous-estimé. Nous examinerons comment cet album a non seulement aidé le groupe à surmonter la perte de Bon Scott, mais a également propulsé leur carrière à de nouveaux sommets. Nous discuterons de l’évolution du groupe après *Back in Black*, de la manière dont ils ont continué à sortir des albums à succès et à remplir des stades, et de l’influence durable de cet album sur leur image et leur réputation.
4.3 AC/DC Back in Black : Une source d’inspiration pour les générations futures
AC/DC Back in Blackcontinue d’inspirer de nouvelles générations de musiciens et de fans de rock. Cette sous-partie explore comment cet album reste pertinent aujourd’hui, en inspirant non seulement les artistes, mais aussi les auditeurs, et comment il continue de définir les normes du genre.
**L’inspiration de *Back in Black*** est palpable dans la musique de nombreux groupes contemporains. Nous analyserons comment des artistes de divers genres, du rock au metal en passant par la musique pop, continuent de s’inspirer des sonorités et de l’attitude d’AC/DC.
Conclusion
AC/DC Back in Black est bien plus qu’un simple album ; c’est une pierre angulaire du rock. Avec ses riffs inoubliables, ses paroles puissantes, et son énergie indomptable, cet album a non seulement redéfini le genre, mais a également symbolisé la résilience d’AC/DC face à l’adversité. Aujourd’hui, des décennies après sa sortie, *Back in Black* reste un incontournable pour tout amateur de musique, et son influence continue de se faire sentir à travers le monde. Alors que nous célébrons l’héritage de cet album légendaire, il est clair que *Back in Black* continuera d’inspirer et de captiver des générations de fans et de musiciens pour les années à venir.
1. Pourquoi AC/DC Back in Black est-il considéré comme un album emblématique ?
*Back in Black* est considéré comme un album emblématique en raison de son succès commercial massif, de son influence sur le genre du hard rock, et de sa capacité à capturer l’esprit de résilience du groupe après la perte de Bon Scott.
2. Quel est le morceau le plus célèbre de l’album AC/DC Back in Black ?
La chanson titre, « Back in Black », est sans doute le morceau le plus célèbre de l’album, avec son riff de guitare iconique et son refrain puissant qui en ont fait un hymne du rock.
3. Comment AC/DC Back in Black a-t-il influencé d’autres artistes ?
*Back in Black* a influencé une multitude d’artistes dans le rock, le metal, et même la pop, grâce à sa production exemplaire, ses compositions solides, et son énergie brute qui ont redéfini les attentes pour les albums de rock.
4. Combien de copies de AC/DC Back in Black ont été vendues à ce jour ?
*Back in Black* s’est vendu à plus de 50 millions d’exemplaires dans le monde, en faisant l’un des albums les plus vendus de tous les temps.
5. Comment AC/DC Back in Black a-t-il aidé AC/DC à surmonter la perte de Bon Scott ?
*Back in Black* a servi de catharsis pour le groupe, leur permettant de transformer leur douleur en une œuvre d’art puissante qui a non seulement honoré la mémoire de Bon Scott, mais a également permis au groupe de continuer à évoluer et à prospérer.
Elton John : Légende vivante de la musique, un artiste aux multiples facettes
Introduction
Elton John, l’un des artistes les plus emblématiques et influents de tous les temps, a marqué l’histoire de la musique avec son talent indéniable et son charisme flamboyant. De ses débuts modestes à sa montée en puissance comme superstar mondiale, Elton John a redéfini les normes de la pop, du rock, et bien plus encore.
Cet article plonge dans la carrière riche et variée de cet artiste légendaire, explore ses contributions à la musique, et analyse son impact culturel. Que vous soyez un fan de longue date ou que vous découvriez simplement son œuvre, ce guide complet sur Elton John répondra à toutes vos questions.
1. Les débuts d’Elton John : D’un prodige du piano à une icône mondiale
Elton John, né Reginald Kenneth Dwight, a connu un parcours exceptionnel, passant du statut de jeune prodige du piano à celui d’icône mondiale. Cette section retrace ses premières années, de ses influences musicales à la formation de son identité artistique unique.
1.1 L’enfance et les premières influences musicales
Elton John est né le 25 mars 1947 à Pinner, dans le Middlesex, en Angleterre. Dès son plus jeune âge, il montre un talent exceptionnel pour la musique, apprenant à jouer du piano à l’âge de quatre ans. Encouragé par sa mère, Sheila, et sa grand-mère, il est rapidement inscrit à la Royal Academy of Music de Londres. Cette sous-partie explore les premières années d’Elton, ses influences musicales initiales, et comment son environnement familial a contribué à façonner son avenir dans la musique.
**Les influences musicales d’Elton John** sont variées. Il grandit en écoutant du rock’n’roll, du blues, et du gospel, des genres qui influenceront fortement son style musical. Son admiration pour des artistes comme Little Richard, Ray Charles, et Elvis Presley est évidente dans ses premières compositions. Nous analyserons ici comment ces influences ont façonné son style unique et comment elles se manifestent dans ses premières œuvres.
1.2 La rencontre avec Bernie Taupin : Une collaboration légendaire
En 1967, Elton John répond à une petite annonce publiée par Liberty Records, qui cherche de nouveaux talents. C’est à cette occasion qu’il est présenté à Bernie Taupin, un jeune parolier. Cette rencontre marque le début d’une collaboration qui deviendra l’une des plus fructueuses de l’histoire de la musique. Cette sous-partie explore la dynamique de leur partenariat, comment ils ont commencé à écrire ensemble, et l’impact de cette collaboration sur leur carrière respective.
**La collaboration entre Elton John et Bernie Taupin** a produit certains des plus grands succès de la musique populaire. Taupin, avec ses paroles poétiques et profondes, complémente parfaitement le sens mélodique et le jeu de piano d’Elton. Leur premier succès ensemble, « Your Song », devient un standard instantané. Nous discuterons de la manière dont leur processus créatif a évolué au fil des années, ainsi que des défis qu’ils ont surmontés pour maintenir cette collaboration exceptionnelle sur plusieurs décennies.
1.3 Les premiers albums et le début de la célébrité
Elton John sort son premier album éponyme en 1970, qui contient le hit « Your Song ». Cet album lance sa carrière internationale, lui apportant une reconnaissance critique et commerciale immédiate. Cette sous-partie retrace la montée en puissance d’Elton John, de ses premiers albums à ses premières tournées, et analyse comment il est rapidement devenu une star mondiale.
**Les premiers succès d’Elton John** ne se limitent pas à un seul album. Il enchaîne rapidement avec des albums comme « Tumbleweed Connection » et « Madman Across the Water », qui renforcent sa réputation d’artiste innovant et polyvalent. Nous examinerons ici comment ces albums ont contribué à établir son identité musicale et comment ils ont été reçus par la critique et le public. Nous discuterons également de ses premières expériences sur scène, où son style flamboyant et son charisme ont commencé à attirer une attention mondiale.
Elton John concert, biographie et film
2. La carrière d’Elton John : Une discographie emblématique et une influence culturelle
Elton John a construit une carrière impressionnante, avec une discographie qui s’étend sur plus de cinq décennies. Cette section explore ses albums les plus emblématiques, ses plus grands succès, et l’influence culturelle qu’il a exercée à travers sa musique.
2.1 Les années 70 : L’âge d’or et les albums cultes
Les années 70 sont souvent considérées comme l’âge d’or de la carrière d’Elton John. Il enregistre une série d’albums qui deviennent des classiques, dont « Goodbye Yellow Brick Road », « Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy », et « Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player ». Cette sous-partie explore les succès de cette décennie, les thèmes récurrents dans sa musique, et l’impact de ces albums sur sa carrière.
** »Goodbye Yellow Brick Road »** est sans doute l’un des albums les plus emblématiques d’Elton John. Sorti en 1973, cet album double contient certains de ses plus grands hits, tels que « Bennie and the Jets », « Candle in the Wind », et « Saturday Night’s Alright for Fighting ». Nous analyserons comment cet album a non seulement consolidé sa popularité mondiale, mais a aussi montré sa capacité à se réinventer tout en restant fidèle à son style unique.
Les années 70 voient également Elton John devenir un phénomène de la scène, avec des concerts spectaculaires qui attirent des millions de fans à travers le monde. **L’impact scénique d’Elton John** durant cette période est immense, son style vestimentaire flamboyant et ses performances énergiques devenant sa marque de fabrique. Nous discuterons de l’influence de ses tournées mondiales sur sa popularité et de la manière dont il a redéfini ce que signifie être une star de la musique.
2.2 Les années 80 et 90 : Une carrière en évolution et des défis personnels
Les années 80 et 90 marquent une période de transition pour Elton John, à la fois musicalement et personnellement. Malgré les défis, il continue de produire des hits et d’évoluer en tant qu’artiste. Cette sous-partie analyse l’évolution de son son pendant ces décennies, les albums marquants de cette période, et les défis qu’il a dû surmonter.
**Les années 80** voient Elton John adopter un son plus pop, avec des albums comme « Too Low for Zero », qui contient des hits tels que « I’m Still Standing » et « I Guess That’s Why They Call It the Blues ». Nous examinerons comment ces changements musicaux ont reflété les tendances de l’époque tout en conservant l’essence de son style. Nous discuterons également de ses collaborations avec d’autres artistes et de la manière dont elles ont enrichi son répertoire.
Elton John sits in the sound recording studio with producer Gus Dugeon, circa mid 1970s.
Les années 90 sont marquées par un retour en force, avec des albums comme « The One » et la bande originale du film « Le Roi Lion », qui lui vaut un Oscar pour la chanson « Can You Feel the Love Tonight ». **Le succès de la bande originale du « Roi Lion »** est un moment clé de cette décennie, montrant la capacité d’Elton John à toucher de nouvelles générations de fans. Nous discuterons également de ses luttes personnelles, notamment avec la drogue et l’alcool, et de la manière dont il a surmonté ces défis pour continuer à créer de la musique.
2.3 Le 21ème siècle : La pérennité d’une légende
Au cours du 21ème siècle, Elton John continue de prouver qu’il est l’un des artistes les plus durables et innovants de l’histoire de la musique. Cette sous-partie explore sa production musicale récente, ses tournées, et son impact continu sur la culture populaire.
**Elton John au 21ème siècle** reste une force créative, avec des albums comme « Songs from the West Coast » et « The Diving Board », qui montrent sa capacité à évoluer tout en restant fidèle à son essence artistique. Nous examinerons comment ses nouvelles œuvres ont été reçues par la critique et le public, et comment elles s’inscrivent dans son héritage musical. Nous discuterons également de sa tournée d’adieu « Farewell Yellow Brick Road », qui marque la fin d’une ère tout en célébrant sa carrière légendaire.
En plus de sa musique, **Elton John continue d’influencer la culture populaire** par son engagement social et politique, notamment à travers la Elton John AIDS Foundation, qui lutte contre le VIH/sida. Nous discuterons de son impact philanthropique et de la manière dont il utilise sa célébrité pour faire avancer des causes importantes, consolidant ainsi son rôle en tant qu’icône culturelle.
3. L’influence d’Elton John sur la culture populaire et la musique
Elton John n’a pas seulement laissé sa marque sur la musique, mais il a également eu un impact profond sur la culture populaire. Cette section examine son influence sur d’autres artistes, son rôle dans le développement de la musique pop et rock, et son impact sur la société.
3.1 L’influence sur les générations d’artistes
Elton John a inspiré une multitude d’artistes à travers les décennies, de la pop au rock en passant par la musique électronique. Cette sous-partie explore comment son style unique, ses compositions et ses performances ont influencé des artistes de divers genres et comment son héritage continue de vivre à travers eux.
**L’influence d’Elton John** sur d’autres artistes est incommensurable. Des stars comme Lady Gaga, Ed Sheeran, et Sam Smith ont tous cité Elton John comme une influence majeure dans leur carrière. Nous analyserons comment ses innovations musicales, son style scénique et son approche de la composition ont façonné le travail de ces artistes et ont contribué à l’évolution de la musique pop et rock.
Elton John concert, biographie et film
En plus de son impact direct sur d’autres musiciens, **Elton John a également influencé la production musicale**. Ses collaborations avec des producteurs de renom ont souvent repoussé les limites du possible en studio, introduisant de nouvelles techniques et approches qui sont encore utilisées aujourd’hui. Nous discuterons de la manière dont ces innovations ont changé la façon dont la musique est enregistrée et produite.
3.2 Le style d’Elton John : Un pionnier de la mode et de la performance scénique
Elton John n’est pas seulement connu pour sa musique, mais aussi pour son style flamboyant et ses performances scéniques spectaculaires. Cette sous-partie explore son impact sur la mode, son utilisation des costumes sur scène, et comment il a redéfini les normes de la performance dans la musique populaire.
**Le style vestimentaire d’Elton John** est devenu aussi légendaire que sa musique. Connu pour ses costumes extravagants, ses lunettes de soleil emblématiques et son sens du spectacle, Elton a redéfini ce que signifie être une star de la musique.
Nous examinerons comment son style a évolué au fil des ans, de ses premiers costumes glam rock aux tenues plus sophistiquées de ses tournées récentes. Nous discuterons également de l’influence de son style sur la mode, en particulier dans le monde de la haute couture, où de nombreux designers s’inspirent de ses tenues audacieuses.
En plus de son influence sur la mode, **Elton John a également redéfini les performances scéniques**. Ses concerts sont réputés pour leur énergie, leur créativité et leur interaction avec le public. Nous analyserons comment ses performances ont influencé la manière dont les concerts sont organisés et mis en scène aujourd’hui, et comment il a établi de nouvelles normes pour les spectacles de grande envergure.
3.3 L’impact social et philanthropique d’Elton John
Au-delà de sa carrière musicale, Elton John est également reconnu pour son engagement philanthropique, en particulier dans la lutte contre le VIH/sida. Cette sous-partie explore son impact social, son travail avec la Elton John AIDS Foundation, et comment il utilise sa notoriété pour soutenir des causes importantes.
**L’engagement d’Elton John dans la lutte contre le VIH/sida** a été l’une des pierres angulaires de son travail philanthropique. En 1992, il fonde la Elton John AIDS Foundation, qui est devenue l’une des organisations les plus importantes et influentes dans la lutte contre cette maladie.
Nous discuterons de l’impact de cette fondation, des initiatives qu’elle a soutenues et de la manière dont Elton John a utilisé sa plateforme pour sensibiliser le public et lever des fonds pour la recherche et le traitement du VIH/sida.
Elton John
En plus de son travail contre le VIH/sida, **Elton John est également un défenseur des droits LGBTQ+**. Ouvertement gay, il a toujours utilisé sa célébrité pour défendre les droits des personnes LGBTQ+ et pour lutter contre les discriminations. Nous examinerons comment son engagement a influencé la perception des personnes LGBTQ+ dans la société et comment il continue d’inspirer des millions de personnes à travers le monde.
4. La légende d’Elton John : Un héritage qui perdure
Elton John a laissé un héritage indélébile dans le monde de la musique et au-delà. Cette section se concentre sur son héritage, la manière dont il continue d’influencer la musique et la culture populaire, et comment il est perçu par les générations actuelles et futures.
4.1 Les rééditions, documentaires, et projets post-carrière
Elton John continue de faire parler de lui, même après avoir annoncé sa retraite des tournées. Cette sous-partie explore les rééditions de ses albums, les documentaires qui retracent sa vie et sa carrière, ainsi que les projets post-carrière qui continuent de préserver et de célébrer son héritage.
**Les rééditions des albums d’Elton John** permettent à de nouvelles générations de découvrir sa musique. Nous analyserons comment ces rééditions, souvent remasterisées et enrichies de contenus inédits, contribuent à maintenir sa musique vivante dans l’esprit du public. Nous discuterons également des documentaires, comme « Rocketman », qui ont présenté sa vie à un nouveau public et ont renouvelé l’intérêt pour sa carrière.
En plus de ces projets, **Elton John s’est également impliqué dans de nouveaux projets musicaux**, collaborant avec des artistes contemporains et explorant de nouveaux genres. Nous discuterons de ces collaborations et de la manière dont elles montrent que, même en semi-retraite, Elton John reste une figure influente dans l’industrie de la musique.
4.2 La reconnaissance critique et les récompenses
Elton John a reçu de nombreuses récompenses tout au long de sa carrière, allant des Grammy Awards aux Oscars. Cette sous-partie explore les reconnaissances critiques qu’il a reçues, les récompenses les plus significatives, et ce qu’elles signifient pour son héritage.
**Les récompenses et les distinctions d’Elton John** sont un témoignage de son talent et de son impact durable. Nous examinerons les moments clés de sa carrière où il a été honoré, comme son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame, ainsi que les Oscars qu’il a remportés pour son travail dans le cinéma. Nous discuterons de la manière dont ces reconnaissances ont non seulement célébré ses réalisations passées, mais ont également renforcé son statut de légende vivante.
Nous aborderons également **les hommages rendus à Elton John par d’autres artistes** et institutions, et comment ces hommages ont contribué à cimenter son héritage dans l’histoire de la musique.
4.3 La perception d’Elton John par les nouvelles générations
Elton John continue d’influencer les nouvelles générations, non seulement par sa musique, mais aussi par son engagement social et son style de vie. Cette sous-partie explore comment il est perçu par les jeunes générations, son influence sur les artistes contemporains, et comment son héritage continue d’évoluer.
**La perception d’Elton John par les jeunes générations** est fascinante, car il parvient à rester pertinent même après des décennies dans l’industrie. Nous analyserons comment ses valeurs, son style et sa musique résonnent avec les jeunes d’aujourd’hui, et comment ils continuent de s’inspirer de son parcours. Nous discuterons également de l’influence de son style de vie et de ses valeurs sur la jeunesse, notamment en matière d’acceptation de soi et de tolérance.
Enfin, nous examinerons **comment Elton John est représenté dans les médias contemporains** et comment cela contribue à maintenir sa légende vivante pour les générations futures.
Conclusion
Elton John n’est pas seulement un artiste ; il est une institution. Avec une carrière qui s’étend sur plus de cinq décennies, il a redéfini les normes de la musique populaire et a laissé un impact indélébile sur la culture mondiale. De ses débuts modestes à sa carrière légendaire, Elton John continue de fasciner et d’inspirer des millions de personnes à travers le monde. Alors que nous célébrons son héritage, il est clair que l’influence d’Elton John sur la musique, la culture et la société se fera sentir pour les générations à venir.
FAQ
1. Quel est l’album le plus célèbre d’Elton ?
Goodbye Yellow Brick Road est souvent considéré comme l’album le plus emblématique d’Elton John, avec des hits comme « Bennie and the Jets » et « Candle in the Wind ».
2. Comment Elton a-t-il influencé la mode dans l’industrie musicale ?
Elton John a redéfini le style scénique avec ses costumes flamboyants et ses accessoires emblématiques, influençant des générations de musiciens et de créateurs de mode.
3. Quelle est l’implication d’Elton dans la lutte contre le VIH/sida ?
Elton John a fondé la Elton John AIDS Foundation, qui est devenue une organisation leader dans la lutte contre le VIH/sida à travers le monde.
4. Comment Elton est-il perçu par les nouvelles générations ?
Elton John est perçu par les nouvelles générations comme une icône intemporelle, dont la musique et les valeurs continuent de résonner avec les jeunes d’aujourd’hui.
5. Quelles sont les récompenses les plus significatives qu’Elton John a reçues ?
Elton John a reçu de nombreuses récompenses, y compris plusieurs Grammy Awards, un Oscar pour « Le Roi Lion », et son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame.
Matthieu Chedid Concert 2022 à L’Usine à Istres : Le mystère des trous dans la raquette.
6 Juillet 2019, Festival de Nîmes, concert de Nick Manson (chanteur de Supertramp). Je shoote ce jour-là les 3 premiers titres du concert. La prod du festival me propose de shooter un invité surprise qui montera sur scène. C’est -M- qui monte sur scène pour un duo improvisé. Je shoote les deux artistes et un grand gaillard passe me voir quelques minutes après. C’est Gaspard, l’homme de confiance de Matthieu Chedid.
« Tu penses que l’on pourrait publier ton cliché sur le Facebook de Matthieu ? »
« Avec grand plaisir. »
On parle de musique, de concert puis Gaspard me propose de rencontrer un Matthieu, chaleureux, souriant. On parle de musique, de tournée, puis backstage après le concert, j’ai la chance de pouvoir shooter les deux musiciens ensemble, en toute décontraction, niveau XXL.
« Je joue demain aux Arènes, tu viens ? » me dit Matthieu.
« Et comment ! »
Le lendemain, un accueil comme on n’en voit pas souvent ; All Access ; un Matthieu qui avant de monter sur scène me prend par les épaules et m’assène un « Surtout fais tout ce que tu veux, tu viens sur scène ». On se retrouve après le show pour quelques portraits de lui avec Marcus Miller. Trois années passent entre COVID et confinements, puis des concerts qui repartent enfin.
Un appel de Gaspard. Matthieu veut me commander le tirage qui l’immortalise avec Nick Manson. La boucle est bouclée. Je lui envoie. «On passe pas loin dans 2 mois, à Istres, pour le pré-tour de la nouvelle tournée, un tour de chauffe, si tu es dans le coin… ».
22 avril 2022, j’arrive à l’Usine pour retirer mon accred. Je retrouve Gaspard et Matthieu. Malgré un timing serré, le groupe trouve un moment pour un portrait sur les escaliers. Un homme me met la main sur l’épaule; « Pardon jeune homme. » ; me dit Louis Chedid qui passe pour retrouver son fils sur scène. Ambiance familiale et décontractée.
Ce concert, vous allez avoir la chance de le découvrir aux Arènes de Nîmes cet été. 2h30 de live, une scénographie travaillée, six musiciens hors -pair dont Gail Ann Dorsey, bassiste de David Bowie. Un groupe qui déstructure, réinterprète les tubes de -M-. Une mise en perspective de l’histoire musicale de Matthieu, accompagnée de nouveaux titres à la couleur « Princienne ».
Maitrise du sujet, corps à corps scénique retrouvé. Le bonheur se lit sur tous les visages, tant sur la scène que dans le public. La salle d’attente du Grand Petit Concert -M-aison du confinement s’ouvre enfin sur des artistes avides de rattraper le temps perdu en enchaînant des tableaux sur-vitaminés.
Perso, j’ai un truc pour savoir si le concert était bon: j’oublie de shooter et je me retrouve capté par ce qui se passe sur scène. Au dérushage d’Istres, Il y a comme on dit, des trous dans la raquette. Je ne retrouve pas certains moments, pas de photo.
Si je devais repasser le film de cette soirée, à la manière d’un épisode de « Black Mirror », je me verrais bien souvent devant la scène, appareil photo posé sur les genoux, un large sourire et une tête qui se balance. Alors certes, le mystère des trous dans la raquette à Istres est résolu, mais il n’est pas bien glorieux. Session de rattrapage cet été.
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Ils sont immortels. Les Rolling Stones, ce groupe mythique qui défie le temps et les modes, reste une référence absolue dans l’univers du rock. Depuis leur création, ils ont traversé les époques avec une énergie inébranlable, une créativité débordante et des riffs qui résonnent encore dans nos têtes. Mais au fond, que sait-on vraiment d’eux ?
Entre les membres des Rolling Stones, les légendes sur leurs concerts et leur influence indélébile sur la musique, voici un voyage captivant dans l’histoire de ces géants du rock.
Partie 1 : Histoire des Rolling Stones – La Naissance du Mythe
Les Rolling Stones, c’est bien plus qu’un simple groupe de rock. C’est une révolution musicale qui a changé la face du rock ‘n’ roll dans les années 60. Leurs débuts ne se sont pas faits sans peine, mais une fois lancés, plus rien ne pouvait les arrêter.
Les débuts des Rolling Stones
L’histoire des Rolling Stones débute à Londres en 1962. Deux jeunes passionnés de blues, Mick Jagger et Keith Richards, se croisent à la gare de Dartford. Le destin les réunira, et très vite, ils forment un groupe avec Brian Jones, Charlie Watts, et Bill Wyman. Si la majorité des groupes de cette époque s’inspiraient du rock américain, eux, voulaient faire du blues britannique.
La création du groupe en 1962
La naissance du groupe n’est pas le fruit du hasard. Brian Jones, guitariste talentueux mais tourmenté, était le catalyseur de cette formation. C’est lui qui propose le nom « The Rolling Stones », en hommage à une chanson de Muddy Waters, l’un de leurs héros. Très vite, les Stones se font un nom dans la scène underground londonienne. Le premier concert officiel a lieu le 12 juillet 1962 au Marquee Club à Londres. Le groupe se démarque par son énergie brute et un style anti-conformiste, très éloigné des Beatles.
L’ascension rapide et le succès des premiers albums
Leur premier single, une reprise de « Come On » de Chuck Berry, sort en 1963, mais c’est véritablement avec « I Wanna Be Your Man », écrit par Lennon-McCartney, que le succès frappe à leur porte. Le groupe connaît alors une ascension fulgurante avec des tubes comme « Satisfaction » et « Paint It Black ». Les Rolling Stones deviennent rapidement l’antithèse des Beatles, avec leur image de mauvais garçons du rock.
Composition Rolling Stones : Les membres fondateurs du groupe
Chaque membre des Rolling Stones a joué un rôle clé dans le succès de la formation. Mick Jagger, avec son charisme envoûtant et sa voix reconnaissable entre mille, est rapidement devenu une icône du rock. Keith Richards, le génie de la guitare, a contribué à forger le son unique du groupe avec ses riffs incisifs. Brian Jones, jusqu’à son décès tragique en 1969, a apporté une touche psychédélique et multi-instrumentale, tandis que Charlie Watts, discret mais essentiel, tenait la batterie avec une précision implacable. Bill Wyman, à la basse, complétait ce quintette légendaire.
Partie 2 : Les Rolling Stones, une carrière marquée par l’évolution musicale
Si les Rolling Stones ont su traverser les décennies, c’est grâce à leur capacité à se réinventer. Chaque époque de leur carrière est marquée par une évolution musicale.
Des années 60 à nos jours : une discographie en perpétuelle évolution
Les Rolling Stones et le blues-rock des débuts
Dès leurs premiers albums, les Stones montrent leur amour pour le blues. Des morceaux comme « Little Red Rooster » ou « I Just Want to Make Love to You » témoignent de cette influence. Mais très vite, ils dépassent ce cadre pour créer leur propre son.
Le passage à des sonorités plus rock et expérimental dans les années 70
Les années 70 marquent un tournant avec des albums comme « Sticky Fingers » et « Exile on Main St. » qui incorporent des éléments de country, de gospel et de funk. Leur musique devient plus complexe, plus mature, et continue de fasciner un public toujours plus large.
L’impact du groupe dans les années 80 et 90
Dans les années 80, alors que de nombreux groupes des années 60 et 70 tombent dans l’oubli, les Rolling Stones continuent de dominer. Des hits comme « Start Me Up » et « Harlem Shuffle » prouvent qu’ils peuvent encore conquérir les charts. Leur popularité ne faiblit pas dans les années 90 avec des tournées mondiales toujours plus spectaculaires.
Les Stones au XXIe siècle – Toujours au sommet
Les Rolling Stones vieillissent, mais leur musique reste intemporelle. Des albums comme « A Bigger Bang » en 2005 montrent que les papys du rock n’ont rien perdu de leur énergie. Leurs tournées, devenues de véritables événements, continuent d’attirer des foules, preuve que leur légende est indéfectible.
Les concerts des Rolling Stones – Une expérience à ne pas manquer
Voir les Rolling Stones en concert, c’est bien plus que de la musique. C’est une expérience sensorielle unique, un show où chaque membre du groupe donne le meilleur de lui-même pour offrir un spectacle inoubliable. Ils ne se contentent pas de jouer leurs tubes ; ils les réinventent sur scène, les habillant de nouvelles nuances, tout en gardant cette énergie brute qui les caractérise.
Pourquoi les concerts des Rolling Stones sont inoubliables
Les concerts des Rolling Stones sont une démonstration de longévité et de passion. Ils continuent de remplir les stades et d’enflammer les foules comme au premier jour. Le secret ? Une alchimie parfaite entre chaque membre et un répertoire de tubes universel.
L’énergie débordante de Mick Jagger sur scène
À chaque concert, Mick Jagger incarne littéralement le rock ‘n’ roll. Même à plus de 70 ans, il court d’un bout à l’autre de la scène, danse avec frénésie et interagit constamment avec le public. Il a ce don de captiver et de tenir la scène comme personne. Sa voix puissante et son charisme font de chaque concert un moment unique.
Mandatory Credit: Photo by TERRY O’NEILL/REX USA (90797a) ROLLING STONES VARIOUS
Keith Richards, l’incarnation du rock ‘n’ roll
Si Mick Jagger est le showman, Keith Richards est l’essence même du rock. Avec son style de jeu décontracté mais incisif, il reste l’âme des Rolling Stones. Quand il gratte les premiers accords de « Jumpin’ Jack Flash » ou « Satisfaction », c’est comme un retour instantané aux grandes heures du rock. Il incarne la rébellion, l’attitude rock, celle qui ne se soucie de rien, mais qui est là pour faire vibrer.
Les moments cultes des concerts des Stones
Les concerts des Stones regorgent de moments cultes. Du légendaire « Altamont » de 1969 aux performances inoubliables dans les stades du monde entier, ils ont offert au public des souvenirs inoubliables. Les fans se rappellent encore des solos dévastateurs de Richards, de la batterie inébranlable de Charlie Watts, et des performances souvent inattendues qui font partie de l’ADN des concerts des Stones.
Partie 4 : Influence et héritage dans le rock
Le rock moderne serait-il le même sans les Rolling Stones ? Probablement pas. Le groupe a non seulement marqué son époque, mais il a influencé des générations entières de musiciens, en redéfinissant les codes du rock à chaque nouvelle ère.
Comment les Rolling Stones ont influencé plusieurs générations de musiciens
Les Rolling Stones sont une source d’inspiration inépuisable pour les groupes contemporains. Leur longévité, leur capacité à se réinventer, et leur musique intemporelle ont façonné le son de nombreuses formations actuelles.
Les Rolling Stones et les groupes contemporains
De The Black Keys à Arctic Monkeys, en passant par Oasis, les influences des Stones sont partout. Ces groupes modernes reprennent l’essence même du rock, celle que les Stones ont contribué à façonner, tout en y ajoutant leur propre touche. La structure des chansons, les riffs incisifs, l’attitude sur scène… tout cela porte l’empreinte des Rolling Stones.
L’héritage culturel
Les Rolling Stones ne sont pas seulement un groupe de musique, ils sont une véritable institution culturelle. Leur influence dépasse largement le cadre musical. Le cinéma, la mode, l’art… tous ont été touchés par l’aura des Stones. Leurs chansons ont été reprises dans des films cultes, leurs looks ont inspiré des générations de fans, et leur attitude rebelle a influencé des mouvements artistiques à travers le monde.
Partie 5 : Membre des Rolling Stones – Les départs et les arrivées au sein du groupe
Avec une carrière aussi longue, les Rolling Stones ont inévitablement connu des changements de line-up. Si certains membres sont restés fidèles au poste depuis le début, d’autres ont quitté le navire, parfois dans des circonstances tragiques.
Les changements dans les membres des Rolling Stones
Les départs marquants – Brian Jones et Bill Wyman
Le départ le plus tragique reste celui de Brian Jones, l’un des fondateurs du groupe, en 1969. Ses problèmes personnels et son comportement instable ont conduit à son éviction du groupe, et il est retrouvé mort quelques mois plus tard. Bill Wyman, le bassiste, quitte lui aussi le groupe en 1993, après plus de 30 ans de bons et loyaux services.
L’arrivée de nouveaux membres – Ron Wood et Darryl Jones
L’arrivée de Ron Wood à la guitare en 1975 et de Darryl Jones à la basse dans les années 90 a permis de renouveler la dynamique du groupe sans jamais trahir son esprit originel. Ron Wood, ancien membre des Faces, apporte une nouvelle énergie avec son style de jeu polyvalent et sa présence scénique charismatique. Quant à Darryl Jones, bien qu’il ne soit pas officiellement un membre à part entière, son rôle de bassiste est indéniable depuis des décennies.
Comment le groupe a survécu à ces changements
Ces départs auraient pu détruire n’importe quel autre groupe, mais pas les Rolling Stones. Chaque changement a été une opportunité pour se réinventer et continuer à avancer. Ce sont ces ajustements qui ont permis au groupe de rester pertinent et de traverser les âges.
Conclusion
Les Rolling Stones, c’est plus qu’un groupe, c’est une légende vivante. Leur influence sur le rock, leur énergie sur scène, et leur capacité à se réinventer ont fait d’eux des icônes intemporelles. Que vous soyez un fan de la première heure ou que vous découvriez leur musique, les Stones continuent de marquer l’histoire du rock. Ils ne sont pas prêts de raccrocher les guitares, et c’est tant mieux.
FAQ : les Rolling Stones
1. Qui sont les membres des Rolling Stones ?
Les Rolling Stones comptent plusieurs membres emblématiques qui ont façonné l’histoire du groupe depuis sa création en 1962. Les membres fondateurs sont :
Mick Jagger (chant) : Véritable leader et visage du groupe, Jagger est réputé pour son charisme, son énergie débordante sur scène et sa voix distinctive. Il est l’une des figures les plus emblématiques du rock, incarnant à la perfection l’esprit rebelle et provocateur du genre.
Keith Richards (guitare) : Co-fondateur avec Jagger, Richards est responsable de nombreux riffs légendaires des Stones. Sa façon de jouer est brute, minimaliste et profondément ancrée dans le blues. Avec Jagger, il forme le duo d’auteurs-compositeurs de nombreux hits des Stones.
Charlie Watts (batterie) : Membre essentiel du groupe depuis 1963 jusqu’à son décès en 2021, Watts était connu pour son jeu de batterie précis et son attitude humble. Son style discret mais puissant a grandement contribué à la signature sonore des Stones.
Brian Jones (guitare, multi-instruments) : Jones est l’un des membres fondateurs, mais il quitte le groupe en 1969 après une série de tensions internes. Il est mort tragiquement peu de temps après son départ. Musicien polyvalent, il a apporté des influences variées et des textures instrumentales uniques.
Bill Wyman (basse) : Wyman a été le bassiste du groupe pendant plus de 30 ans avant de quitter en 1993. Son jeu discret mais efficace a soutenu la rythmique des Stones pendant leur âge d’or.
Les membres actuels incluent :
Ronnie Wood (guitare) : Il a rejoint le groupe en 1975, remplaçant Mick Taylor, et est devenu une pièce maîtresse du groupe avec son style de jeu polyvalent et sa complicité avec Richards.
Darryl Jones (basse) : Bien qu’il ne soit pas un membre officiel, Darryl Jones joue avec les Stones en tant que bassiste depuis 1993.
2. Quel est le chanteur des Rolling Stones ?
Le chanteur des Rolling Stones est Mick Jagger, l’un des plus grands frontmen de l’histoire du rock. Depuis la création du groupe, il est le principal interprète des chansons des Stones. Sa voix reconnaissable entre mille et ses performances scéniques électrisantes ont fait de lui une véritable légende vivante. Grâce à sa présence sur scène, sa capacité à interagir avec le public et à se réinventer, il reste l’un des chanteurs les plus influents de la musique moderne.
3. Quel âge ont les membres des Rolling Stones ?
Les membres actuels des Rolling Stones sont tous dans la soixantaine ou la septuagénaire. Mick Jagger a fêté ses 80 ans en 2023. Keith Richards est également né en 1943, et malgré son style de vie tumultueux, il continue de surprendre par sa longévité. Ronnie Wood, plus jeune, est né en 1947. Quant à Charlie Watts, il était le plus âgé avant son décès en 2021 à l’âge de 80 ans.
4. Quels sont les albums incontournables des Rolling Stones ?
Les Rolling Stones ont sorti une série d’albums qui ont marqué l’histoire du rock. Voici une sélection des incontournables :
« Beggars Banquet » (1968) : Cet album signe un retour aux racines blues et rock après des expérimentations psychédéliques. Il contient des classiques tels que « Sympathy for the Devil » et « Street Fighting Man ».
« Let It Bleed » (1969) : L’un des albums les plus acclamés des Stones, avec des morceaux légendaires comme « Gimme Shelter » et « You Can’t Always Get What You Want. »
« Sticky Fingers » (1971) : Marqué par l’apparition du logo emblématique des lèvres et de la langue, cet album regroupe des morceaux comme « Brown Sugar » et « Wild Horses. »
« Exile on Main St. » (1972) : Cet album double est souvent considéré comme le sommet créatif du groupe, mêlant rock, blues, country et gospel.
« Some Girls » (1978) : Alors que le punk et le disco dominent la scène musicale, les Stones prouvent qu’ils sont toujours dans le coup avec des titres comme « Miss You » et « Beast of Burden. »
5. Pourquoi les Rolling Stones sont-ils si influents dans l’histoire du rock ?
Les Rolling Stones ont influencé le rock non seulement par leur musique, mais aussi par leur attitude et leur longévité. Voici quelques-unes des raisons principales de leur influence :
Une signature sonore unique : Les Stones ont fusionné le blues, le rock ‘n’ roll et d’autres styles pour créer un son qui leur est propre, reconnaissable instantanément. Leurs riffs de guitare mémorables, souvent créés par Keith Richards, sont devenus emblématiques.
Un répertoire de tubes légendaires : Des chansons comme « Satisfaction », « Paint It Black », « Gimme Shelter », et « Angie » sont devenues des classiques du rock, toujours jouées et reprises aujourd’hui.
Des concerts épiques : Connus pour leurs performances live, les Stones ont redéfini ce qu’un concert de rock pouvait être, combinant spectacle, énergie et engagement total avec le public. Ils ont également popularisé l’idée des méga-tournées dans les stades.
Un style de vie rock ‘n’ roll : Les Stones ont incarné l’image du rockstar rebelle, vivant selon leurs propres règles, avec des excès, des scandales, mais toujours une passion inébranlable pour la musique.
6. Qui est le plus âgé des Rolling Stones ?
Le membre le plus âgé des Rolling Stones était Charlie Watts, qui est né le 2 juin 1941 et est décédé en 2021 à l’âge de 80 ans. Après sa disparition, Mick Jagger et Keith Richards, tous deux nés en 1943, sont les plus âgés du groupe.
7. Quel est le meilleur album des Rolling Stones selon les critiques ?
Les opinions varient selon les critiques et les fans, mais « Exile on Main St. » (1972) est souvent cité comme le meilleur album des Rolling Stones. Ce double album est un mélange brillant de rock, de blues, de country et de gospel. Il a reçu un accueil mitigé à sa sortie, mais avec le temps, il est devenu un classique incontesté. Son style éclectique, ses paroles mystérieuses et son ambiance lo-fi lui confèrent un statut quasi mythique dans l’histoire du rock.
8. Pourquoi les Rolling Stones sont surnommés « The Greatest Rock and Roll Band in the World » ?
Ce surnom, souvent utilisé pour décrire les Stones, a été attribué en partie à cause de leur longévité, de leurs tournées mondiales triomphales, et de leur capacité à rester pertinents malgré les décennies qui passent. Ils ont traversé les époques et les tendances musicales tout en restant fidèles à leur son unique. Peu de groupes peuvent se targuer d’une carrière de plus de 60 ans avec des millions d’albums vendus et des concerts légendaires qui continuent d’attirer des fans de tous âges.
9. Les Rolling Stones sont-ils toujours en tournée ?
Oui, malgré leur âge avancé, les Rolling Stones continuent de faire des tournées internationales. Après la pause liée à la pandémie de COVID-19, ils sont repartis sur la route en 2021 pour leur tournée « No Filter ». Leur capacité à remplir des stades à travers le monde, même après des décennies sur scène, est une preuve de leur popularité continue. Chaque concert est un événement majeur, réunissant des fans de toutes les générations.
10. Quels sont les moments les plus mémorables de l’histoire des Rolling Stones ?
Les Rolling Stones ont connu de nombreux moments mémorables au cours de leur carrière. Parmi les plus marquants :
Le concert d’Altamont en 1969 : Cet événement est tristement célèbre pour la mort d’un spectateur et l’atmosphère chaotique. Il est souvent décrit comme l’anti-Woodstock et marque la fin de l’utopie des années 60.
Le retour triomphal à Hyde Park en 1969 : Quelques jours après la mort de Brian Jones, le groupe donne un concert gratuit à Hyde Park devant une foule de 250 000 personnes. Ce moment est l’un des plus émouvants de leur carrière.
Le concert de Copacabana en 2006 : Plus d’un million de personnes se rassemblent sur la plage de Copacabana à Rio de Janeiro pour assister à un concert gratuit des Rolling Stones, prouvant leur immense popularité à travers le monde.
Ces événements ont contribué à forger la légende des Stones, un groupe qui semble invincible face au temps.
Depeche Mode est aujourd’hui un groupe de légende qui 40 ans après ses débuts reste culte.
J’ai eu l’occasion de shooter le groupe à plusieurs reprises lors de concerts mémorables. Revenons sur l’histoire d’un de ses plus grands tubes : Enjoy the silence.
Depeche Mode est un groupe de new wave britannique originaire de Basildon dans l’Essex, en Angleterre. Fondé en 1979, Depeche Mode est apparu dans la tendance synthpop et est rapidement devenu influent et populaire sur la scène internationale.
Le groupe a été remarqué par un agent de Soft Cell puis dirigé par Daniel Miller, qui l’a signé chez Mute Records en 1981.Son nom vient du magazinefrançais Dépêche Mode.
Depeche Mode réalise son premier succès en Europe depuis septembre de la même année avec Just Can ‘Get Get Enough et aux États-Unis en 1984-1985 avec le single People Are People.
Le succès de leur synthpop dans un style très industriel dure jusqu’en 1990 grâce à l’album Violator, comprenant les titres Personal Jesus, Policy of Truth, et surtout Enjoy the Silence.
Presque toutes les chansons du groupe ont été composées par Martin L. Gore, à l’exception de celles du premier album (Speak and Spell), qui sont principalement l’œuvre de Vince Clarke, qui est rapidement parti pour fonder Yazoo puis Erasure.
Depuis 2005, le chanteur Dave Gahan participe à l’écriture de quelques chansons. Martin L. Gore œuvre beaucoup pour que Depeche Mode ne soit pas uniquement considéré comme un groupe « de synthés », en utilisant notamment des guitares.
Depeche Mode a atteint cinquante fois le top single britannique, et plusieurs albums se sont classés en première place au Royaume-Uni, aux États-Unis et dans d’autres pays européens.
Selon Mute Records, en 2008, Depeche Mode a vendu 75 millions d’albums dans le monde et plus de 100 millions d’albums, dont des singles. En 2020, Depeche Mode rejoindra le Rock and Roll Hall of Fame.
C’est à Basildon en 1977 (In Essex) que Vince Clarke et Andrew Fletcher, alors adolescents, décident de former un groupe et de concentrer leur créativité sur un nouvel instrument, le synthétiseur, rarement utilisé à une époque où la Grande-Bretagne résonne au son du punk rock.
Un ami du lycée Martin L. Gore les a rejoints en 1978 et a fondé Composition of Sound. Depeche Mode retrouve Dave Gahan, remarqué lors de l’audition, alors que ni Gore ni Clarke ne se perçoivent comme le chanteur principal recherché par le trio.
Ce dernier est également à l’origine du nouveau nom du groupe inspiré du magazine français: Dépêche Mode.
Les Anglais, voulant comprendre le sens, s’amusent à traduire le nom par Fast Fashion, et même Dépêchez-vous de la mode, faisant ainsi une erreur de sens, car ils confondent le terme «shipping» (un mot en anglais, un mot ailleurs de l’ancien). Despeche français) avec le verbe « pressé » (pressé en anglais).
Leurs premières compositions sont refusées par les labels qui n’apprécient guère la surcharge de synthétiseurs utilisés.
Premiers succès pour Depeche Mode (1981–1983)
Stevo Pearce, directeur du groupe Soft Cell et fondateur de Some Bizzare Records, les remarque et publie le titre Photo sur la compilation Some Bizzare Album (1981), où ils s’affrontent avec d’autres futurs groupes des années 1980, tels que The The et Soft Cell.
Puis lors d’un concert au club londonien, Daniel Miller a remarqué Depeche Mode et a décidé de le signer sous un nouveau label: Mute Records.
En 1981, Depeche Mode sort son premier single Dreaming of Me, qui appartient à la liste anglaise Top 75, et peu de temps après le titre New Life, qui devient le premier véritable succès du groupe en Angleterre; à la fin de l’année, un troisième single est sorti, qui est devenu un succès au Royaume-Uni et dans le monde: Just Can’t Get Enough.
Les premiers titres proviennent de l’album Speak and Spell, dont les compositions proviennent principalement de Vince Clarke (Martin L. Gore n’est l’auteur que de deux chansons).
Les synthétiseurs occupent une place importante dans le contexte des boîtes à rythmes.
Mais dès que le succès est atteint, Clarke quitte Depeche Mode et part former le duo à succès Yazoo d’Alison Moyet (ami du Basildon High School), puis une Assemblée de courte durée.
Vince Clarke s’est finalement stabilisé en 1985, créant son groupe Erasure, qui publie régulièrement des albums, dont certains connaîtront un grand succès international (générant plusieurs albums platine et numéro un au Royaume-Uni), mais ne susciteront pas d’intérêt en France.
Depeche Mode devient un trio sans paroles et leur avenir semble en jeu. Trois acolytes décident toutefois de poursuivre l’aventure: Martin L. Gore est désormais l’auteur / compositeur du groupe qui a finalement recruté Alan Wilder en 1982.
D’après une annonce publiée dans Melody Maker. Cela nécessite un homme de moins de 21 ans et un vrai musicien. Wilder, qui révèle son âge, est un pianiste expérimenté.
Il était principalement employé pour assurer la vie, il n’est donc pas impliqué dans le développement de A Broken Frame, le deuxième album du groupe, sorti fin 1982 et marqué avec le single See You.
Ce titre, sorti en début d’année, est devenu le plus grand succès du DM dans le pays d’origine, prenant la 6e place du Top 40.
Début 1983, le single Get the Balance Right! (non présent sur aucun album studio), celui-ci offre un son plus mature que les compositions précédentes de Gore, augurant un changement de direction musicale pour Depeche Mode.
La contribution artistique d’Alan Wilder est notable dans l’album Construction Time Again (1983), où il signe deux titres en entier (The Landscape is Changing et Two Minutes Warning). Dans ce troisième ouvrage, les premiers échantillons de musique industrielle allemande apparaissent, et les sons s’affinent, ce qui confirme l’évolution musicale de la formation anglaise.
Quant aux paroles, elles changent plus politiquement: le premier fragment de cet album et la lampe Everything Counts concerne, par exemple, ironiquement, la dérive du capitalisme, notamment à travers les directions principales de l’album.
Construction Time Again est un véritable succès en Grande-Bretagne (certifié or fin 1983) et se classe dans plusieurs pays européens, confirmant l’influence croissante de Depeche Mode au niveau international; en particulier en Allemagne, où leurs albums ont été produits au Hansa Studio.
Depeche mode – Crédit photo Eric CANTO
Some Great Reward et l’explosion internationale (1984-1985)
L’amour, la religion, la sexualité, l’ennui sont devenus les thèmes de prédilection des compositions de Martin L. Gore, dans un contexte musical qui confirme sa préférence pour la musique industrielle allemande (notamment Kraftwerk), qui nourrit donc les échantillons du groupe: sons lourds, grèves métalliques et froides.
Et dans ce contexte, le single sorti au printemps 1984 donne définitivement à Depeche Mode sa portée internationale: People Are People.
Ce titre permet a Depeche Mode de connaître un grand succès à travers le monde (notamment aux États-Unis où il figurait quelques mois plus tard dans le top 20) et annonce le prochain album, Some Great Reward, qui sortira enfin à l’automne la même année.
Le single est également le premier titre de Basildon, classé premier (en Allemagne). De plus, basé sur le succès de People Are People en Amérique du Nord, l’album baptisé du même titre, incluant cette chanson et d’autres singles, a été publié exclusivement aux États-Unis et au Canada à l’été 1984 pour mieux publier la genèse musicale du groupe au public nord-américain qui la découvre ensuite.
Quant à l’album Some Great Reward, il a eu beaucoup de succès grâce à des singles avec une certaine influence internationale; c’est pourquoi après People Are People c’est le titre de Master and Servant, publié à la fin de l’été 84, qui à son tour connaît les honneurs des charts.
Depeche Mode s’engage alors dans une tournée de plusieurs mois, de l’automne 84 à l’été 85, qui mène Depeche Mode jusqu’au Japon.
Ce succès est soutenu par une publication mondiale fin 1985 de la première compilation officielle de singles sortis depuis le début de Depeche Mode. En particulier, il contient la lampe Shake the Disease, sortie plus tôt cette année et placée dans le top 20 dans de nombreux pays.
En Europe, de la Scandinavie à l’Italie, Depeche Mode gagne en popularité – tout comme en France et en Allemagne – devenant l’un des groupes de langue anglaise les plus populaires de la nouvelle vague, notamment Tears for Fears, Duran Duran, Eurythmics, Simple Minds, Talk Talk et The Guérir.
Pendant cette période,Depeche Mode, en raison de leur succès, a été invité à participer à Live Aid, mais en juillet 1985, ils ont refusé de s’y produire.
En particulier, Martin Gore estime que les artistes qui participent à de tels concerts essaient de se promouvoir plutôt que d’investir dans la charité, et c’est pourquoi Depeche Mode n’a finalement pas de place pour un tel événement.
De plus, le même été 1985,Depeche Mode a participé à Rock in Athens, un festival unique organisé notamment à l’initiative des ministères grec et français de la culture et composé d’une série de concerts axés principalement sur les formations new wave à la mode. (malgré le nom du festival) célèbre à l’époque.
C’est pourquoi nous retrouverons Depeche Mode, mais aussi Talk Talk, The Cure, The Stranglers, Culture Club, ainsi que le groupe français Téléphone.
Toujours pendant cette période, la formation Basildon, qui fait aujourd’hui face à une véritable folie internationale, voit paradoxalement son succès légèrement affaibli dans son pays d’origine, où il n’y aura plus de monde de ses duels et pendant plusieurs années.
Depeche mode – Crédit photo Eric CANTO
Black Celebration et nouvelle identité visuelle (1986)
Au printemps 1986, un nouvel album, Black Celebration, sort, dont le premier fragment, Stripped, confirme l’orientation du groupe vers une musique plus sombre composée à partir de différents samples.
Cet album a renforcé la réputation du groupe anglais en Grande-Bretagne (même si aucun des singles sortis n’a atteint la première place) et lui a donné le statut de groupe culte en Amérique du Nord, où DM est considéré comme un groupe underground; bien qu’il soit parfois considéré comme plus commercial en Europe (ses singles sont publiés dans de nombreux remixes, ce qui peut augmenter leurs ventes).
Cela dit, l’approche électronique et expérimentale du groupe permet de développer de nombreuses variétés de ses titres. Depeche Mode travaille avec de nombreux arrangeurs / producteurs et jockeys sur disque et offre à ses fans de nombreuses réflexions.
Depeche Mode sort un album par an, et sa popularité augmente considérablement. Cependant, il y a une volonté de se débarrasser de l’image des coiffeurs garçons avec des synthétiseurs, que certains critiques attribuent à leurs membres. Pour cette raison, ils demandent au photographe néerlandais Anton Corbijn de changer leur image.
Depuis 1986, l’intervention de Corbian dans les clips et les photos est devenue décisive pour l’imagination visuelle du groupe anglais. Corbijn joue des cartes de l’esthétique de la glace comme Wim Wenders ou Werner Herzog.
Les clips du Hollandais, systématiquement tournés en noir et blanc, envoient l’image probablement encore un peu figée, mais sans publicité.
La première vidéo réalisée par le photographe hollandais illustre le troisième titre extrait de Black Celebration, A Question of Time qui paraît à l’été 1986 et devient rapidement un tube.
Depeche mode – Crédit photo Eric CANTO
Music for the Masses et confirmation du succès (1987–1988)
1987 est la prochaine étape de la carrière de Depeche Mode. Depeche Mode a sorti le single Strangelove ce printemps, qui a été un véritable succès international et a annoncé la sortie d’un nouvel album.
Enregistré en France au studio Guillaume Tell à Suresnes sous la direction de David Bascombe, ce sixième album est finalement paru à l’automne 87.
Intitulé Music for the Masses, il reflète la nouvelle approche musicale du groupe anglais et ouvre Never Let Me Down Again, le rock synthétique se transformant en un rêve noir, qui au fil du temps devient l’hymne des concerts Depeche Mode à travers le monde.
Cela donne le ton à un album à succès qui entre pour la première fois dans le Top 40 américain de l’histoire du groupe, remportant une plaque de certification d’or en quelques mois (pour plus de 500000 exemplaires vendus) et finalement enregistrant sur platine quelques années plus tard.
Le mode Depeche de la corne a définitivement acquis un statut iconique. Cet album et ses singles, toujours représentés par Corbijn (Strangelove, Never Let Me Down Again et Behind the Wheel), atteignent ainsi des résultats de vente importants dans le monde entier, faisant de DM l’un des groupes anglophones les plus célèbres du moment (avec U2, The Cure ou INXS).
Cependant, la réception au Royaume-Uni est encore plus diversifiée. En juin 1987, Depeche Mode a participé à un « concert de copains » organisé par l’association SOS Racisme à l’Esplanade du château de Vincennes à Paris, interprétant deux titres.
Ce succès international vous permet une grande tournée de concerts qui se déroule surtout aux États-Unis et que le scénariste américain D.A. Pennebaker immortalise dans le document 101 tourné le 18 juin 1988. Au stade Rose Bowl de Pasadena devant 70 000 spectateurs.
Depeche Mode est devenu le premier groupe pop électronique à remplir le stade. Le titre 101 (suggéré par Alan Wilder) fait référence à 101 concerts au cours de cette tournée. Le documentaire de Pennebaker retrace huit fans transportés pendant dix jours à travers les États-Unis par un bus de production, ainsi qu’un groupe lors des mêmes voyages, interviews et concerts.
L’album live (le premier pour DM), reflet de cette tournée, également intitulé 101, est apparu en mars 1989 et est devenu un disque d’or en France en 24 heures […] [et] a offert au groupe le meilleur résultat de vente en Angleterre depuis trois ans.
Violator et consécration mondiale (1989–1992)
Depeche Mode connaît aujourd’hui un grand succès commercial, tout en convainquant une presse jusque-là plutôt retenue. Immédiatement après leur 101e tournée, Martin L. Gore présente ses nouvelles compositions de l’album le plus connu à ce jour.
En 1989, quatre musiciens retournent au studio de Milan pour travailler sur des modèles très sophistiqués de Martin L. Gore. David Bascombe n’était pas disponible, puis Depeche Mode a fait appel au producteur Flood pour enregistrer un nouvel album contenant les titres Personal Jesus, Policy of Truth, World in My Eyes, Halo, Waiting For The Night et surtout un single qui reste l’un des plus célèbres du répertoire. DM, et son plus grand succès: Enjoy the Silence.
Le premier fragment de l’album Personal Jesus est apparu à l’antenne en août 1989 et a explosé.
Avec une chanson rock construite autour d’un riff de guitareblues (style John Lee Hooker) Depeche Mode est ce à quoi nous ne nous attendions pas. Ce mélange inattendu avec un rythme lourd, une mélodie simple marquée d’un slogan – plus qu’un refrain – Atteignez et touchez la foi qui donne le ton.
Se souvenant du domaine des expériences électroniques, Personal Jesus se termine par une phrase instrumentale dans laquelle les programmes semblent être laissés à eux-mêmes, frappés par un rythme lourd.
Ce titre est l’idée de Gore, qui, en lisant la biographie d’Elvis, a appris que Priscilla Presley appelait son mari « mon Jésus personnel ».
De plus, les versets qui rappellent un appel téléphonique décrochent le téléphone, vous font devenir croyant, en fait, cela ressemble à l’existence d’une ligne téléphonique aux États-Unis à partir de laquelle vous pourriez rencontrer un prêtre pour vous confesser.
Mute ne s’attendait pas à une telle folie pour Personal Jesus, qui est un grand succès international (surtout en Europe et aux États-Unis), misant davantage sur la sortie d’ Enjoy the Silence, sortie d’album stratégiquement planifiée, début 1990; Violator qui apparaît enfin en mars de cette année et porté par des ventes record de singles (notamment Enjoy the Silence, premier titre DM à être classé dans le top 10 américain et le single après le retour du groupe dans le top 10 anglais), devient le plus célèbre L’album Depeche Mode, vendu à plus de 10 millions d’exemplaires, dont près de 4 millions aux États-Unis seulement.
Un événement spécial illustre cette immense popularité, notamment sur le sol américain. Le 20 mars 1990, lors d’une journée promotionnelle à Beverly Hills, 20 000 fans se sont jetés dans un autographe, mais cela est rapidement devenu un incident public.
Rapidement, les vitrines du magasin de musique dans lequel se trouve Depeche Mode – qui sera immédiatement évacué – cèdent sous la pression de la foule en proie à l’hystérie collective, et les autorités, craignant des émeutes (évitées par les petites), « envoient plusieurs hélicoptères [et] quatre divisions de police » pour disperser la foule; plusieurs personnes ont été blessées lors de cet incident sans précédent, largement relayé par les médias locaux et nationaux.
Pour promouvoir l’album, Depeche Mode se lance sur le World Violation Tour pendant plusieurs mois, ce qui montre une fois de plus la grande réputation acquise par Depeche Mode anglais. Par exemple, il joue dans plusieurs stades aux États-Unis: ainsi, 42 000 billets ont été vendus en quelques heures pour un concert au Giants Stadium (dans le New Jersey), et 48 000 billets ont été vendus en seulement une demi-heure pour un spectacle au Dodger Stadium (en Los Angeles).
En 1991, Depeche Mode, intitulé The Death’s Door, a contribué à la bande originale du film de Wim Wenders «Jusqu’au bout du monde». À ce stade de leur carrière, Depeche Mode était au sommet de sa gloire, tout comme le reconnaissent l’opinion publique et les critiques; les années suivantes se sont révélées plus chaotiques…
Depeche mode – Crédit photo Eric CANTO
Enjoy the silence : la naissance d’un hit
Initialement composé comme une ballade (une démo minimaliste de Martin L. Gore composée sur un harmonica), Flood et Alan Wilder y ont immédiatement découvert un énorme potentiel, surtout si le rythme pouvait être accéléré: Gore a été invité à composer un chœur de guitare mélodique supplémentaire (qui sera disponible en octaves différentes et a également joué sur les claviers), mais il hésite à accélérer le tempo.
La chanson retrouve rapidement sa structure: des chœurs synthétiques rythment le socle de danse rythmique sur lequel la mélodie est aussi sophistiquée que « catchy ».
Le résultat crée une ballade plutôt sombre, et la combinaison finale de chœurs célestes apporte une forte mélancolie. Le titre est ensuite mixé par Daniel Miller et Flood (et non par François Kevorkian, qui a mixé le reste de l’album).
Le titre a été présenté le 2 décembre 1989. En direct sur le tournage de l’émission « Peter’s Pop Show » de Peter Illmann sur la chaîne allemande ZDF, où il jouit d’une large reconnaissance publique.
La version présentée ce soir est différente de la version sortie en février 1990, car l’introduction est différente. Cette introduction sera incluse dans le clip vidéo sorti en janvier 1990.
Une trace de cette transmission peut être trouvée sur le site officiel allemand du groupe Depeche Mode. Enjoy the Silence est arrivé sixième dans les charts britanniques et huitième aux États-Unis dans le classement Billboard Hot 100 (le premier et le seul top dix de ce classement).
En France, il est 9e dans le top 50 et premier au Danemark, et atteint le top 5 dans de nombreux pays à travers le monde, devenant ainsi l’un des plus grands succès de 1990 et de l’histoire du groupe
Il est élu meilleur single britannique de l’année aux Brit Awards en 1991. A noter également que ce titre signifie Depeche Mode son retour dans le top dix en Angleterre, où aucun de ses singles n’a été classé depuis le Master and Servant en 1984.
Enjoy the Silence est sorti en 2004 en single, remixé par Mike Shinod du groupe Linkin Park. Cette version se classe 7e au Royaume-Uni.
Enjoy the silence : le clip
Habitué à travailler avec Depeche Mode, Anton Corbijn propose un design de clip qui inquiète à la fois le label et Depeche Mode. Sa conception est sur une ligne: le roi traverse de vastes zones désertiques avec un transat sous le bras.
Cela vaut pour le Petit Prince Antoine de Saint-Exupéry. Vous pouvez également penser à l’image du roi Saint Louis faisant justice sous le chêne, lorsque nous voyons Dave Gahan passer sous un tel arbre dans le clip.
La confiance que Depeche Mode accorde au réalisateur l’emporte sur les doutes sur le projet proposé, c’est pourquoi Corbijn est responsable de la production du clip.
Dave Gahan, déguisé en roi, est filmé dans différents endroits d’Europe (Écosse, Portugal, Alpes suisses …), sous l’aisselle un fauteuil pliant, qui se déplie de temps en temps pour s’asseoir et contempler, absolument seul, l’énormité du paysage qui Je l’attends.
Les photos de studio montrent des membres du groupe, filmés en noir et blanc sur fond noir, entrecoupés d’images presque subliminales de la rose (une référence directe à la couverture visuelle de l’album, également conçu par Corbijn).
Dans le clip alternatif de Coldplay, Viva la Vida, nous pouvons voir le chanteur du groupe, Chris Martin, habillé de la même manière que David Gahan dans Enjoy The Silence: il est également habillé en roi, mais il parcourt le monde au lieu de « sous l’aisselle une chaise sous l’image d’Eugène Delacroix La Liberté, qui dirige le peuple.
Ceci est une référence et un hommage direct à Depeche Mode, comme les membres du groupe Coldplay l’ont avoué sur leur site Web: Il s’agit d’une tentative de rendre hommage à notre amour pour Depeche Mode et au génie d’Anton Corbijn. Le clip a été produit par un photographe néerlandais lui-même.
Depeche mode – Crédit photo Eric CANTO
Les reprises d’Enjoy the silence
Depeche mode Enjoy the Silence a été reprise par différents artistes, parmi lesquels :
Enjoy the Silence Failure sur l’album hommage à Depeche Mode For The Masses (1998)
Enjoy the Silence Matthew Good Band en face B du single Lo-Fi (1998)
Enjoy the Silence No Use For A Name, Warped Tour (2001)
Enjoy the Silence Tori Amos, Strange Little Girls (2001)
Enjoy the Silence Sylvain Chauveau, Down to the Bone – An Acoustic Tribute to Depeche Mode (2005)
Enjoy the Silence Lacuna Coil, Karmacode (2006)
Enjoy the Silence Kim Wilde, face B de Baby Obey Me (2007)
Enjoy the Silence Keane, (2007)
Enjoy the Silence Anberlin, (2007)
Enjoy the Silence Moriarty, (2007)
Enjoy the Silence Sue Ellen, album Sunday Hangover (2009)
Enjoy the Silence Nada Surf, (2010)
Enjoy the Silence It Dies Today,
Enjoy the Silence The Brains (en), (2010)
Enjoy the Silence Susan Boyle, (2011)
Enjoy the Silence Breaking Benjamin (2011)
Enjoy the Silence Carla Bruni-Sarkozy (2017)
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
1. Qui est Depeche Mode et comment a-t-il commencé ?
Depeche Mode est un groupe de musique électronique britannique formé en 1980 à Basildon, dans l’Essex. Le groupe est composé de Dave Gahan (chant), Martin Gore (guitare et claviers) et Andy Fletcher (claviers). Le groupe a commencé en tant que groupe de synthpop et a connu un grand succès dans les années 1980 avec des tubes tels que « Just Can’t Get Enough » et « People Are People ».
2. Comment la musique de Depeche Mode est-elle décrite ?
La musique de Depeche Mode est souvent décrite comme un mélange de musique électronique, de new wave, de rock et de pop. Le groupe est connu pour son utilisation de synthétiseurs, de boîtes à rythmes et de sons électroniques pour créer des chansons aux mélodies accrocheuses et aux arrangements sophistiqués.
3. Quels sont les albums les plus connus de Depeche Mode ?
Depeche Mode a sorti de nombreux albums au cours de sa carrière, mais certains des plus connus sont « Music for the Masses » (1987), « Violator » (1990), « Songs of Faith and Devotion » (1993) et « Ultra » (1997). Ces albums ont tous été très bien accueillis par la critique et ont connu un grand succès commercial.
4. Qu’est-ce qui a rendu Depeche Mode si influent dans la musique électronique ?
Depeche Mode est souvent considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique électronique en raison de son utilisation novatrice des synthétiseurs et des boîtes à rythmes. Le groupe a également été salué pour son écriture de chansons et ses performances scéniques.
5. Comment la voix distinctive de Dave Gahan a-t-elle contribué au son de Depeche Mode ?
La voix de Dave Gahan est souvent décrite comme étant profonde, sombre et intense, et elle a joué un rôle important dans la création de l’atmosphère distinctive des chansons de Depeche Mode. Sa capacité à exprimer des émotions complexes et profondes dans ses performances vocales a également été saluée par les fans et les critiques.
6. Comment les paroles des chansons de Depeche Mode sont-elles écrites ?
Les paroles des chansons de Depeche Mode sont souvent écrites par Martin Gore, qui est également le principal compositeur du groupe. Les chansons de Depeche Mode abordent souvent des thèmes sombres et introspectifs tels que la religion, la mort, l’aliénation et l’isolement.
7. Comment le son de Depeche Mode a-t-il évolué au fil des ans ?
Le son de Depeche Mode a connu de nombreux changements au fil des ans. Les premiers albums du groupe étaient dominés par des synthétiseurs et des boîtes à rythmes, tandis que les albums ultérieurs ont vu l’introduction de guitares et de batteries en direct, ainsi que l’utilisation de sons plus organiques et de samples. Les albums les plus récents de Depeche Mode ont également incorporé des éléments de musique électronique plus contemporains, tels que le dubstep et la techno.
8. Quels sont les tubes les plus connus de Depeche Mode ?
Depeche Mode a eu de nombreux tubes au fil des ans, mais certains des plus connus sont « Just Can’t Get Enough », « People Are People », « Enjoy the Silence », « Personal Jesus », « Policy of Truth » et « World in My Eyes ». Ces chansons sont souvent considérées comme des classiques de la musique pop et électronique.
9. Comment les performances scéniques de Depeche Mode sont-elles décrites ?
Les performances scéniques de Depeche Mode sont souvent décrites comme étant très énergiques et intenses, avec des lumières et des effets visuels sophistiqués. Le groupe est également connu pour ses tenues de scène avant-gardistes et son utilisation créative de la vidéo et de la projection.
10. Quel est l’impact de Depeche Mode sur la musique contemporaine ?
Depeche Mode a eu un impact significatif sur la musique contemporaine en inspirant de nombreux artistes de musique électronique, tels que The Killers, Nine Inch Nails et Crystal Castles. Le groupe a également été salué pour son utilisation novatrice de la technologie dans la création de musique et de performances scéniques, et pour son engagement envers l’expérimentation et la créativité.
…Surplombant le centre-ville de Los Angeles alors que des boules de feu font briller leurs costumes à paillettes de chaleur. Quelques jours avant Coachella de cette année, ce duo sera présenté en première via une bande-annonce de Jumbotron pour leur nouvel album, Random Access Memories. Seuls quelques privilégiés ont vu les tenues – et toutes les personnes impliquées dans cette séance photo veulent désespérément que le secret soit gardé.
Cette tâche s’avère quelque peu difficile. L’héliport se trouve à l’intérieur d’un parc public et il y a un chemin piétonnier juste à côté. Les coureurs et les motards errants sont presque inévitables, et si l’un d’entre eux décide de sortir son téléphone, de prendre une photo et de la télécharger sur Instagram sans rupture, cet élément important de la stratégie de déploiement méticuleuse de Daft Punk sera ruiné.
Pour la première partie du tournage de la journée, Thomas Bangalter (casque d’argent) et Guy-Manuel de Homem-Christo (casque d’or) des Daft punk se tiennent derrière un mur de flammes de huit pieds. Les membres de l’équipage, dont certains portent des gants blancs afin d’éviter les taches sur les tenues scintillantes de la paire, restent vigilants pour les passants curieux.
Et alors que la séquence de boules de feu commence, un gars est repéré en train de ramper sur le côté de l’héliport. Il s’assied dans l’herbe à proximité, ouvre son sac à dos en tremblant et prend une gorgée d’une bouteille d’eau. «C’est eux? demande-t-il en brandissant son téléphone.
DAFT PUNK
DJ Falcon, ami de longue date de Daft Punk et l’un des nombreux collaborateurs du nouvel album, se précipite. «Le gars était en transe», se souvient Falcon quelques jours plus tard. «C’est comme s’il pensait: ‘C’est l’image de ma vie – je vais être celui qui montre le monde.’ Je pouvais ressentir l’intensité. Alors que le fan tremblant essaie d’obtenir son tir, Falcon lève les bras pour le bloquer, «comme un défenseur de la NBA».
Un surveillant du parc remarque le brouhaha et crie: «Assaut! Permis révoqué! Ferme-le! » Retraite des Daft Punk dans leur caravane. Plus de boules de feu.
Finalement, le drame est maîtrisé. Personne ne pourra voir les images du téléphone-appareil photo du paparazzo potentiel. «C’était juste une vidéo de moi essayant de protéger mes amis – sautant devant la balle», dit Falcon. «Vous ne pouviez pas voir de la merde.»
FAITES UN ZOOM ARRIÈRE PENDANT UNE SECONDE,…
et toute cette scène peut sembler profondément idiote: un groupe d’adultes essayant frénétiquement de cacher l’image de deux Français à la fin de la trentaine portant des costumes qui les font ressembler à C-3PO après un relooking disco bien adapté. Mais une fois que vous passez du temps avec Daft Punk – ou même écoutez simplement leur musique, ou regardez leurs vidéos, ou regardez leur émission en direct – une telle protection devient soudainement compréhensible, voire nécessaire. C’est un instinct de garder vivante l’idée de mystère à un moment où elle semble être historiquement rare.
Le lendemain du jour où les apparences rénovées du couple ont été révélées sur les écrans de Coachella comme prévu – provoquant des élans fous et certaines des explosions les plus excitantes du festival – Bangalter dit que tout sur la RAM et son accumulation est une question de surprise, de magie. «Quand on sait comment se déroule un tour de magie, c’est tellement déprimant», explique-t-il. «Nous nous concentrons sur l’illusion parce que le fait de dévoiler comment cela se fait éteint instantanément le sentiment d’excitation et d’innocence.»
Cette stratégie s’étend à la conception intimidante et ambitieuse de l’album, qui a amené Daft Punk à recruter certains des joueurs de session les plus doués au monde – des gars qui ont travaillé sur des classiques comme Michael Jackson, Madonna et David Bowie – pour donner les rythmes, les mélodies et des accords qui rebondissent autour des têtes de Bangalter et de Homem-Christo.
Sans parler de collaborations pleines et époustouflantes avec un certain nombre de leurs idoles et de leurs contemporains partageant les mêmes idées, notamment le cerveau chic Nile Rodgers, Pharrell, le chanteur / compositeur des années 70 schmaltzy Paul Williams, Panda Bear, la divinité de la maison Todd Edwards et le créateur d’électro Giorgio Moroder. Plus: Tout a été enregistré sur bande analogique dans des palais d’enregistrement raréfiés comme Electric Lady à New York et Capitol Studios à Los Angeles. La spontanéité humaine était convoitée; les ordinateurs, avec leur tendance à la répétition stupide, ne l’étaient pas.
«La technologie a rendu la musique accessible d’une manière philosophiquement intéressante, ce qui est formidable», déclare Bangalter, parlant de la prolifération de l’enregistrement à domicile et du studio d’ordinateur portable. « Mais d’un autre côté, quand tout le monde a la capacité de faire de la magie, c’est comme s’il n’y avait plus de magie – si le public peut simplement le faire lui-même, pourquoi vont-ils s’en soucier? »
SUR LE BORD DES MONTAGNES DE SAN JACINTO…
à Rancho Mirage, en Californie – quelque part entre Frank Sinatra Dr. et un concessionnaire Bentley ensoleillé – se trouve le domaine Bing Crosby, où les Daft Punk séjournent en ville pour Coachella cette année. Le nom de la maison n’est pas un abus de langage: le célèbre crooner l’a fait construire en 1957, alors qu’il entrait dans ses années d’or. Désormais, toute personne disposant d’un compte bancaire sain peut profiter de la piscine d’eau salée, de la vue sur toute la vallée et de l’aura des célébrités de la vieille école – JFK et Marilyn Monroe auraient eu une aventure ici au début des années 60 – pour seulement 3 000 $ la nuit.
Une douzaine d’amis se détendent dans et autour de la piscine tandis que Jay-Z, Janet Jackson et Miguel sortent de la chaîne stéréo à un volume très raisonnable. Bangalter et de Homem-Christo sont assis près de la lisière du patio de l’arrière-cour, les vents de montagne en rafales le long de la demeure à un étage. Compte tenu de leur tenue typique du corps entier, il est un peu choquant de voir Daft Punk se prélasser simplement en maillot de bain.
Bangalter est grand, mince et barbu dans un haut en jean déboutonné et un chapeau de paille. Il parle à 95%, et bien qu’il prétende ne pas bien connaître l’anglais à un moment donné, il a probablement un vocabulaire plus étendu que de nombreux Américains. Il prend parfois de longues pauses – 10 secondes ou plus – avant de répondre à une question, mais ces réponses peuvent continuer, sans interruption, pendant des minutes, souvent parsemées de bégaiements réfléchis. Le joueur de 38 ans se présente comme assez sérieux et prudent, pas intéressé par les plaisanteries.
De Homem-Christo, 39 ans, est torse nu avec un petit triangle en or suspendu à son cou, une solide bande en or autour de son poignet et un iPhone à boîtier en or sur une chaise à proximité.
Avec ses cheveux foncés aux épaules tombantes, il ressemble en quelque sorte à un Johnny Depp, plus petit et plus large, français. Dans les rares cas où il parle, il est plus spacieux et moins surveillé. À quelques reprises, il résume un soliloque de Bangalter de deux minutes avec une phrase ou une phrase rapide et précise.
Au cours de notre conversation de trois heures, il y a peu d’interaction entre les deux, qui sont amis depuis 26 ans, mais aucune trace d’hostilité non plus. Même sans casque,
À ENVIRON 15 MILES DE LÀ SE TROUVE L’EMPIRE POLO FIELD
, où Daft Punk a fait ses débuts à Coachella en 2006. À ce moment-là, le duo n’avait pas tourné depuis la sortie de leur premier album, Homework , en 1997. Pour ces premiers concerts , les Daft Punk resteraient immobiles, mélangeant leurs propres pistes de danse répétitives et enivrantes avec des classiques de la maison devant peut-être 2000 personnes, des tops. «La musique minimaliste a une personnalité attrayante particulière; le duo ne le fait pas », réprimandait une critique en direct de Spin à l’époque.
Et pendant que les Daft Punk portaient une panoplie de masques pour les séances photo, les Daft Punk ont dévoilé leur robot pour Discovery de 2001 – mais n’ont pas du tout tourné derrière cet album. Le morne et monotone Human After All a suivi en 2005, amenant même les fans les plus fervents à remettre en question les motivations du duo.
Mais grâce à la curiosité et à l’adoration cultuelle qui grandit lentement pour le génie effaçant le genre de Discovery , des dizaines de milliers de personnes se sont rendues dans leur décor désertique il y a sept ans. Bangalter se souvient avoir été conduit sur scène dans une voiturette de golf en tenue de robot et avoir entendu les chants: «Daft Punk! Daft Punk! »
«Passer de 1 800 personnes à 40 000 a été assez brutal », dit-il en étirant le mot. «En raison de l’anonymat, la relation avec notre public jusque-là était un concept abstrait, donc ressentir cette énergie était très étrange. C’était comme si nous avions validé quelque chose de si abstrait – en français, ça s’appelle la concrétisation … »
De Homem-Christo propose une traduction: «Make it real».
«Nous aimons l’idée d’essayer d’être des pionniers», poursuit Bangalter, «mais le problème avec cela est que lorsque vous êtes trop en avance, la connexion ne se produit pas vraiment à l’époque. Chez Coachella, nous avions peut-être encore cinq ans d’avance sur les gens, mais la connexion se faisait à ce moment-là . C’était le plus synchronisé que nous ayons jamais ressenti.
La pyramide rougeoyante est devenue la carte de visite de Daft Punk alors qu’elle parcourait le monde pendant 18 mois, gagnant sa place comme l’un des spectacles les plus joyeux de l’histoire de la musique pop et ouvrant la voie à une plus large acceptation de la culture de la danse, en particulier aux États-Unis. Skrillex, dont la configuration live aveuglante s’est sans doute rapprochée de l’héritage de la pyramide au cours des dernières années, se souvient être allé voir Daft Punk par lui-même en 2007, acheter un billet à un scalper pour 170 $, et avoir réorganisé son esprit – sans influence de drogues ou d’alcool.
«C’était définitivement incroyable », dit-il. Panda Bear l’a appelé le meilleur concert qu’il ait jamais vu. En tant que photographe officiel de la tournée, DJ Falcon a pu vivre une quarantaine de spectacles d’un point de vue enviable. Il se souvient d’un en particulier, à l’Amphithéâtre Red Rocks au Colorado: «Il y avait tous ces handicapés avec leurs familles à l’avant, et ils étaient si heureux», dit-il, une trace de respect dans sa voix. «À un moment donné, je me demandais s’ils allaient se lever et commencer à marcher, comme un miracle!»
Avec une demande toujours extrêmement élevée, Daft Punk a mis un terme au trek alors que 2007 tirait à sa fin. «Nous voulions le sceller comme un moment spécial», déclare Bangalter. Mais ramèneraient-ils jamais la pyramide? Bangalter réfléchit à la question pendant un moment, éloignant une mouche de son nez. «Nous ne voulons jamais faire quelque chose deux fois … mais en même temps, nous n’avons jamais rien fait deux fois, donc si nous le faisions, ça pourrait être cool.
Homem-Christo rit de sa propre logique détournée, laisse échapper un gémissement las, sentant une pente glissante. Malgré les chargements d’argent qui les accueilleraient sûrement s’ils se glissaient dans leurs tenues étincelantes, et s’asseyaient au sommet d’un cube ou d’une sphère géante, ils disent qu’il n’y a pas de plans immédiats pour une nouvelle tournée de quelque nature que ce soit.
L’ÉRUPTION DE LA PYRAMIDE S’APPARENTAIT…
à votre extravagance de rock star typique par son ampleur et sa portée, mais aussi par les aspects plus inclusifs et diffusifs des concerts de DJ traditionnels, où tout le monde est la star. Cela place Daft Punk dans une position unique dans l’écosystème de la personnalité de la musique contemporaine: légitimement célèbre et sans visage.
À ce point, Bangalter compare leur situation à Batman («nous sentons que la pyramide était comme notre Batmobile»), Cendrillon («après la fin du spectacle, nous retournons à l’anonymat et à la normalité»), le magicien d’Oz («nous ») et un mec en costume de Mickey Mouse à Disney World (« si vous avez 100 enfants autour de vous toute la journée, ne devenez-vous pas grosse tête? » ).
«Regarder des robots n’est pas comme regarder une idole», affirme de Homem-Christo. «Ce n’est pas un être humain, donc c’est plus comme un miroir – l’énergie que les gens envoient sur scène rebondit et tout le monde passe un bon moment ensemble plutôt que de se concentrer sur nous. En outre, il s’avère que ces casques rendent la tâche assez difficile à voir . «Les visières sont très, très teintées, et je suis de toute façon myope», dit Bangalter. «Je pouvais entendre les clameurs, mais je n’ai pratiquement aucun souvenir visuel de la tournée à part regarder nos contrôleurs.
Tout comme leurs costumes établissent une frontière physique entre eux et leur public, les Daft Punk jouissent d’une «séparation totale» entre leur vie privée et leur vie publique, ce que les Daft Punk veulent précisément. «Nous ne parlons pas de nos vies privées parce qu’elles sont privées», dit Bangalter en riant.
« De plus, l’image publique est de toute façon plus amusante et divertissante. » Au lieu de désirer une renommée traditionnelle et une reconnaissance mondiale, Bangalter dit que les Daft Punk sont plus intéressés à «changer le monde sans que personne ne sache qui nous sommes, ce qui est un fantasme d’ego très différent, et cela semble être la prémisse de développements beaucoup plus passionnants.
«Habituellement, le style de vie des célébrités de 24 heures et nécessitant beaucoup d’entretien peut déconnecter les gens de la réalité», poursuit-il. «Et après qu’un groupe a fait des disques pendant 20 ans, ils ne font pas la merde la plus intéressante parce qu’ils tombent dans cette existence bourgeoise, réussie et établie.
Même dès leur plus jeune âge, Bangalter et de Homem-Christo ont fait tout leur possible pour se distancer du confort de la normalité. En fait, ils ne se sont peut-être jamais rencontrés si le père producteur de musique de Bangalter (qui a écrit plusieurs tubes disco des années 70) et la mère de la danseuse de ballet ne l’ont pas transféré dans le prestigieux lycée Carnot de Paris, cherchant à donner plus de défi à leur fils.
Alors que les deux ont grandi avec de l’argent – la famille de Homem-Christo dirigeait une agence de publicité – leurs parents leur ont donné un sentiment de liberté, ce qui n’était guère une évidence parmi leurs camarades de classe boutonnés.
«Même lorsque ces enfants avaient 13 ans, le poids de la classe sociale pesait déjà sur eux», dit Homem-Christo. «Ils étaient habillés comme leurs pères, c’était fou. Bangalter se souvient d’une connaissance adolescente bien élevée qui souhaitait devenir comptable parce qu’il pouvait «avoir un plan de retraite cool».
Le couple, qui était parmi les rares dans leur école à aimer Spacemen 3, My Bloody Valentine, Primal Scream, Big Star, les Beach Boys et le Velvet Underground, se sont rapidement liés. Et, à leur manière, ils vont à l’encontre du statu quo depuis. C’est pourquoi les Daft Punk sont plus punk que presque tous les groupes punk des 20 dernières années: Random Access Memories , leur premier véritable album en huit ans, pousse cette impulsion à l’extrême.
LE DISQUE MARQUE ÉGALEMENT UN MOMENT de BOUCLAGE
pour le mouvement disco des années 70, qui a commencé comme une scène underground ouverte d’esprit, s’est enchevêtré et homogénéisé par l’industrie de la musique d’entreprise, puis s’est rapidement écrasé. Sans un soutien financier important, la discothèque ne pouvait pas se permettre le temps du studio et les joueurs virtuoses qui ont produit certains de ses plus grands succès, mais son esprit progressiste a survécu à plusieurs variétés électroniques décousues des années 80, y compris la house, la techno et le hip-hop – les mêmes sons qui ont à l’origine inspiré Daft Punk sur Homework .
En tant que vrais disciples de la maison, le duo n’a jamais été timide quant à leurs influences. Des «Teachers» de Homework , un morceau dans lequel les Daft Punk listent littéralement leurs héros, aux nombreux échantillons et interpolations qui composent Discovery , les Daft Punk sont souvent à leur meilleur tout en interagissant joyeusement avec le passé.
Et RAM, qui fait la navette entre la discothèque festive, le funk maussade, le psychédélisme expansif, la pop new wave, le G-funk et même la musique trap minimaliste, a le même genre de portée éclectique que l’on trouverait dans des clubs légendaires comme le Paradise Garage de New York, où un jeu normal la nuit pourrait inclure des chansons de James Brown, de la police, de Steve Miller Band, de Talking Heads et de Kraftwerk. Pour Daft Punk, l’album est en quelque sorte un correctif à un style de musique qui, selon eux, est pris dans une ornière assommée par l’ordinateur.
«C’est très étrange comment la musique électronique s’est formatée et a oublié que ses racines sont sur la liberté et l’acceptation de chaque race, sexe et style de musique dans cette grande fête», dit Bangalter. «Au lieu de cela, il a commencé à devenir ce style de vie électronique qui impliquait également la glorification de la technologie.»
DAFT PUNK
Pour être clair: les Daft Punk ne sont pas anti-technologie, ni même anti-ordinateur (les Daft Punk admettent volontiers que la RAM n’aurait pas pu se faire sans eux). Mais ils ont une certaine colère pour l’aspect normalisant que la technologie peut avoir sur la musique, comment les lignes de code sont incapables de recréer les variables issues de techniques relativement organiques.
«Nous n’avons jamais pu nous connecter à l’utilisation d’ordinateurs comme instruments de musique», dit Bangalter en haussant les épaules. «Nous nous sommes toujours appuyés sur des composants matériels – vieilles boîtes à rythmes, synthétiseurs – mais c’était plus comme un laboratoire électrique chaotique avec des fils partout. Nous avons essayé de faire de la musique avec des ordinateurs portables au milieu des années 2000, mais c’était vraiment difficile de créer à partir de l’ordinateur sans y mettre des choses. Dans un ordinateur, tout est rappelable à tout moment, mais la vie est une succession d’événements qui n’arrivent qu’une seule fois. »
DAFT PUNK A COMMENCÉ À TRAVAILLER SUR RANDOM ACCESS MEMORIES EN 2008
jouant presque tout seul et faisant des boucles, comme les Daft Punk l’avaient fait auparavant. Mais ça ne semblait pas bien. «Il est devenu clair que nous étions limités par notre propre handicap à tenir un groove comme nous le voulions pendant plus de huit ou 16 mesures», admet Bangalter. « Ce que nous aimons dans le disco, c’est l’idée de jouer le même groove encore et encore – votre cerveau peut dire que ce n’est pas un échantillon qui est rejoué. »
Les Daft Punk ont donc recruté des instrumentistes techniquement maîtrisés (le genre de gars qui ornent les couvertures de magazines comme Modern Drummer et Bass Musician ), ont réuni différentes combinaisons de joueurs, expliqué leurs idées, créé des partitions ou fredonné des mélodies, et collecté des tonnes d’enregistrements originaux. sur bande analogique. «L’idée de travailler avec des musiciens allait bien au-delà de l’amélioration du son», déclare Bangalter. «C’était l’occasion de créer quelque chose à un niveau très personnel avec les gens que nous admirons le plus.»
À cette fin, les Daft Punk rencontraient souvent ces collaborateurs au préalable pour parler des idées et des inspirations derrière l’album avant même d’entrer dans un studio. Nile Rodgers de Chic, le funk à succès Zelig derrière certains des coups de langue les plus lisses de tous les temps, se souvient avoir éclaté sa guitare jazz L5 à l’ancienne dans son salon lors de sa première rencontre avec Bangalter et de Homem-Christo l’année dernière.
«les Daft Punk sont tout simplement excités», dit-il. Les trois ont fini par enregistrer les parties de Rodgers au cours de quelques jours aux Electric Lady Studios de Manhattan, le même endroit où Chic a déposé son premier single en 1977. En plus de son jeu de guitare, Rodgers a également montré à Daft Punk certaines de ses méthodes d’enregistrement. «C’est comme ça que vous faisiez autrefois: quand une personne vous paie le gros prix, vous voulez vous assurer qu’elle est heureuse et qu’elle n’a pas à vous rappeler», dit Rodgers en riant. «Alors je les ai bombardés d’idées et je leur ai dit: ‘OK, maintenant vous comprenez cette merde.’»
En effet, décider comment organiser ce que Bangalter appelle «une énorme quantité d’actifs» a été la partie la plus difficile de mettre de la RAM ensemble, et pourquoi cela a pris si longtemps. Par exemple, même si les Daft Punk ont enregistré des parties d’orchestre pour presque toutes les chansons de l’album, ces cordes ne se sont terminées que sur trois ou quatre pistes. Même un morceau apparemment simple comme le premier single «Get Lucky» a pris environ 18 mois du début à la fin, car il est lentement passé d’un morceau basé sur Wurlitzer à l’hymne estival haletant que nous connaissons maintenant.
Le titre de l’album, qui a été réglé dès le début, est devenu un guide et une justification pour le coup de fouet du disque passe d’une chanson à l’autre et d’invité à invité. «Cela nous a aidés à comprendre comment tous ces collaborateurs pouvaient vivre ensemble», déclare Bangalter, Lovesexy , ou même sortir un quadruple album.
Mais de toutes les parties mobiles qui composent Random Access Memories , la section la plus épineuse à assembler était la pièce maîtresse de l’album de huit minutes, «Touch». La piste kaléidoscopique met en vedette Paul Williams, 72 ans, qui a écrit d’immenses succès pour les Carpenters, Barbra Streisand, et plus encore à son apogée des années 70, avant de sombrer dans l’abus de drogue et d’alcool dans les années 80, puis de se rétablir dans les années 90.
Daft Punk était obsédé par Williams dès son plus jeune âge, en grande partie à cause de son rôle dans l’opus pop schlocky 1974 du réalisateur Brian De Palma, Phantom of the Paradise., dans lequel il joue une goule faustienne qui échange son âme pour devenir l’imprésario par excellence du rock’n’roll. Le film est ridicule, drôle, divertissant et sans cesse référentiel – tout comme Daft Punk. (À un moment de notre entretien, Bangalter a laissé échapper que lui et de Homem-Christo avaient récemment eu une réunion avec De Palma pour «discuter de certaines choses», bien qu’il ait refusé de divulguer des détails.)
Pour l’inspiration, Bangalter a donné à Williams un livre d’histoires sur des personnes qui étaient mortes, sont revenues à la vie et se sont souvenues de parties de vies passées. Et les paroles de Williams parlent d’un réveil: «Je me souviens du toucher», chante-t-il avec envie.
«En tant que personne qui a été déclarée morte et qui est revenue, je pourrais me connecter à cette idée dans la chanson», dit Williams, qui est maintenant sobre depuis 23 ans et qui fait l’objet du récent documentaire tranquillement triomphant Still Alive.
Pendant ce temps, la chanson se déforme et se plie, flottant à travers les genres, les époques et les émotions avec un sentiment d’émerveillement hallucinatoire, ne rappelant rien de moins que «A Day in the Life» des Beatles.
«C’est comme le cœur du disque», dit de Homem-Christo, «et les souvenirs des autres morceaux tournent autour de lui.
Alors que Bangalter et de Homem-Christo parlent de «Touch», il y a encore un sentiment d’étonnement dans leurs voix. «C’était la chose la plus compliquée que nous ayons jamais faite», dit Bangalter. «Et c’est devenu tellement excitant parce que nous n’avions pas l’impression de prendre la voie facile.
Avec ce record, nous avons eu le luxe de faire des choses que tant de gens ne peuvent pas faire, mais cela ne signifie pas qu’avec le luxe vient le confort. C’est cet état d’esprit à enjeux élevés qui maintient ces gars dans une position enviable dans l’imaginaire collectif, peu importe le temps qu’ils prennent entre les tours de magie. Parce que si les Daft Punk sont encore capables de s’étonner…
REPORTAGE DE MICHAEL RENAUD
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Mes photos sont publiées depuis de nombreuses années dans Focus Magazine. À chaque numéro, une double page est consacrée aux concerts du moment ou à un report photo d’un événement de l’actualité culturelle.
Focus MagazineMontpellier est une publication mensuelle qui met en lumière la vie culturelle, artistique et sociale de la ville de Montpellier. Chaque numéro offre un regard approfondi sur les événements, les lieux et les personnalités qui font la richesse de cette métropole méditerranéenne. Dans cet article, nous vous présenterons l’histoire du magazine, son contenu, ses différentes rubriques, sa présence en ligne, ses engagements locaux et comment s’abonner.
L’histoire du magazine
Fondé en 2003, Focus Magazine Montpellier a rapidement gagné en popularité auprès des lecteurs et des annonceurs locaux grâce à sa couverture exhaustive des sujets d’intérêt pour la population montpelliéraine. Depuis lors, le magazine n’a cessé de se développer et d’évoluer pour répondre aux attentes de son lectorat et des annonceurs.
Le contenu : couverture et rubriques
Focus Magazine Montpellier offre une variété de rubriques pour satisfaire les goûts et les intérêts de ses lecteurs. Voici un aperçu des rubriques les plus populaires :
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Portraits
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Lieux incontournables
Cette rubrique met en avant les lieux emblématiques de Montpellier, qu’il s’agisse de musées, de galeries d’art, de salles de concert ou de théâtres. Les lecteurs peuvent ainsi découvrir ou redécouvrir les trésors cachés de leur ville.
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L’agenda de Focus Magazine Montpellier fournit un calendrier complet des événements à venir dans la ville et ses environs. Il aide les lecteurs à planifier leurs sorties culturelles et à ne rien manquer des rendez-vous incontournables.
Cuisine et gastronomie
Cette rubrique gourmande explore l’univers culinaire montpelliérain, avec des critiques de restaurants, des recettes locales et des portraits de chefs et de producteurs locaux.
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Focus magazine a commencé avec 36 pages, après 100 numéros, le magazine en a à présent 160.
Au fil des années Focus développé son contenu et a créé une direction artistique unique et de grande qualité à chaque numéro. Dernièrement, le numéro 100 a été publié, un véritable cap pour la magazine.
Pour l’occasion, le magazine à créé plusieurs couvertures différentes, et a fait appel au graphiste Supakich. SupaKitch est un artiste plasticien. Né à Bagnolet , il vit et travaille à Biarritz avec sa femme Koralie, également artiste reconnue.
SUPAKITCH dans Focus Magazine
Élevé dans la culture manga et hip-hop, passionné de dessin et de musique depuis son enfance, SupaKitch trouve dans la rue une multitude de soutiens qui lui permettent de grandir. Ses premiers graffitis datent de 1990. Vers 1994, le Graffiti prend une vraie place dans sa vie: sous le pseudonyme de « Ride » il fonde l’équipe HV. Un an plus tard, une rencontre avec Hazy (photographe et graffeur) et Eone (producteur de musique et graffeur) le conduiront à son premier travail dans lequel il mélange différentes techniques (peinture, photo et graphisme), dont le thème principal est la musique.
Véritable compositeur de mélodies graphiques, il continue d’explorer son concept « Listen To My Picture », s’appropriant la technologie des circuits imprimés. Cette technique, similaire à la technique des « gravures » des illustrateurs des siècles passés, symbolise aujourd’hui le début d’un progrès dans le domaine de l’électronique. Ce contraste de temps, de nostalgie et de progrès technologique est omniprésent dans son travail.
À la fin des années 90, il a commencé à mixer différentes techniques sur les murs, usant ainsi de la peinture aérosol, peinture avec pinceau, le pochoir ou encore le collage. Originaire du mouvement graffiti où le choix du mur et du fond joue un rôle essentiel, SupaKitch a commencé à créer ses propres résines en 2016 embellies de différents motifs.
Ces motifs lui rappellent la surface de l’océan, mais également la texture des éléments. La feuille d’or étant utilisée pour améliorer la réflexion du soleil. À travers la technique empruntée aux shapers, SupaKitch aime être surpris par les schémas que prennent ses oeuvres, moment où l’art suit son propre chemin.
La surface devient ainsi un objet qui peut être coupé pour créer un rythme dans la composition des oeuvres qui se fige ensuite grâce à la résine qui se solidifie.
Interview se Christophe MALSERT, Directeur de publication
Christophe Malsert est le directeur de la publication de ce magazine gratuit ; magazine papier bimensuel et magazine de style de vie en ligne. Distribué à Montpellier, Nîmes, Avignon et Marseille et s’adresse à tous les citadins dynamiques. J’aime vraiment sa ligne éditoriale.
Nous découvrons des articles sur de nombreux sujets tels que l’architecture et le design, l’évasion, la gastronomie, la musique … Sa coopération artistique dans le domaine du graphisme avec des illustrateurs talentueux rend ce city guide très attractif. Très curieux de ce « concentré urbain et vie stylée », c’est pour moi une sorte de contenu riche et innovant dont je suis un fan absolu! C’est pourquoi je suis heureux d’avoir eu le plaisir d’interviewer Christophe Malsert.
Comment gérez-vous la crise sanitaire actuelle de votre activité professionnelle ?
Christophe Malsert : Nous ne vous mentirons pas, les 4-5 premiers jours d’emprisonnement ont été très difficiles pour l’équipe, car nous préparions le magazine avril-mai. Nous ne savions pas combien de temps durerait la crise. Au début, nous devions également résoudre rapidement avec notre comptable un licenciement partiel de notre équipe et analyser notre capacité à rester dans le temps. Ensuite, nous avons commencé à réfléchir à la manière de rester en contact avec nos lecteurs (via les réseaux sociaux) et à essayer de soutenir nos partenaires (commerçants, très petites entreprises, etc.).
Focus est aussi un studio graphique, c’est pourquoi nous avons utilisé notre savoir-faire dans le domaine de la communication au service de nos clients. Actuellement, nous sommes tous en contact constant pour discuter de nouveaux sujets dont nous aimerions discuter dans les magazines suivants.
Le comportement de chacun d’entre nous va changer après cette crise et après cette période particulière, nous devons essayer de nous réinventer.
Quels sont vos « trucs et astuces » pour vous adapter à la nouvelle situation ?
Christophe Malsert : Nous n’avons pas vraiment de « trucs et astuces », mais ce que nous disons est logique. Même si la crise a changé notre rythme de vie, nous essayons d’imposer un petit horaire quotidien. Rester en forme (exercice physique régulier) est déjà une priorité. Si le corps est en forme, la tête et le moral suivent, mais nous en aurons besoin lorsque nous récupérerons.
Il y a aussi une bonne fermeture, il est TEMPS …. Du temps pour lire, du temps pour cuisiner (bien sûr avec des produits de saison pour les circuits courts), du temps pour s’entraîner … Du temps pour faire toutes les choses que nous repoussons habituellement plus tard dans l’année 😊. Il est particulièrement important de ne pas tomber dans le désastre, étant ivre de trop de messages anxieux (ou de faux messages) qui abondent dans les réseaux sociaux.
Essayons de rester positifs, il existe de nombreuses initiatives formidables, et les retenir crée une vague de solidarité sans précédent. Pensons à demain et apprenons à faire évoluer notre société (à notre niveau), qui est à un tournant.
Interview réalisée par myurbansweetnesses.fr
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
PHOTOMagazine est un magazine français qui paraît chaque deux mois. Photo magazine est entièrement consacré à la photographie. Le magazine traite de la photographie sous de nombreux aspects, du photojournalisme à la photographie d’avant-garde, en passant par la mode, la nature et le nu artistiques, ce qui caractérisent la plupart de ses couvertures.
Photo magazine traite la photographie et les nombreuses tendances en France et dans le monde. Il aborde la technique photographique et séduit les grands photographes en leur les pages du magazine. Photo magazine, de par sa longévité et sa présence internationale, est, comme il aime à l’avancer en signature, « une référence à l’image depuis 1967. »
PHOTO Magazine : les plus belles couvertures
Magazine photo années 80 – magazine photo
Magazine photo années 80 – magazine photo
L’histoire de PHOTO Magazine
En 1967, Daniel Filipacchi qui est à la tête d’un groupe d’une vingtaine de titres de presse, crée le magazine sur une idée de Walter Carone, photojournaliste pour le magazine Paris Match.
Walton Carone 1920-1982. Walter Carone a appris le métier de photographe auprès de son père, un Italien immigré à Cannes, spécialisé dans les mariages et les banquets.
En 1945, il part tenter sa chance à Paris, équipé d’une caméra et de plusieurs pellicules. Il a débuté à Cinévie avant de travailler pour France-Dimanche, Point de Vue, Elle et enfin pour Paris-Match, qui l’a engagé trois mois avant la parution du premier numéro.
Sa carrière est étroitement liée au développement de Paris-Match, dont il était journaliste vedette, chef du département photographie et rédacteur en chef adjoint. Il a ensuite mis son talent et son expérience au service des amateurs, en créant Photo magazine, puis Photo Journal.
Catherine Deneuve inaugurera le magazine en juillet 1968, photographiée par David Bailey, son compagnon du moment.
Roger Thérond
Roger Thérond, ancien rédacteur en chef de Paris Match, rejoint la direction de du magazine et lance en 1977 le « concours amateur » (qui se poursuit à ce jour avec 50 000 candidats).
Il est officiellement directeur de la publication de PHOTO Magazine depuis avril 1969. Il recherche continuellement les photographes les plus prestigieux du moment, comme Rizzo, Brassaï, Lachapelle ou encore Richard Avedon.
Jean-Louis Swiners
Ancien rédacteur en chef de Terre d’Images, a rejoint l’équipe dans le deuxième numéro et est devenu directeur de la publicité jusqu’en 1974. Régis Pagniez a conçu non seulement le logo, mais également le design, et créé de très nombreux portfolios qui ont contribué au succès du magazine.
Quelques années plus tard, il quitte la rédaction pour émigrer en Amérique. Walter Carone sera nommé rédacteur en chef dans les années 1970-1973.
Jean-Jacques Naudet
Jusqu’en 1988, Jean-Jacques Naudet exerce des responsabilités au sein de la rédaction puis, en 1988, il laisse la place à Michel Decron, qui devient rédacteur en chef.
Agnès Grégoire
Agnès Grégoire a rejoint Photo magazine en 1988, en tant que rédactrice puis est devenue rédactrice, puis chef de département puis rédactrice adjointe, elle est devenue rédactrice en 2011 puis rédactrice en chef en 2015.
Son expérience en photographie est conséquente et il lui a permis de devenir rapporteur à l’Académie des Beaux-Arts. Elle exerce régulièrement des fonctions de conseil dans le domaine de la photographie.
Agnès Grégoire contribue à Photo España (lecture de portfolio), aux festivals de Guangzhou et de Lianzhou en Chine, au Zoom Photo Festival au Saguenay, Québec.
PHOTO Magazine – magazine photo années 80 – magazine photo
Évolution du contenu de PHOTO Magazine
La photo avant-gardiste a donné le ton du magazine à la fin des années 1960 (Art Kane, Pete Turner, Jay Maisel). Dès le tout début Photo s’est distingué comme le premier magazine présentant les shootings de grands photographes tels que Richard Avedon, Peter Lindhberg, David Lachapelle, Robert Capa, Guy Bourdin, Henri Cartier-Bresson …
Entre deux scoops « sexy », le magazine fait parfois scandale, révélant parfois en couverture de transsexuels et hermaphrodites ou offrant des photos de mineurs par Louis Malle.
En 1975 la célèbre photo de Brooke Shield jeune fit la une de Photo Magazine en 1978. Mais lorsque 3 ans plus tard, l’adolescente tente d’empêcher de nouvelles parutions et tente de récupérer les négatifs, Brooke Shield se heurte à la justice. Conclu entre sa mère et Garry Cross, le contrat prévoyait une cession totale des droits au photographe.
Après deux années de bataille juridique, Brooke Shield est finalement déboutée, et Gross ruiné.
Le magazine a été créé pendant la guerre du Vietnam et avant mai 1968. Il offre également un espace de reportage sur le terrain puis sur des sujets liés à la nature et s’inscrit dans son histoire proche du monde de la mode, l’accueillant avec des exemples d’œuvres de Cecil Beaton, Helmut Newton, William Klein …
En 1989, Photo Magazine crée le festival « Visa pour l’image« , qui rassemble chaque année des photojournalistes du monde entier (expositions, rencontres, spectacles). Le festival est rapidement reconnu internationalement par les professionnels de l’image, et le directeur est Jean-François Leroy.
La photographie utilise des relations privilégiées avec les grands photographes, les engageant dans l’écriture par écrit, avec divers acteurs étrangers dans le monde de la photographie. Plusieurs de ces correspondants ont parrainé le numéro annuel des « amateurs spéciaux » en présentant un des thèmes en lien avec leur spécialisation. PHOTO Magazine reçoit jusqu’à 50 000 photos chaque année dans le cadre du « World’s Largest Photo Contest ».
Publié en impressionpapier au début des années 90. Photo lance son site Internet en 1995. Après le décès de Roger Thérond en 2001, le groupe HFM, qui détenait déjà 50% du capital mensuel, obtient le solde des héritiers en 2002. Dix ans plus tard, en 2011, le magazine a été vendu à Magweb. Monika Bacardi et David Swaelens-Kane sont devenus propriétaires en 2014.
Autour de PHOTO Magazine
Le magazine s’est associé à diverses activités liées à la photographie, dont le Photo Management (« coaching » d’artistes), initié par l’EPMA depuis 2015. Photo Management intervient, accompagne les jeunes talents, les expose en Europe et en Amérique, à travers différents partenariats.
Le magazine réalise plus de la moitié de ses ventes à l’étranger dans environ 70 pays. PHOTO Magazine Entretient des relations privilégiées avec les professionnels de la photo, y compris les photographes.
PHOTO Magazine : Infos et chiffres
Directeur de la rédaction : Agnès Grégoire
Date de fondation : 1967
Ville d’édition : Paris
Prix au numéro : 6,90 €
Diffusion : 26 000 ex
Périodicité : bimestriel
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le magazine PHOTO est un magazine mensuel français consacré à la photographie. Il a été créé en 1967 et est considéré comme l’un des magazines les plus respectés dans le monde de la photographie. Il propose des articles sur l’histoire de la photographie, des interviews de photographes célèbres, des critiques d’expositions, des astuces techniques, des portfolios de photographes et bien plus encore.
2. Qui est le public cible du magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO s’adresse principalement aux amateurs et aux professionnels de la photographie. Il est destiné à toute personne qui s’intéresse à la photographie en tant qu’art ou en tant que métier, qu’il s’agisse de la photographie numérique ou de la photographie argentique.
3. Comment s’abonner au magazine PHOTO ?
Il est possible de s’abonner au magazine PHOTO en ligne sur le site officiel du magazine ou en appelant le service abonnement. Différentes formules d’abonnement sont proposées, allant de l’abonnement annuel au tarif standard à l’abonnement en ligne pour une durée de trois mois.
4. Quels types d’articles sont publiés dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO propose une variété d’articles sur la photographie, notamment des articles techniques sur les techniques de prise de vue, de traitement d’images et d’impression, des articles sur l’histoire de la photographie, des interviews de photographes renommés, des portfolios de photographes émergents et établis, des critiques d’expositions et de livres de photographie, et bien plus encore.
5. Comment soumettre des images pour publication dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO n’accepte pas les soumissions non sollicitées d’images pour publication. Cependant, il organise régulièrement des concours photo sur différents thèmes ouvert à tout le monde. Les concours sont annoncés sur le site web du magazine ou dans les pages du magazine.
6. Le magazine PHOTO est-il disponible en version numérique ?
Oui, le magazine PHOTO est disponible en version numérique. Les abonnés peuvent télécharger le magazine au format PDF sur le site web du magazine. Des applications mobiles sont également disponibles pour les smartphones et tablettes, permettant de lire le magazine sur ces appareils.
7. Le magazine PHOTO est-il disponible en anglais ?
Non, le magazine PHOTO n’est disponible qu’en français. Cependant, certaines parties du site web du magazine, comme les interviews de photographes célèbres, peuvent être disponibles en anglais.
8. Y a-t-il un forum ou une communauté en ligne associée au magazine PHOTO ?
Oui, le site web du magazine propose une section communauté où les lecteurs peuvent partager leurs images, discuter de la photographie et échanger des astuces techniques. Le magazine organise également des événements et des ateliers en personne pour les membres de la communauté.
9. Quels sont les photographes célèbres qui ont été présentés dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO a présenté de nombreux photographes célèbres au fil des ans, tels que Sebastião Salgado, Henri Cartier-Bresson, Annie Leibovitz, Richard Avedon, Robert Capa, William Klein, et bien d’autres encore. Régulièrement des interviews et des portraits de photographes renommés, ainsi que des critiques d’expositions présentant les œuvres de photographes établis et émergents.
10. Quelles sont les tendances actuelles en matière de photographie présentées dans le magazine PHOTO ?
Le magazine PHOTO est à l’affût des tendances actuelles en matière de photographie. Ces dernières années, il s’est intéressé aux tendances émergentes telles que la photographie de rue, la photographie de paysage, la photographie documentaire et le photojournalisme, ainsi qu’à l’utilisation de nouvelles technologies dans la photographie, telles que la réalité augmentée et la photographie 360 degrés.
Le magazine explore également les nouvelles façons de présenter et de partager les images, notamment en ligne sur les réseaux sociaux et les plateformes de partage de photos.
Rammstein est un groupe perfectionniste. Cela devient encore plus clair lorsque l’on regarde le nouveau making of des photos de leur nouvel album.
2019 était sans aucun doute l’année de Rammstein. Après dix ans, Till Lindemann and Co. ont sorti un nouvel album et le sextet a également effectué une tournée des stades en Europe. Maintenant, les métalleux donnent un aperçu des préparations du shooting. Personnellement, les documentaires sur les artworks me passionnent. Concernant Rammstein, nous sommes face à une véritable machine de guerre, dont les budgets permettent toutes les folies.
Une mise en scène somptueuse
Rammstein présente un documentaire de huit minutes sur YouTube (voir ci-dessus).
Une équipe de vidéastes a accompagné le groupe lors d’une séance photo de quatre jours. C’est le photographe Jes Larsen qui s’est occupé du shooting photo, avec lequel il a ensuite conçu l’illustration du nouvel album.
Ce shooting nous présente Larsen lui-même, le retoucheur Marty Bo Kristensen et le styliste Vibe Dabelsteen.
Rammstein nouvel album : le rouleau compresseur allemand
Dix ans après « Liebe ist für alle da », Rammstein a finalement rompu le silence avec un nouvel album sans titre, dont l’image est une allumette sur un fond blanc immaculé. La mèche est aussitôt allumée, dès le premier passage mis en évidence par le clip controversé « Deutschland », qui dévoile une génération mal à l’aise avec l’histoire de son pays.
« L’Allemagne, mon cœur en flammes / Je veux t’aimer et je te maudis », a scandé le chanteur Till Lindemann avec un grand froid. Le groupe reste le même avec ses rythmes de guerre puissants. Des guitares saturées sont présentes, tout comme les effets électroniques emblématiques de ce « tanzmetal » allemand que le groupe berlinois maîtrise à la perfection.
Rammstein nouvel album
Ce septième album a été un énorme succès, catapultant d’abord en termes de ventes en Europe et dans le top 10 aux États-Unis et en Australie.
Pour le groupe utilisant la langue Goethe, qui est plutôt du genre métal industriel, il n’y a pas de précédent. Certes, le groupe allemand a légèrement adouci son point de vue alors que le tempo ralentit au son d’un arpège plus léger après l’introduction de « Puppe » ou d’une ballade propre comme « Diamond » avec une guitare classique et un violoncelle à la fin.
Le diable restant caché dans les détails, onze chansons couchées sur le CD méritent une écoute attentive, car l’album est plein de découvertes, d’arrangements et de messages de guerre condamnant les monstres pédophiles, ou les effets pervers du nationalisme.
Après la première tournée à guichets fermés des stades européens en 2019, un nouvel ensemble de dates pour l’été 2020 étaient prévus.
Malheureusement, le COVID 19 aura eu la peau des guerriers allemands
Rammstein nouvel album
Rammstein nouvel album
Rammstein nouvel album : Le groupe ?
Rammstein est un groupe de métal allemand de Berlin. Créée en 1994, elle était composée des débuts de six membres d’Allemagne de l’Est; décrit comme appartenant au genre Neue Deutsche Härte, est le représentant le plus connu. Les paroles du groupe sont principalement en allemand, c’est aussi le groupe germanophone le plus vendu au monde, près de 20 millions d’albums ont été vendus, mais parfois il comprend également des paroles en anglais, français, espagnol et même russe.
Connu pour ses concerts multipliant les effets de la pyrotechnie et de la mise en scène créative,il a à son actif depuis sa création sept albums studio, dont la musique est souvent considérée comme du métal industriel. La classification exacte de la musique du groupe est souvent remise en cause, car elle contient également de fortes influences de la musique électronique, du rock.
Groupe hybride à l’empreinte reconnaissable immédiatement, Rammstein est aujourd’hui un énorme poids lourd du métal mondial et ne joue principalement que dans des stades.
Metallica : Retour sur l’histoire d’un groupe de métal légendaire
Depuis leur formation en 1981, Metallica a marqué la scène metal et musicale mondiale. Ce groupe de metal américain originaire de Californie a réussi à s’imposer grâce à son talent et sa passion pour la musique. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire du groupe et les événements qui ont construit cette légende vivante.
Les débuts du groupe
Metallica voit le jour lorsque que Lars Ulrich, un jeune batteur danois venu tenter sa chance aux États-Unis, passe une annonce dans un journal local afin de trouver des musiciens partageant son amour pour le heavy metal anglais. C’est ainsi qu’il rencontre James Hetfield, chanteur et guitariste amateur, avec qui il décide de former Metallica.
Dave Mustaine et l’album « Kill ‘Em All »
Rejoint par le bassiste Ron McGovney et le guitariste Dave Mustaine, originellement prévu pour jouer seulement quelques jours, le groupe commence à répéter et joue ses premiers concerts locaux. En 1984, ils présentent leur premier album, « Kill ‘Em All« .
Toutefois, dû à des tensions internes, Dave Mustaine est congédié du groupe peu avant le début de l’enregistrement de l’album. Il est remplacé par Kirk Hammett et fonde plus tard le groupe Megadeth. Malgré ces changements, « Kill ‘Em All » connait un succès sur la scène underground et Metallica est désormais sur le radar des fans de metal.
L’ascension vers la gloire
Ce n’est que deux ans plus tard, avec la sortie de leur deuxième album « Ride the Lightning« , que Metallica connait une explosion de popularité. Cet album introduit des éléments plus progressifs, ainsi qu’une utilisation notable du chant clair de James Hetfield, montrant la volonté du groupe à explorer de nouvelles voies artistiques.
Master of Puppets : l’apogée
En 1986, Metallica sort son troisième album, « Master of Puppets« . Considéré comme l’un des meilleurs albums de heavy metal de tous les temps, il propulse le groupe au rang d’icônes du genre et renforce sa position en tant que pilier du mouvement thrash metal américain.
Mais cette année est aussi marquée par un événement tragique : lors d’une tournée européenne, le groupe est victime d’un accident de bus qui coûte la vie à Cliff Burton, leur bassiste très talentueux. Traumatisés mais déterminés à continuer, Metallica recrute Jason Newsted pour prendre sa place et poursuit sa route.
Les années 1990 : évolutions et succès commercial
Avec l’arrivée de Newsted, le groupe connaît plusieurs changements artistiques. Leurs deux premiers albums de la décennie, « Metallica » (aussi appelé « The Black Album ») et « Load », montrent une nette évolution vers un style plus accessible, combinant heavy metal et rock n’ roll.
La controverse Napster et le départ de Jason Newsted
En 2000, Metallica se retrouve au centre d’un scandale lorsque leur chanson inédite « I Disappear » est leakée sur la plateforme de téléchargement Napster. Déclenchant une bataille juridique majeure contre Napster, les membres du groupe deviennent alors les figures de proue de la lutte contre le piratage en ligne.
Cette même année, Jason Newsted quitte soudainement le groupe, invoquant des raisons personnelles. Il sera remplacé quelques années plus tard par Robert Trujillo, qui assure toujours aujourd’hui la basse pour Metallica.
Metallica dans les années 2010 et au-delà
Avec l’album « Death Magnetic » en 2008 et surtout « Hardwired… to Self-Destruct » en 2016, Metallica revient à ses racines thrash et continue de dominer la scène métal mondiale, multipliant les tournées et les passages lors de différents festivals.
Innovations musicales et projets parallèles
Tout en restant fidèle à leur style initial, Metallica a également exploré plusieurs projets innovants, comme leur collaboration avec le compositeur Michael Kamen et l’orchestre symphonique de San Francisco en 1999 (« S&M »), ou encore leur album en collaboration avec Lou Reed, « Lulu », en 2011. Ces expériences ont montré que le groupe n’a jamais cessé d’expérimenter et de repousser les limites de leur art.
Une influence sur la culture et la société
Au fil des ans, Metallica est devenu bien plus qu’un simple groupe de metal : c’est une véritable institution qui a inspiré de nombreux artistes, contribué à populariser le genre auprès du grand public et laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de la musique.
Lars Ulrich, batteur et fondateur du groupe, s’est illustré en tant que militant pour la protection des droits d’auteur et la lutte contre le téléchargement illégal.
Kirk Hammett, guitariste principal, est également auteur et collectionneur de films d’horreur, ayant même lancé son propre festival dédié au genre.
James Hetfield, chanteur et guitariste rythmique, soutient activement plusieurs associations caritatives et utilise sa notoriété pour promouvoir des causes environnementales et sociales.
Metallica, sans aucun doute, restera dans les mémoires comme l’un des groupes les plus marquants et influents du monde du métal. Leurs succès commerciaux, tout autant que leurs prises de position et leur travail sur la scène musicale, montrent un engagement sincère envers leur art et leur public. Et avec plus de quarante ans de carrière derrière eux, on ne peut qu’être impressionné par leur longévité et leur passion inaltérable pour la musique.
Quel est l’origine de la création de Metallica ?
Metallica a été formé à Los Angeles en 1981 par le chanteur/guitariste James Hetfield et le batteur Lars Ulrich. Les deux musiciens ont rapidement commencé à chercher des membres pour compléter leur groupe, recrutant le guitariste Dave Mustaine et le bassiste Ron McGovney pour former la formation originale de Metallica.
Après avoir enregistré une démo et joué des concerts locaux, Mustaine a été renvoyé du groupe en 1983 en raison de problèmes de drogue et d’alcool, et a ensuite formé son propre groupe, Megadeth. Kirk Hammett a été recruté pour remplacer Mustaine à la guitare solo peu de temps après.
La sortie de Kill ‘Em All en 1983 a marqué le début de la légitimation du underground du heavy metal, apportant une nouvelle complexité et profondeur au thrash metal.
Avec chaque album, le jeu et l’écriture du groupe se sont améliorés; James Hetfield a développé un rythme qui correspondait à son grognement, tandis que le guitariste principal Kirk Hammett est devenu l’un des guitaristes les plus copiés du métal.
Pour compléter le package, la batterie tonitruante (mais complexe) de Lars Ulrich s’est parfaitement adaptée au jeu de basse innovant de Cliff Burton .
La vraie naissance du thrash. Sur Kill ‘Em All , Metallica fusionne le riffing complexe de New Wave de groupes britanniques de Heavy Metal comme Judas Priest , Iron Maiden et Diamond Head avec la vélocité de Motörhead et du punk hardcore. James Hetfield Le style de guitare rythmique très technique anime la majeure partie de l’album, établissant de nouvelles normes de puissance, de précision et d’endurance.
Mais vraiment, le reste du groupe est tout aussi adroit, jouant avec une fureur contrôlée, même aux tempos les plus ridiculement rapides. Il existe déjà plusieurs compositions étendues et multi-sections préfigurant les épopées progressives ultérieures du groupe, bien que celles-ci soient motivées par l’adrénaline, pas par la texture.
Quelques hommages au heavy metal lui-même sont un peu datés lyriquement; comme Diamond Head , la plus grande influence du groupe, le son le plus efficace de Kill ‘Em All est celui de la malveillance surnaturelle – en tant que son pur, le disque est déjà tout droit sorti des enfers. Ex-membre Dave Mustainea co-écrit quatre des dix pistes originales, mais le matériau fait tous les sons d’une pièce.
Et en fait, quiconque a travaillé en arrière dans le catalogue du groupe pourrait ne pas apprécier pleinement l’impact de Kill ‘Em All lors de sa première apparition – contrairement aux versions ultérieures, il n’y a tout simplement pas beaucoup de variations musicales (à part un solo de basse lyrique de Cliff Burton ). L’ambition musicale du groupe a également grandi rapidement, alors aujourd’hui, Kill ‘Em All sonne plus comme le fondement de plus grandes choses à venir.
Mais cela n’enlève rien à la fraîcheur de son son lors de la première sortie, et le temps n’a pas atténué la montée vertigineuse de l’excitation dans ces performances. Effrayant, impressionnant et absolument implacable, Kill ‘Em All est un pouvoir destructeur pur, exécuté avec des niveaux de précision scientifique à couper le souffle.
Metallica : Master of Puppets 1986
Même si Master of Puppets n’a pas fait un bond en avant aussi gigantesque que Ride the Lightning , c’était la plus grande réussite du groupe, saluée comme un chef-d’œuvre par des critiques bien en dehors du public principal du heavy metal.
Il a également été un succès substantiel, atteignant le Top 30 et se vendant à trois millions d’exemplaires malgré une diffusion aérienne absolument inexistante. Au lieu d’une réinvention radicale, Master of Puppets est un raffinement des innovations passées.
En fait, il est possible de comparer la chanson Ride the Lightning et Master of Puppets pour la chanson et de noter les similitudes frappantes entre les positions de piste correspondantes sur chaque enregistrement .
Metallica concert
Ce soupçon de conservatisme est vraiment le seul défaut imaginable ici. Bien que ce ne soit pas aussi surprenant que Ride the Lightning , Master of Puppets se sent plus unifié, à la fois sur le plan thématique et musical. Tout y est explosé dans des proportions épiques (en effet, les chansons sont en moyenne beaucoup plus longues), et le groupe se sent plus en contrôle de sa direction.
Cependant, vous ne le sauriez jamais par les paroles – d’une manière ou d’une autre, presque toutes les chansons de Master of Puppets traitent de la peur de l’impuissance. Parfois, il s’agit d’une autorité hypocrite (chefs militaires et religieux), parfois d’impulsions humaines primaires et incontrôlables (drogues, folie, rage), et,Mode HP Lovecraft , parfois des monstres.
Pourtant, en coupant l’album avec deux tranches de chaos de thrash (« Battery » et « Damage, Inc. »), le groupe règne triomphant par la force – du son, de la volonté, de la méchanceté. Les arrangements sont épais et musclés, et le matériau varie suffisamment en texture et en tempo pour retenir l’intérêt à travers tous ses rebondissements.
Certains critiques ont appelé Master of Puppets le meilleur album de heavy metal jamais enregistré; si ce n’est pas le cas, cela se rapproche certainement. [En 2017, le groupe a sorti une énorme édition élargie de l’album avec une variété d’options de package physique, dont la plus ambitieuse était un coffret exhaustif qui comprenait un livre relié, des extraits et des interviews inédites, trois LP, dix CD, un cassette, deux DVD, une lithographie, un dossier avec des paroles manuscrites et un ensemble de six boutons.]
Après avoir sorti leur chef-d’œuvre Master of Puppets en 1986, la tragédie a frappé le groupe lorsque leur bus de tournée s’est écrasé lors d’un voyage en Suède.
Burton est décédé dans l’accident. Lorsque le groupe a décidé de continuer, Jason Newsted a été choisi pour remplacer Burton ; deux ans plus tard, le groupe a sorti le concept ambitieux … Et Justice for All , qui a frappé le Top Ten sans aucun single et très peu de soutien de MTV.
Metallica : And Justice for all
L’aspect le plus immédiatement perceptible de … Justice for all n’est pas la composition sophistiquée toujours croissante de Metallica ou le portrait lyrique apocalyptique d’une société en décadence. C’est la production étrange et sèche.
Les guitares bourdonnent légèrement, les tambours cliquent plus que les livres et la basse de Jason Newsted est presque inaudible. C’est dommage que le son froid et plat obscurcisse certains détails sonores, parce que … Et Justice for all est l’œuvre la plus complexe et ambitieuse de Metallica ; chaque chanson est une suite étendue, avec seulement deux des neuf pistes en moins de six minutes.
Metallica concert
Metallica concert
Il faut du temps pour s’enfoncer, mais compte tenu du temps, … Et Justice for all révèle pour certains, le meilleur matériau de Metallica . Il révèle également la détermination du groupe à retirer tous les arrêts de composition, en ajoutant des sections supplémentaires, des signatures rythmiques impaires et des toiles denses d’arpèges de guitare et de pistes harmonisées. Parfois, il semble qu’ils le font simplement parce qu’ils le peuvent; certaines parties de l’album manquent de direction et auraient probablement dû être coupées pour le moment.
En ce qui concerne le rythme, l’album suit à nouveau de manière lâche le plan de Ride the Lightning , mais pas aussi étroitement que Master of Puppets. Cette fois-ci, la quatrième chanson – une fois de plus une ballade avec un refrain thrashy et un outro – a donné au groupe l’un des 40 singles les plus incroyables de l’histoire; « One » était un classique du métal instantané, basé sur le roman anti-guerre de Dalton Trumbo Johnny Got His Gun et culminant avec une imitation de mitrailleuse pulvérisée.
Dans l’ensemble, les opinions sur And Justice for all restent quelque peu divisées: certains pensent que c’est un chef-d’œuvre légèrement imparfait et le summum des années progressistes de Metallica ; d’autres le voient comme gonflé et trop ambitieux. L’une ou l’autre interprétation peut être facilement appuyée, mais le groupe a clairement pris cette direction aussi loin qu’il le pouvait.
La difficulté de reproduire ces chansons en concert a finalement convaincu Metallica qu’il était temps de procéder à une refonte.
Metallica 1991
Metallica a complètement traversé le courant dominant avec Metallica de 1991, un effort éponyme qui a permis au groupe d’échanger ses longues compositions contre des structures de chansons plus concises. Parsemé de succès comme « Wherever I May Roam » et « Enter Sandman », il en est résulté un album numéro un qui s’est vendu à plus de sept millions d’exemplaires aux États-Unis seulement.
Pour soutenir le record, Metallica a lancé une longue tournée qui a gardé les musiciens sur la route pendant près de deux ans.
Après la production confuse et les structures de chansons ultra compliquées de … And Justice for All , Metallica a décidé qu’ils avaient poussé les éléments progressifs de leur musique aussi loin qu’ils le pouvaient et qu’une simplification et une rationalisation de leur son était de mise. Bien que l’évaluation ait du sens d’un point de vue musical, elle a également été l’occasion de commercialiser leur musique, et Metallica atteint les deux objectifs.
Metallica concert
Les meilleures chansons sont plus mélodiques et immédiates, les grooves écrasants et dépouillés de « Enter Sandman », « Sad but True » et « Wherever I May Roam » qui collent aux structures traditionnelles et utilisent les mêmes riffs principaux; la production nette et professionnelle de Bob Rock ajoute à leur accessibilité.
« The Unforgiven » et « Nothing Else Matters » évitent les riffs de guitare slash-and-burn qui ont toujours rythmé les ballades du groupe; ce dernier est une chanson d’amour à part entière avec une section de cordes, qui fonctionne beaucoup mieux que l’on pourrait imaginer.
L’écriture de chansons et de riff glisse ici et là, un événement rare pour Metallica , que certains fans de longue date ont interprété comme un remplisseur à côté d’un lot de singles calculé pour le succès commercial.
Les objections portaient souvent davantage sur l’idée que Metallica faisait quelque chose de explicitement commercial, mais des millions d’autres n’étaient pas d’accord. En fait, la popularité du groupe a explosé à tel point que la plupart de son catalogue arrière a trouvé une acceptation générale à part entière, tandis que d’autres groupes de speed metal progressivement inclinés copiaient le mouvement vers la simplification.
Rétrospectivement, Metallica est un bon groupe, mais pas tout à fait génial, dont les meilleurs moments ont mérité à juste titre la couronne du heavy metal, mais dont l’approche a également laissé présager un déclin créatif.
Dans les années 90, Metallica avait changé les règles de tous les groupes de heavy metal; ils étaient les leaders du genre, respectés non seulement par les headbangers, mais par les acheteurs et les critiques de disques traditionnels.
Metallica : Load et Re-load
Aucun autre groupe de heavy metal n’a jamais réussi un tel exploit. Cependant, le groupe a perdu une partie de son public principal avec son suivi tant attendu de Metallica , 1996’s Load .
L’album déplace le groupe vers le rock alternatif en termes d’image – les membres du groupe se coupent les cheveux et se font prendre en photo par Anton Corbijn . Bien que l’album ait été un succès dès sa sortie d’été, entrant dans les palmarès au premier rang et se vendant à trois millions d’exemplaires en deux mois, certains membres de la « fan base » de Metallica s’est plainte du changement d’image, ainsi que de la décision du groupe de faire le Lollapalooza.
Metallica concert
Re-Load , qui combinait du nouveau matériel avec des chansons qui n’avaient pas été enregistrées par Load , est apparu en 1997; malgré de mauvaises critiques, il s’est vendu à un rythme généralement soutenu et a donné naissance à plusieurs singles à succès, dont « Fuel » et « The Memory Remains ».
Metallica : Garage Inc, une collection de faces B
Garage Inc.,une collection de faces B, de raretés et de covers re enregistrées, a suivi en 1998. La prise de Metallica sur « Turn the Page » de Bob Seger a aidé à maintenir leur présence dans les charts, et le groupe a poursuivi son flot de produits avec S&M en 1999 avec l’Orchestre symphonique de San Francisco .
L’album fait ses débuts dans les charts directement en seconde position, reconfirmant l’immense popularité du groupe.
Metallica a passé la majeure partie de 2000 dans la controverse en menant une attaque judiciaire contre Napster, un service de partage de fichiers qui permettait aux utilisateurs de télécharger des fichiers musicaux à partir de leurs ordinateurs respectifs.
Ciblant de manière agressive la violation des droits d’auteur de leur propre matériel, Metallica a notoirement fait condamner plus de 300 000 utilisateurs, créant un débat généralisé sur la disponibilité de la musique numérique qui a fait rage pendant la majeure partie de l’année.
En janvier 2001, le bassiste Jason Newsted a annoncé son départ amical du groupe. Peu de temps après que le groupe soit apparu aux ESPN Awards en avril de la même année, Hetfield , Hammett et Ulrichest entré dans le studio d’enregistrement pour commencer à travailler sur leur prochain album, avec le producteur Bob Rock qui s’occupera de la basse pour les sessions (pendant ce temps, des rumeurs circulaient sur l’ancien bassiste Ozzy Osbourne / Alice in Chains Mike Inez étant envisagé pour le poste vacant).
En juillet, Metallica a abandonné son procès contre Napster, sentant peut-être que leur position controversée faisait plus de mal que de bien à leur image de « groupe du peuple ».
Le même été, les sessions d’enregistrement du groupe (et toutes les autres questions liées au groupe) ont été suspendues alors que Hetfield entrait dans un centre de réadaptation non divulgué pour alcoolisme et autres dépendances. Il a terminé le traitement et a rejoint Metallica alors qu’ils retournaient au studio en 2002 pour enregistrer St. Anger , qui était sorti mi-2003.
L’enregistrement de St. Anger a été couronné par la recherche d’un remplaçant permanent pour Newsted . Après un long processus d’audition, l’ancien bassiste d’ Ozzy Osbourne / Suicidal Tendencies , Robert Trujillo, a été sélectionné et a rejoint Metallica pour leur tournée mondiale 2003-2004.
Les douleurs croissantes que le groupe a connues pendant l’enregistrement de St. Anger ont été capturées dans le célèbre documentaire Some Kind of Monster , qui a vu le jour en 2004. Quatre ans plus tard, le groupe est revenu avec Death Magnetic, un album énergique qui a ramené le groupe à ses racines du début des années 80.
L’ancien producteur de Slayer , Rick Rubin, a dirigé l’album, après avoir remplacé le producteur de longue date du groupe, Bob Rock , tandis que Kirk Hammett (à qui il était interdit de jouer des solos de guitare sur St.Anger ) a parsemé le disque de riffs métalliques et de solos frénétiques.
Metallica : Death Magnetic
Death Magnetic a passé trois semaines numéro un des charts Billboard et le groupe l’a soutenu avec une vaste tournée internationale qui comprenait un concert de festival avec Slayer , Megadeth et Anthrax .
Metallica a conclu son contrat Warner avec Death Magnetic – les extraits des sessions sont apparus sous le nom de Beyond Magnetic EP fin 2011 – et alors qu’ils exploraient leurs options, ils ont entamé une collaboration avec Lou Reed , libérant l’ambitieux et arty Lulu dans à l’automne 2011.
En 2012, Metallica a lancé son propre label, Blackened, qui serait distribué par Universal; puis, l’année suivante, ils ont annoncé la sortie de leur deuxième film, Through the Never , qui combinait des images de concert spectaculaires d’eux explosant à travers les joyaux de leur catalogue arrière avec une odyssée surréaliste de road-trip avec Dane DeHaan.
Le film et l’album de la bande originale qui l’accompagne sont sortis en septembre 2013.
Au cours des prochaines années, Metallica a joué le concert occasionnel de haut niveau alors qu’ils travaillaient sur un nouvel album studio.
En 2016, le groupe a lancé une série de rééditions étendues, à commencer par les éditions de luxe de Kill ‘Em All et Ride the Lightning . Ces rééditions étaient le préambule de la publication de novembre de Hardwired … To Self-Destruct , un double album qui fut la première nouvelle musique du groupe en huit ans.
Produit par Greg Fidelman , James Hetfield et Lars Ulrich , Hardwired … To Self-Destruct a fait ses débuts au numéro un dans le monde lors de sa sortie en novembre 2016. L’année suivante, le groupe a sorti une édition massive et élargie de leur LP historique de 1986, Master of Puppets .
L’histoire continue pour Metallica…
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Metallica est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 à Los Angeles, en Californie. Les membres fondateurs du groupe étaient le chanteur et guitariste James Hetfield et le batteur Lars Ulrich, qui ont ensuite été rejoints par le guitariste Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.
Le groupe est devenu célèbre dans les années 1980 et 1990 pour leur style musical rapide et agressif, leurs paroles puissantes et leurs performances scéniques énergiques.
2. Quel est le style musical de Metallica ?
Metallica est souvent considéré comme un pionnier du thrash metal, un sous-genre du heavy metal qui se caractérise par des tempos rapides, des riffs de guitare puissants et une agressivité générale. Le groupe est également connu pour son utilisation de solos de guitare complexes et ses paroles sombres et introspectives.
3. Quels sont les membres actuels de Metallica ?
Les membres actuels de Metallica sont James Hetfield (chant, guitare rythmique), Lars Ulrich (batterie), Kirk Hammett (guitare solo) et Robert Trujillo (basse). Le groupe n’a pas changé de formation depuis l’arrivée de Trujillo en 2003, faisant de cette période la plus longue période de stabilité dans l’histoire de Metallica.
4. Quel est l’album le plus vendu de Metallica ?
Le cinquième album studio de Metallica, « Metallica« , communément appelé le « Black Album », est l’album le plus vendu du groupe à ce jour. Sorti en 1991, l’album comprend des chansons comme « Enter Sandman », « The Unforgiven » et « Nothing Else Matters », qui sont devenues des classiques du genre.
« Metallica » s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires dans le monde entier et a propulsé le groupe au rang de superstar mondial.
5. Quelles sont les chansons les plus populaires de Metallica ?
Metallica a sorti de nombreux tubes tout au long de leur carrière, mais quelques-unes des chansons les plus populaires du groupe comprennent « Enter Sandman », « Master of Puppets », « One », « Nothing Else Matters », « The Unforgiven » et « Fade to Black ».
Ces chansons sont souvent considérées comme des classiques du genre et sont régulièrement jouées lors des concerts de Metallica.
6. Quels sont les prix et distinctions remportés par Metallica ?
Metallica a remporté de nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière. Ils ont remporté neuf Grammy Awards, dont deux pour le meilleur album de heavy metal. En 2009, ils ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame, et en 2018, ils ont reçu le prix Polar Music de la musique, qui est considéré comme le prix Nobel de la musique.
7. Quelle est l’histoire de la rivalité entre Metallica et Megadeth ?
Metallica et Megadeth sont deux groupes de thrash metal qui ont émergé de la scène musicale de la baie de San Francisco dans les années 1980. Dave Mustaine, le fondateur de Megadeth, était en fait un ancien membre de Metallica, mais a été renvoyé du groupe en 1983 en raison de conflits personnels.
Cette rupture a engendré une rivalité entre les deux groupes qui a duré des années, alimentée par des interviews publiques et des chansons dissidentes. Cependant, au fil du temps, les relations entre les membres des deux groupes se sont améliorées et la rivalité s’est atténuée.
8. Quel est l’impact de Metallica sur la musique métal ?
Metallica est considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire du heavy metal. Leur style musical rapide et agressif a inspiré de nombreux groupes de thrash metal et de sous-genres connexes, tandis que leurs paroles sombres et introspectives ont également eu un impact sur les paroles de nombreux groupes de métal.
Metallica est également connu pour leur approche innovante de l’industrie musicale, notamment leur utilisation précoce d’Internet pour communiquer avec leurs fans.
9. Quel est l’avenir de Metallica ?
Bien que les membres de Metallica soient tous dans la cinquantaine ou la soixantaine, le groupe continue de tourner et d’enregistrer de la musique. Ils ont récemment sorti leur dixième album studio, « Hardwired… to Self-Destruct », en 2016, et ont fait plusieurs tournées mondiales depuis lors.
Bien que l’avenir de Metallica soit incertain, les membres du groupe ont exprimé leur intention de continuer à faire de la musique et à jouer des concerts pour leurs fans.
La photo artistique est une photographie créée conformément à la vision du photographe en tant qu’artiste, utilisant la photographie comme moyen d’expression créative.
Le but de la photo artistique est d’exprimer une idée, un message ou une émotion. Cela contraste avec la photographie figurative, comme le photojournalisme, qui fournit une relation visuelle documentaire de thèmes et d’événements spécifiques, représentant littéralement la réalité objective, et non l’intention subjective du photographe; et la photographie commerciale dont le but principal est la publicité de produits ou de services.
La Photo artistique
L’invention de la photo artistique : Les années 40
Un historien de la photographie a affirmé que « le premier représentant des » beaux-arts « ou de la photographie de composition était John Edwin Mayall », qui a exposé des daguerréotypes représentant la prière du Seigneur en 1851. » Margaret Cameron, Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres Aux États-Unis, F. Holland Day, Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont aidé à faire de l’art photographique, et Stieglitz était particulièrement connu pour être inclus dans les collections du musée.
La Photo artistique
La photo artistique dans les années 60
En 1960, la photographie n’était pas vraiment considérée comme des beaux-arts en Grande-Bretagne.
Le Dr SD Jouhar a déclaré lors de la fondation de la Société des beaux-arts de la photographie – «La photographie n’est plus considérée aujourd’hui que comme de l’artisanat. la photographie a été reconnue comme beaux-arts dans certains quartiers officiels, elle est présentée dans les galeries et expositions comme de l’art. Dans ce salon de Londres, il n’y a pas de reconnaissance appropriée pour la photographie d’image, mais elle n’est généralement pas comprise comme de l’art.
Que l’œuvre ait ou non une valeur esthétique, elle s’appelle « photographie d’image », terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail, en sa dignité et en sa valeur esthétique, ce qui l’oblige à être reconnu comme un art plutôt que comme un métier. »
La photo artistique dans les années 70
Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs espèces dominaient, comme les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams). Les artistes révolutionnaires vedettes des années 1970 et 1980, tels que Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Robert Farber et Cindy Sherman, s’appuyaient toujours sur ces genres, même s’ils les regardaient avec des yeux neufs.
D’autres ont étudié une approche esthétique immédiate. Des organisations américaines telles que l’Aperture Foundation et le Museum of Modern Art ont fait beaucoup pour maintenir la photographie à la pointe des beaux-arts. La création du département photographie par le MOMA en 1940. La première nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur est souvent citée comme une confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.
La Photo artistique
De nos jours…
Actuellement, il y a une tendance à régler et à éclairer soigneusement l’image, au lieu d’espérer la « découvrir » prête.
Des photographes comme Gregory Crewdson et Jeff Wall sont connus pour la qualité des oeuvres exposées. De plus, les nouvelles tendances technologiques de la photographie numérique ont ouvert une nouvelle direction dans la photographie à spectre complet, où un filtrage minutieux des choix par ultraviolet, visible et infrarouge conduit à de nouvelles visions artistiques.
Comme la technologie d’impression s’est améliorée depuis environ 1980, les tirages d’art reproduits dans un livre finement imprimé à partir d’une édition limitée sont devenus le sujet d’intérêt des collectionneurs.
Selon Art Market Trend en 2005, 7.000 photos artistique ont été vendues dans des salles de vente aux enchères, et les photos ont enregistré une augmentation annuelle moyenne de 7,6% en 1994-2004. Environ 80% des photo artistique ont été vendus aux États-Unis. Bien entendu, les enchères ne représentent qu’une fraction du total des ventes privées.
Il existe actuellement un marché de collectionneurs de photo artistique en plein développement dans lequel les photographes les plus recherchés créeront des tirages d’archives de haute qualité dans des éditions strictement limitées.
La Photo artistique
Les tentatives des vendeurs d’art en ligne pour vendre de belles photos au grand public ainsi que des tirages d’images ont produit des résultats mitigés, avec de fortes ventes provenant uniquement de «grands noms» traditionnels de la photographie, comme Ansel Adams.
En plus du «mouvement numérique» vers la manipulation, le filtrage ou les changements de résolution, certains grands artistes recherchent intentionnellement un «naturaliste», y compris «l’éclairage naturel» comme une valeur en soi.
Parfois, une œuvre d’art, comme dans le cas de Gerhard Richter, consiste en une image photographique, qui a ensuite été peinte avec des peintures à l’huile et / ou a une signification politique ou historique au-delà de l’image même elle-même. L’existence de «peint avec une projection photographique» brouille désormais la frontière entre peinture et photographie, traditionnellement absolue.
Taille du cadre et impression
Jusqu’au milieu des années 1950, les photos artistiques étaient largement considérées comme un encadrement vulgaire et prétentieux de photographies à exposer dans la galerie.
Les impressions étaient généralement simplement collées sur un panneau ou du contreplaqué ou sur un cadre blanc dans la chambre noire, puis épinglées aux coins des panneaux d’affichage.
Les tirages ont donc été montrés sans les masquer par la réflexion du verre. La célèbre exposition de Steichen, The Family of Man, n’était pas encadrée, les peintures étaient collées sur les panneaux. Même en 1966, l’exposition MoMA de Bill Brandt n’était pas encadrée et de simples impressions étaient collées sur du contreplaqué fin.
Du milieu des années 1950 à environ 2000, la plupart des objets exposés dans la galerie étaient imprimés sur verre. Depuis 2000 environ, on observe une tendance notable à montrer des gravures de galeries modernes sur des planches et sans verre.
Photo artistique et Politique
La photo artistique apparaît principalement comme une expression de la vision de l’artiste, mais en tant que sous-produit, elle joue un rôle important dans la réalisation de certaines des causes.
Un exemple est le travail d’Ansel Adams à Yosemite et Yellowstone. Adams est l’un des photographes les plus reconnaissables du 20e siècle et il était un ardent promoteur de la protection de la nature. Alors que son objectif principal était la photographie en tant qu’art, une partie de son travail a sensibilisé à la beauté de la Sierra Nevada et aidé à obtenir un soutien politique pour leur protection.
Cette photo a également eu un impact sur la censure et le droit à la liberté d’expression, en raison de son inquiétude pour le corps nu.
Bien que la photo artistique puisse coïncider avec de nombreux autres types de photographie, le chevauchement de la photographie de mode et du photojournalisme mérite une attention particulière. En 1996, il a été annoncé qu ‘ »il y a eu récemment un flou entre l’illustration commerciale et la photographie artistique », notamment dans le domaine de la mode. Les preuves de chevauchement de la photo artistique et de la mode comprennent des conférences, expositions, foires, comme Art Basel Miami Beach et des livres.
L’essai photo et la photo artistique coïncident avec « la fin des années 1960 et 1970, lorsque … les photographes de presse ont pris contact avec la photographie et la peinture artistique ». En 1974, le Centre international de photographie a été ouvert, mettant l’accent à la fois sur le « photojournalisme humanitaire » et la « photographie artistique ».
En 1987, « Des photos prises lors de missions pour des magazines et des journaux apparaissent régulièrement [ed.] – dans des cadres – sur les murs des musées et des galeries. » De nouvelles applications pour smartphone telles que Snapchat sont parfois utilisées pour la photographie artistique.
Bonus : Le travail d’Ansel Adams
Ansel Easton Adams (20 février 1902 – 22 avril 1984) Il était un photographe américain de paysage et d’environnement connu pour ses photos en noir et blanc de l’Ouest américain. Il a aidé à mettre en place le groupe f / 64, une association de photographes prônant la photographie « propre » qui favorisait la mise au point nette et l’utilisation de toute la gamme tonale de la photographie.
En collaboration avec Fred Archer, ils ont développé un système de création d’image exigeant appelé système zonal, une méthode pour obtenir l’impression finale souhaitée par une compréhension technique approfondie de la façon dont la gamme tonale est enregistrée et développée dans l’exposition, le développement négatif et les impressions. La clarté et la profondeur qui en résultent caractérisent sa photographie.
Photo artistique : Ansel Adams
Adams a toujours été un défenseur de la protection de l’environnement, et sa pratique photographique était profondément liée à cette intercession. À l’âge de 12 ans, il a reçu son premier appareil photo lors de sa première visite au parc national de Yosemite. Il a développé son premier travail photographique en tant que membre du Sierra Club. Il a ensuite été employé par le Département américain de l’intérieur pour photographier les parcs nationaux. Pour son travail acharné et son soutien, qui ont contribué à étendre le réseau de parcs nationaux, il a reçu en 1980 la Médaille présidentielle de la liberté.
Adams a été un conseiller clé dans la création du département de photographie au Museum of Modern Art de New York, qui est une étape importante pour assurer la légitimité institutionnelle de la photographie. Il a aidé à organiser la première exposition de photos dans ce département, a contribué à la création du magazine de photographie Aperture et a été co-fondateur
le Center for Creative Photography de l’Université de l’Arizona
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le 13 septembre 2019, les maîtres du métal californiens Kornont organisé un événement privé pour certains de leurs plus grands fans à Los Angeles afin de fêter la sortie du nouvel album : KORN The Nothing .
Le concert a eu lieu avec la reproduction de la pochette de l’album en live avec l’aide d’un performer suspendu au dessus de la scène aux Studios ShowBiz. Le tournage et la mise en scène ont été supervisés par le vidéaste et compagnon de longue date du groupe, l’excellent Sébastien Paquet.
Le film de concert est maintenant disponible. Vois pouvez le regarder en entier avec les commentaires du groupe.
Korn a déclaré à propos de ce concert étonnant et magique de près de 50 minutes: «C’est pour vous tous qui nous soutenez et n’avez pas pu assister à cet événement exclusif. Nous espérons que vous apprécierez cette expérience. »
1. Falling Away From Me
2. You’ll Never Find Me
3. Dead Bodies Everywhere
4. Can You Hear Me
5. Here to Stay
6. Cold
7. Clown
8. Finally Free
9. Faget
L’histoire du groupe Korn
Le son cathartique de Korn positionne le groupe comme l ‘un des plus populaires et les plus provocateurs à voir le jour dans les années 1990.
À l’avant-garde du mouvement nu-métal / rap-rock de l’époque, ils ont rapidement évolué, développant un style de marque qui comprenait des guitares dissonantes, une section rythmique groove-heavy, une production atmosphérique hantée et des paroles sombres du chanteur Jonathan Davis.
Korn s’est attaqué à des thèmes tels que les traumatismes infantiles, les comportements destructeurs et les démons intérieurs.
Leur premier album en 1994, Korn, a construit un public, Life Is Peachy de 1996, qui a lancé le groupe du bas des charts dans le Top Tree.
Quatre ans seulement après leur apparition, ils possédaient un numéro un: le blockbuster Follow the Leader , qui abrite «Freak on a Leash» et «Got the life ».
Clôturant la décennie au sommet des charts avec Issues, Korn est resté l’un des plus grands groupes de rock américain dans les années 2000, publiant une série d’albums certifiés platine: Untouchables (2002), Take a Look in the Mirror (2003) et See You on l’autre côté (2005).
Après quelques détours à la fin des années 2000, ils se sont tournés vers le monde électronique, en embauchant des DJs comme Skrillex pour aider à produire le du bstep-blasted Le Path of totality en 2011.
À la fin des années 2010, Korn n’a pas souhaité s’installer dans une zone de confort avec The Paradigm Shift, The Serenity of Suffering et The nothing ont tous favorisé leur développement sonore vers quelque chose de plus mature.
Les débuts de Korn
Le groupe commence son existence en tant que groupe de métal basé à Bakersfield, en Californie, LAPD, qui comprenait les guitaristes James « Munky » Shaffer et Brian « Head » Welch , le bassiste Reginald « Fieldy » Arvizu et le batteur David Silveria .
Après avoir publié un LP en 1993, les membres de LAPD croisent la route de Jonathan Davis, un étudiant en sciences mortuaires et chanteur principal du groupe local Sexart. Ils demandent à Davis de rejoindre le groupe et, à son arrivée, le quintette se rebaptise Korn .
Ils enregistrent leur démo avec Ross Robinson (Limp Bizkit , Slipknot ), qui deviendra l’un des producteurs de rock les plus recherchés à la fin des années 90.
L’album KORN
Après avoir signé sur Immortal, ils sortent leur premier album éponyme à la fin de 1994.
Avec un calendrier de tournée implacable qui comprend des premières parties d’Ozzy Osbourne , Megadeth , Marilyn Manson et 311, Korn progresse lentement mais régulièrement dans les charts, finissant par remporter un disque d’or pour le single single « Blind ».
Combinant un contenu lyrique sombre sur la maltraitance des enfants, la molestation, la discrimination et la toxicomanie avec des influences hip-hop et des guitares novatrices, Korn devient involontairement le représentant du mouvement surnommé nu-métal.
KORN concert – crédit photo Eric CANTO
Life is Peachy // Follow the leader
En 1996, Life Is Peachy, est un succès plus immédiat, atteignant la troisième place du classement des albums pop. L’album comprend « ADIDAS » et une reprise de « Wicked » d’ Ice Cube avec le leader de Deftones Chino Moreno .
En 1998, Korn sort Follow the Leader, leur plus gros album à ce jour. L’album fait ses débuts au sommet du Billboard 200, donnant naissance aux singles à succès « Got the Life » et « Freak on a Leash ». Ils remportent un Grammy pour la vidéo « Freak on a Leash » et, parmi les boys band et les starlettes pop.
La même année, le groupe lance le premier relais de leur tournée Family Values , avec une programmation composée d’amis: Limp Bizkit , le rappeur Ice Cube , le groupe de métal industriel allemandRammstein et les premiers signataires de l’empreinte Davis, Elementree Records, Orgie. Follow the Leader est finalement devenu quintuple platine et s’est vendu à plus de dix millions d’exemplaires dans le monde.
KORN concert – crédit photo Eric CANTO
Issues
Après avoir terminé leur été avec une place sur la scène principale de Woodstock ’99, ils commencent la promotion de leur quatrième effort, Issues. Avec les singles « Falling Away from Me », « Make Me Bad » et « Somebody Someone », Issues continue à enfoncer la domination de Korn sur MTV, les radios rock et les Billboard.
Le groupe tourne à la sortie de l’album sur le Sick & Twisted Tour avec Staind , POD , Papa Roach et Powerman 5000. Une tournée américaine du stade baptisée Summer Sanitarium suit plus tard cette année-là avec Metallica , Kid Rock , Powerman 5000, et System of a Down.
Avant la sortie de leur prochain album, Fieldy sort un album de gangsta rap et Davis marque le film Queen of the Damned. À la fin de 2001, le groupe se réunit et entre en studio.
Untouchables // Take a look in the mirror
La popularité du groupe atteint un sommet vertigineux, il dévoile un nouveau son plus d’expérimental avec plus de chant de la part de Davis. « Untouchables », lauréat d’un Grammy, sort à l’été 2002, numéro deux derrière Eminem, avec les singles « Here to Stay » et « Thoughtless ».
Korn fait une série de dates sur l’Ozzfest et l’album est un nouveau succès, se vendant à plus de cinq millions d’exemplaires dans le monde.
Peu de temps après, le groupe sort l’auto-produit « Take a Look in the Mirror » en 2003. Présenté par Korn comme une reconsidération de leur son (ils ont même inclus une refonte du morceau de démonstration de Neidermayer « Alive »), l’album est accompagné du Back à la tournée Basics, qui a vu le groupe jouer dans des salles plus petites avec lors vieux amis Limp Bizkit .
Bien que l’album devienne multi-platine, cette époque marque le début de la baisse de popularité du groupe, une période encore aggravée par le départ du guitariste fondateur Welch , qui quitte le groupe en 2005 après sa conversion au christianisme.
See You on the Other Side
En décembre suivant, Korn sort « See You on the Other Side » , des titres qui présentent un lot de chansons prêtes à l’emploi co-écrites avec l’équipe de production pop à succès The Matrix ( Avril Lavigne , Britney Spears ). Other Side est le dernier travail du groupe avec leur batteur fondateur Silveria , qui quitte le groupe en 2006.
Live & Rare est sorti la même année, avec l’enregistrement acoustique live MTV Unplugged – avec Robert Smith de The Cure et Amy Lee d’ Evanescence – suivront en mars 2007. Plus tard cette année-là, le groupe refait surface avec un album décevant qui a été délibérément laissé sans titre (parfois appelé Korn II).
Sans Silveria , le groupe a recruté des batteurs invités pour contribuer au studio, notamment Terry Bozzio ( Frank Zappa ), Brooks Wackerman ( Bad Religion ) et même Jonathan Davis lui-même. Le groupe a finalement trouvé un remplacement permanent, l’incroyable Ray Luzier .
Korn III: Remember Who You Are
En 2010, Korn signe avec Roadrunner Records et retourne avec Ross Robinson. Leur neuvième album, Korn III: Remember Who You Are, est à la fois un retour aux sources et une projection vers le futur.
Cherchant une nouvelle direction, Korn travaille avec des producteurs électroniques comme Skrillex et Noisia, qui les aident à modifier leur son déjà lourd avec dubstep martelant sur leur dixième album teinté d’électronique, The Path of Totality en 2011. L’effort fait ses débuts au sommet du palmarès Billboard Dance / Electronic et était leur 11e LP à arriver dans le Top Ten du Billboard 200.
En mai 2012, le guitariste prodigue Welch est invité par le groupe sur une version de « Blind » lors d’un spectacle en Caroline du Nord.
Exactement un an plus tard, il annonce qu’il rejoint officiellement le groupe. Avec le groupe (presque) originale de retour, Korn se met à travailler sur leur 11e album.
The Paradigm Shift : le retour de Head
Ce premier album de Welch avec Korn en une décennie sort en octobre 2013. Inspiré par la brutalité mélodique de Issues et Untouchables , The Paradigm Shift entre directement dans le Top Ten des charts américain, allemand, autrichien et australien.
Pour le 20e anniversaire de leurs débuts, Korn fait une tournée mondiale en jouant Korn, le premier album, dans son intégralité.
The Serenity of Suffering // The nothing
En 2015, le groupe est retourné au studio pour enregistrer leur 12e LP. The Serenity of Suffering qui est sorti fin 2016. Il mettait en vedette le single « Rotting in Vain » et une apparition du chanteur de Slipknot, Corey Taylor, sur « A Different World ».
L’album atteint le numéro quatre sur le Billboard 200, leur plus haut niveau depuis 2010. C’est au milieu d’une tournée mondiale qu’ils commencent à enregistrer leur 13e album, The Nothing , avec le producteur Nick Raskulinecz .
Korn est aujourd’hui un groupe emblématique, dont le son particulier fait de ce groupe un incontournable de la scène métal actuelle. Pour un photographe de concert, la forte personnalité de chaque membre et l’ambiance sur scène permettent des clichés toujours intéressant.
Sur le 13e album The Nothing , le chanteur de Korn Jonathan Davis entraîne ses camarades de groupe avec lui, livrant le travail le plus vulnérable et le plus mature de l’équipe de métal vétéran à ce jour.
Intensément cathartique, ce sombre voyage est fortement influencé par le décès de l’épouse de Davis , Deven en 2018 , ce qui donne lieu à certains des travaux les plus douloureusement honnêtes qu’ils aient jamais produits. Les mots «brutal» et «lourd» sont des descripteurs fréquents du style musical caractéristique de Korn , mais ici ils prennent une nouvelle signification.
Psychologiquement, The Nothing est implacable, une plongée sans faille dans le chagrin et le désespoir qui suivent la mort prématurée d’un être cher.« l’honnêteté face à la laideur et au désordre de cette angoisse imprègne chaque piste, transformant la colère, la culpabilité et la frustration dans un cocktail puissant qui laisse peu de temps pour reprendre son souffle ou se cacher de l’agression.
En tant que tel, The Nothing est épuisant émotionnellement; mais pour ceux qui connaissent le processus de deuil, il est finalement cathartique dans sa vérité. Alors que la cornemuse funèbre retentit lors de l’ouverture du premier match «The End Begins», Davis hurle à plusieurs reprises «Pourquoi êtes-vous parti? à travers des cris bouillonnants et des sanglots déchirants. De là, le groupe – les guitaristes James « Munky » Shaffer et Brian « Head » Welch , le bassiste Reggie « Fieldy » Arvizu et le batteur Ray Luzier- servir d’unité de soutien émotionnel, offrant une attaque de précision typique pour aider Davis à surmonter son cauchemar personnel.
Alors que « Vous ne me trouverez jamais » et « Cold » secouent les auditeurs à leur apogée des années 90, « Idiosyncrasy » et « H @ rd3r » les poussent dans un territoire terriblement dur habituellement occupé par Slipknot . Alors que le groupe bat et poignarde, la production tourbillonnante les aspire dans l’abîme, créant une expérience ciblée qu’ils ont précédemment réalisée sur The Paradigm Shift , Issues et leurs débuts éponymes.
Bien que Davisa toujours été ouvert à propos de ses démons et de ses luttes, ses paroles parfois maladroites et inéloquentes font que ses vraies émotions semblent immatures et sous-développées. Ici, il y a une adulte et une vulnérabilité distinctes qui distinguent The Nothing d’une grande partie de leur œuvre – à l’exception de moments déchirants comme « Daddy » traumatique de 1994 – et la saignée de Davis est si manifestement réelle que, même après 25 ans, cela parvient à se sentir frais.
Sur l’avant-dernier morceau « This Loss », Davis réfléchit à sa vie, dépouillé de joie et volé de bonheur, acceptant son destin alors même qu’il hurle de désespoir: « Je veux la reprendre! » À ce bas vulnérable, The Nothing avale Davis avec plus proche « Surrender to Failure.NIN- like piano et imposants tambours, il expose son âme coupable dans un dernier confessionnal.
Alors que la houle s’estompe, il pleure: « J’ai échoué, j’ai échoué. » C’est l’un des moments les plus tristes de leur catalogue, un point bas qui, ironiquement, élève cet album à l’une de leurs déclarations les plus fortes. Korn a toujours excellé dans la douleur, mais avec The Nothing , c’est le plus authentique qu’il ait jamais été.
Introduction : Le métal en France, une passion inébranlable
Le métal, ce genre musical qui respire la puissance, la rébellion et l’énergie brute, a toujours trouvé un écho particulier en France. Et s’il y a bien un endroit où cette passion pour la musique extrême prend tout son sens, c’est dans les festivals. Des scènes enflammées aux pogos déchaînés, les festivals de métal sont plus qu’un simple rassemblement de fans : ce sont de véritables expériences immersives où la musique, la communauté et l’atmosphère créent une alchimie unique.
Que vous soyez fan de death metal, de black metal, ou simplement curieux de découvrir ce que le genre a à offrir, la France regorge de festivals qui font vibrer les cœurs et les âmes. Dans cet article, nous allons explorer le top 5 des festivals français dédiés au métal, des événements incontournables où la fureur sonore est à son paroxysme.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
1. Top 5 des Festivals français dédiés au métal :Hellfest (Clisson), Le Titan du Métal Français
1.1 Un mythe en pleine campagne
Commençons par l’incontournable : Hellfest, situé à Clisson en Loire-Atlantique. Créé en 2006, ce festival est aujourd’hui l’un des plus grands événements de métal au monde. Chaque année, ce sont des dizaines de milliers de métalleux qui se rassemblent pour assister à des concerts inoubliables.
Une programmation éclectique : Que vous soyez fan de black metal, de death metal, ou de heavy metal, Hellfest propose une programmation capable de satisfaire toutes les branches du métal. Des groupes légendaires comme Iron Maiden, Metallica, et Slayer y ont déjà joué, aux côtés de groupes émergents qui redéfinissent le genre.
Une expérience totale : Hellfest ne se contente pas de proposer des concerts. Le festival a construit une véritable ville temporaire avec ses propres décors, des installations d’art immersives, des bars thématiques, et une ambiance qui vous plonge dans un univers à part. La Hell City est devenue une attraction en soi, où chaque recoin offre une nouvelle expérience visuelle ou sonore.
1.2 Une communauté mondiale
Le Hellfest attire des visiteurs du monde entier. Que vous veniez de France, des États-Unis, ou du Japon, ce festival est un lieu où la passion pour le métal unit les fans. Les trois jours du festival offrent une immersion complète, où la solidarité et l’énergie collective sont palpables.
Pourquoi y aller ?
Parce qu’aucun autre festival en France ne peut prétendre à une telle ampleur. Hellfest, c’est LE rendez-vous des légendes du métal et des fans en quête de frissons.
1.3 Conseils pratiques pour profiter pleinement du Hellfest
Anticiper l’achat des billets : Les billets pour le Hellfest se vendent souvent en quelques minutes, alors il est crucial de planifier à l’avance. Soyez prêt à acheter dès l’ouverture des ventes pour ne pas manquer l’événement.
Camping ou hébergement ? : Le camping sur place est une excellente option pour profiter de l’ambiance festive 24h/24. Toutefois, si vous préférez un peu plus de confort, il existe des options d’hébergement à Clisson, mais elles se remplissent très rapidement.
Équipement de survie : Apportez des bouchons d’oreilles, une crème solaire, et surtout des chaussures confortables. Les journées sont longues, et vous voudrez être bien préparé pour profiter de chaque minute.
2. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Motocultor (Saint-Nolff), Le Petit Frère du Hellfest
2.1 Une ambiance plus intimiste
Situé en Bretagne, à Saint-Nolff, le Motocultor Festival est souvent considéré comme le petit frère du Hellfest, mais avec une ambiance plus conviviale et intimiste. Ce festival a vu le jour en 2007 et a rapidement gagné en popularité grâce à sa programmation variée et son cadre chaleureux.
Une programmation diversifiée : Bien que plus modeste que celle du Hellfest, le Motocultor accueille chaque année des pointures du métal ainsi que des groupes plus confidentiels. On y retrouve du death metal, du black metal, mais aussi des genres plus atypiques comme le folk metal ou le punk hardcore.
Un cadre authentique : Contrairement aux festivals de grande envergure, le Motocultor se déroule dans un cadre plus naturel, presque familial. Les fans de métal se retrouvent dans une ambiance conviviale, où les scènes sont proches, et où il est facile d’approcher ses groupes préférés.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
2.2 Le métal dans toutes ses déclinaisons
Le Motocultor se démarque par sa capacité à explorer toutes les facettes du métal. De la brutalité du grindcore à la mélodie du metal symphonique, ce festival met à l’honneur la diversité du genre.
Pourquoi y aller ?
Si vous cherchez une alternative plus intimiste au Hellfest, avec une ambiance chaleureuse et des rencontres authentiques entre passionnés, le Motocultor est fait pour vous.
2.3 La convivialité bretonne, un plus
Une ambiance plus détendue : Comparé à certains grands festivals où les foules peuvent être intimidantes, le Motocultor conserve une dimension humaine, permettant aux fans d’interagir plus facilement avec les artistes et de se sentir plus connectés à la communauté métal.
Un climat agréable : L’été breton est souvent plus frais que dans d’autres régions de France, ce qui est un atout pour un festival en plein air. Pensez tout de même à vous munir de vêtements chauds et imperméables, car la Bretagne est célèbre pour ses averses soudaines !
3. Top 5 des Festivals français dédiés au métal: Sylak Open Air (Saint-Maurice-de-Gourdans), L’Esprit du Métal Underground
3.1 Un festival à taille humaine
Le Sylak Open Air est un festival qui se déroule dans la charmante ville de Saint-Maurice-de-Gourdans, dans l’Ain. Bien que moins connu que le Hellfest ou le Motocultor, il se distingue par son esprit underground et sa proximité avec les artistes.
Un public fidèle : Ce festival, créé en 2011, attire chaque année un public fidèle, majoritairement composé de fans de métal extrême. Ce qui fait sa force, c’est son authenticité et sa capacité à réunir les passionnés de métal autour de concerts explosifs, le tout dans une ambiance détendue.
Une programmation pointue : Le Sylak met un point d’honneur à inviter des groupes qui incarnent la diversité du métal, tout en faisant la part belle à des genres plus extrêmes comme le grindcore, le thrash metal, ou encore le death metal. Des groupes comme Napalm Death, Testament, et Suicidal Tendencies ont déjà marqué la scène de leur empreinte.
3.2 Un cadre naturel et authentique
Le cadre du Sylak Open Air est un autre de ses atouts. Situé en plein cœur de la campagne, il offre une atmosphère unique, loin de l’agitation des grandes villes. Ici, pas de foule écrasante, juste du métal, de la bonne ambiance, et des décibels à gogo.
Pourquoi y aller ?
Si vous aimez les festivals où l’esprit underground domine, où vous pouvez profiter de concerts explosifs sans jouer des coudes dans une marée humaine, le Sylak est votre destination idéale.
3.3 Une ambiance intimiste pour les vrais fans
Proximité avec les groupes : L’un des grands avantages du Sylak est la possibilité d’être vraiment proche de la scène. Les fans apprécient cette proximité avec leurs artistes préférés, créant une interaction unique.
Des tarifs abordables : Comparé à d’autres festivals, les prix des billets du Sylak Open Air sont généralement plus abordables, ce qui le rend plus accessible aux jeunes et aux amateurs de métal qui veulent profiter d’un festival sans se ruiner.
Top 5 des Festivals français dédiés au métal
4. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Fall of Summer (Torcy), Le Métal Aquatique
4.1 Un cadre atypique au bord d’un lac
Le Fall of Summer est un festival unique en son genre. Situé à Torcy, à quelques kilomètres de Paris, ce festival a la particularité de se dérouler en plein été, au bord d’un lac. Imaginez un peu : écouter du black metal tout en profitant de la fraîcheur d’un cadre naturel, c’est le pari du Fall of Summer.
Une programmation rétro et moderne : Ce qui distingue le Fall of Summer des autres festivals, c’est sa volonté de marier les légendes du métal avec les nouvelles générations. Vous pouvez y voir des groupes cultes des années 80 et 90, comme Venom ou Sodom, partager l’affiche avec des groupes plus récents du death ou du doom metal.
Un festival pour les puristes : Le Fall of Summer attire un public de puristes, avec une programmation qui met l’accent sur des genres comme le black metal, le doom, et le thrash. Ici, pas de compromis : c’est du métal pur et dur, pour les amateurs de sonorités sombres et puissantes.
4.2 Un cadre rafraîchissant pour des musiques sombres
Le cadre du Fall of Summer est sans aucun doute l’une des raisons pour lesquelles ce festival se distingue. Se déroulant au bord d’un lac, il offre une pause rafraîchissante entre deux concerts brûlants. Vous pouvez profiter du paysage, vous détendre, puis replonger dans l’ambiance noire des concerts.
Pourquoi y aller ?
Pour son cadre unique, son mélange de générations de groupes, et son ambiance à la fois conviviale et sombre, le Fall of Summer est parfait pour ceux qui veulent une expérience immersive dans le métal, loin des grandes foules.
5. Top 5 des Festivals français dédiés au métal : Ragnard Rock Festival (Simandre-sur-Suran), Le Métal Viking
5.1 Un festival au cœur de la tradition viking
Le Ragnard Rock Festival est un événement unique en France, mêlant métal et culture viking. Situé à Simandre-sur-Suran, dans l’Ain, ce festival est plus qu’un simple rassemblement de fans de métal : c’est une immersion totale dans l’univers nordique.
Un festival thématique : Le Ragnard Rock se concentre sur des genres comme le folk metal, viking metal, et le pagan metal, où les groupes racontent des histoires épiques de batailles, de dieux et de héros. Le cadre est décoré pour ressembler à un village viking, et les festivaliers peuvent même participer à des reconstitutions historiques et des combats vikings.
Des performances épiques : Si vous êtes amateur de métal et de mythologie nordique, vous adorerez les performances de groupes comme Amon Amarth, Ensiferum, ou Moonsorrow, qui sont souvent programmés au Ragnard Rock.
5.2 Une immersion totale dans l’univers viking
Activités vikings : En plus des concerts, le festival propose des activités thématiques comme des reconstitutions de batailles, des démonstrations d’artisanat traditionnel, et des banquets vikings. C’est une véritable immersion culturelle autant qu’un festival de musique.
Un cadre enchanteur : Le festival se déroule dans un cadre pittoresque, avec des montagnes et des forêts en toile de fond, ce qui accentue l’ambiance épique et mythologique du festival.
Pourquoi y aller ?
Si vous voulez vivre une expérience totalement immersive, où la musique se mêle à la culture viking et aux légendes nordiques, le Ragnard Rock Festival est un must.
Conclusion : La France, une terre de festivals métal incontournables
La France n’est pas seulement un pays de gastronomie et de vin, elle est aussi devenue une terre de prédilection pour le métal. Chaque festival apporte sa propre ambiance, sa propre vision du genre, et offre une expérience unique. Que vous soyez en quête d’intimité, de légendes du métal, ou d’immersion dans une autre culture, il y a forcément un festival pour vous dans cette liste.
Festivals français dédiés au métal
FAQ sur les Festivals de Métal en France
1. Pourquoi la France est-elle devenue une destination incontournable pour les festivals de métal ?
La France a su se positionner comme une destination majeure pour les festivals de métal pour plusieurs raisons :
Diversité des genres : La scène métal française est incroyablement diversifiée, avec des festivals qui couvrent toutes les branches du métal, du heavy metal classique au black metal, en passant par des genres plus spécifiques comme le doom ou le folk metal. Cette pluralité attire des fans de toutes les sous-cultures du métal.
Proximité géographique : Grâce à sa situation géographique centrale en Europe, la France est facilement accessible pour les fans venant d’autres pays. Les festivals comme le Hellfest ou le Motocultor accueillent ainsi des visiteurs du monde entier, créant une ambiance internationale tout en restant ancrés dans la culture locale.
Qualité de l’organisation : Les festivals de métal en France, en particulier le Hellfest, sont réputés pour leur organisation impeccable, que ce soit en termes de sécurité, de confort pour les festivaliers ou de qualité sonore. Cela contribue à renforcer leur attractivité.
Atmosphère festive : Les Français sont connus pour leur goût des festivals et de la fête, ce qui se reflète dans les événements de métal. Les fans peuvent non seulement profiter des concerts, mais aussi d’une véritable ambiance de communauté, avec des bars à thème, des food trucks, et des espaces dédiés à la détente.
2. Quels sont les festivals de métal en France qui conviennent le mieux aux débutants ?
Si vous découvrez le monde du métal ou si vous souhaitez vous initier à l’ambiance des festivals, certains événements en France sont plus adaptés pour les débutants que d’autres.
Motocultor Festival : Avec sa programmation variée et son atmosphère plus intime que le Hellfest, le Motocultor est un excellent point de départ. Vous pourrez y découvrir différents sous-genres de métal sans être submergé par l’immensité d’un grand festival.
Fall of Summer : Ce festival plus modeste se déroule dans un cadre magnifique au bord d’un lac, créant une ambiance plus détendue. Avec une programmation mêlant des groupes légendaires et des découvertes, il est idéal pour les débutants qui cherchent une introduction en douceur au monde du métal.
Sylak Open Air : Ce festival à taille humaine offre un excellent rapport qualité/prix, et son public fidèle crée une atmosphère amicale et conviviale. Les débutants y trouveront une bonne porte d’entrée pour découvrir des groupes variés tout en profitant de l’ambiance chaleureuse.
3. Quels conseils pour profiter pleinement d’un festival de métal en France ?
Participer à un festival de métal est une expérience immersive, et il est essentiel d’être bien préparé pour en profiter au maximum. Voici quelques conseils pratiques pour une expérience inoubliable :
Préparez-vous physiquement : Les festivals peuvent être éprouvants physiquement, surtout si vous comptez rester debout pendant plusieurs concerts. Prévoyez des chaussures confortables, hydratez-vous régulièrement, et assurez-vous d’avoir des moments de pause entre les shows.
Soyez prêts pour les conditions météorologiques : La plupart des festivals de métal en France se déroulent en plein air. La météo peut être imprévisible, notamment en Bretagne pour le Motocultor. Apportez toujours une veste imperméable, un chapeau pour vous protéger du soleil, et une crème solaire.
Respectez l’ambiance : Les festivals de métal sont connus pour leur ambiance conviviale et respectueuse. Même si le public est souvent dynamique, avec des pogos ou des headbangs, l’esprit reste à la camaraderie. Si vous êtes novice dans le monde du métal, ne soyez pas intimidé. Engagez-vous dans l’ambiance, mais respectez les autres festivaliers.
Apportez des bouchons d’oreilles : La puissance sonore des concerts peut être impressionnante, surtout lors de festivals comme le Hellfest où plusieurs scènes diffusent des décibels en continu. Il est essentiel de protéger vos oreilles avec des bouchons auditifs, surtout si vous êtes près des enceintes.
4. Quelles sont les options d’hébergement pour les festivals de métal en France ?
Les options d’hébergement varient selon les festivals, mais voici les principales possibilités disponibles pour les festivaliers :
Camping sur place : La majorité des festivals, comme le Hellfest, le Motocultor, et le Sylak Open Air, offrent des espaces de camping spécialement aménagés pour les festivaliers. Le camping est souvent l’option la plus économique et permet de s’immerger pleinement dans l’ambiance du festival. Vous pourrez partager des moments avec d’autres fans, participer à des afterparties, et profiter de l’expérience 24h/24.
Hôtels et gîtes : Si vous préférez plus de confort, vous pouvez réserver un hôtel ou un gîte à proximité du festival. Attention, les places sont limitées et se remplissent très rapidement, surtout pour des événements majeurs comme le Hellfest. Pensez à réserver plusieurs mois à l’avance pour être sûr d’avoir un hébergement.
Logement chez l’habitant : Certains festivals, notamment dans des zones rurales, ont des partenariats avec les habitants locaux qui proposent des logements chez eux via des plateformes comme Airbnb. C’est une bonne option si vous souhaitez un peu plus de tranquillité après une journée intense de concerts.
5. Quels sont les groupes légendaires qui jouent régulièrement dans les festivals français ?
Les festivals français de métal sont célèbres pour attirer les plus grands groupes du genre. Voici quelques groupes légendaires qui apparaissent régulièrement dans les programmations :
Iron Maiden : L’un des groupes les plus influents du heavy metal, Iron Maiden est un habitué des scènes françaises. Leur présence au Hellfest est toujours un événement majeur, et leurs performances sont réputées pour leur intensité et leur spectacle visuel.
Metallica : Bien que rare, Metallica a déjà fait plusieurs apparitions dans les festivals français. Le groupe reste l’une des principales têtes d’affiche internationales lorsque des festivals parviennent à les inviter.
Slayer : Bien que Slayer ait récemment pris sa retraite, ils ont marqué de nombreuses éditions du Hellfest avec leurs performances légendaires. Les fans espèrent toujours un retour, même si cela semble peu probable.
Gojira : Le groupe français Gojira est un incontournable de la scène métal mondiale. Leur présence dans des festivals comme le Hellfest ou le Motocultor est toujours attendue avec impatience. Gojira continue de représenter le métal français à l’international.
Amon Amarth : Pour les fans de viking metal, Amon Amarth est un groupe de référence. Ils sont régulièrement présents dans les festivals français, offrant des performances épiques avec des thématiques nordiques.
6. Quels sont les défis logistiques des festivals de métal en France ?
Participer à un festival de métal peut représenter plusieurs défis logistiques, surtout pour les grands événements comme le Hellfest. Voici quelques points à anticiper :
Accès et transport : Le Hellfest, par exemple, se déroule à Clisson, une petite ville de Loire-Atlantique. Les transports en commun sont disponibles, mais il est essentiel de planifier à l’avance. Des navettes sont souvent mises en place depuis Nantes ou d’autres grandes villes, mais elles peuvent être bondées.
Circulation et parking : Si vous venez en voiture, soyez prêt à affronter des embouteillages autour du site, surtout lors des jours d’arrivée et de départ. Les parkings officiels sont nombreux, mais il est recommandé d’arriver tôt pour avoir une place convenable.
Sécurité : Les grands festivals prennent très au sérieux la sécurité des festivaliers. Les contrôles à l’entrée peuvent être longs, notamment lors des pics d’affluence. Il est conseillé de voyager léger et de ne pas apporter d’objets interdits (bouteilles en verre, armes, etc.) pour faciliter l’accès.
Gestion des repas : La plupart des festivals proposent des stands de nourriture variée, mais les files d’attente peuvent être longues. Vous pouvez apporter des snacks pour éviter de perdre du temps dans les files et profiter pleinement des concerts.
7. Le Hellfest est-il adapté aux familles ?
Bien que le Hellfest soit un festival orienté principalement vers les adultes et les passionnés de métal, certains visiteurs viennent en famille. Voici quelques points à considérer si vous envisagez d’y aller avec des enfants :
Ambiance festive, mais intense : Le Hellfest est un festival avec une atmosphère de fête, mais les concerts, les pogos, et l’ambiance générale peuvent être intimidants pour les jeunes enfants. Le niveau sonore est très élevé, et la foule peut être dense, surtout devant les scènes principales.
Options pour les familles : Bien que le festival ne soit pas spécifiquement conçu pour accueillir des familles, certaines zones du camping sont plus calmes et plus adaptées aux festivaliers recherchant une ambiance moins intense. Il est également possible de s’éloigner des zones les plus animées pour profiter de moments de tranquillité.
Protection auditive : Si vous venez avec des enfants, il est crucial de prévoir une protection auditive adaptée. Les casques anti-bruit sont fortement recommandés pour protéger les oreilles des plus jeunes, car le niveau sonore peut être dangereux pour leur audition.
8. Quels festivals de métal proposent des activités culturelles en parallèle des concerts ?
Certains festivals de métal en France ne se limitent pas aux concerts, mais proposent également des activités culturelles et des expériences immersives :
Ragnard Rock Festival : Ce festival met en avant des reconstitutions vikings, des démonstrations d’artisanat traditionnel, et des banquets médiévaux. C’est une véritable immersion dans la culture nordique, avec des activités qui vont bien au-delà de la simple musique.
Hellfest : Bien que majoritairement axé sur les concerts, le Hellfest propose également des installations artistiques, des expositions, et des performances visuelles qui viennent enrichir l’expérience. L’Hell City Square, avec ses décors spectaculaires et ses bars à thème, est un espace où la culture métal est célébrée sous toutes ses formes.
Motocultor Festival : Ce festival breton met parfois en place des conférences, des expositions d’art, et des stands de merchandising artisanal, offrant ainsi aux festivaliers une dimension culturelle en plus des performances musicales.
9. Quelles sont les alternatives aux grands festivals pour les amateurs de métal en France ?
Si vous cherchez à éviter les foules massives des grands festivals comme le Hellfest, il existe plusieurs alternatives plus petites et tout aussi authentiques :
Xtreme Fest : Ce festival, situé dans le sud de la France, est un événement plus modeste mais tout aussi intense. Il met en avant des genres extrêmes comme le hardcore, le punk, et le thrash metal, dans une ambiance décontractée et conviviale.
Plane’r Fest : Ce festival, plus intimiste, offre une programmation variée dans un cadre plus rural. C’est une excellente alternative pour ceux qui cherchent à vivre l’expérience d’un festival de métal sans la foule massive.
10. Les festivals de métal en France sont-ils accessibles aux personnes en situation de handicap ?
La majorité des grands festivals de métal en France, comme le Hellfest et le Motocultor, ont fait des efforts pour rendre leurs sites accessibles aux personnes en situation de handicap.
Zones spéciales : Le Hellfest, par exemple, dispose de zones spécialement aménagées pour les personnes en fauteuil roulant, permettant d’assister aux concerts dans de bonnes conditions.
Accès aux infrastructures : Les infrastructures, telles que les toilettes et les points de restauration, sont généralement adaptées pour accueillir les personnes à mobilité réduite. Il est toutefois recommandé de contacter les organisateurs en amont pour vérifier les disponibilités et l’accessibilité des services.
J’ai eu la chance de shooter Machine Head lors d’une séance photo rapide et impressionnante. Pour un photographe de concert, Machine Head est compliqué à shooter. Machine Head refuse depuis des années les photographes de concert et encore plus tout portrait.
Par une sorte de tour de magie, j’ai shooté le groupe en 2016 après un simple mail envoyé à Robb, le chanteur. Comme quoi les solutions les plus simples sont souvent les plus efficaces.
Revenons sur l’histoire en image en vidéos sur Machine Head. Machine Head est un groupe de heavy métal, formé en 1992 à Oakland, en Californie.
Machine Head concert intégral février 2020 New York
Machine Head, les premières années
Machine Head est l’un des groupes de métal le plus lourd à être devenu célèbre au cours des années 1990. Fondé en 1992 par l’ancien guitariste de Vio-lence Robert Flynn et Adam Duce, leur premier album, Burn My Eyes (1994), est largement acclamé pour être aussi essentiel au heavy métal que Slayer » Reign in Blood » et Metallica « Master of puppets ».
La première chanson de l’album, « Davidian », contient les paroles « Que la liberté sonne avec un coup de fusil « . Par la suite, la vidéo a été interdite de MTV en raison de sa date de sortie très peu de temps après le siège de Waco qu’elle décrivait apparemment.
Après le départ de Chris Kontos pour travailler avec Testament, les services de batterie de Dave McClain ont été acquis. Ils ont ensuite sorti l’album de suivi, The More Things Change en 1997, après quoi le guitariste Logan Mader est parti de façon inattendue au printemps 1998. Il a ensuite été remplacé par Ahrue Luster qui a travaillé avec le groupe le troisième album The Burning Red (1999).
Cet album était un signe de changement pour le groupe, le groupe décidant d’expérimenter plus plutôt que de sortir un autre album qui serait vu comme une ombre sur les traces de Burn My Eyes. Robb utilise ses techniques de rap dans cet album plutôt que le grognement qu’il utilisait sur les versions précédentes.
La chanson « Devil With The Kings Card » est basée sur le départ de Logan Mader du groupe. L’album a cependant reçu des réactions négatives de fans insatisfaits du virage..
Bien que Burn My Eyes ait été plus influent en tant qu’album sur la scène métal en général, selon un rapport de Blabbermouth.net, The Burning Red a vendu presque autant d’unités en 3 ans (1999-2002) que Burn My Eyes en 8 ans ( 1994-2002).
En 2000, des groupes comme Machine Head et Slipknot ont participé au placement de produits pour l’émission HBO The Sopranos. AJ Soprano, joué par Robert Iler, portait souvent des vêtements Roadrunner Records comme le t-shirt Year of the Dragon de Machine Head.
Machine Head concert – Crédit photo Eric CANTO
Supercharger
Machine Head a sortie Supercharger en 2001, bien que l’album n’ait pas bien fonctionné, principalement en raison de sa sortie peu de temps après le 11 septembre. La vidéo de la chanson « Crashing Around You » a été interdite par MTV en raison de ses images de bâtiments qui s’effondrent. L’album a reçu plus de la même critique qui a rencontré The Burning Red.
Une fois la tournée terminée, le groupe est retourné sur son label Roadrunner Records. En 2002, Ahrue Luster a quitté le groupe en raison de différences musicales. Ahrue Luster a été remplacé par Phil Demmel, qui a joué dans le groupe de thrash Vio-lence aux côtés de Flynn.
Machine Head 2003-2004
Depuis lors, 2003 et 2004 ont été en quelque sorte un renouveau pour le group et tout d’abord leur album live Hellalive en 2003 qui était un enregistrement d’un ensemble de Brixton Academy à Londres.
À l’automne 2003, Machine Head a sorti son cinquième album studio, Through the Ashes of Empires, en Europe. Début 2004, ils signent de nouveau avec Roadrunner Records aux USA, puis sortent Through the Ashes of Empires aux États-Unis, avec une nouvelle chanson ( « Seasons Wither « ) qui n’était pas apparue sur la version européenne.
Through the Ashes of Empires est revenu à un style plus proche de celui de Burn My Eyes, et a reçu une publicité importante en raison du succès de la chanson « Imperium » et de ce que les fans ont vu comme un retour massif à la forme – à la fois musicalement et lyriquement. . Dans le cadre de ce renouveau, Machine Head a présenté la scène « True Metal » au festival Wacken Open Air de 2005 devant 40 000 fans – leur plus grand spectacle à ce jour.
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Machine Head le DVD Elegies
Le 11 octobre 2005, Machine Head a sorti son tout premier DVD: Elegies. Le DVD contenait des images de concerts de la Brixton Academy en décembre 2004. Elegies contient également 3 clips: « The Blood, The Sweat, The Tears » de Hellalive, et « Imperium » et « Days Turn Blue to Gray « de Through The Ashes Of Empires.
Le DVD contient également un documentaire plutôt cinglant sur la quasi-disparition du groupe et comment ils ont survécu au grand fardeau que leur imposent les maisons de disques, la sortie d’Ahrue Luster et le manque de confiance du public dans la direction musicale du groupe.
Au cours de la première semaine de sortie du DVD, « Elegies » a atteint la première place aux États-Unis et la sixième place des ventes de DVD liés à la musique au Royaume-Uni.
Machine Head concert – Crédit photo Eric CANTO
Le 11 octobre 2005 également, Roadrunner Records a sorti un album pour commémorer les 25 ans de l’histoire du label. Quatre des chansons de l’album, Roadrunner United: The All-Star Sessions, ont été écrites par Robert Flynn de Machine Head. Phil Demmel et Dave McClain de Machine Head ont tous deux contribué à l’album.
Roadrunner United était un projet conçu par le label pour mettre en valeur le talent des dizaines de groupes signés chez Roadrunner Records. Il y avait 4 « Capitaines » affectés à l’écriture des chansons de l’album: Robb Flynn de Machine Head, Dino Cazares ex-Fear Factory, Matt Heafy de Trivium et Joey Jordison de Slipknot. Chaque « Captain » devait choisir quels artistes devaient participer à l’enregistrement de leurs chansons, et ils devaient être les producteurs primaires.
Le groupe travaille actuellement sur leur sixième album studio. Le 18 avril, Robb Flynn a rapporté sur le site Web du groupe que certains des titres de chanson actuels étaient Halo, Aesthetics of Hate, The Beautiful Mourning et Now I Lay Thee Down.
Ils ont également contribué un studio enregistré et produit la reprise de Metallica « Battery » pour Kerrang! Magazine , un hommage à l’album fondateur de Metallica, Master of Puppets.
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Machine Head The Blackening (2006-2009)
En 2006, le groupe prépare son sixième album studio intitulé The Blackening. L’album, produit par Robert Flynn et mixé par Colin Richardson, est sorti en Amérique du Nord le 27 mars 2007.
Les chansons Halo, Aesthetics of Hate, The Beautiful Mourning, Now I Lay Thee Down ont été annoncées en avril 2006 par Robb Flynn dans le journal du groupe. Selon Through the Ashes of Empires, l’album a été bien accueilli par les critiques et le public; aux États-Unis, la 53e place des ventes d’albums, alors que le groupe n’a jamais atteint cette position
A la sortie de The Blackening, Machine Head sera sur la route, que ce soit en première partie, comme pou Megadeth ou Trivium au printemps 2007, mais aussi pour Metallica en 2009. Le groupe enregistre également en Europe et en Océanie. Machine Head n’effectue qu’une seule grande tournée de concerts, celle-ci ayant lieu à l’hiver 2008 aux États-Unis.
Le groupe terminera en apothéose avec l’ouverture de la Metallica World Tour, le festival Wacken Open Air en Allemagne, et le passage au British Sonisphere (à Knebworth) a vu l’un des meilleurs concerts du groupe ( et leur concert le plus important auquel ont assisté plus de 45 000 personnes).
Le groupe continue son chemin, mais The Blackening reste son chef d’oeuvre.
Un album qui a fait date et reste aujourd’hui inégalable.
Membres actuels de Machine Head
Robert Flynn – chant, guitare (depuis 1992)
Vogg Kiełtyka – guitare (depuis 2019)
Matt Alston – batterie (depuis 2019)
Jared MacEachern – basse (depuis 2013)
Anciens membres de Machine Head
Dave McClain – batterie (1995-2019)
Phil Demmel – guitare (2002-2019)
Adam Duce – basse, chant (1992-2013)
Ahrue Luster – guitare (1998-2002)
Logan Mader – guitare (1992-1998)
Will Carrol – batterie (1995-1996)
Chris Kontos – batterie (1992-1995)
Tony Costanza – batterie (1992)
Discographie
Albums studio de Machine Head
1994 : Burn My Eyes
1997 : The More Things Change
1999 : The Burning Red
2001 : Supercharger
2003 : Through the Ashes of Empires
2007 : The Blackening
2011 : Unto the Locust
2014 : Bloodstone and Diamonds
2018 : Catharsis
Albums live[modifier | modifier le code]
2003 : Hellalive
2012 : Machine Fucking Head Live
Singles et EP de Machine Head
1995 : Davidian
1995 : Old
1997 : Take My Scars
1999 : From This Day
1999 : Year of the Dragon
1999 : Year of the Dragon Tour Diary : Japan
1999 : Silver (Take My Hand)
2001 : Crashing Around You
2004 : Days Turn Blue to Gray
2012 : B-Sides & Rarities
Chansons en Streaming de Machine Head
2019 : Do or Die
2020 : Circle the Drain
Vidéographie
1995 : Old
1995 : Davidian, de Chris Hafner
1997 : Ten Ton Hammer
1997 : Take My Scars, de Chris Hafner
1999 : From This Day, de Michael Martin
2001 : Crashing Around You, de Nathan Karma Cox
2003 : The Blood, The Sweat, The Tears, de Robb Flynn
2003 : Imperium, de Mike Sloat
2004 : Days Turn Blue to Gray, de Mike Sloat
2005 : Seasons Wither, de Mike Sloat
2007 : Aesthetics of Hate, de Mike Sloat
2007 : Now I Lay Thee Down, de Mike Sloat
2008 : Halo, de Mike Sloat
2011 : Locust, de Mike Sloat
2012 : Darkness Within, de Mike Sloat
2014 : Now We Die
Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.
Le leader de Machine Head , Robb Flynn, a été interviewé par Metal Hammer récemment publiée en ligne. L’entrevue révèle que Flynn ne retient pas ses coups, y compris ses réflexions sur le départ inattendu de Phil Demmel et Dave McClain et la réaction de division que l’album du groupe de 2018 » Catharsis » a reçue. L’interview trouve également Flynn peser sur le dernier single du groupe, » Do Or Die « , et leur tournée en cours du 25e anniversaire à l’appui de » Burn My Eyes « .
En ce qui concerne le sujet de la décision de Demmel et McClain de quitter le groupe après une dernière tournée ensemble, Robb Flynn: «Le monde a pu me regarder divorcer sur le World Wide Web. C’est le prix de vivre sa vie en public. Bien sûr, vous pouvez partager vos voyages à travers le monde et tous les points forts, mais vous pouvez également partager tous les mauvais points. Je ne voulais pas prétendre que ça ne se passait pas et puis, à la fin de la tournée, annoncer qu’ils partaient.
Nous avons eu une relation douloureusement honnête avec nos fans et cela a été une chose incroyable. Cela a vraiment créé un lien incroyable. Nous avons fait ce voyage ensemble et il n’y a aucun moyen que je puisse me regarder dans les yeux et prétendre que cela ne s’est pas produit pendant six semaines, juste pour protéger la base de fans. Nous avons donc réglé le problème et l’avons diffusé. »
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Quant à « Catharsis », Demmel a apparemment donné un aperçu d’au moins une de ses raisons de quitter dans une interview en février dernier, déclarant qu’il «détestait» le disque , qualifiant le groupe de « projet solo de Robb Flynn » à ce stade. Robb Flynn lui-même ne souscrit pas nécessairement à cette accusation, disant à Metal Hammer : «Lorsque vous reculez, vous pouvez voir que tout le monde en faisait partie. Je ne sais pas exactement ce qui l’a amené à la tête, mais je sais que j’écrivais de la nouvelle musique depuis un moment et ces gars-là ne voulaient pas travailler sur des trucs.
J’ai donc commencé à faire des démonstrations de certaines choses, juste pour qu’ils puissent entendre ce que j’écrivais, puis je pense qu’il y a peut-être eu une conversation sur l’avenir, car nous savions que cette tournée à venir était la dernière chose que nous faisions pour le cycle de tournée. »
Quant à la réaction à « Catharsis », Robb Flynn a déclaré au sujet de l’effusion de négativité qui lui est parvenue en réponse à sa sortie: «J’ai été le sac de boxe américain pendant neuf mois à partir du moment où la première chanson de« Catharsis »a été mise en ligne. Je ne pouvais pas mettre un seul putain de poste sans une centaine de trolls qui me fassent la peau. Être le leader d’un groupe peut être solitaire. Quand les choses ne sont pas nécessairement bien reçues, c’est encore plus solitaire. »
Robb Flynn a continué: «Je suis fier comme si j’avais fait un putain de ce record. Je savais que ça allait énerver les gens. D’une certaine manière, c’est devenu la mythologie de ‘ Catharsis ‘, ‘C’était un record très diviseur!’ Chaque putain d’article que j’ai lu! Ouais, c’était source de division pour les suprémacistes blancs et les conneries racistes, c’était source de division pour le putain d’alt-droit. Mais nos fans ont adoré. Les gens adorent ce putain de disque. Un tas de trolls connards qui ont mis leur putain de nez dans un tas à ce sujet. Allez vous faire foutre! J’ai l’impression que certains groupes, la presse en particulier, veulent que je m’excuse pour ce disque. Je ne m’excuse pas pour ca ! «
» Nous savions que nous voulions que ce soit un disque de métal épique et grandiose, mais nous n’avions aucune idée de ce que ça allait être (rires). J’adorerais dire que nous avions tout planifié et que tout était parfaitement en place, mais cela ne fonctionne pas comme ça. Nous avons tous les quatre eu la chance de puiser et de laisser passer cela en nous et d’avoir en quelque sorte une vue d’ensemble où ces huit chansons se sont le mieux combinées. «
A la question « Avez-vous récemment découvert une nouvelle musique qui fera une différence dans la vôtre à l’avenir ? » Robb Flynn: « Pas vraiment. Je regardais juste TERROR sur scène et ils sont tellement brutaux et néandertaliens. Ça m’a vraiment donné envie d’écrire des riffs très simples comme «pah pah pah… pah pah pah» (rires). Fondamentalement, juste bash parce que j’aime ça. «
Machine Head concert – Robb Flynn – Crédit photo Eric CANTO
Après un bref rire, Robb Flynna ajouté: «Je suis reconnaissant que quiconque ait aimé un moment de Machine Head . Si vous avez déjà aimé une chanson que j’ai écrite dans ma vie, je vous en suis incroyablement reconnaissant. Merci beaucoup d’avoir apprécié quelque chose que j’ai fait. Néanmoins, je pense que c’est incroyablement arrogant et naïf et putain de stupide de penser que tout ce que j’écris va plaire à chaque personne qui a déjà acheté un seul de nos albums.
Je ne m’attends pas à ce que tout le monde reste dans le voyage qu’est Machine Head, mais si vous restez, ça va être complètement fou parce que …la vie est folle !. «
Machine Head a récemment terminé la première étape européenne / britannique de leur tournée du 25e anniversaire de » Burn My Eyes » avec les membres de retour Logan Mader et Chris Kontos de retour dans le giron. Ces spectacles comportent deux performances, l’une étant un album complet qui se déroule chaque soir avec ces deux anciens élèves susmentionnés.
Dans la deuxième performance, Robb Flynn et le bassiste / chanteur actuel de Machine Head Jared MacEachern jouent un ensemble distinct de matériel traditionnel de Machine Head avec Waclaw «Vogg» Kieltyka ( Decapitated ) à la guitare et Matt Alston ( Devilment ) à la batterie.
Voici quelques conseils pour des prises de photos live qui marquent. L’ajout de petites finesses à la façon dont vous composez les photos et le choix des angles, tous ces détails apparaîtront dans vos photos.
Essayez d’obtenir votre plus beau cliché en vous adaptant spontanément à l’ambiance d’un concert, mais aussi au lieu.
Une fois que vous incluez des instruments et des effets de scène tels que de la fumée en arrière-plan de votre image, l’atmosphère de l’image du concert est considérablement améliorée.
Transmettre l’atmosphère du concert live.
Lorsque vous photographiez un seul artiste, il est plus facile de composer la photo en orientation portrait. Définissez le point AF quelque part dans la zone que vous souhaitez capturer, il ne doit pas nécessairement être sur le visage de l’artiste.
Prenez une photo pour capturer une section d’une scène tout en excluant les sujets inutiles du cadre et vous obtiendrez une composition tout simplement agréable. De plus, essayez d’ajuster la vitesse d’obturation en fonction des mouvements du sujet.
C’est bien même si vous ne capturez pas une photo complète de l’artiste. La capture des sections que vous souhaitez représenter est l’une des techniques utilisées dans la photographie de concert.
Vérifiez le lieu, la salle, le club avant le concert lui-même pour visualiser le type de plans que vous pouvez cadrer et capturer dans les orientations portrait et paysage, de sorte que pendant la prise de vue réelle, vous pourrez composer votre plan calmement.
Si le lieu ou l’équipement de prise de vue vous empêche d’obtenir la photo souhaitée, vous pouvez recadrer vos images pendant le post-traitement.
L’une des joies de la photo live est de prendre une photo presque comme vous l’avez visualisée. Grâce aux essais et erreurs, vous pourrez mieux sélectionner l’équipement et les lieux de prise de vue pour votre prochain shooting de photo live .
Photo live :des photos audacieuses à partir d’un grand-angle
Si le seul endroit à partir duquel vous pouvez prendre des photos live est inférieur à la hauteur de la scène, lancez-vous un défi pour une prise de vue en contre-plongée qui repousse les limites.
L’utilisation de l’extrémité d’un zoom « grand-angle » pour capturer une scène aussi large que possible facilitera l’inclusion de l’artiste et du fond de scène dans le cadre. Il peut être intéressant d’inclure les lights en hauteur de scène pour capturer un plan distinctif.
N’abandonnez pas même si les lieux de prise de vue vous restreignent. L’utilisation de compositions audacieuses transmettra l’énergie du concert.
La prise de vue avec un 200 mm en photo live permet de capturer plus facilement le visage des guitaristes ou d’autres artistes qui ont tendance à incliner la tête vers le bas pendant qu’ils se produisent.
L’utilisation d’un grand-angle traduit également par des prises de vue plus percutantes telles que lorsqu’un artiste saute.
Photo live avec un grand-angle: inclure toute la largeur de la scène…
Lorsque vous photographiez avec un grand-angle, faites un effort conscient pour capturer l’atmosphère générale du lieu.
Vous serez en mesure de représenter la taille de la foule et de capturer les batteurs et les claviers loin derrière, qui sont généralement difficiles à photographier sous d’autres angles.
La capture d’artistes sur la scène est un exemple de prise de vue qui ne peut être photographiée qu’à partir d’une position plus élevée.
Avec une prise de vue avec un grand-angle, vous pouvez représenter l’atmosphère globale du lieu. Être capable de capturer toute la largeur de la scène est un autre avantage.
Capturer les couleurs et les textures vibrantes.
Capturer le dynamisme du costume et des accessoires de l’artiste est une autre technique pour rendre plus vivante la photographie de concert.
Que l’artiste soit ou non plongé dans un éclairage flatteur est une clé. Si l’artiste se trouve dans un éclairage naturel, la texture d’un costume n’apparaîtra pas même en gros plan. f/ 5-f / 5,6 ou supérieur et vous serez en mesure de représenter les détails des textures du costume.
Si vous voulez représenter les détails d’un costume, observez les effets d’éclairage et visez à obtenir une photo lorsque l’éclairage semble le plus naturel.
Notez qu’il est difficile de faire ressortir la texture du costume lorsqu’il est sous un éclairage puissant, comme lorsqu’il y a des effets d’éclairage rouge ou bleu.
Si cela est possible, essayez de savoir à l’avance quel costume l’artiste portera. Pour cela YouTube est ton ami…
Voilà quelques petites infos pour commencer, après, il faut faire et refaire…
Mes photos sont publiées depuis de nombreuses années dans 
23/01/2020 The Nothing Tour 2020 @ Allentown, PPL Center
27/01/2020 The Nothing Tour 2020 @ Québec, Vidéotron Centre
02/06/2020 Impact 
05/06/2020 Rock am Ring 2020 @ Nürburg,Nürburgring
10/06/2020 Nova Rock 2020 @ Nickelsdorf, Nova Rock
12/06/2020 Télécharger Festival 2020 @ Donington
12/06/2020 I-Days Milano 2020 @ Milano, Area Expo
17/06/2020 Copenhell 2020 @ Refshalevej Billets: Ticketswap
18/06/2020 
19/06/2020 Hellfest 2020 @ Clisson, Site du Hellfest
25/06/2020 Provinssirock Festival 2020 @ Provinsii
01/07/2020 Resurrection Fest 2020 @ Viveiro Billets: Ticketswap
02/07/2020 VOA – 
10/01/2021 KnotFest Japan 2020 @ Chiba, Makuhari Messe
