Red Hot Chili Peppers : Les Icônes du Funk-Rock

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 21/04/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Depuis leur formation en 1983, les Red hot chili peppers se sont imposés comme l’un des groupes les plus influents de la scène rock mondiale. Avec un mélange unique de **funk**, **rock**, **punk**, et **psychédélique**, le groupe a créé un son singulier qui continue d’inspirer des millions de fans.

Leur carrière, marquée par des succès commerciaux énormes et des défis personnels, fait des Red hot chili peppers une véritable légende vivante de la musique. Cet article explore leur parcours depuis leurs débuts, leur évolution musicale, et leur impact durable sur le paysage musical mondial. 

Red hot chili peppers

 

1. Les Débuts des Red Hot Chili Peppers

1.1 La Formation du Groupe

Les Red hot chili peppers (RHCP) ont vu le jour à Los Angeles en 1983, dans une période où la scène musicale de la ville bouillonnait d’énergie et de créativité. Le groupe initialement composé de **Anthony Kiedis** (chant), **Flea** (basse), **Hillel Slovak** (guitare), et **Jack Irons** (batterie) s’inspire des sons émergents du **punk**, du **funk**, et du **hard rock**. Leur fusion de ces genres a immédiatement attiré l’attention du public, notamment grâce à leurs performances scéniques délirantes.

 

Red hot chili peppers

Les débuts en club : Les RHCP commencent par jouer dans des clubs underground de Los Angeles, où leur style explosif et leur énergie brute sur scène attirent rapidement un public de fans fidèles. Dès le début, Kiedis et Flea démontrent une chimie scénique intense, souvent accompagnée de cascades scéniques, d’improvisations et de performances souvent déjantées, ce qui devient rapidement leur marque de fabrique.

Avec l’influence de la scène funk, notamment des artistes comme **George Clinton** et **Bootsy Collins**, Flea apporte à la musique du groupe un groove inimitable à la basse, tandis que Slovak, inspiré par des guitaristes tels que **Jimi Hendrix**, contribue à l’aspect psychédélique et agressif de leur son.

 

1.2 Les Premiers Albums : Une Fusion de Styles

Le premier album éponyme des **Red Hot Chili Peppers**, produit par **Andy Gill**, sort en 1984. Cet album jette les bases du son unique du groupe, bien que les critiques soient divisées. Les ventes restent modestes, mais le groupe se fait remarquer pour son mélange inhabituel de **funk** et de **punk**, une combinaison qui, bien qu’encore brute, pose les bases de ce qui deviendra leur signature musicale.

Des débuts modestes : L’album reçoit des critiques mitigées, certains louant leur énergie brute, tandis que d’autres jugent leur son trop chaotique et pas encore assez abouti. Cependant, malgré ces débuts modestes, le groupe commence à attirer un public de plus en plus large grâce à leur style de performance live qui se démarque des autres groupes de l’époque.

L’arrivée de George Clinton : Pour leur deuxième album, **Freaky Styley** (1985), le groupe fait appel à **George Clinton**, le maître du funk, pour produire l’album. Ce choix renforce l’influence funk dans leur musique, et des titres comme « Jungle Man » et « Hollywood (Africa) » montrent une évolution dans leur style. L’album permet au groupe de raffiner son son, mais le succès commercial reste encore limité.

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1.3 Le Tragique Destin de Hillel Slovak

Le guitariste original du groupe, **Hillel Slovak**, est un élément clé dans la formation du son des RHCP. Son jeu de guitare énergique, fortement influencé par le funk et le rock psychédélique, joue un rôle central dans l’identité musicale du groupe. Malheureusement, Slovak lutte contre la toxicomanie tout au long de sa carrière avec le groupe, une bataille qui aura des conséquences tragiques.

Les luttes internes : Au cours de cette période, la toxicomanie affecte plusieurs membres du groupe, notamment Slovak et le chanteur Anthony Kiedis. Malgré leur ascension, ces problèmes de dépendance créent des tensions internes. En 1988, après la sortie de leur troisième album ** »The Uplift Mofo Party Plan »**, Hillel Slovak meurt d’une overdose d’héroïne. Sa mort marque un tournant majeur pour le groupe.

La perte de Slovak pousse également le batteur **Jack Irons** à quitter le groupe, incapable de supporter le choc de la mort de son ami. À ce moment-là, l’avenir du groupe semble incertain, mais Kiedis et Flea décident de poursuivre.

2. L’Ascension des Red Hot Chili Peppers

2.1 L’arrivée de John Frusciante et Chad Smith

Après la mort de Hillel Slovak et le départ de Jack Irons, les Red hot chili peppers se retrouvent à un moment critique. Cependant, en 1988, deux nouveaux membres rejoignent le groupe : **John Frusciante** à la guitare et **Chad Smith** à la batterie. Ces nouvelles recrues apportent une énergie et une créativité renouvelées au groupe, leur permettant de surmonter les difficultés et de passer à une nouvelle étape dans leur carrière.

John Frusciante, le prodige de la guitare : À seulement 18 ans, Frusciante impressionne par sa maîtrise de la guitare et sa capacité à intégrer des influences variées, allant du punk au funk en passant par le rock psychédélique. Son jeu est à la fois technique et émotionnel, apportant une nouvelle dimension au son des RHCP.

Chad Smith, le pilier rythmique : De son côté, **Chad Smith** apporte une puissance brute à la batterie, avec un style percutant et une énergie inébranlable. Ensemble, Frusciante et Smith apportent une nouvelle alchimie au groupe, ce qui conduit à la création de leur quatrième album ** »Mother’s Milk »** en 1989.

Red hot chili peppers

 

2.2 Le Succès Explosif de « Mother’s Milk »

Avec « Mother’s Milk », sorti en 1989, les RHCP commencent à atteindre un succès commercial et critique. L’album contient des hits comme ** »Higher Ground »**, une reprise du classique de Stevie Wonder, et « Knock Me Down », un hommage à Hillel Slovak. Grâce à ce disque, le groupe parvient à capter l’attention du grand public tout en conservant leur identité musicale unique.

Un style plus affiné : Cet album montre une évolution claire dans leur son, avec des morceaux plus structurés et mélodiques. La basse funky de Flea, combinée aux riffs innovants de Frusciante, crée un équilibre parfait entre la puissance brute et la sophistication musicale. « Mother’s Milk » permet également au groupe de développer davantage ses capacités de composition, avec des titres plus réfléchis et émotionnels.

Une tournée réussie : La tournée qui suit la sortie de ** »Mother’s Milk »** propulse le groupe dans la sphère internationale. Leurs performances scéniques, toujours aussi énergiques et excentriques, leur permettent de conquérir un public de plus en plus large. À ce stade, RHCP est devenu un nom familier dans le monde du rock alternatif, mais leur plus grand succès est encore à venir.

2.3 « Blood Sugar Sex Magik » : L’Apogée

En 1991, les **Red Hot Chili Peppers** sortent ** »Blood Sugar Sex Magik »**, produit par **Rick Rubin**. Cet album marque un tournant décisif dans la carrière du groupe et est souvent considéré comme leur chef-d’œuvre. Avec des hits comme ** »Give It Away »**, ** »Under the Bridge »**, et ** »Suck My Kiss »**, l’album est à la fois un succès commercial massif et un triomphe critique.

Une fusion parfaite des genres : « Blood Sugar Sex Magik » combine des éléments de funk, de rock, de rap, et de ballades plus introspectives, montrant la capacité du groupe à s’aventurer dans différents styles tout en restant fidèles à leurs racines. La production soignée de Rick Rubin met en valeur la complexité et la profondeur des compositions du groupe, tout en capturant l’énergie brute de leurs performances en studio.

Un succès mondial : L’album se vend à plus de 13 millions d’exemplaires dans le monde, propulsant les Red hot chili peppers au rang de superstars internationales. Le single ** »Give It Away »** remporte un **Grammy Award**, tandis que ** »Under the Bridge »** devient l’une de leurs chansons les plus emblématiques, atteignant la deuxième place des charts aux États-Unis.

Malgré ce succès monumental, des tensions internes commencent à apparaître au sein du groupe, notamment en raison des difficultés de **John Frusciante** à gérer la notoriété croissante. Peu de temps après la sortie de l’album, Frusciante quitte brusquement le groupe en pleine tournée, plongeant les RHCP dans une période d’incertitude.

 

Red hot chili peppers

3. Le Renouveau des Red Hot Chili Peppers

3.1 Le Retour de John Frusciante et l’Épopée « Californication »

Après plusieurs années d’instabilité et de changements de formation, **John Frusciante** fait un retour triomphal au sein du groupe en 1998, après avoir surmonté ses problèmes personnels. Le groupe entame alors l’enregistrement de leur septième album, ** »Californication »** (1999), qui marque une nouvelle phase dans leur carrière.

Le triomphe de « Californication » : Cet album renoue avec un son plus mélodique et introspectif, tout en conservant les racines funk-rock du groupe. Des morceaux comme ** »Scar Tissue »**, ** »Otherside »**, et ** »Californication »** deviennent des hits internationaux, et l’album se vend à plus de 15 millions d’exemplaires à travers le monde. La guitare éthérée et émotionnelle de Frusciante, combinée aux lignes de basse groovy de Flea et aux paroles introspectives de Kiedis, fait de « Californication » l’un des albums les plus emblématiques de leur carrière.

Le retour de Frusciante dans le groupe apporte une nouvelle énergie créative, et les RHCP commencent une tournée mondiale triomphale qui les consolide en tant que l’un des groupes de rock les plus influents de leur génération.

3.2 Red hot chili peppers« By the Way » et « Stadium Arcadium »

En 2002, les **Red Hot Chili Peppers** sortent ** »By the Way »**, un album qui continue à explorer des sonorités plus mélodiques et plus pop, tout en restant fidèle à leurs racines funk-rock. Cet album produit des hits comme ** »By the Way »**, ** »The Zephyr Song »**, et ** »Can’t Stop »**, consolidant encore davantage leur position au sommet de la scène musicale internationale.

« Stadium Arcadium » : En 2006, les RHCP sortent leur premier double album, ** »Stadium Arcadium »**, un projet ambitieux qui explore un large éventail de styles musicaux. Cet album reçoit un accueil critique enthousiaste et remporte plusieurs **Grammy Awards**, notamment pour la chanson ** »Dani California »**. Le double album se compose de deux disques, ** »Jupiter »** et ** »Mars »**, qui explorent différentes facettes du son du groupe, du funk au rock psychédélique en passant par des ballades acoustiques.

Avec « Stadium Arcadium », les Red Hot Chili Peppers montrent une fois de plus leur capacité à se réinventer tout en restant fidèles à leur essence. L’album est un énorme succès commercial, atteignant la première place des charts dans plusieurs pays et se vendant à des millions d’exemplaires.

3.3 Les Départs et Retours de John Frusciante

Après la tournée mondiale qui suit la sortie de ** »Stadium Arcadium »**, John Frusciante quitte à nouveau le groupe en 2009 pour se concentrer sur sa carrière solo. Le groupe recrute alors **Josh Klinghoffer**, un guitariste talentueux, pour le remplacer.

Avec Klinghoffer, les RHCP sortent l’album ** »I’m with You »** en 2011, suivi de ** »The Getaway »** en 2016. Ces albums sont bien accueillis par la critique, mais ne parviennent pas à capturer l’alchimie unique que Frusciante avait apportée au groupe.

En décembre 2019, les fans sont ravis d’apprendre que **John Frusciante** fait son retour au sein du groupe. Ce retour tant attendu marque une nouvelle ère pour les **Red Hot Chili Peppers**, qui préparent un nouvel album avec Frusciante à la guitare.

Motorhead Lemmy – un film culte pour un groupe culte.

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/04/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

 » Motorhead Lemmy n’est pas une biographie de Lemmy Kilmister, l’âme bouillonnante de Motorhead. C’est bien mieux. Greg Olliver et Wes Orshoski ont suivi Lemmy sur une période de deux ans.

Découvrez le film « Motorhead Lemmy » en version intégrale

Rock’n Roll et pizzas se mélangent au Rainbow, le bar où Lemmy passe ses journées à traîner sur sa machine à sous comme un retraité du Texas à Las Vegas.

Le gars est un doigt d’honneur à lui tout seul. Il est l’esprit du rock. Il faut s’incliner devant lui. Dave Navarro, Nikki Sixx, Billy Bob Thornton, Slash, Ozzy Osbourne Joan Jett, Henry Rollins, Alice Cooper, Ice T et bien d’autres rocks stars…pour eux, « Lemmy incarne ce qu’ils ne sont plus depuis bien longtemps. »

Tirage photo Motorhead Lemmy Disponible ICI

Véritable légende et icône de la scène heavy métal et hard rock depuis 40 ans, Lemmy a marqué son époque par son style de jeu, sa voix rauque et ses excès.

Incarnant l’état d’esprit « sexe, drogue et rock’n’roll », Lemmy Kilmister était une force de la nature, avec une longévité impressionnante.

Marqué par des dizaines de disques et de tournées, son parcours est également marqué par des escapades et des anecdotes aussi improbables les unes que les autres, qui suffiraient pour écrire un roman. Lemmy raconte cela parfaitement.

Lemmy : une vipère dans un pot d’alcool…

En 2006, Lemmy Kilmister a accordé une interview à Libération. Il a exprimé son dégoût pour les légumes et s’est décrit comme  « remarquablement conservé malgré une vie en excès, un peu comme une vipère dans un pot d’alcool ».

L’occasion tout de même de discuter de ses problèmes de santé, et en particulier de son sang plus sain, selon les dernières analyses.

« Keith Richards avait les moyens de faire changer son sang, mais je n’ai pas son argent », a expliqué Lemmy à qui les médecins auraient expliqué, alors qu’il était hospitalisé à Londres au début des années 1990: « Vous voyez, si on vous donne du sang pur, vous mourrez … s’il vous plaît, ne donnez pas votre sang ! Il est si toxique que vous tueriez quelqu’un!  »

Motorhead Lemmy : un mode de vie…fou

Compte tenu de son mode de vie, Lemmy a eu une longévité inattendue. Il l’attribuait au fait qu’il n’avait jamais consommé d’héroïne, une drogue qu’il avait vue emporter beaucoup d’amis.

Cependant, il était loin d’être hostile à d’autres drogues, telles que le LSD et les amphétamines. Selon la légende, il ne pouvait pas arrêter de se droguer, sinon son corps aurait cessé de fonctionner. Lui-même disait qu’il n’avait pas pu dormir pendant deux semaines après en avoir pris.

Sa consommation d’alcool était également impressionnante. Dans le documentaire Live Fast Die Old, on apprend notamment qu’il a consommé une bouteille de Jack Daniel’s par jour pendant  30 ans (ce qui, si on fait le calcul, équivaudrait à quelque 10000 litres consommés dans sa vie).

Lemmy avait déclaré au Guardian qu’il était passé à la vodka orange pour gérer son diabète. Malgré ses problèmes de santé, il disait être « indestructible » et n’avait pas l’intention de s’arrêter.

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 Motorhead Lemmy : Roadie de Jimi Hendrix

Avant que Lemmy Kilmister ne devienne le leader incontesté et charismatique de Motörhead, il a roulé sa bosse ailleurs.

Entre la fin des années 1960 et le début des années 1970, il a joué dans plusieurs autres groupes, comme The Rockin ‘Vickers, Sam Gopal et surtout Hawkwind, un groupe de space rock toujours actif dans lequel des dizaines de musiciens ont joué.

Le rockeur a également était roadie, c’est-à-dire technicien qui accompagne les groupes en tournée.

Et pas pour des inconnus. À la fin des années 1960, il suit Jimi Hendrix et prépare ses guitares. « Quand il jouait, c’était magique. L’espace et le temps s’arrêtaient », a déclaré le leader de Motörhead, décrivant Hendrix comme « un gars vraiment sympa » et « très poli ».

 Motorhead Lemmy : Une voix d’outre-tombe, un micro perché…

Sur scène, Lemmy chantait avec un microphone anormalement haut, une habitude qu’il avait gardée depuis les débuts du groupe.

Cette position inhabituelle l’obligeait à chanter la tête tournée vers le haut, ce qui, selon lui, l’empêchait à l’époque de voir le peu de spectateurs.

Autre explication possible, relayée par Rolling Stone, la position de son micro lui permettait de regarder vers le haut, « comme s’il prononçait un sermon en colère ou hurlait face à une brute beaucoup plus grosse que lui ». À moins que ce soit simplement un moyen de conserver son timbre robuste.

 Motorhead Lemmy : Pas de mariage mais deux fils…

Lemmy n’a jamais été marié, pas vraiment un adepte d’une vie de famille stable et ordonnée, et avait deux fils.

Dans un portrait rendu public après sa mort, Libération rappelle qu’il a été abandonné par son père et que cette expérience, tout comme son style de vie, a probablement joué un rôle dans les relations avec ces deux enfants. 

Son premier fils, Sean, est né lorsque Lemmy n’avait que 17 ans. Adopté par la suite, il n’a jamais rencontré son père.

Dans le documentaire Lemmy, le chanteur fait référence quand il dit que la mère de l’enfant l’a trouvé, mais « n’a pas eu le courage » de dire à son fils qui était son père.

Le deuxième fils de Lemmy, Paul, est né au milieu des années 1960. Il n’a connu son père qu’à l’âge de 6 ans, et ils se rencontraient régulièrement.

OFFICIAL « MAKING OF LEMMY »

 Motorhead Lemmy  : Une collection…d’objets nazis

Adepte de la provocation, Lemmy est également devenu connu pour son penchant pour les objets liés au nazisme et au IIIe Reich.

Des objets qu’il gardait chez lui mais qu’il arborait aussi parfois sur scène, suscitant controverses et accusations de sympathie idéologique, même si le rockeur l’a toujours niée et que son point de vue ne laissait aucun doute.

« Je ne collectionne que des objets, je ne collectionne pas d’idées », a expliqué Lemmy, qui se considérait plutôt comme un « anarchiste ».

Il a reconnu sa fascination pour les uniformes nazis (mais aussi napoléoniens) en expliquant que « les méchants ont toujours eu les meilleurs trucs » tandis que les soldats britanniques ont des uniformes kakis qui les faisaient ressembler à des « grenouilles des marais ».

 Motorhead Lemmy : Une sexualité débridée

Comme d’autres rockeurs, Lemmy a construit son image sulfureuse sur sa consommation excessive d’alcool et de drogues, mais aussi sur sa sexualité débridée.

En 2006, le magazine Maxim l’a également classé dans son top 10 des «légendes sexuelles vivantes», lui décernant pas moins de 2000 conquêtes. « Je n’ai jamais dit 2000, j’ai dit 1000.

Mais je suis probablement aux alentours de 1200 maintenant », a déclaré Lemmy au magazine mensuel pour hommes.

« Je l’ai commencé il y a longtemps et je n’ai jamais été marié, donc je n’ai jamais pris de pause. » Lemmy souffrait aussi parfois de ces excès sexuels, s’évanouissant surtout sur scène après un léger « épuisement ».

Le leader de Motörhead a également exprimé à plusieurs reprises son amour et son respect pour les femmes, qu’il considérait comme égales dans tous les domaines.

Lemmy reste une des dernières véritables légendes du rock. Par son oeuvre, son mode de vie, par sa façon si particulière d’avoir traversé son temps.

Motorhead est considéré dans le heavy métal comme l’une des principales influences du speed et du thrash, Lemmy Kilmister admet qu’il déteste ce terme, préférant décrire le son du groupe comme « rock and roll ».

L’approche de Motorhead à sa musique est restée simple tout au long de la vie du groupe, préférant jouer ce que ses membres ont aimé, sans se soucier de « ce que les autres pensent ». Au cours des 40 années de sa carrière, le groupe a vendu plus de 35 millions d’albums dans le monde.

Les textes de Motorhead couvrent des sujets aussi larges que la guerre,  le sexe,le bien contre le mal, la consommation de drogue et la vie sur la route.

Le logo du groupe a été créé en 1977 par l’artiste Joe Petagno pour les besoins de l’album Motorhead. Le groupe se classe 26ème dans le classement VH1 des 100 plus grands groupes de métal.

Les héritiers de Motorhead

Metallica

L’album se compose de 8 chansons de Motorhead jouées par Metallica et de 12 chansons jouées par Motorhead. Sur cet album live, Four Horsemen comprend Overkill (avec Lemmy), Damage Case, Stone Dead Forever, Too Late Too Late, The Chase Better than the Catch et (We Are) The Road Crew.

Albums studio de Motorhead

• 1976 : On Parole
• 1977 : Motörhead
• 1979 : Overkill
• 1979 : Bomber
• 1980 : Ace of Spades
• 1982 : Iron Fist
• 1983 : Another Perfect Day
• 1986 : Orgasmatron
• 1987 : Rock ‘n’ Roll
• 1991 : 1916
• 1992 : March ör Die
• 1993 : Bastards
• 1995 : Sacrifice
• 1996 : Overnight Sensation
• 1998 : Snake Bite Love
• 2000 : We Are Motörhead
• 2002 : Hammered
• 2004 : Inferno
• 2006 : Kiss of Death
• 2008 : Motörizer
• 2010 : The Wörld is Yours
• 2013 : Aftershock
• 2015 : Bad Magic
• 2017 : Under Cöver

Albums live de Motorhead

• 1981 : No Sleep ’til Hammersmith
• 1988 : Nö Sleep at All
• 1999 : Everything Louder Than Everything Else
• 2003 : 25 & Alive: Live at Brixton Academy
• 2011 : The Wörld Is Ours – Vol. 1: Everywhere Further Than Everyplace Else
• 2012 : The Wörld Is Ours – Vol. 2: Anyplace Crazy as Anywhere Else
• 2016 : Clean Your Clock
• 2019 : Stage Fright (live 2004)

Vidéos de Motorhead

• 1982 : Live In Toronto – Castle Hendering (VHS)
• 1984 : Another Perfect Day EP (VHS)
• 1985 : Birthday Party (VHS)
• 1986 : Deaf Not Blind (VHS)
• 1988 : EP (VHS)
• 1991 : Everything louder Than Everything Else (VHS)
• 2001 : 25 and Alive Boneshaker – Steamhammer – SPV (DVD)
• 2002 : Motörhead EP (DVD)
• 2002 : The Best of Motörhead (DVD)
• 2003 : The Special Edition EP (DVD)
• 2004 : Everything Louder Than Everything Else (Live 1991) (DVD)
• 2005 : Stage Fright (Live 2004) (DVD)
• 2010 : Lemmy The Movie (DVD)
• 2011 : The Wörld Is Ours – Vol. 1 – Everywhere Further Than Everyplace Else (DVD)
• 2012 : The World Is Ours – Vol.2 – Anyplace Crazy As Anywhere Else (DVD)
• 2016 : Clean Your Clock (DVD)

BONUS: la dernière interview de Lemmy

L’icône de Motorhead, Lemmy, a ri d’apparaître sur scène comme un fantôme après sa mort dans l’une de ses dernières interviews. La conversation de 14 minutes a été enregistrée par la chaîne de télévision allemande ZDF fin novembre, des semaines avant le décès du 28 décembre .   Son manager Todd Singerman a révélé cette semaine que Lemmy était devenu trop fragile pour passer des interviews et des soundchecks lors de sa dernière tournée.

Le batteur Mikkey Dee a déclaré que son collègue avait «dépensé toute son énergie» sur la route en décembre. Malgré un air malade et fatigué, Lemmy était de bonne humeur lors de l’interview ZDF. Lorsqu’on lui a demandé s’il avait l’intention de continuer à jouer, il a plaisanté: «Après la mort ? Non. Je vais devoir m’arrêter alors, je pense.

On ne sait jamais… je pourrais hanter quelque part. Gâcher le concert de quelqu’un d’autre. Tears For Fears ou quelqu’un – apparaissez au milieu et dites « Tout le monde! » »   Il a dit de la longévité de son groupe: «40 ans, c’est une blague. C’est ridicule. La presse ne nous aimait pas.

Ils nous ont donné six mois à vivre. Ils sont tous partis et je suis toujours là. Dommage. »   Il a évoqué la mort récente de l’ancien batteur Philthy ‘Animal’ Taylor , en disant: «J’ai l’impression d’avoir connu Phil toute ma vie. C’était un fou – et j’admire cela chez une personne. Je pense qu’il a perdu sa volonté de vivre. Il faisait beaucoup de mauvaises drogues et vivait avec les mauvaises personnes.

C’était trop pour sa constitution. Jusqu’à présent, j’ai survécu, parce que je l’ai inventé, plus ou moins. »   Lemmy a ajouté: «Je ne recommande pas le mode de vie, car la plupart des gens en meurent. Beaucoup de mes amis sont morts, ce qui ne devrait pas être le cas.

Ils avaient beaucoup plus de musique en eux. Mais c’est comme ça que la vie est – tout dépend de la chance.   Pour l’avenir, il a déclaré: «Je le ferai aussi longtemps que possible. J’ai 70 ans en décembre et c’est un peu ridicule après ça.

Mais je vais voir comment je me sens.  »   Il a également parlé des attentats terroristes de Paris, de la musique punk, de l’écriture de chansons, d’Elvis, de Little Richard, de Carl Perkins, de Lars Ulrich et du rejet du titre de « parrain du heavy metal ».

Slayer, le groupe emblématique du metal et leur incroyable parcours

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/04/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Slayer, le groupe emblématique du metal et leur incroyable parcours

Au fil des années, Slayer s’est imposé comme l’un des groupes les plus emblématiques de la scène metal. Leur musique puissante et envoûtante a marqué l’histoire du rock et continue d’influencer de nombreux artistes. Dans cet article, nous allons revenir sur l’histoire de ce groupe hors du commun, découvrir ses membres fondateurs et explorer leurs albums cultes. Alors, sans plus attendre, entrons dans l’univers exceptionnel de Slayer.

Les débuts de Slayer : entre passion et audace

Tout commence en 1981 à Huntington Park, une banlieue de Los Angeles. Deux guitaristes talentueux, Kerry King et Jeff Hanneman, décident de s’associer pour former un groupe. Ils recrutent alors Tom Araya, un chanteur et bassiste doté d’une voix puissante et captivante, ainsi que Dave Lombardo, un batteur exceptionnel. Ainsi naît Slayer, un groupe qui n’a pas encore pris sa forme définitive, mais dont les fondations sont désormais posées.

Le quatuor s’investit corps et âme dans la création de leur premier album, enchaînant les répétitions et les concerts locaux pour se faire connaître. En 1983, ils sortent leur premier opus intitulé « Show No Mercy ». L’accueil est très positif, notamment grâce à des morceaux tels que « Die by the Sword » ou « Evil Has No Boundaries ». Forts de ce premier succès, les membres de Slayer décident de poursuivre leur aventure et enchainent les tournées à travers les Etats-Unis.

Les albums cultes de Slayer

Avec plus de trente années d’existence et une discographie riche de douze albums studio, Slayer a su évoluer tout en restant fidèle à son style emblématique. Découvrons ensemble quelques-uns de leurs albums les plus marquants :

1. « Reign in Blood » (1986) – Souvent considéré comme leur chef-d’œuvre, cet album est un véritable monument du metal. Avec des morceaux aussi emblématiques que « Angel of Death » ou « Raining Blood », il propulse le groupe au sommet de la scène métal internationale.
2. « South of Heaven » (1988) – Plus atmosphérique et mélodique que son prédécesseur, cet opus séduit grâce à des titres tels que « Mandatory Suicide » ou « Ghosts of War ». Il confirme également l’excellente collaboration entre les deux guitaristes fondateurs, Kerry King et Jeff Hanneman.
3. « Seasons in the Abyss » (1990) – Fusionnant avec brio l’énergie brute de « Reign in Blood » et la richesse mélodique de « South of Heaven », cet album offre certains des meilleurs morceaux du groupe, notamment « War Ensemble » et « Dead Skin Mask ».
4. « God Hates Us All » (2001) – Après une période plus calme, Slayer revient avec cet album puissant et sombre, qui plonge l’auditeur dans un univers aussi fascinant que dérangeant. Des titres tels que « Disciple » et « New Faith » témoignent de la rage et de la virtuosité du groupe.

Leurs dernières années de carrière

En 2015, le groupe sort son dernier album studio en date, intitulé « Repentless ». Cette réalisation fait suite au décès du guitariste fondateur Jeff Hanneman en 2013, remplacé par Gary Holt. Bien que confrontés à cette épreuve difficile, les membres de Slayer continuent de donner le meilleur d’eux-mêmes pour offrir à leurs fans des morceaux d’une intensité rare et maintenir l’héritage de leur ami disparu.

Fidèles à leur engagement scénique depuis leurs débuts, Slayer annonce également une ultime tournée mondiale en 2018, baptisée « The Final World Tour ». C’est ainsi que Tom Araya, Kerry King, Paul Bostaph et Gary Holt sillonnent les routes du monde entier pour dire adieu à leurs fidèles admirateurs et célébrer ensemble une dernière fois leur passion commune pour la musique.

L’influence de Slayer sur la scène metal

Tout au long de leur carrière, Slayer a eu un impact indéniable sur la scène metal, inspirant de nombreux groupes et artistes venus après eux. Leur style musical unique et novateur a notamment influencé le genre du thrash metal, dont ils sont considérés comme l’un des pionniers aux côtés de METALLICA, MEGADETH et ANTHRAX. Leur succès a également encouragé d’autres formations à tenter leur chance dans ce style musical exigeant, notamment les groupes TESTAMENT, EXODUS ou encore KREATOR.

Mais Slayer ne se limite pas au domaine du thrash metal. Leurs compositions ont également touché des artistes provenant d’autres styles musicaux, comme le death metal, le black metal, le punk hardcore ou même le hip-hop. Des groupes aussi variés que SLIPKNOT, LAMB OF GOD, BEHEMOTH, CONVERGE ou encore PUBLIC ENEMY revendiquent ainsi l’influence importante quIls ont eu sur leurs parcours musicaux.

La passion toujours vive chez les fans de Slayer

Aujourd’hui, malgré l’annonce de la fin de leur carrière scénique, la cote d’amour pour Slayer reste intacte auprès de ses admirateurs. Concerts événements, objets collectors et autres projets dérivés témoignent de cet attachement indéfectible envers le groupe et sa musique. En somme, si Slayer peut être fier d’un héritage riche en émotions et en succès, ils peuvent surtout compter sur une communauté de fans qui n’est pas prête de les abandonner, quelles que soient les circonstances.

EN SAVOIR PLUS:

Slayer était un groupe de thrash métal américain de Huntington Park, en Californie . Le groupe a été formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman , le batteur Dave Lombardo et le bassiste et chanteur Tom Araya . Le style musical rapide et agressif de Slayer en a fait l’un des « quatre grands » groupes fondateurs de thrash metal , aux côtés de Metallica , Megadeth et Anthrax .

La formation finale de Slayer comprenait King, Araya, le batteur Paul Bostaph et le guitariste Gary Holt . Le batteur Jon Dette était également membre du groupe.

Dans la programmation originale, King, Hanneman et Araya ont contribué aux paroles du groupe, et toute la musique du groupe a été écrite par King et Hanneman.

Les paroles et les pochettes d’album du groupe, qui couvrent des sujets tels que le meurtre , les tueurs en série , la torture , le génocide , la politique , l’expérimentation humaine , le satanisme , les crimes de haine , le terrorisme , la religion , l’ anti religion , le nazisme , le racisme , la guerre et la prison, ont généré des interdictions d’album, des retards, des poursuites et des critiques de la part de groupes religieux et de factions du grand public.

Cependant, sa musique a été très influente, souvent citée par de nombreux groupes comme une influence musicale, visuelle et lyrique; le troisième album du groupe, Reign in Blood (1986), a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus lourds et les plus influents.

Slayer a sorti douze albums studio, deux albums live, un coffret, six clips musicaux, deux pièces prolongées et un album de couverture. Quatre des albums studio du groupe ont reçu la certification d’or aux États-Unis.

Le groupe a reçu cinq nominations aux Grammy Awards, dont une en 2007 pour la chanson  » Eyes of the Insane  » et une en 2008 pour la chanson « Final Six », toutes deux issues de l’album Christ Illusion (2006). Entre 1991 et 2013, le groupe a vendu cinq millions d’albums aux États-Unis.

Après plus de trois décennies d’enregistrement et d’ interprétation, Slayer a annoncé en Janvier 2018 , cette qu’elle se lancer dans sa tournée mondiale finale , qui a eu lieu de mai 2018 à Novembre 2019, et le groupe s’est dissous par la suite.

Histoire

Premières années (1981–1983)

Slayer a été formé en 1981 par Kerry King , Jeff Hanneman , Dave Lombardo et Tom Araya à Huntington Park, en Californie.

Le groupe a commencé à jouer des reprises de chansons de groupes comme Iron Maiden , Black Sabbath , Judas Priest et Venom dans des fêtes et des clubs du sud de la Californie . L’image primitive du groupe reposait fortement sur des thèmes sataniques qui comprenaient des pentagrammes , du maquillage, des pointes et des croix inversées.

Rumeurs selon lesquelles le groupe était à l’origine connu sous le nom de Dragonslayer, après le film de 1981 du même nom, ont été démentis par King, comme il l’a déclaré plus tard: « Nous ne l’avons jamais été; c’est un mythe à ce jour. »

En 1983, Slayer a été invité à ouvrir pour le groupe Bitch au Woodstock Club à Anaheim, en Californie, pour interpréter huit chansons, dont six étaient des reprises. Le groupe a été repéré par Brian Slagel , un ancien journaliste musical qui avait récemment fondé Metal Blade Records .

Impressionné par Slayer, il a rencontré le groupe dans les coulisses et leur a demandé d’enregistrer une chanson originale pour son prochain album de compilation Metal Massacre III . Le groupe a accepté et leur chanson « Aggressive Perfector » a créé un buzz underground à sa sortie au milieu de 1983, ce qui a conduit Slagel à offrir au groupe un contrat d’enregistrement avec Metal Blade.

Show No Mercy , Haunting the Chapel et Hell Awaits (1983-1986)

Jeff Hanneman a été le guitariste de Slayer pendant 30 ans, de 1981 à 2011.Il était le principal auteur-compositeur avec Kerry King, ainsi qu’un parolier.

Sans budget d’enregistrement, le groupe a dû autofinancer son premier album. Combinant les économies d’Araya, qui était employée en tant que thérapeute respiratoire, et l’argent emprunté au père de King,  le groupe est entré dans le studio en novembre 1983.

L’album a été précipité dans la sortie, stockant des étagères trois semaines après que les pistes aient été terminé.

Show No Mercy, sorti en décembre 1983 chez Metal Blade Records, a généré une popularité underground pour le groupe. Le groupe a commencé une tournée du club de Californie pour promouvoir l’album.

La tournée a donné au groupe une popularité supplémentaire et les ventes de Show No Mercy ont finalement atteint plus de 20 000 aux États-Unis et 20 000 autres dans le monde.

En février 1984, King rejoint brièvement le nouveau groupe de Dave Mustaine , Megadeth . Hanneman était inquiet de la décision de King, déclarant dans une interview, « Je suppose que nous allons avoir un nouveau guitariste. »

SLAYER : Tirage photo

Tandis que Mustaine voulait que King reste sur une base permanente, King est parti après cinq spectacles, déclarant que le groupe de Mustaine « prenait trop de mon temps. »  La scission a provoqué une rupture entre King et Mustaine, qui a évolué en une querelle de longue durée entre les deux groupes.

En juin 1984, Slayer sort un EP à trois titres intitulé Haunting the Chapel . L’EP présente un style plus sombre et plus orienté thrash que Show No Mercy , et jette les bases de la future direction du groupe.

En mars 1985, Slayer a entamé une tournée nationale avec Venom et Exodus , ce qui a donné lieu à leur première vidéo à domicile baptisée Combat Tour: The Ultimate Revenge . La vidéo présentait des images filmées au club Studio 54 . Le groupe a ensuite fait ses débuts européens en direct au Heavy Sound Festival en Belgique en ouverture pour UFO .

Toujours en 1985, Slayer a fait des tournées ou joué des spectacles sélectionnés avec des groupes comme Megadeth, Destruction , DRI , Possessed , Agent Steel , SOD , Nasty Savage et Church of métal .

Show No Mercy se vendit à plus de 40 000 exemplaires, ce qui conduisit le groupe à retourner en studio pour enregistrer leur deuxième album. Metal Blade a financé un budget d’enregistrement, ce qui a permis au groupe d’embaucher le producteur Ron Fair .

Sorti en mars 1985, le deuxième album de Slayer, Hell Awaits , s’est étendu sur l’obscurité de Haunting the Chapel , avec l’enfer et Satan comme sujets de chanson communs.

Reign in Blood , le bref hiatus de Lombardo et South of Heaven (1986–1989)

Le guitariste Kerry King était l’un des deux membres constants de Slayer.
Après le succès de Hell Awaits , Slayer s’est vu proposer un contrat d’enregistrement avec Russell Simmons et le nouveau Def Def Records de Rick Rubin , un label largement hip hop .

Le groupe a accepté avec un producteur expérimenté et un budget d’enregistrement de label majeur. le groupe  subi une cure de jouvence sonore pour leur troisième album Reign in Blood , résultant : des chansons plus courtes et plus rapides avec une production plus claire. Les arrangements complexes et les longs titres de Hell Awaits ont été abandonnés au profit de structures de chansons dépouillées et influencées par le punk hardcore .

Le distributeur de Def Jam, Columbia Records , a refusé de sortir l’album en raison de la chanson  » Angel of Death  » qui détaille les camps de concentration de l’ Holocauste et les expériences humaines menées par le médecin nazi Josef Mengele .

L’album a été distribué par Geffen Records le 7 octobre 1986. Cependant, en raison de la controverse, Reign in Blood n’est pas apparu sur le calendrier de sortie de Geffen Records. Bien que l’album n’ait reçu pratiquement aucune diffusion radio, il est devenu le premier groupe à entrer dans le Billboard 200 , débutant au numéro 94, et le premier album du groupe certifié or aux États-Unis.

Slayer a entamé la tournée mondiale Reign in Pain, avec Overkill aux États-Unis d’octobre à décembre 1986 et Malice en Europe en avril et mai 1987. Ils ont également joué avec d’autres groupes tels que Agnostic Front , Testament , Metal Church , DRI , Dark Angel et Flotsam et Jetsam .

Le groupe a été ajouté comme groupe de première partie pour la tournée américaine de WASP , mais juste un mois après, le batteur Lombardo  quitta le groupe: « Je ne gagnais pas d’argent. Je me suis dit si nous allions être professionnel, je voulais que mon loyer soit payé.  » Pour continuer la tournée, Slayer a enrôlé Tony Scaglione de Whiplash .

Cependant, Lombardo a été convaincu par sa femme de revenir en 1987. À l’insistance de Rubin, Slayer a enregistré une version de couverture de » In-A-Gadda-Da-Vida « d’ Iron Butterfly pour le film Less Than Zero .

Bien que le groupe ne soit pas satisfait du produit final, Hanneman le jugeant « une mauvaise représentation de Slayer » et King le qualifiant de « gros morceau de merde », ce fut l’une de leurs premières chansons à obtenir une diffusion radio .

Fin 1987, Slayer revient au studio pour enregistrer son quatrième album studio. Pour contraster la vitesse de Reign in Blood , le groupe a consciemment décidé de ralentir les tempos et d’incorporer un chant plus mélodique.

Selon Hanneman, « Nous savions que nous ne pouvions pas battre Reign in Blood , alors nous avons dû ralentir. Nous savions que tout ce que nous faisions allait être comparé à cet album, et je me souviens que nous avons en fait discuté du ralentissement. C’était bizarre – nous ‘ai jamais fait ça sur un album, avant ou depuis.  »

Sorti en juillet 1988, South of Heaven a reçu des réponses mitigées de la part des fans et des critiques, bien que ce soit la sortie la plus réussie de Slayer à l’époque, faisant ses débuts au numéro 57 sur le Billboard 200,  et leur deuxième album à recevoir la certification d’or aux États Unis.

La réponse de presse à l’album a été contrastée, avec AllMusic citant l’album comme « dérangeant et puissant »,et Kim Nelly de Rolling Stone l’ appelant « un radotage satanique véritablement offensant ».

King dit que « cet album fut ma performance la plus terne », bien qu’Araya l’ait qualifié de « floraison tardive » qui a finalement grandi dans la tête des gens. Slayer a fait une tournée d’août 1988 à janvier 1989 pour promouvoir South of Heaven , soutenir Judas Priest aux États-Unis lors de leur tournée Ram It Down , et visiter l’Europe avec Nuclear Assault et les États-Unis avec Motörhead et Overkill .

« Seasons in the Abyss » et deuxième départ de Lombardo (1990–1993)

Le bassiste / chanteur Tom Araya était l’un des deux membres constants de Slayer.
Slayer est revenu au studio au début des années 1990 avec le coproducteur Andy Wallace pour enregistrer son cinquième album studio. Après le contrecoup créé par South of Heaven , Slayer est revenu à la «vitesse martelante de Reign in Blood , tout en conservant leur nouveau sens mélodique ».

Seasons in the Abyss , sorti le 9 octobre 1990, est le premier album de Slayer à sortir sous le nouveau label Def American de Rubin , car il s’est séparé du propriétaire de Def Jam, Russell Simmons, pour des différences créatives.

L’album a fait ses débuts au numéro 44 sur le Billboard 200  et a été certifié or en 1992 .L’album a donné naissance au premier clip de Slayer pour la chanson titre de l’album, qui a été filmée devant les pyramides de Gizeh en Égypte.

Slayer est revenu en live en septembre 1990 pour co-titrer la tournée European Clash of the Titans avec Megadeth, Suicidal Tendencies et Testament .

Au cours de l’étape européenne à guichets fermés de cette tournée, les billets ont monté en flèche à 1 000 deutsche marks (680 $ US) sur le marché noir. Avec la popularité du thrash américain à son apogée, le groupe a de nouveau tourné avec Testament au début de 1991 et à trois titres la version nord-américaine de la tournée Clash of the Titans cet été-là avec Megadeth, Anthrax et Alice in Chains .

Le groupe  sortit un double album live, Decade of Aggressionen 1991, pour fêter les dix ans de leur formation. La compilation a fait ses débuts au numéro 55 sur le Billboard 200.

En mai 1992, Lombardo quitta le groupe en raison de conflits avec les autres membres, ainsi que de son désir de ne pas être en tournée pour la naissance de son premier enfant. Lombardo forma son propre groupe Grip Inc. avec le guitariste Voodoocult Waldemar Sorychta ,  et Slayer recruta l’ancien batteur Forbidden Paul Bostaph pour occuper le poste de batteur.

Slayer a fait ses débuts avec Bostaph au festival Monsters of Rock de 1992 à Castle Donington . Le premier effort de Bostaph en studio fut un mélange de trois chansons Exploited , « War », « UK ’82 » et « Disorder », avec le rappeur Ice-T, pour la bande originale du film Judgment Night en 1993.

Divine Intervention , Undisputed Attitude et Diabolus in Musica (1994–2000)

En 1994, Slayer sort Divine Intervention , le premier album du groupe avec Bostaph à la batterie. L’album comprenait des chansons sur Reinhard Heydrich , un architecte de l’Holocauste, et Jeffrey Dahmer , un tueur en série américain et un délinquant sexuel.

Les autres thèmes incluaient le meurtre, les maux de l’église et les longueurs auxquelles les gouvernements allaient exercer le pouvoir, l’intérêt d’Araya pour les tueurs en série a inspiré une grande partie du contenu des paroles.

Slayer se prépare pour une tournée mondiale en 1995, avec Biohazard et Machine Head .

En 1996, Undisputed Attitude , un album de reprises punk sortit. Le groupe reprit des chansons de Minor Threat , TSOL , Dirty Rotten Imbeciles , DI , Verbal Abuse, Dr. Know et The Stooges . L’album comprenait trois morceaux originaux, « Gemini », « Can’t Stand You », « Ddamm »; les deux derniers ont été écrits par Hanneman en 1984–1985 pour un projet parallèle intitulé Pap Smear.

Bostaph quitta Slayer peu de temps après l’enregistrement de l’album pour travailler sur son propre projet, Truth About Seafood. Avec le départ de Bostaph, Slayer  recruta le batteur du Testament Jon Dette et a titré l’Ozzfest 1996 aux côtés d’ Ozzy Osbourne , Danzig , Biohazard , Sepultura et Fear Factory .

Dette fût licencié après un an, en raison d’une retombée avec les membres du groupe. Après cela, Bostaph revint our continuer la tournée.

Diabolus in Musica (latin pour « The Devil in Music ») sorti en 1998, se classa 31 au Billboard 200, se vendant à plus de 46 000 exemplaires au cours de sa première semaine. L’album reçu des critiques très contrastées.

Le critique de Blabbermouth.net , Borijov Krgin, a décrit l’album comme « une faible tentative d’incorporer des éléments mis à jour dans le son du groupe, dont la présence a quelque peu accru les efforts du groupe et a donné l’espoir que Slayer pourrait s’abstenir de ressasser sans cesse leur matériel précédent pour leur sortie future »

Ben Ratliff du New York Times avait des sentiments similaires, écrivant le 22 juin 1998 que: « Huit des onze chansons de Diabolus in Musica , dont quelques-unes ont été jouées lors de l’émission, sont dans la même tonalité grise, et les idées rythmiques du groupe ont une similitude fatigante aussi.  »

Slayer s’est associé au groupe hardcore numérique Atari Teenage Riot pour enregistrer une chanson pour la bande originale de Spawn intitulée « No Remorse (I Wanna Die) ». Le groupe a rendu hommage à Black Sabbath en enregistrant une reprise de « Hand of Doom » pour le deuxième de deux albums hommage, intitulé Nativity in Black II .

Une tournée mondiale a suivi pour soutenir le nouvel album, avec Slayer faisant une apparition au Royaume-Uni Ozzfest 1998 .

God Hates Us All (2001-2005)

Après des retards concernant le remixage et les illustrations, y compris les couvertures de diapositives créées pour couvrir les illustrations originales car elles étaient jugées « trop ​​graphiques », le prochain album de Slayer, God Hates Us All , est sorti le 11 septembre 2001 .

Le groupe a reçu sa première nomination aux Grammy pour le titre « Disciple », bien que le Grammy ait été décerné à Tool , pour  » Schism « .

Les attaques du 11 septembre contre l’Amérique ont mis en péril la tournée européenne 2001 Tattoo the Planet, qui devait à l’origine présenter Pantera , Static-X , Cradle of Filth , Biohazard et Vision of Disorder.

Les dates au Royaume-Uni ont été reportées en raison de restrictions de vol, avec une majorité de groupes décidant de se retirer, laissant Slayer et Cradle of Filth restant pour la partie européenne de la tournée.

Pantera, Static-X, Vision of Disorder et Biohazard ont été remplacés par d’autres groupe ; Amorphis , In Flames , Moonspell , Children of Bodom et Necrodeath . Biohazard a finalement décidé de rejoindre la tournée plus tard, et a réservé de nouveaux concerts dans les pays, où ils ont raté quelques dates.

Le batteur Bostaph a quitté Slayer avant Noël en 2001, en raison d’une blessure chronique au coude, ce qui entraverait sa capacité à jouer. La tournée « God Hates Us All » de Slayer étant inachevée , le directeur, Rick Sales, contacta  Lombardo, et lui demanda s’il aimerait terminer le reste de la tournée. Lombardo a accepté l’offre et est restera membre permanent.

SLAYER

Christ Illusion (2006-2008)

Le batteur de Original Slayer, Dave Lombardo, a rejoint le groupe en 2001 après une interruption de neuf ans et a joué sur les albums Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009) avant de repartir en 2013.

Le prochain album studio, Christ Illusion , devait initialement sortir le 6 juin 2006 et serait le premier album avec le batteur original Lombardo depuis 1990 . Cependant, le groupe a décidé de retarder la sortie du disque, car ils ne voulaient pas être parmi les nombreux, selon King, « demi-cul, stupides putains de perdants » publiant des disques le 6 juin.

Bien que USA Today ait rapporté que l’idée a été contrecarrée parce que le groupe n’a pas réussi à obtenir suffisamment de temps d’enregistrement en studio. Slayer a sorti Eternal Pyre le 6 juin comme un EP en édition limitée .

Cinq mille exemplaires ont été publiés et vendus exclusivement dans les chaînes de magasins Hot Topic , et vendus dans les heures suivant leur sortie.  Le 30 juin, Nuclear Blast Records a sorti une version de disque vinyle de 7 « limitée à mille exemplaires.

Christ Illusion est sorti le 8 août 2006 et a fait ses débuts au numéro 5 sur le Billboard 200, se vendant à plus de 62 000 exemplaires au cours de sa première semaine. Slayer a été intronisé au Kerrang! Hall of Fame pour leur influence sur la scène heavy metal.

Une tournée mondiale baptisée The Unholy Alliance Tour a été entreprise pour soutenir le nouveau disque. La tournée devait initialement démarrer le 6 juin, mais a été reportée au 10 juin, car Araya a dû subir une opération de la vésicule biliaire .

La tournée a fait son chemin à travers l’Amérique et l’Europe et les groupes qui ont participé, à part Thine Eyes Bleed, se sont réunis pour se produire au Festival Loudpark au Japon le 15 octobre 2006.

La vidéo du premier single de l’album,  » Eyes of the Insane « , est sortie le 30 octobre 2006. Le titre a été présentée sur la bande originale de Saw III , et a remporté un Grammy-Award pour  » Best Metal Performance  » au 49th Grammy Awards, bien que le groupe n’ait pas pu assister en raison d’obligations de tournée.

Une semaine plus tard, le groupe a visité le 52e escadron de services situé sur la base de l’US Air Force à Spangdahlem en Allemagne pour donner un concert. Il s’agissait de la toute première visite d’une base militaire pour le groupe.

Le groupe a fait sa première apparition  TV sur le l’emission de Jimmy Kimmel Live!le 19 janvier, jouant la chanson « Eyes of the Insane », et quatre chansons supplémentaires pour les fans après le spectacle (bien que les images de  » Jihad  » aient été coupées en raison de ses thèmes lyriques controversés).

Slayer a fait une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande en avril avec Mastodon, et est apparu au Download Festival , Rock Am Ring , et une tournée d’été avec Marilyn Manson et Bleeding Through .

World Painted Blood (2009-2011)

En 2008, Araya déclare son incertitude quant à l’avenir du groupe, et qu’il ne peut pas se voir continuer la carrière à un âge plus avancé. Il a dit qu’une fois que le groupe aurait terminé son prochain album, qui était le dernier disque de leur contrat, le groupe s’asseyait et discutait de son avenir.

King pensais que le groupe produirait au moins deux autres albums avant d’envisager de se dissoudre: « Nous parlons d’aller en studio en février prochain [2009] et de sortir le prochain album donc si nous faisons les choses en temps opportun Je ne vois pas de raison pour laquelle nous ne pouvons pas sortir plus d’un album.  »

Slayer, avec Trivium , Mastodon et Amon Amarth, font alors équipe pour une tournée européenne intitulée «The Unholy Alliance: Chapter III», en octobre et novembre 2008.

Le onzième album studio du groupe, World Painted Blood , est sorti chez American Recordings . Il fût disponible le 3 novembre en Amérique du Nord et le 2 novembre pour le reste du monde.

Le groupe déclara que l’album reprenait des éléments de toutes leurs œuvres précédentes, notamment Seasons in the Abyss , South of Heaven et Reign in Blood . Megadeth et Slayer ont uni leurs forces encore une fois pour la tournée Carnage américaine de Juillet à Octobre 2010 , avec Anthrax et Testament.

Début 2011, Hanneman a reçu un diagnostic de fasciite nécrosante . Selon le groupe, les médecins ont déclaré que cela provenait probablement d’une morsure d’araignée.

Araya a déclaré à propos de la condition de Hanneman: « Jeff était gravement malade. Jeff a fini par contracter une bactérie qui rongeait sa chair sur son bras, alors ils lui ont ouvert le bras, du poignet à l’épaule, et ils ont fait une greffe de peau sur lui, ils ont nettoyé … C’était un virus mangeur de chair, donc il était vraiment, vraiment mauvais. Alors nous attendrons qu’il s’améliore, et quand il sera à cent pour cent, il sortira et se joindra à nous. »

Le groupe decida de jouer leurs dates de tournée à venir sans Hanneman. Gary Holt d’ Exodus a remplacé Hanneman. Le 23 avril 2011, lors de l’émission American Big 4 à Indio, en Californie , Hanneman a rejoint ses camarades de groupe pour jouer les deux dernières chansons de leur ensemble, « South of Heaven » et « Angel of Death ».

Cela s’est avéré être la dernière performance live de Hanneman avec le groupe.

La mort de Hanneman, la troisième scission de Lombardo et Repentless (2011-2016)

Lorsqu’on lui a demandé si Slayer ferait un autre album, Lombardo a répondu « Oui absolument; bien qu’il n’y ait rien d’écrit, il y a certainement des plans. » Cependant, Araya disait que Slayer ne commencerait pas à écrire un nouvel album jusqu’à ce que la condition de Hanneman se soit améliorée.

Pour célébrer le 25e anniversaire de Reign In Blood , le groupe a interprété toutes les pistes de l’album au festival All Tomorrow’s Parties à l’ Alexandra Palace à Londres.

En novembre 2011, Lombardo a publie un tweet indiquant que le groupe commençait à écrire de la nouvelle musique. Cela signifiait probablement que l’état de Hanneman s’était amélioré, et on pensait qu’il était prêt à entrer dans le studio.

King avait travaillé avec Lombardo cette année-là et ils ont terminé trois chansons. Le groupe prévoyait d’entrer en studio en mars ou avril 2012 et espérait que l’album soit enregistré avant la tournée américaine du groupe fin mai et le sortir d’ici l’été de la même année.

Cependant, King dit à l’époque que l’album à venir ne serait pas fini avant septembre et octobre de cette année, rendant une sortie 2013 probable.

En juillet 2012, King a révélé deux titres de chansons pour l’album à venir, « Chasing Death » et « Implode ».

En février 2013, Lombardo est licencié juste avant que Slayer ne joue au festival australien Soundwave en raison d’une dispute avec les membres du groupe au sujet d’un différend salarial.

Slayer et American Recordings  publient une déclaration, disant que « M. Lombardo est venu dans le groupe moins d’une semaine avant leur départ prévu pour l’Australie pour présenter un ensemble de conditions entièrement nouvelles pour son engagement qui étaient contraires à celles qui avaient été précédemment. »

Lombardo est alors officiellement hors de Slayer pour la troisième fois, et, en mai, Bostaph rejoint le groupe.

Le guitariste d’ Exodus Gary Holt rejoint Slayer en 2011, à l’origine en tant que membre de tournée, et  devient plus tard un remplaçant officiel de Jeff Hanneman , décédé en 2013.

Le 2 mai 2013, Hanneman est décédé des suites d’une insuffisance hépatique dans un hôpital local près de son domicile dans l’ Inland Empire du sud de la Californie ; la cause du décès a ensuite été déterminée comme étant une cirrhose liée à l’alcool .

King a confirmé que le groupe continuerait, disant: « Jeff va être dans les pensées de tout le monde pendant longtemps. Il est malheureux que vous ne puissiez pas empêcher que des choses malheureuses se produisent.

Mais nous allons continuer – et il ‘ je serai là en esprit.  » Cependant, Araya se sentait plus incertain quant à l’avenir du groupe, exprimant sa conviction que « Après 30 ans [avec Hanneman actif dans le groupe], ce serait littéralement comme recommencer ».

Malgré l’incertitude concernant l’avenir du groupe, Slayer a toujours travaillé sur un suivi de World Painted Blood . De plus, le nouvel album contiendrait   du matériel écrit par Hanneman.

Le groupe a annoncé qu’il avait signé avec Nuclear Blast , et prévoyait de sortir un nouvel album en 2015. Il a été rapporté que Holt prendrait en charge les fonctions de guitare de Hanneman à plein temps,  bien que Holt n’ait pas participé à l’écriture de chansons .

En février, Slayer a annoncé une tournée américaine de dix-sept dates pour commencer en juin avec Suicidal Tendencies et Exodus . En 2015, Slayer a titré le Rockstar Energy Mayhem Festival pour la deuxième fois. Sans repentir, le douzième album studio du groupe, est sorti le 11 septembre 2015.

Slayer a fait une tournée de deux ans et demi à l’appui de Repentless . Le groupe a fait une tournée en Europe avec Anthrax et Kvelertak en octobre et novembre 2015 et s’est lancé dans trois tournées nord-américaines: une avec Testament et Carcass en février et mars 2016  puis avec Anthrax et Death Angel en septembre et octobre 2016. Une seule date en Asie du Sud-Est en 2017 a eu lieu aux Philippines.

Treizième album studio annulé, tournée d’adieu et séparation (2016-2019)

En août 2016, on a demandé au guitariste Kerry King si Slayer publierait une suite de Repentless .

Il a répondu: « Nous avons beaucoup de restes du dernier album, parce que nous avons écrit tellement de choses, et nous en avons aussi enregistré un tas.

Si les paroles ne changent pas musicalement la chanson, ces chansons sont terminées. Nous avons donc une longueur d’avance sur le match sans même rien avoir à faire pour le prochain album. Et j’ai travaillé sur des trucs sur mon temps d’arrêt.

Comme, je vais me réchauffer et un riff me viendra à l’esprit et je l’enregistrerai. J’en ai une poignée. Donc les roues tournent encore. Je n’ai encore rien travaillé sur le plan lyrique à part ce qui a été fait sur le dernier album, donc c’est quelque chose que je dois faire. Mais, ouais , Repentless n’a pas encore tout à fait un an.  »

King a également déclaré que Slayer ne devait pas entrer dans le studio avant au moins 2018.  Dans une interview en octobre sur le podcast de Jamey Jasta, le chanteur de Hatebreed , King a déclaré qu’il était » complètement ouvert « au fait que le guitariste Gary Holt (qui n’a pas contribué à l’écriture de chansons sur Repentless ) soit impliqué dans le processus d’écriture du prochain album de Slayer.

Il a expliqué: » Je suis tout à fait disposé à ce que Gary travaille sur quelque chose.  Cela ne veut pas dire que cela arrivera ou ne se produira pas. Mais mes oreilles sont ouvertes.  »

Le 22 Janvier 2018, Slayer annonce sa tournée mondiale d’ adieu , qui a commencé en Amérique du Nord en mai et Juin, soutenu par Anthrax , Behemoth et Testament . La deuxième étape de la tournée nord-américaine a eu lieu en juillet et août, Napalm Death remplaçant Behemoth,  suivie en novembre et décembre par une tournée européenne avec Lamb of God, Anthrax et Obituary .

La tournée d’adieu s’est poursuivie en 2019, avec des plans pour visiter des endroits tels que l’Amérique du Sud, l’Australie et le Japon; en plus des festivals européens tels que le Hellfest et Graspop , Slayer joue également au Mexique au Force Fest en octobre 2018.

Le 2 décembre 2018, Holt annonce qu’il ne jouerait pas le reste de la tournée européenne du groupe car son son père est mourant. En conséquence, Vio-lence et l’ancien guitariste de Machine Head Phil Demmel le remplaceront.

Holt avait déclaré que Slayer ne sortirait pas de nouvel album avant la fin de la tournée d’adieu.

La dernière étape nord-américaine de la tournée, surnommée « The Last Campaign », a eu lieu en novembre 2019 et comprenait également le soutien de Primus , Ministry et Philip H. Anselmo & The Illegals . Bien qu’il soit qualifié de tournée d’adieu pour Slayer, leur manager Rick Sales a déclaré que le groupe ne se séparait pas, mais n’avait pas l’intention de se produire à nouveau en live.

Kristen Mulderig, qui travaille avec Rick Sales Entertainment Group, aurait également déclaré qu’il y aurait des activités liées à Slayer après la fin de la tournée. Cependant, dans les deux jours suivant la fin de la tournée, la femme du roi, Ayesha, a déclaré sur sa page Instagram qu’il n’y avait « aucune chance  » que Slayer se réunisse pour exécuter plus de spectacles ou sortir de la nouvelle musique.

En mars 2020, en parlant à Guitar World de sa dernière approbation avec Dean Guitars , King a laissé entendre qu’il continuerait à faire de la musique en dehors de Slayer, disant simplement: « Dean ne m’a pas signé pour rien! »  Lorsqu’on lui a demandé par le podcast Let There Be Talk en juin 2020 si une réunion Slayer se produirait jamais, Holt a déclaré: « Si cela se produit, si cela se produit, cela n’a rien à voir avec moi ».

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Slayer

Qu’est-ce que Slayer?

Slayer est un groupe de heavy metal américain formé en 1981 par les guitaristes Kerry King et Jeff Hanneman. Le groupe est connu pour ses performances sur scène très intenses et ses chansons brutales et rapides. Slayer a joué un rôle important dans le développement de la musique thrash metal et a contribué à façonner le son du genre.

Qui sont les membres du groupe Slayer?

Les membres fondateurs de Slayer sont le guitariste Kerry King et le batteur Dave Lombardo. Ils ont ensuite été rejoints par le chanteur/bassiste Tom Araya et le guitariste Jeff Hanneman. Après le décès de Hanneman en 2013, le groupe a recruté Gary Holt pour le remplacer à la guitare.

Quels sont les albums de Slayer?

Slayer a sorti 11 albums studio depuis sa formation en 1981. Les albums sont les suivants : Show No Mercy (1983), Hell Awaits (1985), Reign in Blood (1986), South of Heaven (1988), Seasons in the Abyss (1990), Divine Intervention (1994), Undisputed Attitude (1996), Diabolus in Musica (1998), God Hates Us All (2001), Christ Illusion (2006) et World Painted Blood (2009).

Quels sont les titres les plus populaires de Slayer?

Les titres les plus populaires de Slayer incluent ‘Raining Blood’ (1986), ‘Angel of Death’ (1986), ‘War Ensemble’ (1990), ‘Seasons in the Abyss’ (1990), ‘Dead Skin Mask’ (1991), ‘South of Heaven’ (1988), ‘Mandatory Suicide’ (1988), ‘Chemical Warfare’ (1985), ‘Hell Awaits’ (1985) et ‘Altar of Sacrifice’ (1983).

Quels sont les principaux festivals où Slayer a joué?

Slayer a joué dans de nombreux grands festivals de musique à travers le monde. Les principaux festivals auxquels le groupe a participé comprennent Wacken Open Air en Allemagne, Download Festival en Angleterre, Rock am Ring en Allemagne, Rock im Park en Allemagne, Graspop Metal Meeting en Belgique, Knotfest en Amérique du Nord et South Korea’s Pentaport Rock Festival.

Qu’est-ce que le style musical de Slayer?

Le style musical de Slayer est principalement du thrash metal, mais le groupe incorpore également des éléments de death metal et de heavy metal traditionnel. Les chansons sont généralement très rapides et brutales, avec des guitares agressives et des rythmes complexes.

Quels sont les principaux prix remportés par Slayer?

Slayer a remporté de nombreux prix au cours de sa carrière. En 2003, le groupe a été honoré par la Revolver Golden Gods Awards comme «Meilleur groupe de metal». En 2016, Slayer a reçu le prix «Lifetime Achievement Award» lors des Metal Hammer Golden Gods Awards. En 2017, le groupe a remporté le prix «Hall of Fame» lors des Classic Rock Roll of Honour Awards. En 2018, Slayer a été intronisé au «Hall of Fame» des Kerrang! Awards.

Quels sont les membres fondateurs de Slayer?

Les membres fondateurs de Slayer sont Kerry King (guitare) et Jeff Hanneman (guitare). King et Hanneman ont fondé le groupe en 1981 et sont restés membres du groupe jusqu’à la mort de Hanneman en 2013.

Quelle est l’influence de Slayer sur la scène metal?

Slayer est largement considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène metal. Le groupe a joué un rôle important dans le développement du genre thrash metal et a contribué à façonner le son du genre. De nombreux groupes de metal modernes ont été influencés par le style de Slayer et le groupe est un modèle pour de nombreux musiciens.

Quels sont les projets de Slayer à venir?

Slayer a annoncé qu’ils allaient entamer une tournée mondiale en 2020 pour célébrer leur 40e anniversaire. Depuis, le groupe a splité, Slayer n’existe plus.

Quelle est la signification du logo de Slayer ?

Le logo de Slayer, souvent appelé « le logo de l’aigle », représente un aigle avec une épée dans ses griffes. L’aigle est souvent associé à la guerre et à la mort, tandis que l’épée symbolise la justice et la vengeance. Le logo a été créé par le guitariste Kerry King.

 Quel est l’héritage de Slayer dans le metal ?

L’héritage de Slayer dans le metal est considérable, tant en termes d’influence musicale que de culture populaire. Le groupe est souvent considéré comme l’un des pionniers du thrash metal et son style agressif et extrême a inspiré de nombreux autres groupes de metal. Le logo de Slayer est également devenu un symbole emblématique du metal.

Pourquoi Slayer s’est-il séparé ?

En 2018, Slayer a annoncé sa dissolution après plus de 35 ans de carrière.

10. Quels sont les moments les plus mémorables de l’histoire de Slayer ?

Il y a eu plusieurs moments mémorables dans l’histoire de Slayer, en voici quelques-uns :

• Leur performance à la première édition du festival de musique metal « Monsters of Rock » en 1988, où ils ont partagé la scène avec Metallica, Van Halen, Scorpions et d’autres grands noms de la musique.
• La controverse entourant la chanson « Angel of Death » de l’album « Reign in Blood », qui aborde le sujet de l’Holocauste. La chanson a été accusée de glorifier la violence et l’antisémitisme, mais les membres de Slayer ont défendu la chanson en affirmant qu’elle avait été écrite dans un contexte historique et n’était pas destinée à être offensante.
• Le décès du guitariste Jeff Hanneman en 2013, qui a bouleversé les fans de Slayer et a conduit à l’arrivée de Gary Holt en tant que guitariste de remplacement.
• La tournée d’adieu de Slayer en 2018-2019, qui a vu le groupe jouer dans des salles combles à travers le monde pour célébrer leur carrière de plus de trois décennies.

Slayer est un groupe emblématique de la musique metal, connu pour son style musical agressif et ses paroles violentes. Le groupe a eu une influence considérable sur la musique metal et a inspiré de nombreux autres groupes au fil des ans. Bien que Slayer se soit séparé en 2018, leur héritage dans le metal reste important et leurs fans continuent de les célébrer comme l’un des plus grands groupes de l’histoire du genre.

Foo Fighters The Pretender : l’histoire

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 07/04/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Foo Fighters The Pretender est le premier single du groupe extrait de l’album « Echoes, Silence, Patience & Grace » du groupe américain Foo Fighters sorti en 2007. C’est l’une des chansons les plus réussies de Foo Fighters, elle est classée 37ème au Billboard américain.

En tant que photographe de concert, j’ai déjà eu la chance de shooter les Foo Fighters et de voir la folie qu’occasionne ce titre lorsque le groupe le joue sur scène. Revenons ici sur le making-of de ce titre phare des Foo, son histoire, l’enregistrement, ses paroles.

Foo Fighters The Pretender

Le clip vidéo : Foo Fighters The Pretender 

Le clip  de Foo fighters the pretender a été réalisé par Sam Brown. Foo Fighters the Pretender est présenté au format 16/9. Il utilise fortement le panoramique, et les zooms. Il s’agit du groupe  interprétant une chanson dans un hangar à avion avec de nombreuses lumières au plafond. Derrière le groupe se trouve un grand écran rouge . Les membres du groupe des Foo fighters font face à ce qui semble être un CRS qui avance jusqu’à une ligne noire.

Au fur et à mesure que la chanson des  Foo Fighters the Pretender se joue,  de plus en plus de CRS avancent et se rassemblent sur la même ligne noire. Chaque policier possède un numéro sur sa poitrine, qui est en ordre de compte à rebours vers le moment de la chanson le plus intense qui approche. Lorsque le pont le plus silencieux commence, la vidéo ralentit et les officiers chargent l’équipe. Lorsque le groupe commence le refrain au plus fort de la chanson, l’écran explose soudainement et pulvérise du liquide rouge hors de lui, écrasant les policiers et aspergeant  le groupe.

À la fin de la vidéo de Foo Fighters the Pretender, Dave Grohl  tombe à genoux sur le sol. Les effets visuels de la vidéo ont été créés par Mechnology Visual Effects à Burbank, en Californie.

Foo Fighters The Pretender : le making of du clip

L’enregistrement du titre: Foo Fighters The Pretender

Dave Grohl a d’abord composé le titre « Silver Heart » lors de la pré-production d’Echoes, Silent, Patience et Grace, mais la chanson n’évoluait pas… Selon le producteur Gil Norton, « La chorale était là, mais il n’y a pas de paroles et de pont. La chanson était beaucoup plus lente. » lors d’une pause de 10 jours pendant l’enregistrement en avril 2007, Dave Grohl écouta le mixage de monitoring, et pensa que le disque avait besoin d’une chanson au rythme rapide. Il l’écrivit en une journée.

Dave Grohl a décrit la chanson Foo Fighters the Pretender comme une « chanson de Foo Fighters avec un peu de Chuck Berry« . La chanson est écrite dans la tonalité de La Mineur et montre la dynamique changeante que Grohl voulait utiliser pour cet album, en commençant par une introduction très simplifiée, avec une guitare et des voix douces ainsi qu’ une petite section de cordes.

Foo Fighters The Pretender

Rich Costey, ingénieur du mixage, a déclaré que faire tout ce travail dynamique, ainsi que l’équilibre des instruments, était un défi parce que Dave Grohl et le batteur Taylor Hawkins voulaient toujours se concentrer davantage sur leurs instruments. Les overdubs de guitare de Costey étaient également inquiétants – « Les guitares de » The Pretender « sont assez « pleines », donc ça devient assez dense pour mixer l’ensemble. L’enjeu de ce type de mix est de conserver la puissance de la chanson, tout en déterminant la place de tout. L’équilibre des guitares était une grande difficulté par rapport à la batterie et au chant.  »

Dave Grohl a admis que la chanson de Sesame Street avait surement inconsciemment influencé son écriture de la chanson. Dans une interview avec XFM en 2007, Dave Grohl n’a pas expliqué la signification de The Pretender, mais a suggéré que ses racines se trouvaient dans la tourmente politique actuelle.

Grohl a également déclaré que Foo Fighters the Pretender n’était pas initialement prévu pour l’album et que cela s’est produit très rapidement: Cette chanson n’est arrivée que très tard. Jusqu’à ce titre, je ne savais pas si nous avions une bonne chanson d’ouverture… ou non. Donc après l’enregistrement, j’ai pensé: « Oh, c’est parfait, nous avons une chanson pour ouvrir un album » et c’est devenu la chanson préférée de tout le monde. … C’est une sorte de chanson avec laquelle j’ai hâte d’ouvrir les concerts. Nous avons composé cette chanson, je ne sais pas, en un jour…, alors que pour beaucoup d’autres chansons, nous avons travaillé pendant des semaines.

Foo Fighters The Pretender

Foo Fighters The Pretender : la mise en perspective historique

Après l’éclatement de la tristesse et de la colère du 11 septembre, le président Bush avait décidé d’envoyer l’armée américaine en Irak « à la recherche d’armes de destruction massive ». La colère envers le terrorisme a poussé les gens à soutenir la décision de ce président.

Bien sûr, certaines personnes étaient contre l’idée, mais le nationalisme était élevé à ce stade et les gens voulaient juste se venger sans penser aux conséquences auxquelles nous pourrions faire face à l’avenir. Des années ont passé, les combats n’ont jamais cessé et nous n’avons jamais trouvé «d’armes de destruction massive».

Cette ambiance historique sera le terreau de l’écriture du tube Foo Fighters The Pretender.

Foo Fighters The Pretender

Foo Fighters The Pretender : Les crédits de l’enregistrement

• Dave Grohl : chanteur, guitare rythmique
• Chris Shiflett : lead guitar
• Nate Mendel : Basse
• Taylor Hawkins : batterie et chant
• Section Section de quatuor à cordes, arrangée par Audrey Riley

La tracklist de l’album Echoes, Silence, Patience & Grace des Foo Fighters :
01. The Pretender
02. Let It Die
03. Erase/Replace
04. Long Road to Ruin
05. Come Alive
06. Stranger Things Have Happened
07. Cheer Up, Boys (Your Make Up Is Running)
08. Summer’s End
09. Ballad of the Beaconsfield Miners
10. Statues
11. But, Honestly
12. Home

Foo Fighters The Pretender : Classements du titre    

Cette chanson était numéro 47 sur la liste des 100 meilleures chansons de 2007 Rolling Stone. La chanson a été nominée pour un Grammy Award en 2008 pour la meilleure chanson rock et record de l’année. La même année, il remporte un Grammy Award dans la catégorie Meilleure performance Hard Rock. Cette chanson était également numéro 94 dans le top 100 des MTV Asia en 2007. Le clip a été nominé pour le meilleur clip  rock aux Video Music Award 2008, mais a perdu face à Linkin Park.

Cet album était le quatrième album des Foo Fighters dans lequel la chanson était en tête de la liste des chansons américaines Hot Modern Rock. « The Pretender » était la chanson rock alternative de 2007. Ce titre a détenu le record dans l’histoire de Modern Rock Tracks, battant le record de 16 semaines de « Scar Tissue » des Red Hot Chili Peppers et Green Day’s Boulevard of Broken Dreams, avec 18 semaines numéro un. Il a également passé 6 semaines au numéro 1 sur la liste Hot Mainstream Rock Tracks.

Foo Fighters The Pretender

Paroles originales : Foo Fighters The Pretender

Keep you in the dark
You know they all pretend
Keep you in the dark
And so it all began

Send in your skeletons
Sing as their bones go marching in, again
The need you buried deep
The secrets that you keep are ever ready

Are you ready?
I’m finished making sense
Done pleading ignorance
That whole defense

Spinning infinity, boy
The wheel is spinning me
It’s never-ending, never-ending
Same old story

What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender
What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender

What if I say that I’ll never surrender?
In time our soul untold
I’m just another soul for sale, oh well
The page is out of print

We are not permanent
We’re temporary, temporary
Same old story

What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender

What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender

What if I say that I’ll never surrender?
I’m the voice inside your head
You refuse to hear

I’m the face that you have to face
Mirrored in your stare
I’m what’s left, I’m what’s right
I’m the enemy
I’m the hand that will take you down

Bring you to your knees
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?
Keep you in the dark
You know they all pretend

What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender

What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
What if I say I’m not just another one of your plays?
You’re the pretender

What if I say that I’ll never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)

What if I say I will never surrender?
What if I say I’m not like the others?
(Keep you in the dark)
What if I say I’m not just another one of your plays?
(You know they all pretend)
You’re the pretender
(Who dares)
What if I say I will never surrender?
So who are you?
Yeah, who are you?
Yeah, who are you?

Foo Fighters the Pretender

Paroles en Francais : Foo Fighters The Pretender

{Celui qui prétend}

Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant
Tu restes dans le noir
Et c’est ainsi que tout à commencé

Envoie moi tes squelettes
Chante pendant que leurs os marchent à nouveau
Tes besoins enfuis au plus profond de toi
Les secrets que tu gardes sont toujours prêts
Es-tu prêt?
J’en ai assez d’être normal
De plaider l’innocence
Toute cette…défense

Tu fais tourner l’infinité
Cette roue qui me fait tourner
Ça ne s’arrête jamais, s’arrête jamais
Toujours la même histoire

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Avec le temps notre âme est indescriptible
Je ne suis qu’une autre âme à vendre…et alors?
Cette page est épuisée
Nous ne sommes pas éternels
Nous sommes éphémères, éphémères
Toujours la même histoire

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement un autre de tes
personnages?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Je suis la voix à l’intérieur de ta tête
Que tu refuses d’entendre
Je suis le visage auquel tu dois faire face
Réfléchis dans ton regard
Je suis ce qui reste, je suis ce qui est juste
Je suis l’ennemi
Je suis la main qui te détruira
Et te fera tomber à genoux

Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?

Tu restes dans le noir
Tu sais qu’ils font tous semblant

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces ?
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Et si je disais que je ne suis pas comme tous les autres?
(Tu restes dans le noir)
Et si je disais que je ne suis pas seulement une autre de
tes pièces?
(Tu sais qu’ils font tous…semblant)
Tu es celui qui prétend
Et si je disais que je ne me soumettrai jamais?

Alors qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?
Ouais, qui es-tu?

Foo Fighters The Pretender en live à Wembley

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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MASS HYSTERIA : INCASSABLE

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 06/04/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

MASS HYSTERIA : Le groupe 

Mass Hysteria est un groupe de metal français qui a gagné une immense popularité auprès des fans de metal partout dans le monde. Depuis leur formation en 1993, ils ont sorti plusieurs albums acclamés par la critique et ont joué dans des festivals de musique en France et à l’étranger.

Leur son unique, qui mélange des riffs de guitare lourds avec des paroles fortes et engagées, a attiré des fans de tous horizons. Mass hysteria est connu pour sa capacité à faire passer des messages politiques et sociaux importants à travers leur musique, tout en offrant un spectacle incroyablement énergique.

Leur album le plus récent, « Maniac« , sorti en 2018, a été très bien accueilli par les fans et les critiques. Il présente un son plus mature et plus diversifié que les albums précédents du groupe, tout en restant fidèle à leur style unique.

Mass Hysteria est également connu pour ses performances live incroyables, avec des spectacles pleins d’énergie et de passion. Le groupe est très engagé envers leur public, offrant des shows mémorables qui laissent les fans épuisés mais heureux.

En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui a conquis la scène internationale grâce à son son unique, ses paroles fortes et engagées, et ses performances live incroyables. Ils continuent d’inspirer des fans à travers le monde avec leur musique, et leur avenir promet d’être tout aussi brillant que leur passé.

Présentation de Mass Hysteria, ses origines et ses influences…

Mass Hysteria est un groupe de metal français originaire de Paris, fondé en 1993. Le groupe se compose de six membres: Mouss Kelai (chant), Yann Heurtaux (guitare), Frédéric Duquesne (guitare), Raphaël Mercier (batterie), Julien Nicolas (claviers) et Vincent Mercier (basse).

Le groupe s’est formé à une époque où le metal français était en pleine effervescence, avec des groupes comme Gojira, Dagoba ou encore Eths. Leur premier album, « Le Bien-être et la Paix » sorti en 1997, a connu un grand succès auprès des fans de metal français, et a permis au groupe de se faire connaître sur la scène nationale.

Le style de Mass Hysteria est un mélange de metal, de punk et de hardcore, avec des paroles souvent engagées et politiques. Le groupe s’est notamment inspiré des mouvements punk et hardcore des années 80, ainsi que de groupes de metal tels que Metallica ou Sepultura.

Mass Hysteria a également été influencé par la culture hip-hop, et a collaboré avec plusieurs rappeurs français, tels que Passi ou Casey, pour fusionner leurs styles et créer des morceaux uniques.

Au fil des années, le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, tels que « Contraddiction » en 1999, « De Cercle en Cercle » en 2001, ou encore « Matière Noire » en 2015. Leur son unique et leur énergie sur scène leur ont permis de gagner de nombreux fans en France et à l’étranger.

En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est inspiré de nombreux mouvements musicaux pour créer un son unique, mélangeant metal, punk, hardcore et hip-hop. Leur engagement politique et social, ainsi que leur énergie sur scène, ont fait d’eux l’un des groupes de metal les plus populaires en France.

Discographie Mass Hysteria

Voici la discographie complète du groupe de metal français Mass Hysteria :

Albums studio :

• « Le Bien-être et la Paix » (1997)
• « Contraddiction » (1999)
• « De Cercle en Cercle » (2001)
• « Mass Hysteria » (2005)
• « Une Somme de Détails » (2007)
• « Failles » (2009)
• « L’Armée des Ombres » (2012)
• « Matière Noire » (2015)
• « Maniac » (2018)

Albums live :

• « Live à L’Elysée Montmartre » (2006)
• « Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » (2014)

Compilations :

• « Mass Hysteria / F.F.F. » (2002)

EP :

• « Plus Que Du Metal » (1995)
• « Contraddiction » (version single) (1999)
• « Mass Hysteria » (version single) (2005)

Mass Hysteria est un groupe qui a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « Le Bien-être et la Paix » qui leur a permis de se faire connaître, « Contraddiction » qui a remporté un grand succès commercial, et « L’Armée des Ombres » qui a été très bien accueilli par les fans et la presse spécialisée.

Le groupe a également sorti plusieurs albums live, dont « Live à L’Elysée Montmartre » en 2006 et « Mass Hysteria Live 2013 – 25ème Anniversaire » en 2014, qui témoignent de leur énergie et de leur talent sur scène.

En somme, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui a sorti une discographie riche et variée, avec des albums studio acclamés par la critique et des albums live témoignant de leur talent sur scène.

Mass Hysteria : l’album MANIAC

« Maniac » est le neuvième album studio du groupe de metal français Mass Hysteria, sorti en 2018. Cet album marque une nouvelle étape dans l’histoire du groupe, qui continue d’évoluer et de se renouveler tout en restant fidèle à son identité musicale.

L’album a été enregistré aux Studios Sainte-Marthe à Paris, sous la direction du producteur Fred Duquesne, qui avait déjà travaillé avec le groupe sur leur précédent album « Matière Noire ». Le processus d’enregistrement a été long et minutieux, car le groupe souhaitait peaufiner chaque détail pour obtenir le son qu’ils avaient en tête.

L’album comporte onze titres, qui témoignent de l’évolution musicale de Mass Hysteria. Le groupe a intégré de nouvelles influences, notamment des sonorités électroniques et des arrangements plus complexes, tout en conservant son identité musicale énergique et engagée. Les paroles abordent des thèmes tels que l’aliénation, la folie, la liberté et l’amour, avec une grande sensibilité et une réflexion profonde.

« Maniac » a été très bien accueilli par la critique et par les fans, qui ont salué l’évolution musicale du groupe tout en reconnaissant leur engagement et leur message politique et social. L’album a été suivi d’une tournée à travers la France et l’Europe, qui a permis au groupe de partager leur musique avec leur public fidèle et de conquérir de nouveaux fans.

Conclusion

En conclusion, Mass Hysteria est un groupe de metal français qui s’est forgé une place importante dans le paysage musical français grâce à sa musique énergique et engagée. Le groupe a su mélanger plusieurs styles musicaux pour créer un son unique, qui témoigne de son engagement politique et social.

Leur discographie riche et variée, ainsi que leur présence scénique impressionnante, ont permis à Mass Hysteria de s’imposer comme un groupe incontournable du metal français.

Le message porté par Mass Hysteria est fort et universel, puisqu’il aborde des thèmes tels que la société de consommation, la guerre, l’injustice sociale, ou encore la condition humaine. Le groupe utilise sa musique comme un moyen de faire passer des messages forts et de sensibiliser son public aux problèmes de société.

En somme, Mass Hysteria est un groupe important dans le paysage musical français, tant pour son message que pour sa musique énergique et engagée. Leur discographie et leur engagement politique et social en font un groupe qui compte, et qui est à suivre de près pour tous les amateurs de metal et de musique engagée.

Slipknot Tour: vidéo Live BBC Londres 2020

par Eric Canto | Mis à jour le 02/10/2024 | Publié le 27/03/2020 | make, Inspiration, musique et idées créatives

Le 26 janvier 2020, Slipknot a enregistré une session au légendaire studio Bida Radio 1 Maida Vale à Londres. La session a eu lieu dans les studios légendaires de la BBC Maida Vale à Londres, en Angleterre. Au milieu du SLIPKNOT Tour 2020 – SLIPKNOT Unmasked All Out Life est une pause intimiste dans la tournée des stades que fait actuellement le groupe.

SLIPKNOT All Out Life : un concert intimiste

Un très petit public de 120 fans a vu le groupe jouer un ensemble de six chansons, une bien petite jauge au milieu d’un slipknot tour 2020 qui squatte les stades. Six morceaux dont les titres Unsainted, Psychosocial, The Devil In I, Duality, Disasterpiece et Wait And Bleed.

L’émission a été filmée par des professionnels et sera diffusée sur BBC Four sous le nom de Slipknot Unmasked: All Out Life, le vendredi 13 mars 2020 à minuit. Pour info, BBC Four est la chaîne de télévision britannique BBC disponible via la télévision numérique terrestre, IPTV, satellite et câble.

SLIPKNOT Unmasked All Out Life – Slipknot tour 2020

Setlist de Slipknot Unmasked All Out Life (slipknot tour 2020 )

01. Unsainted
02. Psychosocial
03. The Devil In I
04. Duality
05. Disasterpiece
06. Wait And Bleed

SLIPKNOT Tour 2020 : le Knotfest Roadshow

Slipknot a annoncé le Knotfest Roadshow en 2020, produit par Live Nation pour son Slipknot tour 2020. Des invités spéciaux tels que A Day To Remember, Underoath et Code Orange rejoindront le groupe. L’année dernière, lors du Knotfest Roadshow, Slipknot a joué devant les plus grandes foules américaines de son histoire.

Cette année, le slipknot tour 2020 débutera le 30 mai à Syracuse (New York) et se terminera le 25 juin à The Woodlands (Texas), passant auparavant dans 15 autres villes. De plus, le Slipknot tour 2020 a visité 30 villes d’Amérique du Nord cet été.Actuellement, Slipknot continue le Slipknot tour 2020, une suite de concerts promotionnels de son dernier album We Are Not Your Kind, qui a été publié en août 2019 par Roadrunner Records.

Découvrez le documentaire Slipknot Unmasked: All Out Life (Documentary)

Slipknot « We Are Not Your Kind » : le nouvel album

Slipknot a sorti « We Are Not Your Kind », l’un des albums les plus attendus de 2019. Ce sixième album est la continuation d’un très bon cinquième, The Grey Chapter, un album dédié au défunt bassiste du groupe, était sorti cinq ans plus tôt. Le groupe de l’Iowa a officialisé leur retour d’All Out Life l’année dernière avant d’annoncer la sortie de leur album tant attendu. À cette fin, Slipknot a dévoilé le premier extrait « Unsainted », qui a déjà annoncé un album qui combine à la fois lourdeur et mélodies fortes.

C’est ce que l’on observe en écoutant We Are Not Your Kind: nous sommes d’accord avec son prédécesseur, avec une tendance très conceptuelle, notamment grâce aux nombreux intermèdes entre chaque chanson constituant l’album. Vous ne pouvez pas échapper au très psychédélique « Death from Death » avec ses tambours indiens, et même « What’s Next », avec cette boîte à musique en compagnie d’une guitare, donnant l’effet d’une limite étonnante et gênante, mais réussie.

Slipknot Tour: vidéo Live BBC Londres

La recette de Slipknot est très présente, alliant riffs forts, chœurs groove et stade, en compagnie de Corey Taylor, qui chante alternativement rock et voix claire, car il sait le faire.

Dans les chansons les plus efficaces on remarque « Nero Forte », « Solway Firth » ou même le dernier single « Birth of the Cruel » avec des grattages très actuels et typiques du groupe. Certains titres de l’album évoquent les débuts de Slipknot, comme le très réussi « Red Flag » ou « Critical Darling », avec ce pont d’efficacité totale qui relie les fans de la première heure au combo américaine.

Néanmoins, nous trouverons plus de chansons de planification, comme « A Liar’s Funeral » à un tempo moyen ou même « Spiders » avec ce piano aux sonorités très miteuses, un solo de guitare exceptionnel et une basse très sèche. De même, dans le cas de « My Pain », qui est également très psychédélique, avec une introduction très élevée, composée uniquement de sons électroniques, rendant la chanson sombre et mystérieuse.

Nous gardons avec We Are Not Your Kind qu’il s’agit d’un album très sombre et expérimental, à travers divers arrangements tout au long de l’album, soutenu par une production complète et exemplaire. En effet, Slipknot a beaucoup travaillé pour rendre cet album aussi réussi que possible et le résultat ne mérite pas le moins du monde.

Cependant, ce sixième album nécessite quelques séances d’écoute pour apprécier tous ses efforts. Il y a là de vraies pépites, le groupe ne s’est pas contenté de reproduire ce qu’il sait faire dès la première tentative, qui a fêté cette année ses 20 bougies. Vous devez être capable de creuser pour réaliser que « We Are Not Your Kind » est un pari réussi pour Slipknot et que les Américains signent un retour triomphal.

Tracklist:
01. Insert Coin 1:39
02. Unsainted 4:21
03. Birth Of The Cruel 4:36
04. Death Because Of Death 1:21
05. Nero Forte 5:15
06. Critical Darling 6:26
07. A Liar’s Funeral 5:27
08. Red Flag 4:12
09. What’s Next 0:54
10. Spiders 4:04
11. Orphan 6:02
12. My Pain 6:48
13. Not Long For This World 6:36
14. Solway Firth 5:56

Sortie le 9 août chez Roadrunner Records
Enregistré novembre 2018 – avril 2019 EasrWest Studios, à Hollywood, Californie
Durée 63:29
Producteur Greg Fidelman, Slipknot

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Concert Métal en ligne

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 26/03/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

La pandémie de coronavirus met à mal l’industrie du Métal en annulant les festivals en en reportant les tournées. Mais les groupes réagissent en mettant en ligne leurs incroyables représentations comme  Metallica, Gojira, Slipknot, ou encore Iron Maiden.  Amis du concert métal… vous avez de quoi faire.

Pas de Concert métal avant 2021 ?

Dans un article du New York Times Magazine, cinq experts en santé publique ont été interrogés au sujet de la réouverture des entreprises; triste et inquiétante annonce pour les festivals de concerts métal.

Slipknot Download 2019 – Concert Métal

Le Healthcare pessimiste

En effet, Zeke Emanuel, Directeur du Healthcare, un des cinq experts interrogés sur divers aspects de la remise en marche de la vie américaine quotidienne, a insisté sur le fait qu’un retour à des fonctions normales devrait se faire « par étapes et qu’il doit commencer par une distanciation physique plus importante sur le lieu de travail qui permette aux personnes à moindre risque de revenir » et que les plus grands rassemblements tels que les festivals, « seront les derniers à revenir ». Il a anticipé au-delà d’un an « En réalité, nous parlons de l’automne 2021 au plus tôt. »

Un but : la diminution du nombre de personnes infectées

La réouverture des espaces publics et de travail signifie inévitablement qu’il y aura toujours une  transmission de virus entre les personnes, c’est -à-dire un flux et un reflux de l’augmentation et de la diminution du nombre de personnes infectées.

« A Hong Kong, à Singapour et dans d’autres endroits, nous voyons des résurgences quand ils s’ouvrent et permettent plus d’activité.

Metallica Paris 2019 – Concert Métal

Ce sera ce roller coaster, de haut en bas », a  t-il estimé. Il a ajouté: « La question est quand cela augmente. Pouvons-nous faire de meilleurs tests et retrouver les contacts afin de pouvoir nous concentrer sur des personnes particulières et les isoler sans avoir à réimposer un confinement comme nous l’avons fait auparavant?  »

Compte tenu de l’absence de tournées, d’innombrables artistes poursuivent leur travail. Ils continuent de diffuser des concerts métal, et se réunissent partout pour offrir des performances live à tous leurs fans.

Par exemple, Dave Grohl et Billie Joe Armstrong ont organisé des concerts dans leur salon, où ils jouent leurs grands classiques que tout le monde aime.

Qu’il s’agisse d’un festival en ligne dans un jeu ou d’un live sur Facebook, il y en a pour tous les fans de rock et de métal. Certaines organisations et labels accueillent même chaque semaine un artiste différent.

Voyez quelques exemples ci-dessous. Profitez-en et restez en sécurité !

Les lundis de Metallica

Chaque lundi soir, Metallica diffuse une performance de concert métal enregistrée précédemment sur sa chaîne Facebook et YouTube. Restez à jour avec chaque performance en suivant leurs comptes de médias sociaux.

Diffusions en direct hebdomadaires de Knotfest

Le site Web de Knotfest  diffusera une performance en direct de vos concerts  métal préférés tous les vendredis. Jusqu’à présent, ils ont diffusé des sets de Lamb of God et Megadeth, qui comportaient tous les deux des discussions en direct avec des membres des groupes.

Napalm Records « Napalm Sofa Series ». Napalm Records accueillera plusieurs groupes sur leur «Napalm Sofa Series», qui se déroulera sous forme de diffusion en direct sur leur page Facebook . Assurez-vous de rester à l’écoute pour les mises à jour, car ils annoncent des performances différentes régulièrement.

Bref,  face aux conséquences colossales du COVID-19, toute l’industrie de la musique tente de trouver des solutions pour répondre aux besoins du public et le faire  patienter… un peu.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Bonus : l’histoire du Métal…

Bien que l’origine du terme métal soit largement attribuée au romancier William Burroughs , son utilisation remonte en fait au 19e siècle, lorsqu’il faisait référence au canon ou au pouvoir en général.

Il a également été utilisé pour classer certains éléments ou composés , comme dans l’expression empoisonnement aux métaux lourds . Ce style musical est apparu dans les paroles de Steppenwolf « Born to be Wild »(1968), et au début des années 1970, les critiques de rock l’utilisaient pour faire référence à un style de musique spécifique.

Les groupes britanniques du milieu des années 1960 tels que Cream , les Yardbirds et le Jeff Beck Group, avec Jimi Hendrix , sont généralement crédités pour avoir développé des sons de batterie, de basse et de guitare plus lourds qui différencient ce style musical des autres rock blues.

Le nouveau son a été codifié dans les années 1970 parLed Zeppelin , Deep Purple et Black Sabbath avec la sortie de Led Zeppelin II, Deep Purple in Rock et Paranoid, respectivement, qui comportait des riffs lourds, des «power chord», des paroles mystiques, des solos de guitare et de batterie et des styles vocaux qui allaient des pleurs de Robert Plant de Led Zeppelin  aux gémissements d’ Ozzy Osbourne de Black Sabbath .

En développant des spectacles sur scène de plus en plus élaborés et en faisant des tournées incessantes tout au long des années 1970 pour compenser leur manque de diffusion radio, des groupes tels que Kiss, AC / DC , Aerosmith , Judas Priest et Alice Cooper ont établi une base de fans internationale.

La popularité de ce style musical a chuté pendant les années disco à la fin des années 1970, mais il a connu plus de succès que jamais dans les années 1980 alors que Def Leppard , Iron Maiden et Saxon ont dirigé la «nouvelle vague de heavy métal britannique» qui, avec l’impact de la virtuosité étonnante de la guitare d’Eddie Van Halen , a ravivé le genre.

Une vague de Métal «glam», avec des groupes spécifiques comme Mötley Crüe et Ratt, émanaient de Los Angeles à partir de 1983 environ; Poison, Guns N ‘Roses et des centaines d’autres groupes ont ensuite déménagé à Los Angeles dans l’espoir d’obtenir des contrats d’enregistrement.

Mais le heavy métal était devenu un phénomène mondial avec le succès des Scorpions et d’autres groupes du Japon à la Scandinavie.

L’influence musicale la plus importante de la décennie a été l’ adaptation des progressions d’accords, de la figuration et des idéaux de virtuosité des modèles baroques, en particulier Bach et Vivaldi.

Comme Van Halen, des guitaristes tels que Ritchie Blackmore (de Deep Purple), Randy Rhoads (avec Osbourne) et Yngwie Malmsteen ont démontré de nouveaux niveaux et styles de technique de guitare rock, faisant exploser les stéréotypes populaires de ce style musical comme monolithiques et musicalement simples.

Le métal s’est fragmenté en sous-genres dans les années 1980.

Une scène underground plus petite, aux styles plus durs, s’est développée en opposition au métal plus orienté pop de Bon Jovi, Whitesnake et des groupes glam.

Metallica , Megadeth, Anthrax et Slayer ont été les pionniers du thrash métal, qui se distingue par ses tempos rapides, ses timbres de voix et de guitare durs, son agressivité et ses paroles critiques ou sarcastiques.

Les styles de heavy metal plus largement populaires ont pratiquement repris le courant dominant de la musique populaire à la fin des années 1980, mais la cohérence du genre s’est effondrée au tournant de la décennie; des groupes tels que Guns N ‘Roses et Nirvana ont attiré les fans dans des directions différentes, et de nombreux fans ont également abandonné la musique rap .

Au cours des années 1990, de nombreuses stars des décennies précédentes, telles que Van Halen, Metallica et Osbourne, ont connu un succès continu aux côtés de nouveaux groupes tels que Soundgarden, mais le nom de heavy métal était moins souvent utilisé pour commercialiser ces groupes ou pour définir leur communauté de fans .

Les musiciens et les fans de heavy métal ont été sévèrement critiqués dans les années 80. Des groupes politiques et universitaires ont surgi pour blâmer le genre et ses fans pour avoir causé tout, du crime et de la violence au découragement et au suicide.

Mais les défenseurs de la musique ont souligné qu’il n’y avait aucune preuve que l’exploration par le heavy métal de la folie et de l’horreur ait causé, plutôt qu’articulé , ces maux sociaux.

Les paroles et les images du genre ont longtemps abordé un large éventail de sujets, et sa musique a toujours été plus variée et virtuose que les critiques aiment l’admettre.

Lofofora Monstre ordinaire (2011)

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 24/03/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

J’ai rencontré Reuno, le chanteur de Lofofora, il y a quelques années lors d’un de ses projets solos. Lorsque le groupe me contacta  quelques temps après pour m’occuper du visuel de l’album, je dois dire que je fus….heureux car grand fan du groupe.

L’approche de l’artwork de Lofofora Monstre ordinaire

Certains groupes ont des idées très précises, d’autres pas. Pour cet album de Lofofora, Reuno avait une chose en tête, l’album allait s’appeler « Monstre ordinaire« . Il souhaitait quelque chose qui puisse se rapporter, représenter cette monstruosité sans passer par des raccourcis trop simples, du style un patron en costard,…

Le travail fut d’essayer de parler d’une monstruosité qui puisse être dans chacun d’entre nous. Non pas juger telle ou telle personne ou caste, mais parler de la monstruosité humaine. Cette série n’est donc pas explicite, on ne sait pas si l’homme, dont on ne voit pas le visage, enterre ou déterre quelque chose. S’il s’effondre à la vue de ce qu’il découvre ou s’il s’effondre à la vue de ce qu’il déterre. Cette monstruosité est latente…

Le groupe Lofofora

Lofofora est un groupe de musique français formé à Paris en 1989. Le groupe est souvent associé au mouvement punk, bien qu’il incorpore également des éléments de metal, de rock alternatif et de musique world. Les membres fondateurs du groupe sont Reuno (chant), Phil Curty (guitare), Daniel Descieux (basse) et Édouard Caro (batterie).

Le groupe s’est fait connaître dans les années 1990 en France grâce à ses textes engagés et son énergie sur scène. Les paroles de Lofofora abordent des thèmes tels que la politique, la société, la violence, l’injustice et la condition humaine. Le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, notamment « L’épreuve du contraire » (1999), « Mémoires de singes » (2007) et « Simple Appareil » (2018).

Lofofora est également connu pour ses prestations live puissantes et énergiques. Le groupe a tourné en France et à l’étranger, se produisant dans des festivals et des salles de concert de renom. Au fil des ans, Lofofora a influencé de nombreux autres groupes de musique en France et a contribué à l’émergence d’une scène punk et metal française dynamique et engagée.

L’album Lofofora Monstre ordinaire

Montre ordinaire  s’ouvre en territoire connu : Reuno n’a rien perdu de son agressivité, un flux reconnaissable entre mille. Il crache, hurle, appelle, comme il le fait depuis plus de 20 ans. Comme il le dit sur Utopiste, il n’a pas dit son «dernier mot» et nous pouvons «le tuer, et pire encore, mais ne jamais le faire taire».

Les textes reviennent sur des sujets phare du groupe, la brutalisation de masse à coup de « conneries en barre ». Les conquérants rappellent la conquête du Nouveau Monde vue par les indigènes et ce n’est pas très beau, un mec sans histoire ressemble étrangement a macho blues, tant de perspicacité amère sur la société.

Monstre ordinaire

Monstre ordinaire est inspiré, les riffs de Daniel sont dévastateurs (Utopiste, Un Mec Sans Histoire) même si on remarque généralement une approche moins groovy que dans le passé, plus lourde et pesante (Frustrasong est un bon exemple). En fin de compte, c’est son côté sombre qui plaît le plus.

Le groupe n’a jamais sorti quelque chose d’aussi noire. Cette obscurité, dont la révélation prend du temps, se produit partout, à commencer par les textes de Reuno qui, s’ils sont plus sombres que d’habitude, restent de grande qualité.

Signe qu’après tant d’années le gars a encore quelque chose à dire … La façon dont il chante est également en train de changer: moins saccadée, plus profonde, plus sombre … La dernière chanson a atteint le sommet de l’obscurité de l’album, La Beauté et la Bête qui affiche 7 minutes au compteur et donne un rendu final très éloigné de ce que le groupe propose d’habitude.

Monstre ordinaire

Lofofora Monstre ordinaire : Un album personnel 

Cependant, cet album, plus sombre selon Reuno, est aussi très personnel. Mais il conserve sa portée universelle .

« Ma folie » est une véritable introspection de la folie du chanteur, à la limite de la schizophrénie, un thème que l’on retrouve sur Frustrasong, qui peut facilement illustrer le parallèle entre le héros et le monstre. D’autres titres d’album sont paradoxalement beaucoup plus profonds et il faudrait sans doute écouter de longues heures pour détecter tout ce que le groupe voulait exprimer.

 artwork – Monstre ordinaire

Lofofora Monstre ordinaire : Un album lourd et sombre

Musicalement, l’entrée Utopist annonce le contenu de l’album: un très bon son, parfaitement mixé lorsque la guitare, la basse, la batterie et la voix divisent la scène et infligent de gros coups sur l’auditeur tout en conservant la touche mélodique.

Seules les premières secondes du « visiteur » donnent un moment de répit avant que des guitares très sales reviennent pour annoncer le retour de l’ivresse afin de jouer ce merveilleux chant d’obscurité et de violence.

La voix de Reuno est centrale elle charme, frappe, mène, déclare, augmente l’avalanche provoquée par d’autres instruments. Avec le monstre ordinaire, Lofofora est en grande forme et prouve que le groupe est toujours là.

 Monstre ordinaire – credit Eric CANTO

Les titres de Lofofora Monstre ordinaire

01. Utopiste
02. Les évadés
03. Élixir
04. Les conquérants
05. La merde en tube
06. Le visiteur
07. Ma folie
08. Un mec sans histoire
09. Cannibales
10. Frustrasong
11. La beauté et la bête

Sortie 24 octobre 2011
Enregistré juillet 2011
Durée 50:44
Genre Punk hardcore, stoner rock
Label At(h)ome

Les débuts de Lofofora

Lofofora est un groupe de métal français qui voit le jour en 1989, il est composée de Reuno (chant), Phil Curty (basse), Daniel Descieux (guitare) et Vincent Hernault (batterie). Le nom du groupe fait référence au peyote dont le nom scientifique est Lophophora williamsii.

Lofofora est considéré comme l’un des pionniers du rock fusion métal (guitares saturées, raps, punk) en France. Peu de temps après, Phil Curty (basse) et Erik « Ragout » Rossignol (batteur) ont rencontré The Hammers quand une impulsion pour un nouveau style de musique est apparue. Nous pouvons citer lors de cette période l’apparition de groupes comme Mass Hysteria, No one is innocent, Silmarils, etc…

Les premiers concerts du quatuor ont eu lieu dans les années 1990-1991. Lofofora signe, en juin 1994, après quelques mois de négociations avec Polygram, ce qui permet de financer l’album enregistré et mixé par Daniel Weber (Trepal Pal, Young Gods) en octobre, chez Forces motrices à Genève.

La tournée du première album se déroule sur 115 dates dont 10 concerts au Canada . A la fin de cette tournée le groupe se penche sur l’exercice difficile du second album. Peuh ! sera composé entre janvier et mai 1996. L’album Peuh ! sera enregistré au studio Hautregard par André Gielen.

« Dur comme fer » sort en mars 1999. C’est le le troisième album du groupe. Cet album est sans doute le plus sombre et le plus abouti du groupe avec ses tempos lourds et inquiétants. Plusieurs albums suivront, de nombreuses tournées et un groupe toujours en activité et toujours aussi énervé.

Lofofora sur scène…

Un concert de Lofofora est un moment intense et énergique, où la musique et les paroles engagées du groupe prennent tout leur sens. Voici quelques caractéristiques qui sont souvent associées à un concert de Lofofora :

• Une forte présence scénique : Reuno, le chanteur, est un showman charismatique et généreux, qui n’hésite pas à descendre dans la fosse pour chanter avec le public. Les autres membres du groupe sont également très dynamiques et communiquent leur énergie à la foule.
• Un son puissant et efficace : Lofofora est connu pour son style musical énergique et percutant, avec des riffs de guitare puissants, une section rythmique solide et des mélodies accrocheuses. Le son est généralement assez fort et enveloppant, pour que le public puisse se laisser emporter par la musique.
• Des textes engagés et poétiques : Les paroles des chansons de Lofofora abordent des sujets sociaux et politiques, comme la lutte contre les inégalités, la défense de l’environnement, la critique du système capitaliste, etc. Les textes sont souvent poétiques et imagés, et le groupe n’hésite pas à jouer sur les mots et les sonorités.
• Une communion avec le public : Un concert de Lofofora est souvent l’occasion d’une véritable communion entre le groupe et le public, qui partagent ensemble une même énergie et une même envie de se libérer. Le public chante les paroles avec Reuno, saute en rythme, applaudit à tout rompre, et parfois même s’embrasse ou se prend dans les bras.
• Une ambiance conviviale et festive : Malgré la dimension engagée et militante de leur musique, les membres de Lofofora sont également très proches de leur public et cherchent à créer une ambiance conviviale et festive. Ils n’hésitent pas à faire des blagues, à raconter des anecdotes, à offrir des bières au public, etc.

Discographie de Lofofora

Voici la discographie complète de Lofofora :

Albums studio :

• « Lofofora » (1995)
• « Dur Comme Fer » (1996)
• « Peuh! » (1997)
• « Double » (1998)
• « Monstre ordinaire » (1999)
• « Le Fond et la Forme » (2001)
• « Mémoire de Singes » (2007)
• « Les Choses Qui Nous Dérangent » (2011)
• « L’épreuve du contraire » (2014)
• « Simple Appareil » (2018)

Albums live :

• « Lofofora & the Ed Warner’s Cage Experience » (1999)
• « Live! » (2003)
• « LIVE[S] (XIV) – 2013 » (2013)

Compilations :

• « Lofofora Volume 1 » (1999)
• « Lofofora Volume 2 » (1999)

Lofofora a également sorti plusieurs singles, EPs et participé à de nombreuses compilations tout au long de sa carrière.

La discographie de Lofofora témoigne de l’évolution du groupe à travers les années, depuis ses débuts punk rock jusqu’à son style plus complexe et varié mélangeant punk, metal, rock alternatif et musiques du monde. Le groupe a su maintenir une forte cohérence artistique tout en se renouvelant constamment, ce qui a permis de fidéliser son public et d’inspirer de nombreux autres artistes en France et ailleurs.

Membres actuels de Lofofora

• Reuno Wangermez : chant
• Phil Curty : guitare
• Daniel Descieux : basse
• Vincent Hernault : batterie

Reuno est le fondateur du groupe, présent depuis sa création en 1989. Les autres membres ont rejoint le groupe à des moments différents, mais ils font tous partie intégrante de l’histoire et de l’évolution de Lofofora.

Au fil des années, le groupe a connu quelques changements de line-up, avec des départs et des arrivées de musiciens. Néanmoins, la formation actuelle est stable depuis plusieurs années et continue d’enregistrer des albums, de donner des concerts et de défendre avec passion les couleurs de Lofofora sur scène.

Les membres de Lofofora sont également impliqués dans d’autres projets musicaux, ce qui leur permet d’explorer de nouvelles sonorités et de nourrir leur inspiration. Mais c’est ensemble, en tant que Lofofora, qu’ils continuent de porter haut les valeurs et l’engagement de la scène alternative française.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Bonus : Interview de Reuno

Vous êtes considéré comme un pionnier de la scène métal française. Qu’est-ce que tu en penses ?

Reuno Lofofora : Vous savez, nous n’avons jamais demandé de médaille. Au moment où nous avons commencé, nous avons été présentés comme les successeurs de Bérurier Noir ou Trust. En parallèle, Loudblast revient, et le dernier album est très bon. Nous n’avons jamais eu de complexe par rapport au français, et notre côté punk des débuts a donné naissance à un son plus hardcore, voire métal. Nous avons toujours eu un très bon accueil sur la scène métal, et ces dernières années nous ont été plus que favorables.

Vous avez encore recruté un nouveau batteur en 2009 …

Reuno Lofofora: Nous les utilisons! En fait, cela est dû à un manque de motivation de leur part. Il est toujours regrettable que de telles choses se produisent, mais je vois surtout le côté positif de Lofofora.

Vincent est le batteur parfait. Nous avons adoré au début. Il a su apporter quelque chose de plus à la composition et a un véritable esprit de groupe. Vous savez, nous ne sommes pas là pour sentir le cul: le respect est fondamental dans ce groupe, et Vincent s’est bien intégré. C’est un excellent batteur avec un très bon jeu. Pas d’espace à remplir, ce n’est pas son affaire.

Comment avez-vous perçu cette scène au cours de la dernière décennie ?

Reuno Lofofora: Les années Nu-Métal ont mis en colère de nombreux groupes, tout comme nous. Tout le monde voulait devenir riche et célèbre, et finalement les trois quarts des groupes ont disparu de la circulation. Heureusement, il y a ceux qui gardent la route, par exemple Noï-d. La communauté métal s’est ouverte et la musique fusion a beaucoup évolué. Les groupes sont moins honnêtes et nous pensons que les gens aiment regarder de nouveaux groupes en live.

Ce nouvel album est plus exigeant, plus métal. Est-ce aussi votre point de vue ?

Reuno Lofofora: Absolument. Je dirais même que c’est moche. Certains l’apprécieront, d’autres pas, mais on s’en fiche, car on fait ce qu’on veut! Il a fallu un an pour sortir l’album. Doudou (ndlr: guitare) a eu une période plutôt sombre, il était en Angleterre à l’époque. Il a apporté beaucoup de riffs. Il a toujours cette petite chose au niveau du groove, et ses rythmes sont accrocheurs.

L’album est assez brut, avec beaucoup d’harmonie à la basse. Nous avons joué 3 nouvelles chansons en direct, « Utopiste », « Les Évadés », « La Merde en Tube » et c’était vraiment terrible.

Comment voyez-vous Lofofora dans 10 ans?

Reuno Lofofora: Avec des varices et des rhumatismes, mon ami ! Je suis toujours étonné que Lofo soit toujours là, 20 ans plus tard. Les groupes sont actuellement assez volatils. Pour être honnête, j’ai peur de l’incrustation et j’espère que nous aurons toujours le désir et l’énergie de plaire à tout le monde. Le secret de notre longévité est simple: nous n’avons jamais signé de contrat avec major et nous ne serons jamais un phénomène de mode.

Comment est-ce d’entendre des groupes dire que Lofo est l’un des groupes qui les a le plus influencés ?

Reuno Lofofora: C’est un plaisir. Quand j’ai eu mon premier album rock, cela m’a propulsé dans une vie de liberté. Si vous pouvez lui donner un avant-goût, c’est très bien. Lorsque vous démarrez un groupe, il voyage sur les routes, car vous voulez partager des choses avec les gens d’une manière relativement altruiste.
Ensuite, il y a deux catégories de personnes qui montent sur scène. Il y a ceux qui veulent briller, être pompés par des groupes. Il y a aussi ceux qui veulent partager de bons moments sur scène avec les téléspectateurs. Et il y a aussi l’occasion de rencontrer des gens tous les jours, ce qui enrichit nos vies.

BRING ME THE HORIZON : groupe qui a redéfini les frontières du rock et du métal !

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 23/03/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Bring Me The Horizon : L’évolution d’un groupe qui a redéfini les frontières du rock et du metal

Introduction

Bring Me the Horizon (BMTH), un nom qui résonne avec force dans l’univers de la musique alternative, est bien plus qu’un simple groupe de rock. Depuis leurs débuts dans le deathcore jusqu’à leur transformation en pionniers du rock moderne, BMTH a constamment repoussé les limites des genres musicaux.

Cet article explore l’histoire fascinante du groupe, leur évolution musicale, et leur impact sur la scène internationale. Si vous êtes fan de rock, de metal ou simplement curieux de découvrir comment ce groupe a su conquérir le monde, ce guide complet est fait pour vous.

1. L’histoire de Bring Me the Horizon : Des débuts à Sheffield au succès mondial

Bring Me the Horizon a commencé dans les sous-sols de Sheffield, au Royaume-Uni, avant de devenir l’un des groupes les plus influents de la scène rock moderne. Cette section retrace les origines du groupe, leur formation, et les premières étapes de leur carrière.

1.1 Les origines : La naissance de BMTH dans la scène underground

Bring Me the Horizon s’est formé en 2004 à Sheffield, une ville connue pour sa scène musicale vibrante. Le groupe était initialement composé d’Oli Sykes, Lee Malia, Matt Kean, Matt Nicholls, et Curtis Ward. Inspirés par le deathcore et le hardcore, ils ont rapidement attiré l’attention avec un son brut et agressif, qui contrastait fortement avec les tendances pop de l’époque. Leur premier EP, *This Is What the Edge of Your Seat Was Made For*, a rapidement fait des vagues dans la scène underground britannique.

**Les débuts de BMTH** ont été marqués par une énergie brute et une agressivité qui se reflétaient dans leur musique et leurs performances scéniques. Ils se sont rapidement forgé une réputation pour leurs concerts intenses et chaotiques, où l’énergie du groupe se répercutait sur le public. Cette sous-partie analysera comment leur son initial a été façonné par leurs influences musicales et par l’environnement de la scène underground britannique.

1.2 La percée avec « Count Your Blessings » : Un album qui divise

En 2006, BMTH sort son premier album studio, *Count Your Blessings*, qui polarise immédiatement la critique. Cet album, profondément ancré dans le deathcore, est un cocktail de violence sonore et de technicité. Cependant, il a également suscité des réactions mitigées, certains fans adorant sa brutalité, tandis que d’autres le critiquaient pour son manque de mélodie et de structure. Cette sous-partie explorera en profondeur les éléments de cet album qui ont à la fois construit et détruit des ponts avec le public.

**L’impact de « Count Your Blessings »** ne se limite pas seulement à sa réception critique. L’album a également joué un rôle crucial dans l’établissement de BMTH sur la scène internationale, leur permettant de tourner à travers l’Europe et l’Amérique du Nord. Nous discuterons des thèmes abordés dans les paroles, de l’évolution du son du groupe, et de l’impact de cet album sur la suite de leur carrière.

1.3 L’évolution musicale avec « Suicide Season » : La réinvention d’un genre

Avec *Suicide Season* en 2008, BMTH amorce un virage stylistique majeur, s’éloignant du deathcore pur pour intégrer des éléments de metalcore et d’électronique. Cet album est considéré comme un tournant dans leur carrière, marquant le début de leur évolution musicale qui les mènera à explorer de nouveaux territoires sonores. Cette sous-partie analysera les changements musicaux et lyriques qui ont caractérisé cet album, et comment BMTH a commencé à se distinguer de leurs pairs.

**L’impact de « Suicide Season »** sur la scène musicale a été significatif, influençant de nombreux autres groupes à expérimenter avec de nouveaux sons.

Cet album a non seulement changé la perception du public envers BMTH, mais il a également montré que le groupe n’avait pas peur de prendre des risques. Nous examinerons également comment cet album a aidé BMTH à élargir leur base de fans, attirant des auditeurs qui n’étaient peut-être pas familiers avec leur son plus brutal des débuts.

2. L’évolution musicale de Bring Me the Horizon : Du deathcore au rock alternatif

BMTH est un groupe qui a constamment évolué, explorant de nouveaux genres et repoussant les limites de leur son. Cette section se concentre sur l’évolution musicale du groupe, de leurs débuts dans le deathcore à leur transformation en pionniers du rock moderne.

2.1 « There Is a Hell Believe Me I’ve Seen It » : L’expérimentation et l’innovation

En 2010, BMTH sort *There Is a Hell Believe Me I’ve Seen It. There Is a Heaven Let’s Keep It a Secret.*, un album qui pousse encore plus loin l’expérimentation sonore. Cet album intègre des éléments de musique électronique, d’orchestration, et de chœurs, tout en conservant l’agressivité caractéristique du groupe.

Cette sous-partie explorera comment cet album a ouvert de nouvelles voies pour BMTH, leur permettant de se distinguer encore plus de leurs contemporains.

**Les influences musicales variées** qui se manifestent dans cet album montrent la volonté de BMTH d’évoluer et de ne pas se limiter à un seul genre. Nous analyserons comment l’incorporation de ces éléments a non seulement enrichi leur son, mais a également élargi leur audience.

Cet album a également abordé des thèmes plus complexes et personnels, reflétant la croissance des membres du groupe en tant qu’artistes et individus.

2.2 « Sempiternal » : Le chef-d’œuvre qui redéfinit le groupe

*Sempiternal*, sorti en 2013, est souvent considéré comme le chef-d’œuvre de BMTH. Cet album marque un changement radical, intégrant des mélodies accrocheuses, des synthétiseurs, et des éléments de rock alternatif.

Il a non seulement reçu des critiques élogieuses, mais il a également permis à BMTH de franchir une nouvelle étape dans leur carrière, atteignant un public encore plus large. Cette sous-partie analysera les innovations musicales de *Sempiternal* et comment cet album a redéfini l’identité du groupe.

**L’impact de « Sempiternal »** a été monumental, tant sur le plan commercial que critique. Cet album a non seulement consolidé la réputation de BMTH en tant que leaders de la scène rock alternative, mais il a également influencé de nombreux autres artistes à expérimenter avec de nouveaux sons. Nous discuterons également des thèmes lyriques abordés dans cet album, qui traitent de sujets tels que la dépression, la spiritualité, et la résilience.

2.3 « That’s the Spirit » : La transition vers un son plus accessible

En 2015, BMTH sort *That’s the Spirit*, un album qui représente une transition vers un son plus accessible et commercial. Cet album intègre des éléments de pop, d’électro, et de rock alternatif, marquant un éloignement significatif de leurs racines metal. Cette sous-partie analysera les raisons derrière ce changement de direction, les critiques qu’il a suscitées, et comment BMTH a réussi à maintenir leur intégrité artistique tout en atteignant un plus large public.

**La réception de « That’s the Spirit »** a été variée, certains fans appréciant l’évolution du groupe, tandis que d’autres regrettant leur son plus lourd des débuts. Cependant, cet album a permis à BMTH d’atteindre un nouveau niveau de succès commercial, avec des singles comme « Drown » et « Happy Song » devenant des hits mondiaux. Nous examinerons également comment cet album a ouvert la porte à de nouvelles opportunités pour le groupe, notamment en termes de collaborations et de tournées internationales.

3. L’influence et l’impact culturel de Bring Me the Horizon

Bring Me the Horizon n’a pas seulement influencé la scène musicale, ils ont également eu un impact significatif sur la culture populaire. Cette section examine l’influence de BMTH sur d’autres artistes, ainsi que leur impact sur la mode, les médias, et la culture des jeunes.

3.1 L’influence sur la scène musicale : De nouveaux standards pour le rock et le metal

BMTH a redéfini les frontières du rock et du metal, influençant une multitude de groupes à travers les genres. Leur capacité à fusionner des éléments de différents genres a ouvert la voie à de nouvelles expérimentations dans la musique alternative. Cette sous-partie analysera comment BMTH a influencé la scène musicale, de leur impact sur le metalcore à leur rôle dans l’émergence de nouveaux sous-genres.

**L’influence de BMTH** s’étend bien au-delà de leur propre discographie. Leur capacité à évoluer musicalement tout en maintenant une base de fans solide a inspiré de nombreux autres groupes à suivre leur propre voie créative.

Nous discuterons également de la manière dont BMTH a contribué à populariser des genres autrefois underground, comme le deathcore, et comment ils ont aidé à démocratiser un son plus accessible sans sacrifier leur intégrité artistique.

3.2 L’impact sur la culture des jeunes : Mode, attitudes, et identité

BMTH a eu un impact considérable sur la culture des jeunes, non seulement par leur musique, mais aussi par leur influence sur la mode et les attitudes. Leur style distinctif, mélangeant des éléments de goth, de punk, et de streetwear, est devenu emblématique pour de nombreux fans. Cette sous-partie explorera comment BMTH a influencé la mode et l’identité des jeunes, créant un mouvement qui transcende la musique.

**Le style visuel de BMTH** a joué un rôle clé dans leur attrait pour les jeunes. De leurs clips musicaux aux designs de merchandising, le groupe a toujours mis un point d’honneur à soigner leur image, ce qui leur a permis de créer une identité visuelle forte et reconnaissable. Nous analyserons également comment leur approche de sujets tels que la santé mentale, l’aliénation, et la rébellion a résonné auprès d’une jeune génération en quête de sens et d’identité.

3.3 La présence médiatique et l’influence digitale : De YouTube aux réseaux sociaux

BMTH a su tirer parti des médias numériques pour étendre leur influence, utilisant YouTube, Instagram, et autres plateformes pour rester connectés avec leurs fans. Leur présence en ligne a non seulement renforcé leur popularité, mais elle a aussi permis de créer une communauté mondiale autour de leur musique. Cette sous-partie analysera comment BMTH a utilisé les médias numériques pour se promouvoir, interagir avec leurs fans, et influencer la scène musicale.

**La stratégie digitale de BMTH** a été un facteur clé de leur succès. Leur utilisation des réseaux sociaux pour annoncer des albums, partager des contenus exclusifs, et interagir directement avec les fans a permis de créer un lien fort et personnel avec leur audience. Nous discuterons également de l’impact de leurs clips musicaux, qui cumulent des millions de vues sur YouTube, et comment leur esthétique visuelle a contribué à leur image globale.

4. Les membres de BMTH : Figures emblématiques et dynamique de groupe

Les membres de BMTH ont chacun apporté une contribution unique au succès du groupe, leur personnalité et leur talent étant au cœur de leur musique. Cette section se concentre sur les membres clés du groupe, leur rôle au sein de BMTH, et la dynamique interne qui a façonné leur musique.

4.1 Oli Sykes : Le charismatique leader et chanteur

Oli Sykes, le chanteur principal de BMTH, est souvent considéré comme le visage du groupe. Son charisme sur scène, ses paroles introspectives, et sa capacité à se réinventer ont été essentiels à l’évolution de BMTH. Cette sous-partie explore la carrière de Sykes, son impact sur le groupe, et comment sa personnalité a façonné l’image et le son de BMTH.

**Le parcours d’Oli Sykes** est fascinant, de ses débuts en tant que figure de la scène underground à son statut actuel de leader d’un groupe mondialement reconnu. Nous examinerons comment Sykes a surmonté des défis personnels, notamment des problèmes de santé mentale et des addictions, pour devenir un symbole de résilience et d’inspiration pour les fans du monde entier. Nous analyserons également son rôle dans l’écriture des paroles et sa contribution à l’évolution sonore de BMTH.

4.2 Lee Malia : Le guitariste et architecte sonore

Lee Malia, le guitariste principal de BMTH, a joué un rôle crucial dans la définition du son du groupe. Son jeu de guitare, qui combine technicité et mélodie, a été un élément clé de l’évolution musicale de BMTH. Cette sous-partie se concentre sur l’apport de Malia au groupe, son style de jeu, et comment il a contribué à façonner le son de BMTH au fil des années.

**Le style de jeu de Lee Malia** est unique, mêlant des influences variées allant du metal au rock classique. Nous analyserons comment son approche de la guitare a évolué avec le temps, passant de riffs brutaux et complexes à des mélodies plus subtiles et nuancées. Nous discuterons également de sa contribution aux compositions du groupe et de son rôle dans l’innovation musicale de BMTH.

4.3 La dynamique de groupe : Matt Kean, Matt Nicholls, et les autres membres

BMTH ne serait pas ce qu’il est aujourd’hui sans la contribution de ses autres membres, notamment Matt Kean à la basse et Matt Nicholls à la batterie. La section rythmique du groupe a toujours été un pilier solide, apportant puissance et cohésion à leur musique. Cette sous-partie explore la dynamique de groupe, le rôle de chaque membre, et comment leur collaboration a permis de maintenir l’intégrité musicale de BMTH au fil des années.

**La section rythmique de BMTH** est souvent sous-estimée, mais elle joue un rôle crucial dans le son du groupe. Nous analyserons comment Matt Kean et Matt Nicholls ont contribué à la profondeur et à la complexité de la musique de BMTH, tout en maintenant une base rythmique solide qui a permis au groupe d’explorer de nouvelles directions sonores. Nous discuterons également de l’importance de la collaboration entre les membres du groupe et de la manière dont ils ont surmonté les défis internes pour maintenir leur cohésion.

5. L’avenir de BMTH : Quelles sont les prochaines étapes ?

BMTH a toujours été un groupe en évolution constante, repoussant les limites de leur musique et explorant de nouveaux territoires sonores. Cette section se concentre sur l’avenir du groupe, leurs projets à venir, et ce que les fans peuvent attendre de BMTH dans les années à venir.

5.1 Les nouveaux projets et collaborations

BMTH est connu pour ses collaborations innovantes avec d’autres artistes et pour son ouverture à de nouveaux genres musicaux. Cette sous-partie explore les projets récents du groupe, y compris leurs collaborations avec des artistes d’autres genres, et comment cela influence leur son. Nous discuterons également des rumeurs et des attentes autour de leurs futurs albums.

**Les collaborations de BMTH** ont toujours été un moyen pour le groupe d’élargir leurs horizons et d’expérimenter de nouveaux sons. De leurs collaborations avec des artistes de pop, de hip-hop, ou même de musique électronique, BMTH a montré qu’ils n’ont pas peur de sortir des sentiers battus. Nous examinerons également comment ces collaborations ont enrichi leur musique et ce que les fans peuvent attendre de futures collaborations.

5.2 L’évolution continue du son de BMTH

BMTH a prouvé à maintes reprises qu’ils ne se contentent pas de rester dans leur zone de confort. Cette sous-partie explore les évolutions musicales possibles pour le groupe, les nouvelles directions qu’ils pourraient prendre, et comment ils continuent de surprendre leur audience. Nous discuterons également de la manière dont leur son pourrait évoluer à mesure qu’ils vieillissent et mûrissent en tant qu’artistes.

**L’évolution sonore de BMTH** a été un élément clé de leur succès, et il est probable que le groupe continue à explorer de nouvelles directions. Nous examinerons comment leur son pourrait évoluer dans le futur, en tenant compte des tendances actuelles de la musique alternative et des influences que le groupe pourrait intégrer dans leurs futurs travaux. Nous discuterons également de l’impact potentiel de cette évolution sur leur base de fans et sur leur place dans l’industrie musicale.

5.3 L’héritage de BMTH : L’impact durable sur la musique et la culture

Enfin, nous examinerons l’héritage de BMTH et comment ils ont influencé non seulement la musique, mais aussi la culture au sens large. Cette sous-partie explore comment BMTH sera probablement perçu à l’avenir, leur place dans l’histoire de la musique, et l’impact durable qu’ils auront laissé sur la scène musicale et culturelle.

**L’héritage de BMTH** est déjà évident, mais leur impact à long terme continue de se développer. Nous discuterons de la manière dont BMTH pourrait être perçu par les générations futures, en tenant compte de leur contribution à l’évolution du rock et du metal, ainsi que de leur influence sur la culture des jeunes. Nous examinerons également comment leur musique pourrait continuer à résonner avec les auditeurs dans les décennies à venir.

Conclusion

Bring Me the Horizon n’est pas seulement un groupe, c’est un phénomène culturel. De leurs débuts dans la scène underground de Sheffield à leur statut de leaders du rock moderne, BMTH a constamment évolué et redéfini les frontières de la musique alternative. Leur capacité à se réinventer tout en restant fidèles à leur essence a fait d’eux un groupe incontournable, et leur impact se fait sentir bien au-delà de la musique.

Alors que leur carrière continue d’évoluer, il est certain que Bring Me the Horizon continuera de surprendre, d’inspirer, et de façonner l’avenir de la musique pour les années à venir.

FAQ

1. Comment Bring Me the Horizon a-t-il évolué musicalement au fil des ans ?

BMTH a évolué d’un son deathcore brutal à un rock alternatif plus accessible, intégrant des éléments de pop, d’électronique, et de metal dans leur musique.

2. Quel est l’album le plus influent de Bring Me the Horizon ?

« Sempiternal » est souvent considéré comme l’album le plus influent de BMTH, marquant un tournant dans leur carrière et redéfinissant leur son.

3. Pourquoi Bring Me the Horizon est-il considéré comme un groupe innovant ?

BMTH est innovant pour sa capacité à fusionner différents genres, à expérimenter avec de nouveaux sons, et à repousser constamment les limites du rock et du metal.

4. Quelle est l’influence de Bring Me the Horizon sur la culture des jeunes ?

BMTH a influencé la culture des jeunes par leur style distinctif, leurs paroles introspectives, et leur capacité à aborder des sujets tels que la santé mentale et l’aliénation.

5. Quels sont les projets futurs de Bring Me the Horizon ?

BMTH continue d’évoluer et de collaborer avec d’autres artistes, et les fans peuvent s’attendre à de nouvelles explorations musicales dans leurs futurs albums.

Hard Force Magazine depuis 1985

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 17/03/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Hard Force : la naissance

Hard Force est un magazine de musique français spécialisé dans le hard rock et le heavy metal et publié entre 1985 et 2000. Sa première édition a été publiée en octobre 1985 et distribuée à 1500 exemplaires via un réseau de distribution « maison » et fondée à l’origine par Hard Force Association en tant que fanzine (ses membres étaient à l’époque Christian Lamet, Jean de Larquier, Serge Lamet, Philippe Marek et Daniel Baud).

Un départ fulgurant

En moins d’un an, les exigences de qualité en termes de contenu et de forme de certains de ses créateurs ont fait du fanzine un format de magazine professionnel en kiosque.
Il s’est rapidement positionné comme un outsider de Hard Rock Magazine, lancé un an plus tôt, et a profité de la disparition d’Enfer Magazine et de Metal Attack.

Les grandes années

De 1985 à 2000, Hard Force est reconnu en France comme un magazine de référence en termes d’originalité, de dossiers et d’entretiens.
Hard Force est pionnier dans la plupart des initiatives technologiques (création de samplers, Discographies et biographies exhaustives, CD-Rom multimédia, premières sections Internet de la presse musicale française, etc…).

La disparition

Hard Force a cessé de paraître en 2000. Prés de 10 ans après, le 30 octobre 2009, Hard Force a lancé un réseau social appelé « THE METAL NETWORK« .

La renaissance

Fin 2010, Hard Force a lancé un magazine web (archives, documents audio et vidéo) pour marquer son 25e anniversaire, réalisé par Christian Lamet, plusieurs journalistes impliqués dans la rédaction du magazine de 1985 à 2000 et de nouveaux collaborateurs.

En effet, il va redevenir le partenaire privilégié de la plupart des événements live en France, concerts, tournées et festivals. En décembre 2012, Christian Lamet a lancé l’émission hebdomadaire « MetalXS » sur L’Enôrme TV, exclusivement dédiée au métal.

Hard Force est le partenaire de cette nouvelle chaîne.

Collaborateurs de Hard Force

Rédacteur en chef de Hard Force

Christian Lamet

Rédacteurs de Hard Force

Christine Chapel, Hervé Guegano, Richard Guérin, Laurent Joulins, Nicolas Kontos, Stéphane Lacassagne, Laurent Lacoste, Christian Lamet, Serge Lamet, Etienne Lançon, Alain Lavanne, Jean de Larquier, Yann Le Goff, Juliette Legouy, Fabrice Lemaitre,  Nicolas Gounet, Philippe Goussard, Charles Gronche, Laura Grünberger,Marc Belpois, Benji, Stéphane Bergeon, Daniel Bernot, Guillaume Bertail, Eric Beuriot, Elisabeth Bieber, Jean-François Lescene, Frank Arnaud, Roger Balac, Albert Bareiro, Daniel Baud, Emmanuel Potts, Hervé Reiss,

Christophe Rudant, François Schenck, François Sinibaldi, Vincent Tigreat, Jean-Christophe Thomas, Martine Varago, Christian Veraz, Olivier Wallerand, Valérie Chedot, Joël Coudrier, Vincent Dresel, Christophe Droit, Laurent Ducastel, Henry Dumatray, Samantha Dunn, Arnaud Durieux, Patrick Garel, Arnaud Geenens, Pascal Girard, Stéphane Girard, Guillaume Goriot,Christophe Blanquart, Laurent Bollee, Laurent Borde, Jean-François Bouquet, Marc Bredenbach, Franck Brisson, Eric Bruno-Mattiet, Julien Capraro,Valérie Lestienne, Jérôme Mairal, Isabelle Maitre, Philippe Marek, Patrick Meyer, Gilles Moinet, Thierry Mousset, Fred Pederzoli, Lionel Pétillon.

Hard Force Magazine

Membres honoraires ou collaborateurs exceptionnels de Hard Force

Bernie Bonvoisin, Renaud Hantson, Francis Zégut, Elie Benali

Correspondants et collaborateurs à l’étranger de Hard Force

Alexis Charbonnier, Claude Englebert, Alain Fahrny, Valérie Le Terreux, Daniel Oliveira, Michael Patton, K.K. Pearcy, Paul Suter, Sasha Stojanovic, Agence Intervision (Mohamed Ansar, Paul Branigan, Elianne Halbersberg, Mark Putterford, Paul Rees, Sylvie Simmons, Victoria Strommer, Jodi Summers, Arlett Vereecke), Norman C. Allin, Christian Bouchard,

Maquettistes de Hard Force

Claire Rochas, Sarah Sissi, Jocelyn Barbier, Véronique Bidaut, Jean-Max Bigand, Christèle Bourgeois, Emmanuel Briot, Jean-Pierre Charbonnier, Christian Lamet, Laurent Lamet, Gilles Moinet, Céline Gladkowsky, Laurent Lacoste, Isabelle Lagrange.

Photographes de Hard Force

Christophe Blanquart, Norman Bouthiller, Henri Clausel, Renaud Corloüer, Rafaël Erdodi, Claude Gassian, Philippe Goussard, Nicolas Kontos, Martin Lepage, Danny Lilken, Jen Lowery, Didier Picard, Eva Ries, François Schenck, Niels Van Iperen, Christophe Viala, Marc Villalonga,

P. Wagner, Sharon Weisz, SIN, Pierre Terrasson, Irene Vogeli ) – Agence Intervision (Gene Ambo, P. Bergen, Steffan Chirazi, Agence DALLE APRF (Michael Bussman, George Chin, Ron Delany, Larry Di Marzio, Peter Distefano, Carmello Giordano, Idols, Gie Knaeps,

Tony Motram, Ebet Roberts, Edouard Setton, L. McAfee, Alex Mitram, Ray Palmer, Alex Solca, David Wainwright, Mick Wall, Mark Webb, Tony Woolliscroft, Neil Zlozower), Agence Repfoto (Robert Ellis), Bertrand Alary, Andrew C. Allin, Pascal Beaumont, Jean-Paul Bellanger, Benji, Daniel Bernot, Jean-Max Bigand, Fin Costello, Ana Maria DiSanto, Tom Farrington, Paul Frati, Rick Gould, Ross Halfin, Mike Hashimoto, Mick Hutson, Robert John, Dave Jordan, Gene Kirkland, Glenn LaFerman, Mark Leialoha.

Illustrateurs :

Jean-Marc Tavernier, Jean-Pierre Charbonnier, Christian de Metter, Daniel Pierre.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Bonus : Interview su fondateur de Hard Force : Christian LAMET

Christian, pouvez-vous vous présenter ?

J’ai 55 ans maintenant. Une carrière professionnelle inhabituelle, car mes études de bibliothécaire après l’obtention du diplôme ne sont pas il n’y a pas de prédisposition au journalisme, et surtout au monde des médias. Ce fut une énorme passion pour la musique qui m’a orientée de cette façon.

Une volonté de partager cette passion avec les autres, de découvrir de nouveaux musiciens, de nouveaux disques et une vie au rythme des concerts a été la première motivation. Maintenant je me rends compte à quel point le but justifiait les moyens: Je n’avais que 19 ans, lorsque le premier numéro de HARD FORCE est sorti, j’étais complètement inexpérimenté et il fallait une forte dose un non-sens afin que nous puissions commencer l’aventure.

Comment avez-vous contracté le virus et qu’est-ce qui vous a amené au hard rock?

Si c’est un virus, c’est presque depuis ma naissance. Ma culture musicale a commencé avec les albums que mon père écoutait. À la fin dans les années 1960, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck et Jimmy Page ont révolutionné la musique. Il s’agit notamment de leurs guitares qui secoua mon enfance. Parmi ceux que je viens de mentionner figurent les créateurs de hard rock et de saturation.

De l’énergie, mais toujours une mélodie, deux éléments qui me paraissent nécessaires dans la musique que j’écoute depuis. Le hard rock est comme une extension de cette « éducation ». Sur mes albums d’ adolescent, il y avait le même nombre de LYNYRD SKYNYRD, AC / DC de la période Scott des premiers albums, THIN LIZZY, Ted Nugent, puis TRUST et IRON MAIDEN depuis le début comme BOSTON, KANSAS ou … TOTO.

D’où est venue l’idée de créer HARD FORCE ?

Dans les années 1981-1982, ce fut l’ouverture des ondes et l’apparition de stations de radio libre. J’ai Créé une radio associative à Samois-sur-Seine (77) il y avait une opportunité de faire écouter ma musique et d’apprendre à parler dans le micro. Nous étions donc un groupe d’amis qui ne se rendaient même pas compte qu’ils vivaient à l’époque, des pionniers, sans restrictions commerciales, sans quotas ni censure.

Nous n’étions pas des adultes et on nous laissé les clés de la radio ! Nous avons créé l’émission de hard rock « Countdown » sur Radio Arc en Ciel. Nous avons commencé un samedi en fin d’après-midi et nous avons rendu l’antenne trois heures plus tard, quand nous n’avions plus d’albums à à faire écouter (que nous avons bien sûr achetés avec les nôtres argent de poche).

Dans ce programme, nous avons reçu tous les groupes français, des amateurs locaux .

Il y a une opportunité pour la première interview « internationale »: Yngwie Malmsteen. Nous sommes alors en juin 1985, soit Le guitare hero le plus spectaculaire du moment. Dans le même temps, le Festival de France avec le plus grand plateau a lieu. Des groupes français se sont réunis en deux jours et Monsters of Rock à Castle Donington.

Plein d’interviews, frustré de revenir la radio et que cette « affaire » n’est entendue que par une poignée, nous pensions que la création d’un fanzine ce serait un résultat largement logique.

Vous êtes-vous senti libre de la rédaction ou sous la pression de certains labels et attachés de presse ?

La liberté est illusoire, impossible. Parce que la vie d’un magazine dépend de ses ventes ou de ses revenus publicitaires – et très souvent les deux – quelle liberté avons-nous? La flatterie pour les lecteurs crée une dépendance. La page publicitaire est un engagement pris par l’annonceur.

Notre liberté a été gagnée grâce aux idées innovantes dont j’ai parlé plus tôt, dans les domaines où personne n’est allé. Nous sommes prêts surprise. « L’originalité dans le consensus » peut être une bonne définition.

Savez-vous ce qui est arrivé aux anciens membres de la rédac ??

Je sais ce qui leur est arrivé. En revanche, très peu sont ceux avec qui je suis resté en contact étroit. Il y a eu de véritables  «divorces» après HARD FORCE. Ils sont donc une poignée au cours des 15 dernières années que je vois ou rencontre régulièrement. Il reste de l’amitié en dehors du magazine, ce fut une telle aventure.

En tant que chef d’équipe de rédaction, qu’avez-vous préféré faire et qu’avez-vous détesté ou craint?

Le plaisir consistait à écrire, à examiner la documentation des dossiers, à participer à un concert ou festival, partir à l’étranger pour mener une interview dans laquelle un échange avec le musicien va bien au-delà des questions et réponses.

Au début, nous voulons tout faire. Vous devez apprendre à déléguer et c’est le plus difficile. J’ai dû participer à la production complète du produit, ce qui a considérablement raccourci mon temps de repos. Pendant pendant des années j’ai vécu des concerts et des voyages de journalistes par procuration, gardant de rares moments avec certains artistes précis quand ils venaient à Paris.

Quelle était la relation avec la presse métal compétitive ? Y avait-il une saine compétition, émulation, espionnage, jalousie?

Je pense avoir pris la première salve de bois vert d’un ami, quelques mois seulement après la publication du fanzine.

De puis j’ai réalisé que l’apparition de HARD FORCE, même petite, pouvait perturber tout ce que je faisais. Quand HARD FORCE est arrivé nous avons changé le registre dans les kiosques. J’ai reçu des appels téléphoniques anonymes au bureau, de l’intimidation… J’ai su plus tard qu’ils émanaient journalistes oisifs travaillant « en face ».

Beaucoup d’activités de sape ont été lancées dans des maisons de disques, faisant du lobbying pour nous discréditer, bloquer les publicités ou donner des interviews. Pendant ce temps, vous pouvez facilement devenir paranoïaque.

J’ai commencé à me défendre avec la seule arme que j’avais: mon magazine mensuel. Ça a juste fait rire les autres, mais à quoi ça sert ? à me soulager !

Est-ce que les querelles entre amateurs de courants glam contre thrash, par exemple étaient du pain béni pour vous ?

J’ai toujours trouvé fou que l’on oppose BEATLES et STONES, les  rivalité entre styles hard rock et le métal m’ont toujours étonné. Je ne parle pas de goût, je parle d’intolérance et de fanatisme. HARD FORCE a toujours maintenu une certaine pluralité.

C’était un mix difficile car il fallait informer sur les nouveaux produits et être représentatif des styles établis avec l’augmentation des courants. La musique est toujours en mouvement: un magazine, s’il veut survivre, ne peut pas rester figé le passé mais doit s’y référer.

Êtes-vous conscient d’avoir marqué une certaine génération par vos écrits et votre combat dans un magazine culte ?

Être culte n’est pas un postulat lorsque vous démarrez un fanzine ou un magazine. Ce serait suffisant! Les différentes équipes successivement et moi-même, nous avons essayé de proposer le meilleur magazine possible, le plus sincère dans le processus.

Si nous en avons encouragé certains, initié d’autres, c’est un fabuleux bonus. Ai-je vraiment dit mon dernier mot, c’est toute la question ? J’espère également combiner certaines choses à l’avenir.

A suivre donc…

Gilles LARTIGOT – le Shooting

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 05/03/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

En tant que photographe, j’ai réalisé un shooting photo avec Gilles Lartigot il y a quelques mois. Cette photo est la couverture du livre Gilles Lartigot EAT2. Ce nouveau livre de Gilles Lartigot est la suite du best seller « EAT – Chronique d’un fauve dans la jungle alimentaire. » Je connaissais Gilles Lartigot depuis quelques années, un shooting très simple et convivial.

 

Gilles Lartigot – Eat2

La rencontre avec Gilles Lartigot

J’ai rencontré Gilles Lartigot il y a une dizaine d’années. C’est au VIP du festival Hellfest open air . Nous avions discuté autour d’un verre de nos passions communes, la musique et l’alimentation. Gilles est un métalleux dans l’âme, c’est une de nos passions communes.

L’alimentation en est une seconde. Mass Hysteria jouait cette année là. C’est aussi un point en commun que nous avons, l’amour du métal français. Gilles Lartigot a d’ailleurs produit le premier album du groupe marseillais Dagoba.

 

Le shooting de la couverture du livre de Gilles Lartigot Eat2

Je fus agréablement surpris de recevoir, il y a quelques mois, un coup de téléphone de Gilles Lartigot. Il venait de terminer la suite de son best -seller EAT et voulait un portrait pour la couverture de son nouveau livre EAT2.

Gilles naviguant régulièrement entre l’Europe et l’Amérique du nord, le rendez-vous fut pris à Aubagne, sa maison du sud de la France pour un shooting improvisé. Autour d’un bon repas, nous discutons du projet, de ses attentes en matière de photo, puis après quelques heures de shooting, un résultat sobre et efficace.

Pas de fioriture lors de ce shooting, pas de coiffeur, pas de maquilleur, juste un peu d’argile blanche que Gilles Lartigot avait dans un pot. Les portraits de cette séance photo sont dans le même esprit.

 

Qui est Gilles Lartigot ?

Gilles Lartigot est un militant français pour une consommation éco-responsable et saine, hors des supermarchés et des produits agro-industriels. Gilles vit en France et à Montréal. Il est l’auteur du best seller « EAT – Chronique d’un fauve dans la jungle alimentaire » aux éditions WinterFields, paru en septembre 2013.

EAT, le livre de Gilles Lartigot est le résultat d’une enquête qui a duré plus de trois ans, une étude traitant des modes alimentaires. Le propos tourne autour du « bien manger ».

Résumé de Gilles Lartigot Eat2

Résumé du livre EAT 2 de Gilles Lartigot : « Nous vivons dans une société toxique pour notre santé. La nourriture industrielle nous rend malade. La pollution, le stress et les produits chimiques font partie de notre vie quotidienne. Gilles Lartigot, auteur du livre Eat, témoigne de son parcours et de sa conscience des aliments modernes. Il révèle divers faits sur l’élevage industriel et les additifs chimiques et nous donne quelques options pour une meilleure assimilation des aliments pour notre corps et notre esprit. »

Dans ce livre, l’auteur souligne l’importance d’être ouvert, de ne pas discriminer les gens pour leurs divergentes opinions, d’être compatissant et empathique. « C’est l’idée de débattre ensemble pour comprendre le monde dans lequel nous vivons, ne pas être sujet et être acteur de notre propre bonheur. Malgré notre désaccord, chacun de nous a une opinion intéressante à partager, une pierre pour éveiller la conscience collective. »

Pourquoi vouliez-vous écrire une suite à EAT ?

Gille Lartigot : C’était vraiment un souhait de ma part. Si je devais écouter mes lecteurs, j’écrirais un livre tous les six mois. J’ai pris mon temps. J’ai étudié de près des dossiers, comme le cas du cancer après ma rencontre avec le Dr Nicole Delepine ou la lutte pour la survie avec Vol West, qui reste l’un des piliers centraux du livre.

Deux sujets principaux intéressants et actuels que je voulais absolument partager avec les lecteurs. Ensuite, c’est allé assez vite, j’avais rassemblé beaucoup d’informations depuis que j’ai écrit EAT en 2013. Ma pensée avait changé.

 

Gilles Lartigot Eat2

Présentation de Gille Lartigot par COTE Magazine

Gilles Lartigot a tout d’un athlète, un mètre quatre-vingt-dix et son quintal de muscles. Plus de trente ans de culture physique lui ont permis de faire face à tous les aléas de la vie. Dès le matin, la pratique sportive nourrit ses réflexions et son inspiration, mais aussi sa volonté d’ériger la nourriture et son mode de consommation en priorités absolues. Sa vision est simple: nous vivons dans une société toxique pleine d’industriels nuisibles en proie au stress, à la pollution et aux produits chimiques qui nous entourent.

Les dérives dans l’industrie alimentaire continueront d’augmenter et la rentabilité deviendra une exigence. En dehors de l’élevage industriel, des OGM, et des farines animales , il y a la menace du TAFTA, qui imposera des méthodes d’élevage toujours plus intensives au détriment de la qualité.

 

Parce que nos habitudes alimentaires déterminent notre santé et déterminent l’avenir de nos enfants, Gilles Lartigot a résumé ses observations et considérations dans un livre. Il livre une observation grossière des dangers de la nourriture moderne et de son impact sur le développement des cancers, des accidents vasculaires cérébraux et des maladies chroniques. Si le livre est un grand succès, c’est aussi parce qu’il prône une autre façon de manger, met l’accent sur ce qui est bon pour la santé et propose des recettes originales qui brisent les préjugés.

Bien sûr, nous avons publié un certain nombre d’articles sur l’alimentation, mais EAT est différent: il explique les bases de l’alimentation actuelle grâce à de nombreuses interviews réalisées avec des spécialistes.  Gilles Lartigot prolonge ses réflexions écrites en sillonnant la France, en organisant des cycles de conférences où il dévoile les secrets d’une cuisine originale.

 

 

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Eric CANTO Photographe : Photos de concert, portraits, pochettes d’album.

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Bonus : Interview de Gilles Lartigot

Peux tu nous dire un mot sur ton parcours ?

Gille Lartigot : Je suis un écrivain 100% indépendant. J’ai écrit « Eat » il y a un peu plus d’un an. Plus tôt, j’ai eu un cycle de vie assez éclectique. J’étais musicien puis producteur. J’ai vécu en Californie à l’âge de 18 ans. A cette époque, j’avais des contacts avec le monde du sport et de la culture physique et je me suis intéressé à la nutrition.

J’ai travaillé avec mon père qui était imprimeur. J’ai fait beaucoup d’activités différentes jusqu’à ce que je commence à me poser des questions sur mon travail et ma vie en général. Nous sommes souvent absorbés par le travail. S’il est passionnant, il peut être réalisé sur un lieu et un temps dédiés, et c’est une bonne chose. Mais la plupart du temps, le travail entre dans la vie personnelle et familiale. Pour les gens qui ont des enfants, le problème est qu’ils ne peuvent pas les voir grandir, ils ne peuvent pas s’occuper d’eux. Ma femme et moi voulions faire une pause.

Nous avons lancé un projet dans l’industrie alimentaire. Tout a commencé avec les films réalisés avec une caméra cachée. L’objectif étant de protéger les animaux. Nous avons pris conscience des atrocités que nous infligeons à nos animaux, en particulier aux animaux que nous mangeons et qui sont dans nos assiettes.

Ensuite, nous avons traité les mensonges de l’industrie alimentaire. Je veux dire des conseils nutritionnels de ce type: « Il faut boire du lait », « Les protéines animales valent mieux que les protéines végétales » … Toutes ces désinformations, soutenues par le lobby, qui nous ont poussé à écrire « Eat ».

Ton alimentation de sportif à tes débuts ?

Gille Lartigot : En musculation, un repas classique se compose de nombreux produits laitiers, poulet, bœuf ou thon avec riz. Quelle chose digeste ! Mon approche de la nourriture était purement physique. J’ai dû manger mes protéines, glucides, lipides. Il s’agissait de repas avec une très petite quantité de matières premières, auxquelles des compléments alimentaires à base de lait de vache, des boissons gazeuses légères, des boissons d’endurance à la malto-dextrine, des colorants très fluorescents étaient rajoutés … Mais malgré tout, je sentais que je mangeais une alimentation très saine.

Je n’ai jamais été trop préparé ou cuisiné de plats, car mon sport exigeait de moi une nourriture « propre ». Ça vous fait sourire aujourd’hui … Mon changement de régime s’est fait rapidement, et les plantes sont désormais la base de mon alimentation. Il est encourageant de penser que le changement peut survenir à tout âge!

 

Le déclic est venu comment ?

Gille Lartigot : C’est lorsque j’ai aidé à infiltrer les fermes industrielles pour mon enquête. La première était une ferme de poules pondeuses, ce qui m’a suffisamment choqué, puis les porcs. Là, j’ai vu des choses que je n’aurais pas dû voir et qui m’ont marqué fortement. Je ne pouvais plus manger de viande. J’étais un peu paniqué car j’ai continué ce sport et j’avais encore ces préjugés alimentaires construits depuis vingt ans. J’ai donc été obligé de me renseigner sur les aliments dits « alternatifs »: végétarisme, véganisme, cru, jus …

Cela m’a ouvert les yeux. J’ai réalisé que nous pouvions manger avec conscience. Quand nous apprenons comment nos animaux sont élevés et abattus, peu de gens peuvent encore manger cette viande. C’est devenu une grande poubelle, surtout au détriment des animaux. Quand nous savons que nous tuons 3 millions d’animaux par jour et que nous devons toujours en produire plus, il est évident qu’ils sont tués de manière terrible. Pour produire plus de plantes, nous avons dû utiliser des pesticides, etc. Pour produire plus d’animaux vivants, nous tombons volontairement malades.

Aujourd’hui, les gens ne veulent pas voir, ils ne veulent pas savoir. Et quand on me dit que l’Homme a toujours été carnivore, je réponds que cela n’est pas vrai car  l’homme ne mangeait pas de viande en cage. Il chassait pour se nourrir. et l’homme est omnivore. Cette consommation excessive de viande se produit de nos jours. Avant la Seconde Guerre mondiale, il n’y avait pas de fermes industrielles. Nous mangions des bêtes élevées dans des conditions normales c’est à dire raisonnable; qui permettaient de répondre à des besoins « locaux » donc plus restreints et donc dans des conditions plus responsables et respectueuses.

Les bovins recevaient de la nourriture adaptée, pas du maïs OGM. Nous ne les bourrions pas d’antibiotiques, et ne les vaccinions pas dès la naissance. Ces pratiques me choquent. J’ai également été frappé par le fait que ces informations n’ont pas été communiquées par les principaux médias. J’avais vraiment besoin de chercher loin pour apprendre à manger différemment. Mes succès personnels m’ont convaincu.

 

Tu entends quoi par nourriture originel?

Gille Lartigot : C’est de la nourriture produite par la terre! Fondamentalement, c’est un légume. Je m’appuie en particulier sur les textes de Charles Darwin, le père de l’évolution, qui dit que l’homme est construit comme un végétarien, il doit donc manger des légumes. Hippocrate, le père de la médecine, était végétarien. Les grands penseurs grecs comme Socrate étaient végétariens. Vous avez aussi Albert Einstein, Confucius, Léonard de Vinci … Vous commencez à vous demander: ces gens sont encore très intelligents!

Je n’aime pas classer les gens: végétariens, végans … Pour moi, ce sont des « cases ». Quoique nous choisissons, il y a des aliments toxiques et des aliments originaux. Si tout le monde ne mangeait que de la viande bio, cultivée « normalement », alors la production se suffirait pas à satisfaire les habitudes alimentaires de tout le monde. Il faudrait rééduquer les gens à n’en manger qu’une fois  par semaine! Ce que faisaient les anciens.

 

Gilles Lartigot Eat 2

Changer d’alimentation, ça apporte quoi ?

Gille Lartigot : La santé. C’est quelque chose de nécessaire. Malheureusement, les gens réalisent souvent leur erreurs alimentaires lorsqu’ils sont malades. C’est dommage alors qu’ils pourraient l’empêcher. Quand vous avez des enfants, vous voulez leur santé. En leur donnant des frites, de la purée de pommes de terre, du Mc Do, du coca ou des bonbons, vous les empoisonnez. Il faut en  être conscient.

Mais quand vous réalisez que vous pouvez manger différemment, que c’est bien et que vous vous amusez, alors vous réalisez que le problème n’est pas l’argent. Les gens dépensent de l’argent pour des médicaments, des substituts de repas, des compléments alimentaires et des vitamines chimiques. Le problème du temps se pose. Le temps a été volé par la société moderne. Nous n’avons plus le temps d’aller au marché,de cuisiner,de s’informer…

Mais ce problème est devenu mondial, et affecte d’autres domaines de la vie. Vous n’avez pas à changer le monde, mais vous devez changer vos habitudes, et la nourriture est à la base de ce changement, car lorsque nous buvons du jus fraîchement pressé, nous ne pensons pas la même chose que lorsque l’on nous buvons du »Gatorade ».

Avec un changement de régime, il y a une sorte d’excitation. C’est comme ouvrir une cage. Manger des aliments toxiques affecte nos pensées. C’est donc une histoire de conscience et chacun a le « clic » pour lui trouver une porte.

Mass Hysteria Olympia Artwork

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 01/03/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Mass Hysteria Olympia est le second live que j’ai fait pour le groupe. Le précédent live, je l’avais shooté au BIKINI à Toulouse. LE BIKINI est LA salle du sud de la France, elle et son boss, le bien nommé Hervé, bon vivant légendaire du rock’n roll, lui et ses fantastiques magrets de canard (…). Pour ce second live, on passait d’une salle fantastique, à une salle mythique : l’Olympia à Paris. Le 5 avril 2013 est donc une date important pour Mass Hysteria et pour moi.

Après une journée à tourner dans les 4 coins de cette salle mythique, une soirée riche en décibels et en sueur, je me suis attelé à créer les visuels des versions CD et DVD de ce double album que je vous laisse découvrir ci-dessous.

Mass Hysteria Olympia : Le concert

Le groupe avait annoncé son passage dans la mythique salle parisienne de L’Olympia pour fêter comme il se doit ses 20 ans. C’est dans une salle complète et bouillante et devant 2200 furieux que le groupe a célébré ses 20 ans.

Pour compléter l’événement, histoire de compliquer la tâche, Mass Hysteria a invité deux formations : The Arrs, ​​qui ouvrira le bal avec un nouvel album en poche à présenter au public, et Punish Yourself, le combo industriel toulousain.

Ce concert fait le tour de la carrière du groupe pour nous offrir probablement le meilleur de La discographie. Le groupe en profite pour réunir le Line Up original pour le plaisir des fans de la première époque.

Le groupe vise haut, mélange les tempos et les ambiances pour créer des moments forts en maintenant ce lien qu’il a toujours eu avec le public. Il s’agit bien d’une des qualités du groupe une proximité et un respect qui lui permet de générer cette furia propre qu’au groupe.

Mass Hysteria Olympia est un album de 21 titres pour environ 1h40 de Furia.

Mass Hytseria Olympia l’album live le plus complet du groupe, mais également comme un très beau cadeau pour les fans du groupe.On y retrouve les classiques. Des titres comme  Positif à Bloc, World on Fire, Babylone, Une Somme de Détails….

La version Blue Ray commence par l’installation des mythiques lettres sur la façade de l’Olympia, la célèbre salle de concert parisienne qui a vu passer des milliers d’artistes. C’est cette image qui sert de fond au menu du disque.

Ce Blu-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia, le set grandiose du Hellfest et le clip vidéo de « Même si J’explose ».

Mass Hysteria Olympia – Crédit photo Eric CANTO

Mass Hysteria Olympia : deux versions disponibles

« Mass Hysteria à l’Olympia » (VERYCORDS)  disponible en deux éditions :

• Digipack (2CD + DVD) : en bonus le documentaire « Sur la route des Festivals » (45 min) & Clip « Même si j’explose »
• Blu-Ray : en bonus le live du Hellfest 2013 (nouveau mixage, nouveau montage) & Clip « Même si j’explose » 

Mass Hysteria Olympia – Crédit photo Eric CANTO

Mass Hysteria Olympia : Production

Il a été enregistré en live à l’Olympia à Paris le 5 avril 2013.

Mass Hysteria Olympia : Liste des titres par support

La version CD de Mass Hysteria Olympia

CD 1

• Positif à Bloc
• Tout Doit Disparaître
• World on Fire
• Babylone
• Une Somme de Détails
• L’Homme S’Entête
• P4
• Sur la Brèche
• Donnez-Vous la Peine
• Remède

CD 2

• Pulsion
• Sérum Barbare
• Vertige des Mondes
• L’Archipel des Pensées
• L’Esprit du Temps
• Même Si J’Explose
• Knowledge Is Power
• Respect to the Dancefloor
• Des Nouvelles du Ciel
• Contraddiction
• Furia

La version DVD Mass Hysteria Olympia 

• Positif à Bloc
• Tout Doit Disparaître
• World on Fire
• Babylone
• Une Somme de Détails
• L’Homme S’Entête
• P4
• Sur la Brèche
• Donnez-Vous la Peine
• Remède
• Pulsion
• Sérum Barbare
• Vertige des Mondes
• L’Archipel des Pensées
• L’Esprit du Temps
• Même Si J’Explose
• Knowledge Is Power
• Respect to the Dancefloor
• Des Nouvelles du Ciel
• Contraddiction
• Furia

Mass Hysteria Olympia : Les Crédits

• Mouss Kelai — chant
• Yann Heurtaux — guitare
• Nicolas Sarrouy — guitare
• Vincent Mercier — basse
• Raphaël Mercier — batterie et samples
• Erwan Disez — guitare (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
• Stéphan Jaquet — basse (sur le morceau Respect to the Dancefloor)
• Pascal Jeannet — chœurs (sur le morceau Respect to the Dancefloor)

Une version Blu Ray a également été éditée, mais la piste 5.1 étant défectueuse (contrairement à la PCM et la 2.0) sa commercialisation s’est limitée à la sortie. À noter qu’elle contenait en bonus inédit l’intégralité du concert au Hellfest de 2013.

Récompense de Mass Hysteria Olympia

En mars 2018, soit 5 ans après sa sortie, il s’est vendu à plus de 7 500 exemplaires et est certifié vidéo or.

L’histoire du groupe MASS HYSTERIA

Mass Hysteria est né en 1993 dans le 20ème arrondissement de Paris, le groupe est constitué en grande majorité de bretons immigrés. Mass Hysteria enregistre 2 démos avant de produire le premier album. Des démos où la guitare est tenue par Alain Fornassari un ancien de Treponem Pal. Le groupe trouve sa configuration de croisière avec l’arrivée de Pascal aux machines et de Yann Heurtaux à la seconde guitare.

En 1997, le premier album suivi d’un live les placeent au sommet du Métal Industriel. Kmar, le chanteur de No One Is Innocent n’hésite pas à les encenser en affirmant que Mass Hysteria est  » un des seuls trucs qui soit arrivé comme ça, qui a débarqué et qui tient vraiment bien la route » .

Et puis, en 2005, c’est la chute : l’album éponyme tente une percée vers la pop rock. A tel point que 3 morceaux sont signés par Miossec… Une déconvenue commerciale qui signe un retour aux sources avec la sortie de « Une somme de détails » en 2007 où l’on trouve Fred de Watcha à la préproduction… Et Emmanuelle Monet (ex Dolly) sur le dernier titre en hommage à son bassiste décédé en 2006.

Un très bon opus qui (re)place Mass Hysteria comme un des leaders de Métal français. Et pourquoi pas une percée hors de l’Hexagone puisque pour « Contraddiction » – déjà – Korn, médusé par la puissance du groupe, évoquera une participation des frenchies à leur US Family Values !

En juillet 2009, c’est Metallica qui souhaite les voir assurer leur première partie aux Arènes de Nîmes. Un beau défi qui devance de quelques mois la sortie de leur 5ème album sorti fin septembre.

Mais autant de défis scéniques ne pouvaient rester sans récompense : en juin 2011 « Mass Hysteria live » témoigne, une seconde fois dans l’histoire du groupe, de cette puissance ravageuse. Le tout enregistré au Bikini à Toulouse et au Hellfest en Bretagne.

« L’armée des ombres » sort en 2012 suivi un an plus tard d’un autre live enregistré le 5 avril 2013 à l’Olympia et au Hellfest de la même année par Arte. En 2015, Nicolas Sarrouy quitte le groupe remplacé par le guitariste et producteur Fred Duquesne.

En 2016, ils sont de nouveau au Hellfest où ils affirment haut et fort que Clisson est bien en Bretagne !

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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BONUS: Critique de l’album Mass Hysteria – A L’Olympia (Live) par  Karnogal de lagrosseradiométal.com

En bonus un retour sur la critique de l’album MASS HYSTERIA à L’Olympia par la grosse radio.com lors de la sortie de l’album en DVD. En Un grand merci à eux pour ce retour intéressant.

Poursuivant son parcours extrêmement riche depuis la sortie de L’Armée des ombres, Mass Hysteria vient de sortir un troisième album live enregistré à l’Olympia en avril 2013 à l’occasion de ses vingt ans. Histoire de poursuivre une année extrêmement riche, la bande se fait également plaisir en proposant cet enregistrement en DVD et Blue Ray. Ben l’ancien va se faire un plaisir de décortiquer ce dernier. Mais d’abord, place au CD!

5 avril 2013. Une date à placer sous le signe de la fête et de la réussite. En effet, Mass Hysteria avait annoncé que ce passage dans la mythique salle parisienne qu’est L’Olympia serait l’occasion de fêter ses vingt ans. Et c’est donc dans une salle complète de chez complète et devant 2200 furieux et furieuses que le groupe a célébré sa double décennie.

Ces furieux et furieuses ont d’ailleurs été particulièrement gâtés. Avec 21 pistes pour environ 1h40 d’indus-metal, À L’Olympia s’affiche non seulement comme l’album live le plus complet du groupe, mais également comme un très beau cadeau pour ses fans.

La discographie, composée de sept disques, voit tous ses classiques joués avec une énergie et une rage évidente (même sans les images!). Seul Mass Hysteria est laissé de côté, ce qui n’est surement pas une mauvaise chose pour certains.

Après avoir envoyé du très très lourd avec le totalement efficace « Positif à bloc », Mass Hysteria continu de manœuvrer le bulldozer L’Armée des ombres avec « Tout doit disparaitre ».

Pierre angulaire de ce live, la dernière production de MH voit huit de ses pistes jouées lors de ce concert. Les classiques « P4 », « Donnez-vous la peine » ou encore « Babylone » sont évidemment présents et le plaisir que l’on ressent, aussi bien chez les musiciens que dans les oreilles, est le même que lorsque l’on écoutait ces titres il y a cinq, dix ou quinze ans.

La bande reste fidèle à elle même en terminant sa setlist par des compositions qui ont fait son succès comme « Respect to the Dancefloor » ou la complètement déjantée « Furia ».

Célèbre pour être très proche de son public, Mouss Kelai n’est pas avare en parole et clame régulièrement son amour pour la scène française. Seul bémol, certaines de ses interventions ont été coupées nette. Dommage. Enfin côté son, l’équilibre entre chaque instrument est excellent. On a plus qu’à fermer les yeux et s’imaginer les cinq bonhommes retourner la scène avec frénésie
.
Bilan des courses: À L’Olymbia est un très bon album live avec pour seul défaut son manque de surprise. Les classiques, et seulement les classiques, composent ces deux disques. Des titres comme « Attracteurs étranges » ou encore un « Killing The Hype » auraient été les bienvenues. Mais en dépit de cette petite déception, Mass Hysteria comblera tous ses fans.

Le son c’est génial, l’image, c’est encore mieux, surtout chez Mass Hysteria qui a toujours apporté à l’aspect visuel de ses créations beaucoup de soin, aidé en cela par l’extraordinaire travail d’Eric Canto.

Pour célébrer dignement ses 20 ans, le groupe investit donc l’Olympia, et c’est tout naturellement que le Blue Ray s’ouvre sur l’installation des mythiques lettres rouges sur la façade de la célèbre salle de concert parisienne.

C’est d’ailleurs cette image qui sert de fond au menu du disque et Mouss le rappellera avec une poignante sincérité durant le concert  » les grands groupes, ils sont blasés …pour eux, l’Olympia, c’est un showcase, mais pour nous, c’est 20 ans pour arriver à ça, et un putain de bonheur ! »

Dans le détail, le blue-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia (set entier ou accès par titre), le set hallucinant du Hellfest et la vidéo de « Même si J’explose ». Dans le détail, le blue-ray propose la vidéo du concert à l’Olympia (set entier ou accès par titre), le set hallucinant du Hellfest et la vidéo de « Même si J’explose »  C’est un peu léger et cela me donne l’occasion de souligner une légère déception, dans ce format, point de documentaire sur la tournée des festivals de l’été, uniquement disponible sur le DVD.
Côté audio, c’est le classique choix : stéréo ou 5.1.

Avant de revenir sur le concert parisien, parlons du clip. C’est une pure merveille ! Esthétiquement très travaillé avec un sublime rendu noir et blanc, des ralentis et des gros plans de toute beauté, cette vidéo referme magnifiquement le visionnage (eh oui, je commence par la fin, comme dans un roman qu’on attend avec impatience).

Le concert du Hellfest… à part vous conseiller d’aller lire le report publié fin juin, que dire ? Que Mouss était définitivement dans une très grande forme ce jour-là, insufflant une énergie diabolique à cette prestation, que le groupe et le public ne faisait qu’un, et que rien que pour l’image du circle pit sur « P4 » avec Mouss, Nico et Yann encerclés par une marée humaine tourbillonnante, l’achat de cette vidéo est purement indispensable !

Inutile d’en dire plus, si ce n’est peut-être que la durée du set (45 minutes) confère à ce gig une atmosphère d’urgence encore plus palpable que sur un concert classique du combo.

Mais abordons maintenant le véritable objet de cette chronique (en essayant de ne pas trop être redondant avec ce que Karnogal vient de vous dire (et auquel j’adhère tout à fait).

On démarre avec l’entrée dans la salle (chargée d’histoire) entrecoupée de courte interviews de fans. Sur scène, le noir se fait et l’intro voit des percussions japonaises martelées un rythme lancinant, tandis qu’en milieu de scène se dressent les deux personnages qui illustrent la pochette de L’Armée des ombres. Un long moment de calme, de fascination, d’immobilisme terminé par un noir assez long. Lorsque la lumière revient, le quintet est sur scène et c’est l’explosion avec l’ouverture sur « Positif à bloc ».

Visuellement, c’est simple, c’est la première fois que je regarde une vidéo de concert qui donne REELLEMENT l’impression d’assister au spectacle, d’être totalement immergé dans l’action. Le secret ?

En plus des prises de vue habituelles, des caméras dans le public, ou bien en fond de salle mais filmant à ras des spectateurs donnent un réalisme hors norme à cette captation (y compris quand les cadreurs se font embarquer dans les mouvements de foule !).

La réalisation est très organique (sans surjouer dans le montage épileptique) et j’ai particulièrement apprécié la discrétion des cameramen sur scène qu’on ne voit quasiment pas dans le montage

Quelques lignes plus haut, j’ai parlé de quintet, mais c’est faux, car ce soir-là, encore plus que les autres, outre Mouss, Yann, Nico, Vincent et Raphaël, il faut aussi compter le public, omniprésent (sur Babylone, c’est juste époustouflant !), ressemblant autant à un océan déchaîné qu’à un lac de lave en fusion. Un mouvement permanent secoué de spasmes, de convulsions.

Et puis il y a ces visages, proches de l’extase, ces regards dans lesquels on lit la ferveur, mais aussi la reconnaissance, le plaisir de voir le chemin parcouru, tous ces fans connaissant tous les textes du premier au dernier mot…Une osmose qui atteint peut-être son paroxysme sur les morceaux les plus calmes, notamment « Remède » (et tant pis si ce titre voit Mouss être approximatif dans sa justesse).

Une foule qui mange littéralement dans la main du vocaliste, qui s’exécute lorsque celui-ci lui demande de se séparer en deux pour un braveheart (difficile à mettre en place dans l’exiguïté de la salle, mais qui donne lieu à une mémorable bataille !).

La soirée défile à grande vitesse et pour donner une dimension encore plus humaine à cette célébration, le groupe remercie son staff dans un superbe hommage (ingé son, light) mais appelle aussi les anciens membres et même tous les gamins des musiciens (il faut voir l’émotion et la fierté de Yann, prenant son bout de chou dans les bras et venant se poster en milieu de scène) avant une version ultra festive de « Respect to The Dancefloor ».

Le final est carrément surprenant avec l’arrivée de danseuses brésiliennes avant « Furia » (un joli clin d’œil aux grandes heures de ce temple parisien de la variété).

Que vous aimiez Mass Hysteria ou que vous souhaitiez simplement découvrir ce groupe, précipitez-vous sur ce témoignage live car il est aussi impressionnant que fidèle à tout ce que ce combo peut représenter dans le paysage métal français. Un must !

Pochette d’album: La relation entre l’artwork et la musique

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 24/02/2020 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Pochette d’album : comme le suggèrent les lois de la physique, vous verrez les choses avant de les entendre. Ce n’est pas différent quand il s’agit d’écouter un album ou une chanson, car le plus souvent, avant d’appuyer sur la lecture, la première chose qui attirera votre attention est la Pochette d’album, son esthétisme, ses couleurs, son message…

Dans cet article, je vais explorer la relation entre la musique et les œuvres d’art, en détaillant son importance pour améliorer l’expérience de l’auditeur, mais aussi, comment les œuvres d’art ont changé et continueront de changer à l’ère numérique.

 MASS HYSTERIA  » Matière noire’

Pochette d’album: Relation entre l’œuvre d’art et la musique

Bien qu’il puisse sembler qu’un album soit centré uniquement sur la musique, l’illustration ornant sa pochette est essentiellement l’équivalent de la couverture d’un livre. En effet, la musique est une expérience qui met tous nos sens en éveil. L’auditeur va ressentir l’émotion générée par l’univers de l’artiste,  parce que la musique va nourrir son imagination. C’est pour cette raison que l’artwork est important dans la musique.

En conséquence, les œuvres d’art et la musique vont de pair.
Les clips vidéo font partie intégrante de l’industrie musicale et il en va de même pour les illustrations de votre album.

L’œuvre d’art sert de portail à ce que l’auditeur peut attendre d’un album, et même à quel type de musicien se cache derrière la créativité.
Des couvertures d’album solides font une déclaration, car après tout, cette imagerie est l’occasion de faire la bonne première impression.

De nos jours, avec les nombreux progrès technologiques, les fabricants de disques sont capables de produire un kaléidoscope de vinyles de toutes les couleurs et de tous les motifs.l’aspect visuel sert un projet musical, le met en avant et influence le public.

Ainsi, le vinyle physique lui-même devient partie intégrante de l’œuvre d’art et à son tour partie intégrante de l’expérience musicale collective. On écoute aussi avec les yeux.

Pochette d’album

Pochette d’album : L’évolution de l’oeuvre dans l’industrie musicale actuelle

Avant Internet, la musique ne pouvait être achetée que dans un format physique et, par conséquent, l’emballage et la présentation d’un album étaient primordiaux pour assurer son succès commercial.

Les artistes avaient une toile en carton de 30 x 30 cm ou une boîte en plastique de 10 x 10 cm pour embellir les albums avec des illustrations qui inciteraient les auditeurs à prendre en mains l’objet, le découvrir pour finalement l’acheter.

De nos jours, les pochettes d’album et de single apparaissent comme de minuscules carrés sur nos bibliothèques de musique et nos sites de streaming. Pourtant, malgré cette miniaturisation, ces aides visuelles sont toujours d’actualité.

Pochette d’album : Avons-nous encore besoin d’une cover, d’un artwork ?

“La musique n’est pas seulement une expérience auditive. C’est une affaire multi sensorielle qui déclenche toutes sortes de sentiments et d’émotions.”

Lorsque nous écoutons de la musique, nous voulons ressentir d’une certaine manière, être transporté dans un endroit entièrement différent, et laPochette d’album peut aider à le faire.

La sensation de toucher est également quelque chose qui améliore l’expérience d’écoute.

Malgré la récente augmentation des sites de streaming musical, les ventes de vinyles ont continué d’augmenter au cours des cinq dernières années environ, ce qui a donné aux artistes la liberté de travailler sur une plus grande toile.

Quoi qu’il en soit, il est quelque chose de spécial et profondément personnel de placer un vinyle sur une platine et d’écouter un album tout en ayant la pochette à portée de main.

Et n’oublions pas que pour un artiste, se créer une identité artistique est primordiale pour se démarquer et se faire un nom. L’identité visuelle de l’artiste (typographie, charte graphique, une histoire, pochettes, affiches de concerts…) est donc primordiale pour que son nom et projet musical soient reconnus.

Lofofora   » Monstre ordinaire »

 MASS HYSTERIA « TRIANON »Pochette d’album

Sur la plupart des versions de luxe, les artistes ont tendance à inclure des illustrations d’accompagnement, des photographies, des livrets de paroles, qui sont tous conçus pour l’interaction.

Cela nous amène également à l’un des aspects les plus sous-discutés de l’attrait esthétique des couvertures de vinyle : la texture.

Certaines pochettes sont fabriquées avec un extérieur brillant, tandis que d’autres optent pour un style parchemin plus rugueux.

Cet aspect de la création de pochettes d’album joue sur le toucher.
C’est une caractéristique que l’on retrouve chez les lecteurs. Toucher le livre apporte une certaine dimension à sa lecture. Il en va de même pour les vinyles.

Même si les illustrations d’album sont maintenant (principalement) réduites à une minuscule vignette sur nos écrans, c’est toujours un aspect si important du processus de création d’un monde pour un album particulier.

Donc, afin de répondre à la question de savoir si nous avons encore besoin de pochettes d’album, je vous laisse avec une pensée : imaginez ce que ce serait, si tous les CD, vinyles, albums numériques que vous possédez n’avaient pas d’illustration.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur les Pochettes d’Album

Qu’est-ce qu’une pochette d’album ?

C’est un élément clé de la présentation visuelle d’un album musical. Elle est souvent constituée d’une image ou d’une illustration, accompagnée du nom de l’artiste, du titre de l’album et éventuellement d’autres informations. La Pochette d’album peut également contenir les paroles des chansons, les crédits de l’album, les remerciements ou autres éléments qui peuvent être pertinents pour le projet musical.

Quels sont les différents types de pochettes d’album ?

Il existe différents types de pochettes d’album, allant de simples photographies en noir et blanc à des illustrations complexes et colorées. Certaines pochettes d’album mettent en avant l’image de l’artiste, tandis que d’autres se concentrent sur une idée ou un concept en particulier. Les pochettes d’album peuvent également varier en termes de taille et de forme, allant de petits formats pour les CD à des Pochette d’album plus grandes pour les vinyles.

Qui crée les pochettes d’album ?

Les pochettes d’album peuvent être créées par des graphistes, des designers, des illustrateurs ou même des artistes eux-mêmes. Les artistes ont souvent une vision claire de ce qu’ils veulent pour leur Pochette d’album  et peuvent travailler avec des designers pour réaliser cette vision. Dans d’autres cas, les labels peuvent embaucher des graphistes ou des designers pour travailler sur la pochette de l’album.

Comment la pochette d’album peut-elle influencer l’expérience d’écoute ?

La Pochette d’album peut jouer un rôle important dans l’expérience d’écoute d’un album. Elle peut évoquer des émotions et des sentiments, ou offrir un aperçu visuel de l’ambiance et du ton de l’album. En tant qu’élément clé de l’identité visuelle de l’album, la pochette peut également influencer la façon dont les auditeurs perçoivent l’artiste et le projet musical dans son ensemble.

Quelles sont certaines des pochettes d’album les plus emblématiques de l’histoire de la musique ?

Il y a de nombreuses pochettes d’album iconiques dans l’histoire de la musique. Voici quelques exemples :

• « Abbey Road » des Beatles : l’image des quatre membres du groupe traversant un passage clouté est l’une des images les plus emblématiques de l’histoire de la musique.
• « Nevermind » de Nirvana : l’image d’un bébé nageant sous l’eau pour attraper un billet de un dollar est devenue une icône culturelle.
• « The Dark Side of the Moon » de Pink Floyd : la pochette représente un prisme lumineux traversant un triangle, un visuel qui est devenu indissociable de la musique elle-même.

Comment créer une pochette d’album?

Il y a plusieurs façons de créer une pochette d’album, mais voici quelques étapes générales pour vous aider à démarrer:

• Définissez le concept et le thème de votre album: pensez à ce que vous voulez communiquer à travers votre musique et à ce qui représente le mieux l’essence de votre travail. Cela peut vous aider à définir le style visuel de votre pochette d’album.
• Trouvez un designer graphique ou un photographe: Si vous n’êtes pas un expert en conception graphique ou en photographie, il peut être utile de faire appel à un professionnel pour créer votre pochette . Assurez-vous de trouver quelqu’un qui comprend votre vision artistique et qui peut travailler en étroite collaboration avec vous pour réaliser votre projet.
• Sélectionnez une image ou une illustration: Si vous travaillez avec un photographe, discutez avec lui des images que vous souhaitez utiliser. Si vous travaillez avec un designer graphique, vous pouvez envisager d’utiliser une illustration ou une création numérique. Assurez-vous que l’image que vous choisissez est de haute qualité et convient à la taille de la pochette d’album .
• Concevez votre pochette : travaillez avec votre designer graphique ou photographe pour créer un design qui reflète votre concept artistique. Assurez-vous que le nom de l’artiste et le titre de l’album sont clairement visibles, ainsi que les informations nécessaires telles que le nom du label et les crédits de production.
• Soignez les détails : la pochette de votre album est souvent le premier point de contact avec votre public. Assurez-vous que le design est cohérent avec votre image artistique et le thème de l’album. Prenez le temps de vérifier les détails tels que les couleurs, les polices et les images pour vous assurer que tout est cohérent et professionnel.
• Imprimez votre pochette d’album: une fois que vous êtes satisfait de votre design final, il est temps de l’imprimer. Trouvez une imprimerie qui peut imprimer des pochettes d’album et assurez-vous que le design est imprimé sur un support de haute qualité.

Comment trouver des inspirations pour des pochettes d’album ?

Il existe de nombreuses façons de trouver de l’inspiration pour les pochettes d’album. Voici quelques idées pour vous aider:

• Recherchez les pochettes d’albums de vos artistes préférés: Analysez les pochettes d’album d’artistes que vous appréciez pour voir comment ils ont représenté leur musique visuellement.
• Parcourez les galeries d’art: Visitez des galeries d’art pour découvrir des œuvres qui peuvent inspirer votre pochette . Les expositions de photographie, de peinture ou de design peuvent fournir des idées intéressantes pour votre design.
• Parcourez les sites web de design graphique: Il existe de nombreux sites web qui présentent des conceptions graphiques pour les pochettes d’album et d’autres projets. Parcourez ces sites pour voir les tendances actuelles et pour trouver de l’inspiration pour votre propre pochette .

Quels sont les différents types de pochettes d’albums?

Il existe de nombreux types de pochettes d’albums, chacune avec ses propres caractéristiques et avantages. Voici quelques-uns des types les plus courants :

• Pochette standard : Il s’agit de la pochette d’album la plus courante pour les albums, généralement en papier cartonné avec une ouverture sur le côté pour insérer le disque. Elle peut comporter des illustrations, des photos ou des textes pour l’artwork.

• Pochette gatefold : Une pochette gatefold s’ouvre comme un livre et a généralement plus d’espace pour les illustrations ou les photos. Elle peut contenir un livret ou un poster à l’intérieur, ou un disque supplémentaire.

• Pochette en digipack : Il s’agit d’une pochette en carton pliable qui ressemble à une boîte à CD. Elle peut avoir plusieurs panneaux pour des illustrations ou des photos, ainsi qu’un livret.
  Pochette en jewel case : Il s’agit d’une pochette en plastique rigide qui s’ouvre comme un livre et contient un livret. Elle est souvent utilisée pour les CD.

• Pochette en vinyle coloré : Certaines pochettes pour les disques vinyles sont fabriquées à partir de vinyle coloré, ce qui ajoute un aspect visuel unique à la pochette d’album.

Comment peut-on créer une pochette d’album ?

Il y a plusieurs façons de créer une pochette d’album. Si vous êtes un artiste professionnel, vous pouvez embaucher un graphiste pour créer la pochette pour vous. Si vous êtes un artiste indépendant, vous pouvez créer vous-même la pochette à l’aide d’un logiciel de conception graphique comme Adobe Photoshop ou Illustrator.

Voici quelques étapes de base pour créer une pochette d’album :

• Définir le concept et le thème de la pochette d’album
• Sélectionner les images ou les illustrations qui seront utilisées pour l’artwork
• Définir la police de caractères et la disposition pour le titre et les crédits de l’album
• Créer une maquette pour avoir une idée de l’ensemble de la pochette d’album
• Obtenir les autorisations pour les images et les illustrations utilisées si elles ne sont pas de votre propriété
• Finaliser la conception et enregistrer les fichiers pour l’impression

Il est important de se rappeler que la pochette d’album est souvent le premier point de contact entre l’auditeur et l’artiste, il est donc crucial de créer une pochette d’album qui attire l’attention et reflète l’esthétique de l’artiste.