maison européenne de la photographie

La Maison européenne de la photographie (MEP) est un centre d’exposition de photos qui a ouvert ses portes en février 1996. Il est exploité par une association, « Paris Audiovisuel – Maison Européenne de la Photographie », fondée en 1978 par Jacques Chirac, alors Maire de Paris, à l’initiative d’Henry Chapier et soutenu financièrement par la Mairie de Paris, qui assure notamment le bâtiment , L’eurodéputé est situé au 5/7 rue de Fourcy dans le 4ème arrondissement de Paris.

 

Maison européenne de la photographie: un peu d’histoire…

 

Il est depuis dirigé par Henry Chapier et dirigé par Jean-Luc Monterosso. Ce dernier s’incline le 31 mars 2018. Il sera remplacé par l’ancien conservateur en chef du département de photographie de la London Tate, Simon Baker.

La collection, dédiée à la créativité internationale contemporaine des années 1950 à nos jours, semble aujourd’hui composée d’environ 20 000 œuvres qui présentent la photographie sous toutes ses formes et aux limites de l’art plastique.

 

 

 

 

FAQ sur la Maison Européenne de la Photographie

1. Qu’est-ce que la Maison Européenne de la Photographie ?

La Maison Européenne de la Photographie est un centre d’exposition dédié à la photographie contemporaine, situé à Paris en France.

2. Quand la Maison Européenne de la Photographie a-t-elle été créée ?

La Maison Européenne de la Photographie a été créée en 1996, dans le but de promouvoir la photographie contemporaine et de permettre au public de découvrir de nouveaux artistes.

3. Quels types d’expositions sont présentés à la Maison Européenne de la Photographie ?

La Maison Européenne de la Photographie présente une variété d’expositions de photographie contemporaine, ainsi que des rétrospectives et des expositions thématiques. Les expositions peuvent inclure des photographies de presse, de la photographie d’art, de la photographie documentaire et bien plus encore.

4. Qui sont les artistes présentés à la Maison Européenne de la Photographie ?

La Maison Européenne de la Photographie présente des artistes émergents et des photographes bien établis, ainsi que des expositions collectives. Les artistes présentés peuvent être de nationalités et de styles variés.

5. Combien de temps durent les expositions à la Maison Européenne de la Photographie ?

Les expositions à la Maison Européenne de la Photographie durent généralement entre deux et trois mois.

6. Quels sont les tarifs d’entrée pour la Maison Européenne de la Photographie ?

Les tarifs d’entrée pour la Maison Européenne de la Photographie varient en fonction des expositions en cours. Les tarifs pour une exposition individuelle sont généralement de 10 à 12 euros, mais des réductions sont possibles pour les étudiants et les groupes.

7. La Maison Européenne de la Photographie organise-t-elle des événements en plus des expositions ?

Oui, la Maison Européenne de la Photographie organise régulièrement des événements tels que des conférences, des rencontres avec des artistes, des projections de films et des ateliers de photographie.

8. Quelle est la capacité d’accueil de la Maison Européenne de la Photographie ?

La Maison Européenne de la Photographie a une capacité d’accueil de 300 personnes maximum.

9. La Maison Européenne de la Photographie a-t-elle un café ou un restaurant ?

Oui, la Maison Européenne de la Photographie dispose d’un café et d’un restaurant qui offrent une vue sur les toits de Paris.

10. La Maison Européenne de la Photographie propose-t-elle des visites guidées ?

Oui, la Maison Européenne de la Photographie propose des visites guidées pour les groupes. Les visites guidées doivent être réservées à l’avance.
 

 

 

 

 

 

 

Bonus : Entretien: Simon Baker directeur de la Maison européenne de la photographie (MEP) à Paris

Depuis mai 2018, le britannique Dr Simon Baker est nommé nouveau directeur de la Maison européenne de la photographie (MEP) à Paris. Simon Baker était l’ancien conservateur de la photographie et de l’art international à la Tate. Avant de devenir le premier conservateur de la photographie de Tate, il était professeur agrégé d’histoire de l’art à l’Université de Nottingham, où il a enseigné l’histoire de la photographie, le surréalisme et l’art contemporain.

Chez Tate, il était responsable de la collection permanente, du développement d’une stratégie d’acquisition et de l’organisation d’expositions. Il a travaillé des expositions telles que Don McCullin (2019) «Shape of Light» (2018) «Performing for the camera» (2016), «Nick Waplington / Alexander McQueen: Working Progress» (2015), «Conflict, Time, Photography» (2014), «William Klein + Daido Moriyama» (2012), «Taryn Simon,

Pour le futur programme artistique, à partir de 2019, le MEP désigne deux espaces distincts pour ses expositions. Les niveaux supérieurs du MEP (+2 et +3) accueilleront des expositions de moyenne ou grande envergure présentant le travail d’artistes confirmés, tandis que le Studio, au niveau +1 (anciennement Salle Henault de Cantobre) est imaginé comme une galerie avec un programme en rotation plus régulière (présentant une nouvelle exposition toutes les six semaines), proposant pour la première fois aux artistes émergents une exposition personnelle dans un cadre institutionnel.

Fidèle à son engagement de mettre en valeur les talents émergents internationaux, le député européen a récemment présenté «The Bliss of Conformity», une série de l’artiste chinois Guo Yingguang combinant photographie, vidéo, installation et livre, qui explore les mariages arrangés en Chine et la coexistence émotionnellement distante entre couples arrangés du point de vue abstrait et concret. A cette occasion, Simon Baker a aimablement répondu à nos questions.

Marine Cabos-Brullé: Comment avez-vous connu le paysage photographique en Chine?

Simon Baker de la Maison européenne de la photographie: Comme beaucoup de gens en dehors de la Chine, la première prise de conscience s’est faite par la publication, en voyant des livres photo d’artistes chinois. Aussi, lorsque j’ai travaillé à la Tate, j’ai travaillé sur l’acquisition de la collection de livres de Martin Parr; qui comprenait une grande collection de livres photo chinois, à la fois historiques et contemporains.

Comme presque toutes mes recherches, je sens que tout vient, d’une manière ou d’une autre, du monde des livres photo. C’est quelque chose de très fluide et émouvant, on trouve facilement de bons livres chinois à Tokyo, à Londres ou à Paris.

J’ai également visité la Chine pour la première fois il y a quelques années. J’ai été invité par Rong Rong à me rendre au Three Shadows Photography Art Center [三 影 堂 摄影 艺术 中心] à Pékin. Depuis, j’ai toujours été en contact avec lui, et j’ai toujours suivi ce qu’il faisait, collectant les livres qu’il publie.

La dernière fois que j’étais au Japon, j’ai aussi passé du temps avec Rong Rong et Inri à Kyoto, et j’apprécie vraiment ce qu’ils font; le Three Shadows Photography Award, par exemple, et c’est un contact très important pour moi.

J’ai fait partie du jury de leur prix il y a quelques années avec Thomas Ruff et Mika Ninagawa – un jury vraiment incroyable, ce fut une expérience très significative d’être à Pékin avec eux, et avec les gens qu’ils ont réussi à amener en Chine et J’ai été étonné par le niveau de travail qu’ils ont mis en avant dans leurs programmes d’exposition et d’édition. J’y ai vu les archives de Luo Bonian, à partir desquelles j’ai pu inclure des œuvres dans une exposition à la Tate. Rong Rong fait un travail incroyable.

Depuis, je suis également allé au Photofair de Shanghai, et ce qui est vraiment incroyable, c’est le public, il y avait environ 10 000 personnes par jour pendant trois ou quatre jours. Ce que vous pourriez dire, c’est que l’appétit pour la photographie en Chine est énorme, l’intérêt énorme, le succès du Photofair le confirme dans son attrait public.

Ensuite, à Paris, vous avez des gens qui ont une forte connexion et un intérêt pour la photographie en Chine. Mais je me considère vraiment comme en sachant très peu. Je ne parle pas chinois, je ne suis pas allé dans de nombreuses régions de Chine, donc mon intérêt pour cela est similaire à mon intérêt pour la photographie japonaise, qui en tant qu’étranger avec intérêt et curiosité, qui est très conscient de ses limites dans la langue et dans un contexte culturel.

MCB: Quelles sont les principales caractéristiques des jeunes photographes chinois?

SB de la Maison européenne de la photographie: Comme il y a 1,5 milliard de Chinois, il serait très insensé de généraliser. Disons que les photographes chinois qui ont attiré l’attention et qui ont obtenu du succès en dehors de la Chine sont souvent ces artistes qui ont des questions d’identité, ceux qui ont réalisé des œuvres sur la culture des jeunes, l’identité sexuelle, la politique de genre et des questions sociales plus larges à travers une sorte d’approche performative.

Dans le cas de Guo Yingguang, l’une de ses principales influences était Sophie Calle. Je pense que ce n’est pas par hasard qu’elle s’intéresse à la performance et aux attitudes radicales ou avant-gardistes face à la performance de l’identité et de la sexualité.

C’est vraiment fascinant parce que peut-être ce que cela nous dit, c’est quelque chose de très évident dans les écoles d’art en dehors de la Chine. La photographie a cessé d’être un ghetto, ou un club, pour les techniciens. Au contraire, elle a commencé à devenir quelque chose qui a un pouvoir énorme pour les personnes qui s’intéressent à ses marges. Sophie Calle n’est pas photographe mais elle utilise la photographie de manière très puissante.

Elle a adoré le spectacle de Guo Yingguang à Arles en 2018. Nous sommes allés ensemble et nous avons ensuite organisé leur rencontre. Je pense qu’il y a quelque chose dans la partie radicale de ce que fait Sophie Calle que vous pouvez voir dans l’œuvre de Yingguang. S’ils ont quelque chose en commun, ce serait la capacité d’utiliser la photographie et la performance pour faire des points assez simples mais néanmoins puissants de notre identité et de la performance de l’identité.

En faisant de la presse pour notre exposition Ren Hang, je me suis retrouvé à parler de Boris Mikhailov pour la même raison: Boris Mikhailov était un photographe qui a commencé sa carrière sous un régime totalitaire, et son attitude face à la performance a été créée en relation avec ces questions de bon comportement. et un mauvais comportement dans son contexte.

De même, Yingguang ne se conformait pas au soi-disant «bon comportement», debout dans le parc du mariage à Shanghai, où les personnes à la recherche d’un partenaire ne sont pas censées se tenir dans le parc elles-mêmes, elles sont censées laisser un signe, supposé ne pas être là. J’ai trouvé cela fascinant dans la vidéo de Yingguang quand vous avez ces gars qui disent «mais vous n’êtes pas censé être ici», comme si sa présence était une énorme menace pour le bon déroulement de ce processus.

L’utilisation des parcs par Ren Hang est également intéressante, car tout le monde est nu au milieu de la nuit. La question que Boris Mikhailov pose très bien est celle du bon comportement et de la performance des attentes sociales dans un contexte où l’on est censé se comporter d’une certaine manière. Puis toutes sortes de non-comportement, de comportement alternatif deviennent politiques de manière symbolique.
Peut-être que l’une des choses qui plaît à un public non chinois à propos de Ren Hang est qu’il se conforme à quelque chose que nous aimerions croire de nos pairs en Chine – qu’ils ne se comportent pas.

Ren Hang a dit quelque chose du genre « tout ce que je veux faire, c’est montrer que les Chinois ne sont pas des robots, qu’ils ont des bites et des chattes », remettant en question la perception en dehors de la Chine selon laquelle il s’agit d’une société très uniforme et conformiste où tout le monde étudie dur, se comporte,

Mais peut-être que ce que je dis pourrait aussi être un souhait romantique des conservateurs et experts occidentaux lorsque nous nous tournons vers la photographie en Chine. Nous nous identifions évidemment aux mauvais comportements des artistes chinois car cela correspond à quelque chose que nous souhaitons être vrai à propos de la Chine. Je ne suis pas sûr que ce ne soit pas également le cas.

MCB: Les œuvres exposées au Studio feront-elles partie de la collection permanente du MEP?

SB de la Maison européenne de la photographie: Nous ne demandons pas aux artistes du Studio de nous faire un don, en fait nous les payons pour leur collaboration et nous soutenons la production de l’œuvre. L’eurodéputé a pour principe que les coûts de production des spectacles sont remboursés d’une manière ou d’une autre lorsque cela est possible grâce à des dons, mais pour le Studio, les montants sont relativement modestes, nous ne demandons donc pas aux artistes en début de carrière qui n’ont probablement pas une grande indépendance financière.

Mais à l’eurodéputée on sent, je pense, que si la ville de Paris soutient la production d’œuvres d’art, alors elle ne devrait pas de cette manière aussi finir par financer les coûts de production d’une galerie commerciale pour les ventes. Nous essayons donc de conclure des accords avec des artistes qui ont une représentation importante pour une sorte de don.

Cependant, avec les artistes du Studio, nous essayons de les aider. Nous avons une édition limitée de tirages avec des artistes exposants au Studio, que nous vendons à la boutique. L’artiste reçoit 20 exemplaires de 100 exemplaires que nous vendons 100 €, mais ils peuvent les vendre à leur guise; nous préférons qu’ils décident par eux-mêmes.

Nous sommes également très désireux et fermes de rémunérer les artistes qui exposent dans le Studio. Des questions ont été soulevées récemment dans les médias pour savoir si les artistes sont payés dans différents festivals ou foires. Notre attitude est que les artistes émergents, les personnes qui ne gagnent pas beaucoup d’argent grâce à leur pratique, devraient être soutenus par leurs expositions. Bien que nous ne puissions pas nous permettre de les payer beaucoup, nous les payons.

MCB: Quel rôle jouent les livres photo dans la compréhension des pratiques photographiques?

SB de la Maison européenne de la photographie: Tout, pour moi, les foires et événements comme Offprint, Polycopies ou Cosmos-Arles sont aussi globaux que possible. Ils (les livres photo) contournent totalement le système des galeries, vous pouvez voir quelque chose qui a été pensé, qui a reçu le soutien de quelqu’un dans une certaine mesure, une sorte de révision éditoriale par les pairs comme on l’appelle dans le milieu universitaire.

C’est la meilleure façon de penser, pour bien comprendre l’intelligence ou la voix des photographes.
Si vous voyez quelques images en ligne, quelques photos à une foire sur un stand d’une galerie, il est très difficile de reconstituer quoi que ce soit sur la position de la personne qui l’a fait.

Quand vous voyez un livre, même s’il est très modeste comme un livre auto-publié, vous comprenez la séquence, le contexte et s’il y a un texte, vous pouvez le lire.

La première grande tentative d’explication de la photographie était un livre photo: «Le crayon de la nature» [compilé par le britannique William Henry Fox Talbot en 1844-1846]. Pour moi, cela ne cesse jamais d’être vrai.

Vous pouvez aller à une foire du livre, acheter des livres du monde entier et rentrer chez vous avec quelque chose du Mexique, d’Ukraine, de Chine, du Brésil. C’est un moyen de recherche très efficace, bien plus efficace – si on y pense – que d’aller à une foire d’art.

Parce que ce qu’une foire d’art vous dit, c’est qui peut se permettre d’y être. Mais un salon du livre est une chose différente, les ventes sont plus équitables, c’est un peu plus démocratique.

Le marché du livre photo est comme un marché de l’art mais sans argent, car vous n’avez pas besoin d’autant d’argent pour faire un livre que pour ouvrir une galerie, vous n’avez pas besoin d’investir autant, et le retour revient dans un autrement.

La plupart des éditeurs ne gagnent pas beaucoup d’argent en faisant des livres, mais ils sont très passionnés par ce sujet.

Alors que ce n’est pas toujours vrai pour les gens qui vendent de l’art, même si beaucoup de gens qui dirigent des galeries sont également passionnés par ce sujet, c’est une activité plus commerciale. La publication est une activité plus romantique [rires]. Eh bien, je suis sûr que vous pouvez aussi avoir des galeristes romantiques et des éditeurs non romantiques …

Au cours des dernières années, l’énorme croissance des salons du livre et de l’édition a été très agréable à voir. Quand j’étais à la Tate, j’ai invité Offprint à être à la Tate Modern. L’une des choses les plus gratifiantes, comme le disait mon ancienne patronne Frances Morris, est que: «c’est le week-end où le grand public parle directement aux artistes de leur travail.»

Pendant trois jours, sans payer, vous allez à table, et par exemple vous allez à La Maison de Z et il y a Zhen Shi qui pourrait vous parler d’un de ses livres d’artistes, mais elle pourrait aussi vous montrer son propre travail.

C’est une exposition individuelle non filtrée et sans intermédiaire à des artistes qui vous parlent du travail, vous passionnent, et à la fin, vous payez environ 30 € pour acheter quelque chose. Vous payez pour l’expérience, le livre est un bonus [rires].