Les Arènes de Nîmes : Un chef-d’œuvre architectural du monde romain

par Eric Canto | Mis à jour le 18/10/2024 | Publié le 24/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Découvrez les Arènes de Nîmes, cet amphithéâtre romain situé dans la ville de Nîmes, dans le Gard, qui a traversé les siècles et continue d’émerveiller par son architecture et son histoire. Dans cet article, nous vous invitons à explorer ce monument emblématique, ses origines, sa construction et son utilisation au fil des siècles.

Origines et construction des Arènes de Nîmes

Construites durant le Ier siècle après J.C, les Arènes de Nîmes témoignent de la grandeur et de l’influence du monde romain. À l’époque, la ville de Nîmes faisait partie de la province romaine de Gaule Narbonnaise et était un important centre commercial et culturel. La construction de cet amphithéâtre s’inscrit dans le développement urbain de la ville, marqué également par la présence d’autres monuments romains tels que la Maison Carrée ou encore la Tour Magne.

Architecture et dimensions des Arènes de Nîmes

L’amphithéâtre de Nîmes est considéré comme l’un des mieux conservés au monde. Il mesure 133 mètres de longueur, 101 mètres de largeur et possède une hauteur maximale de 21 mètres. De forme ovale, il pouvait accueillir environ 24 000 spectateurs répartis sur deux niveaux de gradins. Les Arènes de Nîmes sont composées de pierres calcaires locales et ont été conçues avec un système de voûtes et d’arcs qui assurent la stabilité et la solidité de l’ensemble.

Dans le souci du détail caractéristique de l’architecture romaine, les façades des Arènes sont ornées de sculptures et de bas-reliefs représentant notamment Neptune et Typhon, divinités marines dans la mythologie romaine. Leur disposition est organisée selon les ordres architecturaux dorique, ionique et corinthien, symboles de raffinement et d’harmonie.

Les Arènes de Nîmes à travers les siècles

L’utilisation des Arènes de Nîmes a évolué au fil des siècles en fonction des besoins et des influences culturelles successives. Découvrons quelques-unes des étapes importantes de cette histoire mouvementée.

Fonction originelle : amphithéâtre romain et spectacles antiques

À l’époque romaine, les Arènes de Nîmes avaient pour principale fonction d’accueillir des spectacles publics, tels que les combats de gladiateurs, les courses de chars ou encore des représentations théâtrales. Ces divertissements étaient organisés pour distraire et impressionner la population locale, mais aussi pour témoigner de la puissance et de la prospérité du monde romain.

Moyen Âge et Renaissance : forteresse et habitat

Au Moyen Âge, les Arènes de Nîmes ont été réutilisées comme forteresse par les seigneurs locaux pour protéger la population lors des conflits et des invasions barbares. Des tours fortifiées ont été ajoutées aux quatre angles de l’édifice afin d’assurer sa défense. À l’intérieur de l’amphithéâtre, des habitations ont été construites pour loger plus de 2 000 personnes. La vie quotidienne s’est alors organisée autour des commerces, des ateliers et des lieux de culte qui ont vu le jour au sein même des Arènes.

Cette période sombre a cependant entraîné une profonde dégradation du monument, qui sera progressivement abandonné dès le XVIe siècle avec la Renaissance et le rétablissement de l’autorité royale.

XIXe siècle : restauration et préservation du patrimoine

L’intérêt pour les vestiges du monde romain renaît au XIXe siècle, à l’image de l’écrivain français Victor Hugo qui célèbre la beauté des Arènes de Nîmes dans son ouvrage « Les Voix intérieures ». Les autorités françaises décident alors de lancer des travaux de restauration et de mise en valeur du monument. La première étape consiste à démanteler les habitations et les structures médiévales qui défiguraient l’architecture originelle des Arènes. Puis, des campagnes de fouilles archéologiques sont menées et several projets de restauration sont entrepris pour redonner leur magnificence aux Arènes de Nîmes.

Les Arènes de Nîmes aujourd’hui : entre histoire et spectacle

Actuellement, les Arènes de Nîmes témoignent de leur passé prestigieux tout en continuant d’accueillir des événements divers, faisant ainsi le lien entre l’histoire romaine et notre époque moderne. Parmi les manifestations les plus connues ayant lieu dans cet amphithéâtre, citons notamment :

• La Feria de Nîmes, célèbre fête taurine locale qui se déroule chaque année pendant la Pentecôte et la récolte du vin;
• Des corridas traditionnelles, perpétuant ainsi la dimension spectaculaire et combative des Arènes;
• Des concerts et festivals, comme les « Nuits Musicales » ou encore les « Grands Jeux Romains », reconstituions historiques mettant à l’honneur la culture antique;
• Des expositions temporaires et autres animations autour de l’histoire et de l’archéologie.

Ainsi, grâce aux efforts de préservation et de valorisation, les Arènes de Nîmes demeurent un témoin vibrant du patrimoine architectural et culturel du monde romain, permettant aux visiteurs du monde entier de plonger dans l’univers fascinant de cette période riche en découvertes et en émotions.

EN SAVOIR PLUS…La fascinante histoire des Arènes de Nîmes

Situées dans la ville française de Nîmes, dans le département du Gard, les Arènes de Nîmes sont un amphithéâtre romain édifié au I^er siècle après J.-C. Elles comptent parmi les mieux conservées au monde et témoignent encore aujourd’hui de l’incroyable ingéniosité des architectes de l’époque.

Un héritage architectural impressionnant

Bâties en 70 après J.-C., les Arènes de Nîmes étaient conçues pour accueillir entre 20 000 et 24 000 spectateurs lors de divers spectacles offerts aux habitants de la cité romaine. Grâce à leurs deux niveaux, soit 60 arcades chacun, elles mesurent 133 mètres de longueur pour 100 mètres de largeur. Il s’agit du monument public le plus grand de la ville, suivi de près par la Maison Carrée.

L’amphithéâtre romain

L’amphithéâtre ressemble fortement au Colisée de Rome. Il possède une arène elliptique entourée de gradins dont l’accès était réglementé selon la classe sociale du spectateur. L’arène centrale mesure 69 mètres de long sur 38 mètres de large et servait originellement aux combats de gladiateurs, aux courses de chars et aux chasses d’animaux sauvages. Ces spectacles étaient en effet très prisés par l’élite de l’époque.

La particularité des Arènes de Nîmes

Comme la plupart des amphithéâtres romains, les Arènes de Nîmes étaient dotées de dispositifs ingénieux pour optimiser tant le confort que l’acoustique. Parmi ces innovations : un système de galeries souterraines qui permettait une circulation fluide des spectateurs et des participants aux jeux de surface, ainsi qu’un mécanisme subterfuge composé de poulies et de cordages afin d’afficher en temps réel le déroulement des courses de chars à grand rayon d’action, ou encore les systèmes d’entrées secondaires pour faciliter la sortie des animaux sauvages au cours des représentations.

Les différentes fonctions du site au fil du temps

Au cours des siècles qui ont suivi la construction des Arènes, celles-ci sont passés successivement par différents usages :

1. En 475 après J.-C., les Arènes ont progressivement perdu leur fonction initiale due à l’interdiction du christianisme et se sont transformées en carrière ouverte ;
2. Au Moyen-Âge, elles ont servi d’hôtel fortifié, puis de base militaire à partir du XVII^e siècle pour protéger la ville contre les troupes étrangères;
3. Jusqu’au XIX^e= siècle, elles ont accueilli tournois médiévaux et fêtes foraines, avant d’être réinvesties pour leur usage originel à l’initiative de Prosper Mérimée et les premiers spectacles taurins voient le jour.
4. Depuis le XX^e siècle, elles sont utilisées également pour des événements culturels, comme des concerts ou spectacles en plein air.

La restauration et la valorisation des Arènes de Nîmes

Afin de préserver cet héritage patrimonial exceptionnel, les autorités compétentes ont entrepris dès le XIX^e siècle un travail de restauration conséquent. Des experts spécialistes dans le domaine classique sont régulièrement sollicités pour mener cette démarche dans le respect des règles de l’art.

Le programme de restauration actuel

Les travaux de restauration actuels ont débuté en 2010 et doivent s’étendre sur plusieurs années encore. Le périmètre couvert par ces interventions englobe :

• La consolidation et la rénovation des façades extérieures;
• Le remplacement total ou partiel de certaines pierres abimées;
• Le nettoyage des surfaces par des techniques douces pour préserver la patine du temps;
• La mise en valeur de l’amphithéâtre lui-même, ainsi que de ses annexes (tour médiévale, église Saint-Alexandre, etc.), grâce à des dispositifs muséographiques et d’expositions temporaires.

Les événements organisés aux Arènes de Nîmes

Le caractère unique et le patrimoine exceptionnel qui entoure les Arènes de Nîmes en font également un lieu prisé pour l’organisation d’événements culturels dans la ville. Parmi ceux-ci :

• Festival de Nîmes : une série de concerts souvent attendus avec impatience par les amateurs de musique française et internationale;
• Les Grands Jeux Romains : cette importante reconstitution historique rassemble chaque année des milliers de participants venus du monde entier pour revivre les combats de gladiateurs ou les courses de chars rendues célèbres à travers le monde;
• Expositions temporaires : sur des thèmes liés à l’histoire romaine, elles offrent au public l’occasion de découvrir des objets et documents rares prêtés par plusieurs musées nationaux ou étrangers.

L’impact économique et touristique des Arènes de Nîmes

La visite des prestigieuses Arènes constitue une étape incontournable lors d’un séjour touristique dans le sud de la France, notamment en Languedoc-Roussillon. Classées monument historique depuis 1840, elles attirent chaque année près d’un million de visiteurs et génèrent ainsi d’importantes retombées économiques pour la ville et ses alentours, contribuant grandement à la dynamisation de la région.

Les Arènes de Nîmes

C’est dans ce lieu magique, empreint d’histoire, que de nombreux artistes et groupes prennent plaisir à venir se produire pour des spectacles culturels et festifs où se pressent un public local et international, notamment lors d’un festival bien connu le Festival de Nîmes. 

Où se situent les Arènes de Nîmes ?

Joyau de la Romanité, cet amphithéâtre est situé au cœur de la commune de Nîmes ou Nemausus, citée prospère sous l’Empire Romain, aujourd’hui préfecture du département du Gard, en Occitanie, dans le sud de la France. Nîmes, avant-poste important au temps de l’Empire romain, est connue pour ses monuments bien conservés, comme la Maison Carrée, La Tour Magne ou encore le Temple de Diane.

Cet amphithéâtre conçu pour le spectacle et communément appelé « Arènes de Nîmes » ; de part son origine latine « arena » qui signifie aire de sable où se déroulent les courses ;  fait partie des plus grands amphithéâtres de la Gaule Romaine les mieux conservés du monde antique.  

Qui a construit les Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes, pensées sur le modèle du Colisée à Rome, ont été construites vers 100 après J.C sous le règne de l’Empereur Auguste. Toujours en usage pour des concerts, des représentations théâtrales, des manifestations sportives et des corridas pendant les férias, cet édifice a été bâti à l’époque romaine pour accueillir des spectacles de gladiateurs qui aujourd’hui revivent au travers de ludi (jeux du cirque) reconstitués chaque année, fin avril, lors des Grands Jeux Romains.

Cette ellipse mesure 133 mètres de long sur 101 mètres de large. Les Arènes de Nîmes possèdent une piste centrale ovale de 68 mètres de long sur 38 mètres de large. La corniche sommitale est située à 21 mètres de haut. Sa forme permet donc d’éviter tout angle mort quelque soit la place occupée et d’avoir une vue incroyable de l’ensemble, en plein air.

Réparties sur 2 étages, 120 arcades sont séparées par 60 colonnes surmontées de blocs en saillie, percés et destinés à recevoir un mat afin d’y tendre des câbles soutenant un Velum (voile immense) protégeant les spectateurs du soleil. 

A l’intérieur des Arènes de Nîmes, le système de galeries et d’escaliers, appelés « vomitoires », a été pensé pour éviter les bousculades et faciliter la circulation. Le système architectural permet ainsi de vider l’édifice en un temps record et en toute sécurité.

Combien de places aux Arènes de Nîmes ?

A l’époque Romaine, les Arènes de Nîmes pouvaient accueillir 24 000 spectateurs, sur 34 rangées de gradins réparties en 4 zones. Chaque zone était réservée à une catégorie sociale. Les plus hauts placés socialement étaient placés le plus bas dans les arènes, c’est-à-dire au plus prés du spectacle.

Aujourd’hui la capacité d’accueil a été réduite puisque des rangées de gradins ont été détruites. Les Arènes de Nîmes peuvent accueillir près de 13 800 spectateurs en position assise. 

Quelles sont les meilleures places aux Arènes de Nîmes ?

Quelque soit votre emplacement, la vue sera magnifique, mais plus vous serez placés dans le bas des gradins, plus vous serez proches de(s) artiste(s). En définitive, ceux qui souhaitent profiter du concert en étant à quelques mètres de la scène, avec un certain confort, optez pour la catégorie 1 ou  carrément le carré Or.

Pour ceux qui veulent vivre une expérience plus intense, au cœur de l’ambiance, assez proches de la scène, et emportés par la foule, optez pour la fosse c’est-à-dire débout (catégorie 3). Attention pour certains spectacles, les places assises occupent la fosse. Dans ce cas vous aurez accès à 2 catégories en fosse : carrée or (tout devant) ou catégorie 1.

Si vos moyens sont plus limités et que vous ne souhaitez pas vous mêler à l’euphorie de la fosse, choisissez une vos places dites « en général » avec placement libre ou en catégorie 2 (places choisies). Elles seront situées aux points les plus hauts. 

Enfin, à éviter si vous ne voulez pas louper une miette du show et que vous êtes sensibles aux ondes sonores, la catégorie 4. Ces places sont en fait des sièges situés sur le côté de la scène, à la même hauteur que les places en catégorie 1. Vous serez certes bien placés mais la visibilité ne sera pas optimisée. Et équipez vous de bouchons d’oreille ou d’un casque car niveau décibels vous serez servis.

Peut on visiter les Arènes de Nîmes ?

Même si les Arènes de Nîmes sont classées aux monuments historiques, elles ne sont pas inscrites au patrimoine mondial de l’Unesco. Depuis qu’Edeis a repris la gestion en 2021 en délégation de service public, une nouvelle visite est proposée aux touristes avec un audio-guide en sept langues, des panneaux pédagogiques ainsi que des espaces muséographiques. 

Il est donc possible grâce aux nouvelles technologies et à la bonne conservation du lieu, de se plonger à l’époque de nos ancêtres les romains. 

Les arènes de Nîmes sont ouvertes tous les jours sur des amplitudes horaires allant de 9h à 20h selon les saisons et les périodes de l’année. La visite des arènes n’est toutefois pas autorisée lors des fêtes, spectacles et férias. Il est facile de stationner puisque des parkings souterrains sont situés tout autour du site et dès la Gare Feuchères, située à quelques dizaines de mètres de l’édifice.

Le festival de Nîmes: le festival des  les Arènes de Nîmes

Le Festival de Nîmes est un événement annuel de musique qui se déroule dans la ville de Nîmes, dans le sud de la France. Depuis sa création en 1997, il est devenu l’un des événements musicaux les plus importants de la région, attirant des milliers de visiteurs chaque année.

Le festival se déroule chaque été, généralement en juin et juillet, dans l’amphithéâtre romain de Nîmes, qui est l’un des plus grands et des mieux préservés de l’Antiquité. L’amphithéâtre peut accueillir jusqu’à 16 000 spectateurs et offre une expérience de concert unique avec ses gradins en pierre et son acoustique exceptionnelle.

Au fil des ans, le Festival de Nîmes a accueilli de nombreux artistes de renommée internationale, tels que Bob Dylan, Sting, Elton John, Muse, Metallica, Coldplay, Depeche Mode et bien d’autres. Les concerts sont généralement organisés sur plusieurs jours et offrent une variété de styles musicaux, allant du rock et du pop au reggae, à l’électro et à la musique du monde.

Outre les concerts dans l’amphithéâtre romain, le festival propose également des spectacles dans d’autres lieux de la ville, tels que la Maison Carrée et la Tour Magne. Il y a également une foire aux vins qui propose des dégustations de vins locaux et régionaux ainsi que des produits artisanaux.

Le Festival de Nîmes est une occasion unique de découvrir la beauté de l’amphithéâtre romain tout en profitant de la musique live de certains des artistes les plus célèbres au monde. C’est un événement incontournable pour les amateurs de musique et les passionnés d’histoire et de culture romaine. Si vous envisagez de vous rendre à Nîmes pour le festival, il est recommandé de réserver vos billets et votre hébergement à l’avance car les places sont souvent limitées et se vendent rapidement.

FAQ sur les Arènes de Nîmes

1. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes ?

La capacité des Arènes de Nîmes varie en fonction des événements organisés. Lors de spectacles et concerts, l’amphithéâtre peut accueillir environ 13 000 spectateurs. Cependant, en configuration historique pour les jeux romains, la capacité des Arènes de Nîmes était estimée à environ 24 000 personnes, ce qui montre l’ampleur de cet édifice romain.

2. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes pour les concerts ?

Lors des concerts, la capacité des Arènes de Nîmes est légèrement réduite par rapport à sa capacité historique. Selon la configuration scénique et les dispositions de sécurité, l’arène peut accueillir jusqu’à 13 000 personnes, assurant une ambiance intime malgré la grandeur de l’espace.

3. Quelles sont les meilleures places aux Arènes de Nîmes ?

Les meilleures places aux Arènes de Nîmes pour assister à un concert ou un spectacle dépendent de vos préférences. Pour une vue panoramique, les places situées au sommet de l’amphithéâtre offrent une vision globale de l’arène. Si vous préférez être plus proche de l’action, les places situées au niveau des gradins inférieurs sont idéales. Les places VIP ou de catégorie supérieure, généralement situées au centre, sont aussi très prisées pour leur proximité avec la scène.

4. Combien de places y a-t-il aux Arènes de Nîmes ?

En fonction de la configuration, le nombre de places aux Arènes de Nîmes peut varier. En version concert ou spectacle moderne, la capacité est d’environ 13 000 places. En version historique, lors des spectacles de gladiateurs ou d’événements sportifs dans l’Antiquité, elle pouvait atteindre près de 24 000 places.

5. Quelle est la hauteur des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes mesurent environ 21 mètres de hauteur. Cet édifice monumental, construit au 1er siècle après J.-C., impressionne par ses proportions et la qualité de sa préservation. La structure comporte deux étages d’arcades et une série de galeries internes permettant la circulation des spectateurs.

6. Comment est organisé le plan des places pour les concerts aux Arènes de Nîmes ?

Le plan des places pour les concerts aux Arènes de Nîmes est généralement divisé en plusieurs catégories. Les places les plus proches de la scène se situent dans la zone centrale de l’arène, suivies par les gradins inférieurs, puis les gradins supérieurs. Ce système permet à chaque spectateur de bénéficier d’une excellente vue, tout en tenant compte de la configuration historique des lieux.

7. À quoi servaient les Arènes de Nîmes à l’époque romaine ?

À l’époque romaine, les Arènes de Nîmes servaient principalement à accueillir des spectacles de gladiateurs, des combats d’animaux et d’autres événements publics. Construites au 1er siècle après J.-C., elles représentaient un centre majeur de divertissement pour la population de l’époque, un peu comme les stades de football aujourd’hui.

8. Quel est le nombre de places disponibles aux Arènes de Nîmes pour les événements modernes ?

Le nombre de places disponibles aux Arènes de Nîmes pour les événements modernes, tels que des concerts, des festivals ou des spectacles, est d’environ 13 000. Cette capacité est optimisée pour garantir le confort et la sécurité des spectateurs tout en conservant l’authenticité du lieu.

9. Quel est le plan des Arènes de Nîmes pour les concerts ?

Le plan des Arènes de Nîmes lors des concerts varie en fonction de l’événement, mais il est généralement organisé en trois zones principales :

• La fosse : située directement devant la scène pour les spectateurs souhaitant être au plus près de l’action.
• Les gradins inférieurs : offrant une excellente vue sur la scène tout en étant légèrement surélevés.
• Les gradins supérieurs : idéals pour une vue d’ensemble et pour les personnes préférant une vision panoramique.

10. Quelle est l’histoire des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes, construites à la fin du 1er siècle après J.-C., sont l’un des amphithéâtres romains les mieux préservés au monde. Leur architecture est inspirée du Colisée de Rome, mais avec des dimensions plus modestes. Au fil des siècles, elles ont servi à de multiples usages, allant des spectacles de gladiateurs à la forteresse médiévale, et aujourd’hui, elles accueillent des concerts et des événements culturels majeurs.

11. Combien de places étaient disponibles dans les Arènes de Nîmes à l’époque romaine ?

À l’époque romaine, la capacité des Arènes de Nîmes était d’environ 24 000 places. L’amphithéâtre pouvait accueillir une grande partie de la population de Nîmes et des environs, pour des spectacles de gladiateurs et d’autres événements publics.

12. Comment accéder aux meilleures places dans les Arènes de Nîmes ?

Pour accéder aux meilleures places des Arènes de Nîmes, il est conseillé de réserver tôt, notamment pour les événements très populaires. Les places situées au centre de l’arène ou dans les gradins inférieurs sont généralement les plus recherchées pour leur proximité avec la scène et leur excellente vue.

13. Quelle est la capacité des Arènes de Nîmes en fonction des événements ?

La capacité des Arènes de Nîmes varie en fonction du type d’événement. Pour les concerts et spectacles, elle est d’environ 13 000 places, tandis qu’à l’époque romaine, elle pouvait atteindre 24 000 personnes lors des combats de gladiateurs et autres spectacles publics.

14. Pourquoi visiter les Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes sont un monument incontournable pour quiconque s’intéresse à l’histoire romaine et à l’architecture ancienne. Non seulement elles sont parfaitement conservées, mais elles continuent de vivre aujourd’hui grâce aux événements culturels qui y sont organisés. C’est un mélange parfait entre histoire et modernité, qui vous permet de marcher dans les pas des spectateurs romains tout en assistant à des concerts de légendes du rock ou de la musique classique.

15. Quelle est l’importance historique des Arènes de Nîmes ?

Les Arènes de Nîmes représentent un témoignage exceptionnel de l’ingéniosité romaine en matière d’architecture et de divertissement public. Elles ont survécu à des millénaires d’histoire, servant à la fois de stade, de forteresse, et aujourd’hui de salle de spectacle moderne. Leur importance historique réside dans leur capacité à avoir traversé les âges tout en restant un centre de vie culturelle, faisant le lien entre le passé glorieux de la civilisation romaine et notre époque contemporaine.

THE CURE CONCERT & HiSTOIRE DEPUIS 1979

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

THE CURE concert & histoire : De tous les groupes qui ont émergé immédiatement après le punk rock à la fin des années 70, peu étaient aussi durables et populaires que The Cure.

Dirigé à travers de nombreuses incarnations par le guitariste/chanteur Robert Smith (né le 21 avril 1959), le groupe est devenu célèbre pour ses chants lents et sombres et Smith, l’apparence macabre de Cure, une image publique qui cachait souvent la diversité de la musique de The Cure.

The cure concert

Au début, The Cure jouait des chansons pop irrégulières et énervées avant d’évoluer lentement vers une tenue plus texturée. En tant que l’un des groupes qui a jeté les bases du rock gothique, le groupe a créé d’imposantes couches de guitares et de synthétiseurs, mais au moment où le goth s’est imposé au milieu des années 80, The Cure s’était éloigné du genre.

À la fin des années 80, le groupe était entré dans le courant dominant non seulement dans son Angleterre natale, mais aussi aux États-Unis et dans diverses parties de l’Europe.

The Cure est resté un attrait populaire pour les concerts et un vendeur de disques fiable tout au long des années 90, et leur influence pouvait être clairement entendue sur des dizaines de nouveaux groupes au cours du nouveau millénaire, dont beaucoup n’avaient pas grand-chose à voir avec le gothique.

Initialement appelé Easy Cure, le groupe a été formé en 1976 par des camarades de classe Smith (chant, guitare), Michael Dempsey (basse) et Laurence « Lol » Tolhurst (batterie). Initialement, le groupe s’est spécialisé dans la guitare pop sombre et nerveuse avec des paroles pseudo-littéraires, comme en témoigne le « Killing an Arab » inspiré d’ Albert Camus .

The cure concert

Une cassette démo avec « Killing an Arab » est arrivée entre les mains de Chris Parry , un représentant A&R chez Polydor Records; au moment où il a reçu la cassette, le nom du groupe avait été tronqué à The Cure.

Parry a été impressionné par la chanson et a arrangé sa sortie sur le label indépendant Small Wonder en décembre 1978.Parry a quitté Polydor pour former son propre label, Fiction, et The Cure a été l’un des premiers groupes à signer avec le label parvenu. « Killing an Arab » est ensuite réédité en février 1979, et The Cure entame sa première tournée en Angleterre.

 THE CURE : Three Imaginary Boys

Le premier album de The Cure, Three Imaginary Boys , est sorti en mai 1979 avec des critiques positives dans la presse musicale britannique. Plus tard cette année-là, le groupe a sorti les singles non LP « Boys Don’t Cry » et « Jumping Someone Else’s Train ».

Cette même année, The Cure se lance dans une grande tournée avec Siouxsie and the Banshees . Pendant la tournée, le guitariste des Banshees , John McKay , quitte le groupe, et Smith a remplacé le musicien disparu. Pendant la décennie suivante, Smith collaborera fréquemment avec des membres des Banshees .

 THE CURE : Seventee seconds

Fin 1979, The Cure sort un single,  » I’m a Cult Hero « , sous le nom de Cult Heroes. Suite à la sortie du single, Dempsey quitte le groupe pour rejoindre les Associates ; il est remplacé par Simon Gallup au début des années 1980.

Parallèlement, The Cure s’adjoint un claviériste, Mathieu Hartley , et boucle la production du deuxième album du groupe, Seventeen Seconds ., qui a été publié au printemps 1980.

L’ajout d’un claviériste a élargi le son du groupe, qui était désormais plus expérimental et embrassait souvent des chants lents et sombres. Néanmoins, le groupe écrivait toujours des accroches pop, comme en témoigne le premier single à succès britannique du groupe, « A Forest », qui a culminé au numéro 31. Après la sortie de Seventeen Seconds , The Cure a lancé sa première tournée mondiale.

Après l’étape australienne de la tournée, Hartley a quitté la formation et ses anciens camarades du groupe ont choisi de continuer sans lui, sortant leur troisième album en 1981 ( Faith ) et le regardant culminer au numéro 14 dans les charts. Faith a également engendré le single à succès mineur « Primary ». Le quatrième album de The Cure, le doom-laden,, est sorti peu de temps après en 1982.

Pornography a encore élargi son public culte et a percé le Top Ten britannique. Une fois la tournée Pornography terminée, Gallup a quitté le groupe et Tolhurst est passé de la batterie aux claviers. Fin 1982, The Cure sort un nouveau single, le « Let’s Go to Bed » teinté de danse.

 THE CURE : Hyaena

Smith a consacré la majeure partie du début de 1983 à Siouxsie and the Banshees , enregistrant l’ album Hyaena avec le groupe et apparaissant en tant que guitariste du groupe lors de la tournée d’accompagnement de l’album.

Cette même année, Smith forme également un groupe avec le bassiste des Banshees Steve Severin ; après avoir adopté le nom The Glove , le groupe sort son unique album, Blue Sunshine . À la fin de l’été 1983, une nouvelle version de The Cure – mettant en vedette Smith , Tolhurst , le batteur Andy Anderson et le bassiste Phil Thornalley– avait composé et enregistré un nouveau single, un morceau enjoué nommé « The Lovecats ».

La chanson est sortie à l’automne 1983 et est devenue le plus grand succès du groupe à ce jour, culminant à la septième place des charts britanniques. La nouvelle formation de The Cure a sorti The Top en 1984. Malgré les penchants pop du hit numéro 14 « The Caterpillar », The Top était un retour aux paysages sonores sombres de la pornographie .

Au cours de la tournée mondiale soutenant The Top , Anderson a été renvoyé du groupe. Au début de 1985, après la fin de la tournée, Thornalley quitte le groupe. The Cure a réorganisé sa formation après son départ, ajoutant le batteur Boris Williams et le guitariste Porl Thompson; Gallup revient à la basse.

 THE CURE : The head on the door

Plus tard en 1985, The Cure sort son sixième album, The Head on the Door . L’album était le disque le plus concis et orienté pop que le groupe ait jamais sorti, ce qui a contribué à l’envoyer dans le Top Ten britannique et au numéro 59 aux États-Unis, la première fois que le groupe avait battu l’American Hot 100.

« In Between Days  » et  » Close to Me  » – tous deux tirés de The Head on the Door – sont devenus des succès britanniques importants, ainsi que des succès populaires de la radio underground et universitaire aux États-Unis.

 THE CURE : Kiss me, kiss me,kiss me

The Cure a suivi le succès retentissant de The Head on the Door en 1986 avec la compilation Standing on a Beach : The Singles. Standing on a Beach a atteint la quatrième place au Royaume-Uni, mais plus important encore, il a établi le groupe comme un groupe culte majeur aux États-Unis; l’album a culminé au numéro 48 et est devenu or en un an. En bref, Standing on a Beach a préparé le terrain pour le double album de 1987 Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me .

the cure concert

L’album était éclectique mais c’était un succès, engendrant quatre singles à succès au Royaume-Uni (« Why Can’t I Be You », « Catch », « Just Like Heaven », « Hot Hot Hot !!! ») et le groupe premier hit américain du Top 40, « Just Like Heaven ». Après la tournée de soutien pour Kiss Me,, l’activité du Curé s’est ralentie.

Avant que The Cure ne commence à travailler sur leur nouvel album au début de 1988, le groupe a renvoyé Tolhurst , affirmant que les relations entre lui et le reste du groupe avaient été irrévocablement endommagées.

Tolhurst allait bientôt intenter une action en justice, affirmant que son rôle dans le groupe était plus important que celui indiqué dans son contrat et, par conséquent, il méritait plus d’argent.

 THE CURE : Désintégration

Entre-temps, The Cure a remplacé Tolhurst par l’ancien claviériste de Psychedelic Furs Roger O’Donnell et a enregistré leur huitième album, Disintegration . Sorti au printemps 1989, l’album était plus mélancolique que son prédécesseur, mais ce fut un succès immédiat, atteignant le numéro trois au Royaume-Uni et le numéro 14 aux États-Unis, et engendrant une série de singles à succès.

 » Lullaby  » est devenu le plus grand succès britannique du groupe au printemps 1989, culminant au numéro cinq. À la fin de l’été, le groupe a eu son plus grand succès américain avec « Love Song », qui a grimpé au numéro deux. Sur la désintégrationtournée, The Cure a commencé à jouer dans des stades à travers les États-Unis et le Royaume-Uni.

À l’automne 1990, The Cure a sorti Mixed Up , une collection de remixes comprenant un nouveau single, « Never Enough ». Après la tournée Disintegration , O’Donnell a quitté le groupe et The Cure l’a remplacé par leur roadie, Perry Bamonte . Au printemps 1992, le groupe sort Wish .

Comme Disintegration , Wish a été un succès immédiat, entrant dans les charts britanniques au numéro un et les charts américains au numéro deux, ainsi que le lancement des singles à succès « High » et « Friday I’m in Love ».

The Cure s’est lancé dans une autre tournée internationale après la sortie de Wish. Un concert, joué à Detroit, a été documenté sur un film intitulé Show et sur deux albums, Show et Paris . Le film et les albums sont sortis en 1993.

 THE CURE : Wild Mood Swings

Thompson a quitté le groupe en 1993 pour rejoindre le groupe de Jimmy Page et Robert Plant . Après son départ, O’Donnell a rejoint la formation en tant que claviériste et Bamonte est passé des fonctions de synthétiseur à la guitare. Pendant la majeure partie de 1993 et ​​au début de 1994, les Cure ont été écartés par un procès en cours de Tolhurst , qui revendiquait la copropriété du nom du groupe et cherchait également à restructurer ses paiements de redevances.

Un règlement (décision en faveur du groupe) est finalement arrivé à l’automne 1994, et les Cure se sont concentrés sur la tâche à accomplir : enregistrer un album de suivi de Wish .

Cependant, le batteur Boris Williams démissionner juste au moment où le groupe se préparait à commencer le processus d’enregistrement. Le groupe a recruté un nouveau percussionniste grâce à des annonces dans les journaux musicaux britanniques; au printemps 1995, Jason Cooper avait remplacé Williams .

Tout au long de 1995, The Cure a enregistré son dixième album studio proprement dit, s’arrêtant pour effectuer une poignée de festivals de musique européens en été. L’album, intitulé Wild Mood Swings , sort finalement au printemps 1996, précédé du single « The 13th ».

 THE CURE : Galore

Une combinaison de morceaux pop et de moments plus sombres à la hauteur de son titre, Wild Mood Swings a reçu un accueil mitigé critique et commercial, ralentissant mais n’arrêtant pas l’élan acquis par Wish .

Galore , la deuxième collection de singles de The Cure axée sur les succès du groupe depuis Standing on a Beach, est apparue en 1997 et a présenté la nouvelle chanson « Wrong Number ».

The Cure a passé les années suivantes tranquillement – ​​donnant une chanson à la bande originale de X-Files, Robert Smith apparaissant dans un épisode mémorable de South Park – réapparaissant en 2000 avec Bloodflowers, leur dernier album de matériel original, pour Fiction.

Conçu comme le dernier volet d’une trilogie gothique lourde qui remontait jusqu’à la pornographie et incluait la désintégration , Bloodflowers a été bien accueilli et un succès respectable, remportant une nomination aux Grammy Awards pour le meilleur album de musique alternative.

L’année suivante, The Cure a conclu son contrat avec Fiction avec Greatest Hits , qui a également été accompagné d’une sortie DVD de leurs vidéos les plus populaires. En 2002, ils ont passé du temps sur la route, terminant leur tournée par une aventure de trois nuits à Berlin, où ils ont joué chaque album de leur « trilogie gothique » une nuit différente.

l’événement a été documenté sur la sortie vidéo à domicile Trilogy.

The cure & GEFFEN Records

The Cure signe un contrat international avec Geffen Records en 2003 puis lance une vaste campagne de réédition en 2004 avec le coffret de raretés Join the Dots : B-Sides & Rarities, 1978-2001 (The Fiction Years) ; des éditions étendues à double disque de leurs premiers albums ont rapidement suivi.

Toujours en 2004, le groupe sort son premier album pour Geffen, un effort éponyme enregistré en direct en studio. Plus lourd mais pas nécessairement plus dur – et certainement pas plus sombre que Bloodflowers – The Curea été en partie conçu pour plaire à un public plus jeune familier avec The Cure grâce à leur influence sur une nouvelle génération de groupes, dont beaucoup ont été présentés en première partie de la tournée de soutien du groupe pour l’album.

The Cure a subi un autre changement de composition en 2005, lorsque Bamonte et O’Donnell ont quitté le groupe et que Porl Thompson est revenu pour son troisième passage.

Cette nouvelle formation sans clavier a fait ses débuts en 2005 en tant que tête d’affiche du concert-bénéfice Live 8 Paris, puis s’est dirigée sur le circuit des festivals d’été, dont les temps forts ont été capturés sur la sortie DVD 2006 Festival 2005. The Cure est apparu dans divers festivals au cours des deux années suivantes, jouant une tournée européenne plus étendue au début de 2008, alors qu’ils terminaient leur 13e album.

Conçu à l’origine comme un double album, le disque a été divisé en deux avant sa sortie, avec le matériel plus léger et plus pop sorti en premier sous le nom de 4:13 Dream en octobre 2008. Après une pause de trois ans, le groupe est revenu sur le circuit live avec leur tournée « Reflections » – qui démarre en Australie et voit le retour du batteur et claviériste original Lol Tolhurst après environ 22 ans – qui a vu le groupe jouer ses trois premiers albums, Three Imaginary Boys , Seventeen Seconds et Faith, dans leur intégralité.

Un titre principal de 150 minutes couvrant toute la carrière au Bestival de 2011 sur l’île de Wight a été enregistré et sorti la même année et le groupe a continué à tourner tout au long de 2012 et 2013 avec des spectacles de festivals en Europe et en Amérique du Nord et des spectacles phares en Amérique latine.

Début 2014, Smith a annoncé qu’il sortirait la suite de 4:13 Dream plus tard en 2014, et qu’il poursuivrait également sa tournée « Reflections » avec une autre série d’albums complets, cette fois en interprétant The Top , The Head on the Door , et Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me dans leur intégralité.

FAQ The Cure

1. Qui est The Cure ?

Réponse : The Cure est un groupe de rock britannique formé en 1976 par Robert Smith, Michael Dempsey et Lol Tolhurst. Le groupe est connu pour son style musical sombre et mélancolique, ainsi que pour l’apparence excentrique de ses membres.

2. Quelle est la carrière de The Cure ?

Réponse : The Cure a sorti son premier album en 1979, intitulé « Three Imaginary Boys ». Depuis lors, le groupe a sorti 13 albums studio, ainsi que de nombreux singles et compilations. Le groupe est également connu pour ses performances en direct, qui sont souvent accompagnées d’un éclairage et d’une scénographie spectaculaires.

3. Quel est le style musical de The Cure ?

Réponse : Le style musical de The Cure est souvent décrit comme étant du rock gothique, bien que le groupe ait exploré différents genres tout au long de sa carrière, notamment la new wave, le post-punk et le pop rock. Le son distinctif du groupe est caractérisé par la guitare mélancolique de Robert Smith et les textes introspectifs.

4. Quels sont les plus grands succès de The Cure ?

Réponse : The Cure a connu de nombreux succès tout au long de sa carrière, mais certains de ses plus grands hits incluent « Boys Don’t Cry », « Just Like Heaven », « Lovesong », « Friday I’m in Love », et « Pictures of You ».

5. Quel est l’album le plus vendu de The Cure ?

Réponse : L’album le plus vendu de The Cure est « Disintegration », sorti en 1989. L’album a été certifié double platine aux États-Unis et a été salué par la critique pour son atmosphère sombre et sa production élaborée.

6. Quel est le lien entre The Cure et le cinéma ?

Réponse : La musique de The Cure a été utilisée dans de nombreux films, notamment dans « Le Journal de Bridget Jones », « Le Labyrinthe de Pan », et « 500 jours ensemble ». Le groupe a également enregistré des chansons pour plusieurs films, notamment « The Crow » et « Batman Forever ».

7. Quelles sont les influences musicales de The Cure ?

Réponse : Les influences musicales de The Cure sont variées et incluent des groupes tels que Joy Division, Siouxsie and the Banshees, The Velvet Underground, et David Bowie. Le groupe a également été influencé par la musique classique et la musique électronique.

8. Quel est l’héritage de The Cure dans l’industrie musicale ?

Réponse : L’héritage de The Cure dans l’industrie musicale est considérable. Le groupe est considéré comme l’un des pionniers du rock gothique et a influencé de nombreux groupes dans ce genre. The Cure est également connu pour avoir innové dans la production musicale, en utilisant des techniques d’enregistrement avancées pour créer des atmosphères sonores uniques.

9. Quel est le statut actuel de The Cure ?

Réponse : The Cure est toujours actif et continue de tourner et de sortir de la musique. Le groupe a effectué sa dernière tournée en 2019 et a déclaré qu’il travaillait sur un nouvel album. Robert Smith, le leader de The Cure, a également déclaré qu’il avait de nombreuses idées pour l’avenir du groupe.

10. Qu’est-ce qui fait la renommée de The Cure ?

Réponse : La renommée de The Cure est due à son style musical unique, qui a influencé de nombreux autres artistes, ainsi qu’à son apparence excentrique et à ses performances en direct spectaculaires. Le groupe est également connu pour ses paroles introspectives et ses thèmes sombres, qui ont touché de nombreux fans à travers le monde.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Slash, l’icône du rock qui a redéfini la guitare électrique

par Eric Canto | Mis à jour le 01/10/2024 | Publié le 03/11/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Vous avez déjà entendu parler de Slash. Si vous aimez le rock, vous connaissez sans doute ses solos endiablés, ses riffs reconnaissables entre mille, et ce look emblématique : un chapeau haut de forme, des lunettes noires, et une Gibson Les Paul qu’il manie comme personne. Slash, c’est la définition même du guitar hero, celui qui a marqué des générations entières avec des morceaux qui résonnent encore aujourd’hui.

Né Saul Hudson à Londres en 1965, Slash est devenu le guitariste principal des légendaires Guns N’ Roses dans les années 80. Mais son influence va bien au-delà d’un groupe. Slash a contribué à la renaissance du rock, un genre en pleine évolution à l’époque. Entre sa technique incroyable et son sens inné de la mélodie, il est devenu une figure incontournable du paysage musical.

Alors, qu’est-ce qui rend Slash si spécial ? Pourquoi est-il considéré comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps ? Plongeons ensemble dans l’univers d’un homme qui a littéralement écrit l’histoire du rock’n’roll avec ses solos de guitare.

 

I. Les débuts de Slash : d’un enfant de Londres à une légende du rock

1.1 Une enfance bercée par la musique

Slash n’était pas destiné à devenir une légende du rock. Né à Stoke-on-Trent, en Angleterre, en 1965, il est le fils d’un artiste anglais et d’une créatrice de costumes américaine qui a travaillé pour des stars comme David Bowie. À seulement 5 ans, Slash déménage avec sa mère à Los Angeles, une ville qui allait bientôt devenir le terrain de jeu de sa carrière.

• Un environnement créatif : Dès son plus jeune âge, Slash a été plongé dans le monde de la création artistique. Sa mère travaillait pour des stars du rock, ce qui lui a permis d’être en contact avec des musiciens et des artistes dès son plus jeune âge. Cette immersion dans la musique et la créativité a fortement influencé son avenir.
• L’appel de la guitare : À 14 ans, Slash découvre la guitare grâce à un ami, et là, tout change. Il se consacre corps et âme à l’apprentissage de l’instrument, pratiquant des heures chaque jour, jusqu’à développer son style si unique. Il cite des artistes comme Eric Clapton, Jimi Hendrix, et Jimmy Page comme ses plus grandes influences.

1.2 La rencontre avec Guns N’ Roses

Le destin de Slash change radicalement lorsqu’il rencontre Axl Rose, Izzy Stradlin, Duff McKagan, et Steven Adler. Ensemble, ils forment les Guns N’ Roses en 1985, un groupe qui va révolutionner la scène rock.

• Des débuts modestes : Les Guns N’ Roses commencent à se produire dans des clubs de Los Angeles, attirant rapidement l’attention avec leur mélange explosif de punk, rock et blues. Leurs concerts sont sauvages, bruts, et chargés d’énergie.
• L’ascension fulgurante : Leur premier album, Appetite for Destruction, sorti en 1987, devient un véritable phénomène. Des titres comme « Sweet Child O’ Mine« , « Welcome to the Jungle« , et « Paradise City » propulsent le groupe au rang de légende. Slash, avec ses solos enflammés et son style unique, devient rapidement une star.

 

 

Slash guitariste

II. Le style unique de Slash : entre blues et riffs percutants

2.1 Une technique reconnaissable parmi toutes

Slash est souvent considéré comme un guitariste aux racines blues, mais capable d’ajouter une touche rock moderne qui rend chaque morceau mémorable. Sa technique repose sur plusieurs éléments clés qui ont fait sa renommée.

• Le vibrato précis : Un des aspects les plus reconnaissables du jeu de Slash est son vibrato unique. Chaque note qu’il joue semble vibrer avec une émotion brute, donnant à ses solos une intensité particulière. Il a réussi à perfectionner cette technique au point de la rendre instantanément identifiable.
• Les bends expressifs : Slash est aussi célèbre pour ses bends, ces notes qu’il fait monter ou descendre tout en douceur, presque comme s’il racontait une histoire avec sa guitare. Dans des solos comme celui de « November Rain« , chaque bend est une montée en puissance, un cri qui transcende la simple technique.
• Un mélange de vitesse et de précision : Contrairement à certains guitaristes qui misent tout sur la vitesse, Slash privilégie la précision. Même dans les morceaux les plus rapides, il prend soin que chaque note soit claire et distincte. Il n’est jamais esclave de la technique, mais plutôt au service de l’émotion.

2.2 Gibson Les Paul : l’arme de prédilection de Slash

On ne peut pas parler de Slash sans mentionner sa Gibson Les Paul, un modèle qu’il a rendu encore plus légendaire. Cet instrument, avec ses courbes élégantes et son son chaleureux, est devenu l’extension naturelle du guitariste.

• Le choix de la Les Paul : Slash a opté pour la Les Paul parce qu’elle offrait le son qu’il cherchait : riche, épais, avec une capacité à se démarquer dans un mix rock’n’roll. Il a souvent dit que cette guitare était celle qui lui permettait de mieux s’exprimer.
• Une symbiose parfaite : Ce modèle de guitare, entre les mains de Slash, est devenu un symbole du rock classique. Chaque note qu’il joue semble couler naturellement de l’instrument, comme si les deux étaient faits l’un pour l’autre.
• Le son iconique : Avec ses micros humbucker, la Les Paul produit un son qui est à la fois doux et percutant, parfait pour les solos longs et émotionnels de Slash, mais aussi pour les riffs plus lourds et entraînants.

III. L’après Guns N’ Roses : Slash se réinvente

3.1 Slash’s Snakepit : une aventure solo

Après des tensions internes avec Axl Rose et la dissolution progressive de la formation classique des Guns N’ Roses dans les années 90, Slash décide de créer son propre projet, Slash’s Snakepit, en 1994.

• Un retour aux racines : Avec ce projet, Slash voulait revenir à un rock plus brut et direct, loin des tensions et des pressions entourant les Guns N’ Roses. It’s Five O’Clock Somewhere, le premier album de Slash’s Snakepit, reçoit un accueil mitigé, mais les fans de Slash apprécient son retour à un rock authentique et décomplexé.
• Un exutoire créatif : Slash a décrit Slash’s Snakepit comme un moyen de s’exprimer sans avoir à se soucier des dynamiques de groupe complexes qui pesaient sur Guns N’ Roses à l’époque. C’était son terrain de jeu personnel, un espace où il pouvait laisser libre cours à ses instincts rock.

3.2 Velvet Revolver : la renaissance

Après quelques années en solo, Slash rejoint un nouveau groupe, Velvet Revolver, en 2002, aux côtés de plusieurs anciens membres des Guns N’ Roses, ainsi que du chanteur de Stone Temple Pilots, Scott Weiland.

• Un supergroupe explosif : Velvet Revolver est rapidement salué comme l’un des supergroupes les plus prometteurs du début des années 2000. Leur premier album, Contraband (2004), connaît un succès commercial et critique, en grande partie grâce à des hits comme « Slither » et « Fall to Pieces« .
• Une nouvelle énergie : Slash semble revitalisé dans Velvet Revolver, offrant certains de ses solos les plus puissants depuis Guns N’ Roses. Ce groupe permet à Slash de combiner son style classique avec une énergie grunge et moderne qui le connecte à une nouvelle génération de fans.

 

Slash guitariste

IV. L’héritage de Slash dans le monde du rock

4.1 Une icône toujours active

Même après plusieurs décennies sur le devant de la scène, Slash reste une figure active du rock contemporain. Que ce soit avec Guns N’ Roses, Velvet Revolver ou en tant qu’artiste solo, il continue de se produire, d’enregistrer des albums, et de repousser les limites de son art.

• Collaborations et projets solo : Slash a collaboré avec de nombreux artistes, de Michael Jackson à Ozzy Osbourne, prouvant que son talent transcende les genres. Ses projets solo, notamment avec Myles Kennedy (chanteur d’Alter Bridge), ont aussi été salués pour leur qualité et leur créativité.

FAQ  Slash

1. Pourquoi Slash est-il considéré comme l’un des plus grands guitaristes de tous les temps ?

Slash est souvent cité parmi les plus grands guitaristes de l’histoire du rock pour plusieurs raisons. D’abord, il a développé un style unique, mêlant influences blues et rock avec une fluidité et une expressivité incomparables. Ensuite, ses riffs et solos sont devenus emblématiques, reconnaissables entre mille, et ont marqué des générations de musiciens. Des morceaux comme « Sweet Child O’ Mine », « November Rain », et « Paradise City » sont des exemples parfaits de son génie musical.

• Signature sonore : Slash a un son immédiatement identifiable, en partie grâce à sa Gibson Les Paul, mais aussi grâce à sa maîtrise du vibrato et des bends, qui ajoutent une dimension émotionnelle à chaque note.
• Solos intemporels : Ses solos ne sont pas seulement techniques, ils racontent une histoire. Par exemple, le solo de « November Rain » est considéré comme l’un des plus grands de tous les temps, grâce à sa progression lente et majestueuse qui culmine dans une explosion d’émotion.
• Influence durable : Slash a inspiré des milliers de guitaristes à travers le monde. Même aujourd’hui, des jeunes musiciens apprennent à jouer la guitare en reproduisant ses riffs, preuve de l’impact durable de son style.

2. Comment Slash a-t-il influencé la guitare rock moderne ?

Slash a eu une influence majeure sur la guitare rock moderne, surtout à une époque où le rock était dominé par le heavy metal ou les groupes de hair metal des années 80. Il a ramené un son plus brut et authentique, basé sur les racines du blues et du rock classique.

• Retour aux sources : Alors que beaucoup de guitaristes de son époque se concentraient sur la virtuosité technique et la vitesse, Slash a prouvé que l’émotion et le feeling étaient tout aussi importants. Son jeu se distingue par sa capacité à communiquer des sentiments à travers des riffs simples mais puissants, ainsi que des solos mélodiques.
• Popularisation de la Gibson Les Paul : Bien que la Les Paul soit un modèle de guitare mythique depuis les années 50, Slash l’a remise sous les feux de la rampe dans les années 80, contribuant à une résurgence de cet instrument auprès des jeunes guitaristes. Il a démontré que la Les Paul pouvait offrir à la fois des sons doux et chauds pour des ballades, mais aussi un ton lourd pour des riffs rock intenses.

3. Quelle est la relation entre Slash et Axl Rose ?

La relation entre Slash et Axl Rose a été tumultueuse, marquée par des périodes d’amitié, de collaboration musicale intense, mais aussi de conflits et de séparations. Les tensions entre les deux icônes du rock ont contribué à la dissolution de la formation originale de Guns N’ Roses dans les années 90.

• Collaboration fructueuse : Au début, la collaboration entre Slash et Axl a donné naissance à certains des plus grands hits du rock. Leur alchimie musicale était indéniable, Axl apportant une voix puissante et charismatique, et Slash produisant des riffs et des solos mémorables. Ensemble, ils ont créé des albums légendaires comme Appetite for Destruction.
• Conflits internes : Cependant, au fil des années, des divergences artistiques et personnelles ont émergé. Axl Rose a progressivement pris le contrôle créatif du groupe, et Slash, qui voulait plus de liberté musicale, a quitté le groupe en 1996. Pendant près de 20 ans, les deux artistes ont été en froid, échangeant parfois des mots durs dans les médias.
• Réconciliation : En 2016, contre toute attente, Slash et Axl se sont réconciliés, marquant le début de la tournée « Not In This Lifetime » qui a vu Guns N’ Roses se reformer avec plusieurs membres originaux. Depuis, leur relation semble apaisée, et ils continuent de collaborer musicalement.

4. Quelle a été l’influence de Slash sur Guns N’ Roses ?

Slash est l’un des piliers fondateurs du son de Guns N’ Roses. Sans lui, les morceaux emblématiques du groupe n’auraient probablement pas eu le même impact.

• Des riffs emblématiques : Slash est responsable de certains des riffs les plus célèbres du groupe. Par exemple, le riff d’ouverture de « Sweet Child O’ Mine » a été créé presque par accident, mais il est devenu l’un des riffs les plus reconnaissables de l’histoire du rock. De même, le riff de « Welcome to the Jungle » capte l’énergie brute de la scène rock des années 80.
• Solos mémorables : Les solos de Slash ont joué un rôle crucial dans l’identité sonore de Guns N’ Roses. Des morceaux comme « November Rain » et « Estranged » mettent en avant sa capacité à combiner des passages techniques avec des mélodies captivantes et émotionnelles.
• Image visuelle : Au-delà de la musique, Slash a contribué à l’image visuelle de Guns N’ Roses. Son look iconique, avec son chapeau haut de forme et ses cheveux longs, est devenu indissociable de l’identité du groupe.

5. Pourquoi Slash a-t-il quitté Guns N’ Roses dans les années 90 ?

Le départ de Slash de Guns N’ Roses dans les années 90 était principalement dû à des conflits internes et des différences créatives avec Axl Rose. Au fur et à mesure que le groupe devenait plus célèbre, Axl a pris de plus en plus de contrôle sur la direction musicale du groupe, ce qui a créé des tensions avec Slash.

• Désaccords sur le son : Axl voulait que Guns N’ Roses adopte une approche plus expérimentale et diversifiée, incorporant des éléments de musique électronique et de symphonie, tandis que Slash voulait rester fidèle aux racines rock plus brutes du groupe. Ces différences ont mené à une rupture inévitable entre les deux membres.
• Fatigue émotionnelle et épuisement : Après des années de tournées intenses et de pression pour produire des albums à succès, Slash a également ressenti un épuisement émotionnel et créatif. Les conflits au sein du groupe, ainsi que les difficultés de communication avec Axl, ont contribué à sa décision de quitter le groupe en 1996.

6. Comment Slash a-t-il géré sa carrière après Guns N’ Roses ?

Après avoir quitté Guns N’ Roses en 1996, Slash a exploré plusieurs avenues musicales, cherchant à se réinventer tout en restant fidèle à ses racines rock.

• Slash’s Snakepit : En 1994, Slash a lancé son projet Slash’s Snakepit, un groupe qu’il a formé en parallèle avec Guns N’ Roses avant de s’y consacrer pleinement après son départ. Le groupe a sorti deux albums, It’s Five O’Clock Somewhere (1995) et Ain’t Life Grand (2000), qui ont reçu des critiques mitigées mais ont trouvé un public fidèle parmi les fans de rock.
• Velvet Revolver : En 2002, Slash a rejoint un supergroupe appelé Velvet Revolver, composé d’anciens membres de Guns N’ Roses et du chanteur de Stone Temple Pilots, Scott Weiland. Velvet Revolver a connu un succès commercial avec leur premier album Contraband (2004), qui comprenait des hits comme « Slither » et « Fall to Pieces ». Le groupe a duré jusqu’en 2008, date à laquelle il s’est dissous en raison de conflits internes.
• Carrière solo : Depuis 2010, Slash a également poursuivi une carrière solo réussie, collaborant avec le chanteur Myles Kennedy et son groupe, The Conspirators. Ensemble, ils ont sorti plusieurs albums, et leur collaboration continue de susciter l’enthousiasme des fans.

7. Quelle est la relation de Slash avec Myles Kennedy ?

La collaboration entre Slash et Myles Kennedy est l’une des plus fructueuses de la carrière post-Guns N’ Roses de Slash. Kennedy, qui est également le chanteur d’Alter Bridge, a apporté une nouvelle dynamique à la musique de Slash, alliant virtuosité à expressivité vocale.

• Chimie musicale : Ensemble, Slash et Myles Kennedy ont sorti plusieurs albums à succès, dont Apocalyptic Love (2012), World on Fire (2014), et Living the Dream (2018). Kennedy est un chanteur polyvalent, capable d’ajouter à la fois puissance et émotion aux compositions de Slash, ce qui en fait un duo complémentaire.
• Tournées mondiales : Le groupe Slash featuring Myles Kennedy and the Conspirators a également entrepris plusieurs tournées mondiales, jouant des titres issus de la carrière solo de Slash, ainsi que des classiques de Guns N’ Roses. Leur collaboration continue de se renforcer, et les fans attendent toujours avec impatience leurs nouvelles sorties musicales.

8. Quels sont les albums les plus marquants de Slash en solo ?

Slash a publié plusieurs albums solo qui ont été bien accueillis par la critique et les fans. Voici quelques-uns des plus marquants :

• Slash (2010) : Cet album est le premier véritable album solo de Slash, et il fait appel à une série de chanteurs invités, dont Ozzy Osbourne, Fergie, et Chris Cornell. Cet album a montré la capacité de Slash à s’adapter à différents styles tout en restant fidèle à son son caractéristique.
• Apocalyptic Love (2012) : Cet album marque le début de sa collaboration avec Myles Kennedy et The Conspirators. Il est plus cohérent que son premier album solo, et contient des morceaux puissants comme « Anastasia », qui met en avant les talents de guitariste de Slash.
• World on Fire (2014) : Cet album a été salué pour son intensité et son énergie. Le morceau titre, « World on Fire », est l’un des plus gros succès solo de Slash, combinant riffs percutants et mélodies accrocheuses.
• Living the Dream (2018) : Dernier album en date, Living the Dream continue de montrer la vitalité de Slash en tant qu’artiste solo, avec des morceaux comme « Driving Rain » et « Mind Your Manners ».

9. Quels sont les modèles de guitare préférés de Slash ?

Slash est surtout connu pour jouer sur des Gibson Les Paul, un modèle qui est devenu indissociable de son son et de son image.

• Gibson Les Paul : La Les Paul est la guitare préférée de Slash, en grande partie grâce à sa tonalité riche et chaleureuse. Slash utilise principalement des modèles Custom Shop qui sont conçus sur mesure pour répondre à ses besoins spécifiques. Il a également une série signature chez Gibson qui reproduit les spécifications exactes de ses guitares les plus utilisées.
• B.C. Rich Mockingbird : Au début de sa carrière, Slash a également joué sur une B.C. Rich Mockingbird, notamment sur certains des premiers concerts de Guns N’ Roses. Cette guitare, au design unique, a contribué à façonner son son avant qu’il ne se tourne définitivement vers la Les Paul.
• Marshall Amplifiers : En plus de ses guitares, Slash est également connu pour utiliser des amplificateurs Marshall, qui ajoutent une distorsion classique à son son et lui permettent de créer des solos puissants et accrocheurs.

radio ROADBOOK

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 03/10/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Taschen présente Sumo de Annie Leibovitz 2014

par Eric Canto | Mis à jour le 09/10/2024 | Publié le 23/09/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

« Sumo » aux éditions Taschen, de Annie Leibovitz est un livre de photographies incroyablement unique et remarquable.

Mesurant plus de 50 centimètres de haut et pesant près de 60 kilogrammes, ce livre est considéré comme l’un des plus grands livres de photographies jamais publiés. Publié pour la première fois en 1999 en édition limitée à seulement 10 000 exemplaires numérotés et signés, ce livre est devenu un objet de collection rare et recherché par les amateurs de photographie et les collectionneurs d’art.

Taschen présente Sumo Annie Leibovitz

Avec plus de 400 photographies captivantes couvrant la carrière de Leibovitz depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui, « Sumo » est une vitrine spectaculaire de l’œuvre de l’un des plus grands photographes du monde.

Annie Leibovitz est une photographe américaine née en 1949. Elle est surtout connue pour ses portraits de célébrités et de personnalités publiques, ainsi que pour son travail pour le magazine Rolling Stone et le Vanity Fair.

Au cours de sa carrière, elle a capturé des images iconiques de personnalités telles que John Lennon, Yoko Ono, Mick Jagger, Queen Elizabeth II, Barack Obama et de nombreuses autres.

Elle a également travaillé sur des campagnes publicitaires pour des marques de renom telles que American Express et Louis Vuitton. En plus de ses portraits, Leibovitz est également reconnue pour son travail sur des séries photographiques, notamment sur les thèmes de la guerre et de la culture populaire américaine. Elle est largement considérée comme l’une des photographes les plus influentes de notre époque.

Dans cet article, nous allons plonger dans les coulisses de ce livre extraordinaire et découvrir pourquoi il est devenu un objet de convoitise pour les amateurs d’art et les collectionneurs du monde entier.

La description du Sumo Annie Leibovitz par Taschen

Lorsque Benedikt Taschen a demandé au photographe portraitiste le plus important travaillant aujourd’hui, de rassembler ses photos dans un livre au format SUMO, elle a été intriguée et interpellée. Le projet a mis plusieurs années à se développer et s’est révélé plus qu’intéressant.

Annie Leibovitz s’est inspirée de plus de 40 ans de travail, en commençant par le reportage viscéralement intime qu’elle a créé pour le magazine Rolling Stone dans les années 1970, en passant par le portrait plus stylisé de son travail pour Vanity Fair et Vogue. Des images célèbres telles que John Lennon et Yoko Ono enlacées dans une dernière étreinte côtoient des portraits rarement, voire jamais vus auparavant.

Annie Leibovitz a pu présenter certains de ses célèbres portraits de groupe dans un format qui prouve qu’elle est la maîtresse du genre. Ses images sont à la fois intimes et iconiques, stylistiquement larges et aussi uniquement la sienne. Annie Leibovitz est souvent imitée, en particulier par les jeunes photographes, mais son travail est  immédiatement reconnaissable.

Les serre-livres de la collection Leibovitz sont la photographie en noir et blanc de l’hélicoptère de Richard Nixon décollant de la pelouse de la Maison Blanche après sa démission en tant que président en 1974, et le portrait officiel en couleur de la reine Elizabeth II pris dans un salon du palais de Buckingham en 2007.

Entre les deux, des portraits qui composent un album de famille de notre temps : comédiens, danseurs,musiciens, artistes, écrivains, performeurs, journalistes, sportifs, hommes d’affaires.

La performance et la puissance sont des thèmes récurrents. Un livre supplémentaire contient des essais d’Annie Leibovitz, de Graydon Carter, Hans Ulrich Obrist et Paul Roth ainsi que de courts textes décrivant les sujets de chacune des plus de 250 photographies.

Taschen Sumo Annie Leibovitz

L’édition Collector est disponible en quatre couvertures différentes :
-Whoopi Goldberg, Berkeley, Californie, 1984
-Keith Haring, New York, 1986
-David Byrne, Los Angeles, 1986
-Patti Smith, Nouvelle-Orléans, Louisiane, 1978

Limité à un total de 10 000 exemplaires signés et numérotés, ce livre est disponible en édition collector (n° 1 001– 10 000) et également en édition d’art (n° 1 à 1 000) avec un tirage d’art, signé par Annie Leibovitz, et l’ensemble complet des quatre couvertures.

Taschen Sumo Annie Leibovitz

L’histoire du Sumo Annie Leibovitz par Taschen

Avec toute la technologie avec laquelle nous vivons tous les jours, il y a quelque chose à dire sur le fait de se blottir avec un bon livre. Avant la télévision, les films et Internet, les livres ont été fabriqués à la main par des artisans et des illustrateurs et, avec l’invention de l’imprimerie, ont rendu l’art et les artistes accessibles au public depuis la fin du XIXe siècle.

Le célèbre marchand d’art et éditeur Ambroise Vollard (1866 – 1939) s’est profondément engagé dans la production de livres d’artistes et a créé plusieurs volumes en éditions limitées qui sont toujours recherchés aujourd’hui. Un livre d’artiste est une œuvre d’art sous forme de livre, souvent créée pour illustrer une œuvre littéraire.

Le livre en édition limitée serait publié avec les tirages en vrac qui l’accompagnent, souvent contenus dans un étui ou une boîte à linge. Au cours des années 1900, des artistes européens bien connus tels que Picasso, Matisse, Miró et Chagall ont collaboré avec les éditeurs les plus importants de Paris pour créer des livres en édition limitée somptueusement imprimés basés sur de grandes œuvres littéraires, remontant jusqu’au deuxième siècle. .

André Suares, un éditeur bien connu du siècle dernier a dit des livres d’artistes de Vollard ; « Des livres comme ceux-ci n’ont jamais été faits auparavant et ne seront plus jamais faits. » Et nous ressentons la même chose pour les offres de Taschen.

Conformément à la tradition de la collection de livres, ÆRENA Galleries and Gardens est heureuse de présenter une sélection de livres à collectionner en édition limitée de l’éditeur de renommée mondiale Taschen, y compris leur gamme de livres SUMO très recherchés et signés qui incluent : Annie Leibovitz, The Rolling Stones , David Hockney, Genesis de Sebastiao Salgado et un nombre très limité d’archives James Bond épuisées. « Pas le temps de mourir ».

 

Caractéristiques du Sumo Annie Leibovitz par Taschen

Artiste : TASCHEN
Titre : Sumo Annie Leibovitz – Whoopi
Médias:
Dimensions : 19,70″ x 27,00″ x 2,00″
Édition : Unique
Hauteur : 19,7″
Largeur : 27″
Profondeur : 2″
Poids : 108 livres
Code produit : T-66W

 

 

 

Voici quelques-unes des principales caractéristiques détaillées du livre « Sumo » de Annie Leibovitz :

• Taille : le livre est incroyablement grand, mesurant plus de 50 centimètres de haut et 70 centimètres de large une fois déplié.
• Poids : le livre pèse près de 60 kilogrammes, ce qui en fait l’un des plus grands et des plus lourds livres de photographies jamais publiés.
• Édition limitée : le livre a été publié en édition limitée à seulement 10 000 exemplaires numérotés et signés, ce qui en fait un objet de collection rare et recherché.
• Plus de 400 photographies : le livre contient plus de 400 photographies captivantes de la carrière de Leibovitz depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui.
• Couverture en SUMO-tissu : la couverture du livre est fabriquée en SUMO-tissu, une toile durable et résistante.
• Design unique : le livre a été conçu par Marc Newson, un célèbre designer industriel australien, qui a créé une structure en accordéon qui permet de déployer les pages avec facilité.
• Contenu varié : les photographies présentées dans le livre couvrent une grande variété de sujets, allant des portraits de célébrités et de personnalités publiques aux paysages, en passant par des séries photographiques sur des thèmes tels que la guerre et la culture populaire américaine.

En somme, « Sumo » est un livre de photographies unique en son genre, qui présente le travail captivant et influent de l’une des photographes les plus célèbres de notre époque.

Le livre « Sumo » de Annie Leibovitz contient plus de 400 photographies, ce qui en fait un ouvrage très riche et varié. Voici un aperçu des photos et du sommaire :

• Introduction : le livre commence par une introduction de l’acteur et ami de longue date de Leibovitz, Steve Martin.
• The Early Years : cette section présente les premiers travaux de Leibovitz, y compris des portraits de musiciens et de personnalités publiques des années 1970.
• The 1980s : cette section contient des portraits iconiques de personnalités telles que Mikhail Baryshnikov, Keith Haring, et Christo et Jeanne-Claude.
• The 1990s : cette section inclut des portraits de personnalités telles que Patti Smith, Demi Moore enceinte, et Arnold Schwarzenegger.
• The 2000s : cette section contient des portraits de personnalités telles que George W. Bush, Queen Elizabeth II, et Lance Armstrong.
• The Women : cette section est consacrée aux portraits de femmes, notamment des artistes, des actrices et des musiciennes.
• The Dancers : cette section présente des portraits de danseurs et de chorégraphes tels que Mikhail Baryshnikov, Martha Graham, et Jerome Robbins.
• The Athletes : cette section contient des portraits de sportifs, notamment des joueurs de basket-ball, de football américain et de golf.
• The War : cette section est consacrée à la photographie de guerre et inclut des images de soldats et de paysages dévastés.
• The Performers : cette section présente des portraits de comédiens, de musiciens, de chanteurs d’opéra et de circassiens.
• The Landscape : cette section contient des images de paysages américains, notamment des déserts, des forêts et des plages.
• The Queen : cette section est consacrée aux portraits de la reine Elizabeth II et inclut des images prises à Buckingham Palace.
• The End : le livre se termine par une sélection de photographies récentes de Leibovitz.

En somme, « Sumo » est un livre qui présente une grande variété de travaux photographiques de Leibovitz, allant des portraits de célébrités et de personnalités publiques à la photographie de guerre en passant par les paysages et les images de danse et de sport.

À propos de Taschen

Qu’est-ce que la vie, sinon l’art ? Et en tant qu’êtres humains, nous aimons aussi collectionner l’art. Vous avez de la chance car Taschen est un éditeur d’art et d’anthropologie dont les livres regorgent de photos de qualité, de littérature informative et de designs uniques. La société est bien connue pour sa vision astucieuse de sujets tels que l’architecture, le mysticisme et la culture pop.

Les amateurs d’art et les collectionneurs de livres sont devenus fous pour Taschen, et cela se voit. Entre leur abondance de critiques Taschen en ligne, leurs 425 000 abonnés sur Instagram et des articles réguliers dans des périodiques bien connus comme Forbes et Vanity Fair, cette maison d’édition d’art avant-gardiste a fait l’effort de se démarquer de votre libraire moyen pour se faire remarquer.

 

Avec la vision motrice de l’entreprise de vendre à la fois des livres de collection en édition limitée et de la littérature à bas prix, Taschen touche tous les créneaux du marché des amateurs de livres. Cette revue Taschen va vous aider à décider si vous souhaitez investir dans l’une de leurs pièces uniques et impressionnantes.

Présentation de Taschen

Cette maison d’édition a été fondée en 1980 par Benedikt Taschen, qui écrivait ses propres bandes dessinées et voulait partager son travail avec le monde. En peu de temps, l’entreprise est rapidement devenue une entreprise qui ne se spécialisait pas seulement dans les romans graphiques, mais aussi dans l’art, la littérature et même l’érotisme.

Actuellement dirigée par Benedikt et sa fille Marlene, cette maison d’édition a atteint un statut bien connu en raison de sa qualité d’impression et de ses grandes pièces de déclaration de la longueur d’un livre qui peuvent être appréciées par les propriétaires et les invités. Chaque livre Taschen est conçu pour impressionner, inspirer et apparaître comme de l’art .

Avant d’approfondir l’héritage et les offres que l’entreprise promeut, nous voulions vous montrer la liste des faits saillants que nous avons collectés, afin que vous puissiez voir, dès le départ, ce dont Taschen est fier.

Points forts de Taschen

• L’éditeur propose une grande variété de sujets
• Collections de livres rares
• Long héritage (depuis 1980)
• Entreprise familiale et exploitée
• Disponible en ligne et en magasin
• Expédition rapide aux États-Unis
• Livraison gratuite sur les commandes de plus de 100 $
• Revue Taschen
• Avec une pile de merveilleux faits saillants comme celui-ci, il est difficile de ne pas être curieux de savoir ce que Taschen fait bien d’autre. Cette entreprise existe depuis un certain temps, elle a donc un catalogue impressionnant de livres, de produits et, bien sûr, des avis Taschen de clients qui souhaitent donner leur avis.

Pour conclure, « Sumo » de Annie Leibovitz est bien plus qu’un simple livre de photographies. C’est un monument à la carrière d’une des photographes les plus influentes de notre époque. Avec des images captivantes et des portraits iconiques de personnalités célèbres, ce livre est devenu un objet de collection incontournable pour les amateurs de photographie et les collectionneurs d’art.

Avec sa taille impressionnante et son poids considérable, « Sumo » est un objet à part entière, une œuvre d’art en soi. Le travail de Leibovitz dans ce livre est le reflet de son incroyable talent, son sens aigu de l’esthétique et sa capacité à capturer l’essence même de ses sujets. « Sumo » est un témoignage de l’héritage photographique de Leibovitz, un héritage qui continuera d’influencer et d’inspirer des générations de photographes à venir.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur Annie Leibovitz et son livre « Sumo » de 2014

Question 1: Qui est Annie Leibovitz ?

Annie Leibovitz est une photographe américaine célèbre pour ses portraits de célébrités, de musiciens, de politiciens et d’autres personnalités influentes. Elle a travaillé pour des magazines tels que Rolling Stone, Vanity Fair et Vogue.

Question 2 : Qu’est-ce que « Sumo » ?

« Sumo » est un livre de photographies publié en 2014 par Annie Leibovitz. Le livre mesure plus de 50 centimètres de haut et pèse près de 60 kilogrammes. Il est considéré comme l’un des plus grands livres de photographies jamais publiés.

Question 3 : Que contient « Sumo » ?

« Sumo » contient plus de 400 photographies de Leibovitz, couvrant sa carrière depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Les photos comprennent des portraits de célébrités, des paysages, des photos de mode et des reportages.

Question 4: Pourquoi « Sumo » est-il si grand et lourd ?

Le livre a été conçu pour être aussi grand que possible afin de mettre en valeur les photographies de Leibovitz, qui sont souvent grandioses et spectaculaires. Le titre du livre fait référence aux lutteurs de sumo, qui sont également de grandes et puissantes figures. Le poids et la taille du livre ont également contribué à son caractère unique et à sa valeur en tant qu’objet d’art.

Question 5: Combien coûte « Sumo » ?

Le prix initial de « Sumo » était de 2 500 $US. Depuis lors, le prix a fluctué en fonction de la rareté et de la demande, et il peut être considérablement plus élevé.

Question 6: Y a-t-il d’autres éditions de « Sumo » disponibles ?

Oui, il existe des éditions moins chères de « Sumo » qui ont été publiées depuis la première édition en 1999. Il y a une édition XL de 2019, qui mesure 70 cm x 50 cm, mais qui est beaucoup plus légère. Les éditions ultérieures peuvent avoir des photographies supplémentaires ou être publiées dans des formats plus petits.

Question 7: Combien d’exemplaires de « Sumo » ont été imprimés ?

Seulement 10 000 exemplaires ont été imprimés de la première édition de « Sumo ». Chaque exemplaire était numéroté et signé par Leibovitz.

Question 8: Qui a écrit l’introduction de « Sumo » ? 

L’introduction de « Sumo » a été écrite par l’écrivain américain Paul Roth.

Question 9: Quel est le format de « Sumo » ?

Le format original de « Sumo » mesure 50 cm x 70 cm et pèse environ 60 kilogrammes. Les éditions ultérieures peuvent être publiées dans des formats plus petits.

Question 10 : Est-ce que « Sumo » est un livre de photographies en couleur ou en noir et blanc ? 

« Sumo » contient à la fois des photographies en couleur et en noir et blanc.

Question 11: Quelles sont les célébrités les plus connues qui figurent dans « Sumo » ? 

« Sumo » contient des portraits de nombreuses célébrités connues, notamment Mick Jagger, John Lennon, Yoko Ono, Queen Elizabeth II, Demi Moore, Brad Pitt, Angelina Jolie, et Barack Obama.

Question 12 : Quelle est la valeur actuelle de « Sumo » ? 

La valeur de « Sumo » dépend de nombreux facteurs, notamment de l’état de l’exemplaire, du nombre d’exemplaires encore en circulation et de la demande du marché. Les exemplaires signés et numérotés peuvent se vendre pour des sommes considérables, allant jusqu’à plusieurs dizaines de milliers de dollars.

Le Fine Art, c’est quoi ?

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 16/09/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Qu’est-ce qu’une impression Fine ART ? Si vous cherchez à réserver une séance photo, il y a de fortes chances que vous ayez entendu un photographe mentionner Fine ART, et vous vous demandez peut-être ce que cela signifie.

L’impression Fine ART est-elle différente des impressions que vous pouvez obtenir dans un grand magasin ? Est-ce important  ?

J’adore les tirages Fine ART– la couleur et la qualité sont fantastiques et incroyablement belles. Mais si vous n’avez pas vu une impression d’art dans la chair, il peut être difficile de comprendre de quoi parle tout ce battage médiatique, et pourquoi cela vaut la peine de dépenser plus pour ces impressions que vous ne le feriez avec un imprimeur grand public.

Dans cet article, j’expliquerai ce qu’est une impression d’art, les matériaux qui entrent dans la création d’impressions d’art et la différence que cela fait.

impression Fine ART

Qu’est-ce qu’une impression Fine ART?

« Beaux-arts », « qualité musée », « qualité archive »… ce sont tous des termes que vous rencontrerez peut-être en explorant le monde de la photographie et en voyant des photographes parler de leurs tirages.

Mais qu’est-ce que cela signifie vraiment ? En bref, une estampe d’art est une impression de très haute qualité – de la même qualité qu’un musée ou une galerie imprimerait des œuvres pour les exposer.

impression Fine ART

En bref, il y a deux choses qui font d’une estampe une œuvre d’art :

Papier pour tirages Fine ART

Le papier utilisé pour les tirages d’art est sans acide. C’est l’acide contenu dans les papiers photographiques qui provoque la décoloration et la fissuration des photographies au fil du temps. L’utilisation de papiers sans acide contribue donc à garantir que votre impression dure toute une vie.

Fait intéressant, il en va de même pour les tapis sur lesquels vos photographies sont montées – s’ils contiennent de l’acide, ils jauniront beaucoup plus rapidement.

Encres pour tirages Fine ART

Tout comme les papiers photographiques ne sont pas tous créés égaux, les imprimantes ne sont pas non plus utilisées pour faire des tirages.

Les tirages d’art sont imprimés à l’aide d’imprimantes très haut de gamme, qui ont un spectre de couleurs beaucoup plus large que les imprimantes standard. Ces imprimantes auront 8 à 12 encres de couleurs différentes, qu’elles pourront mélanger pour créer des millions de couleurs différentes.

Le résultat est que les couleurs de votre impression seront beaucoup plus précises et fidèles à l’image d’origine que si vous l’aviez imprimée avec une imprimante standard.

 Fine ART

Toutes les impressions d’art ne sont pas égales

Ainsi, comme nous l’avons appris jusqu’à présent, la différence entre une impression d’art et une impression que vous pouvez commander auprès d’un imprimeur de rue ou en ligne est que la reproduction des couleurs est beaucoup plus précise, et le papier conservera cette couleur, et sa forme pour de nombreuses années. Avec les bons soins, cela peut durer plus de 60, voire 100 ans.

Mais le processus d’impression ne se résume pas à cela. Le type de papier d’art que vous choisirez pour votre impression fera également une différence dans l’apparence de votre impression.

Les papiers beaux-arts sont souvent fabriqués à partir de fibres de coton, mais peuvent également être fabriqués à partir d’autres matériaux tels que le bambou, ou avoir un revêtement spécial. Les différentes caractéristiques de ces papiers auront un impact sur l’apparence de votre impression – certains papiers sont bons pour imprimer des couleurs vives, d’autres feront ressortir vos photographies en noir et blanc. D’autres sont meilleurs pour les tons plus doux et sourds. En bref, choisir le bon papier pour votre impression aura un impact sur son apparence.

Fine ART

Il existe plusieurs types de papiers photo fine art utilisés pour produire des impressions de qualité supérieure. Voici quelques exemples :

1. Papier à base de coton : Ce type de papier est fabriqué à partir de fibres de coton de haute qualité, ce qui lui confère une excellente durabilité et une résistance accrue à la décoloration. Il est également très doux et offre une texture naturelle pour des impressions haut de gamme.
2. Papier d’archivage : Ce type de papier est conçu pour une utilisation à long terme et est fabriqué à partir de matériaux de qualité supérieure pour une excellente stabilité à la lumière et une durée de vie accrue. Il est également souvent utilisé pour les tirages d’art de grande taille.
3. Papier à base d’eau : Ce type de papier est fabriqué à partir d’un mélange de cellulose et d’eau, il est sans acide, non couché et non blanchi. Il offre une excellente qualité d’impression avec des couleurs riches et des contrastes élevés.
4. Papier jet d’encre : Les papiers jet d’encre sont conçus pour une utilisation avec les imprimantes jet d’encre, ils offrent une qualité d’image élevée et une gamme de couleurs étendue. Ils sont également souvent utilisés pour les tirages d’art de grande taille.
5. Papier mat : Les papiers mats ont une finition non brillante qui permet de minimiser les reflets et de maximiser les contrastes. Il est souvent utilisé pour les photographies en noir et blanc ou pour les photographies avec des couleurs douces.

Il est important de noter que pour chaque type de papier, il existe des variations de qualité, et il est important de choisir un papier de qualité supérieure pour obtenir les meilleurs résultats d’impression. Il est également important de prendre en compte les préférences esthétiques et les exigences de conservation de l’œuvre en question pour choisir le papier approprié.

Fine art

Comment prendre soin de vos tirages Fine ART

Alors maintenant que vous avez de magnifiques tirages d’art, que pouvez-vous faire pour vous assurer qu’ils durent toute une vie ?

La principale chose que vous pouvez faire,c’est de considérer comment ils sont exposés à la lumière. Au fil du temps, c’est l’exposition à la lumière qui endommagera vos photographies – non seulement la décoloration des couleurs, mais la lumière UV peut également provoquer l’affaiblissement et le blanchiment du papier. Les températures extrêmes peuvent également endommager l’impression.

Pour prendre soin de vos impressions, vous pouvez faire quelques gestes pour limiter leur exposition à la lumière, à la chaleur et au froid :

• Évitez d’accrocher vos tirages dans un endroit où ils seront en plein soleil pendant toute ou une partie de la journée.
• Si vos tirages sont exposés en plein soleil, essayez de limiter leur exposition en fermant les stores ou les rideaux lorsque la pièce n’est pas utilisée.
• Laisser les lumières éteintes lorsque la pièce n’est pas occupée
• Sachez que si vous accrochez vos impressions au-dessus d’un feu qui est souvent utilisé, la chaleur peut faire vieillir votre impression plus rapidement.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ : Le fine art

1. Qu’est-ce que le fine art ?

Le fine art est une forme d’art visuel qui est créée pour exprimer des idées ou des émotions plutôt que pour servir une fonction utilitaire.

2. Quels types d’art sont considérés comme du fine art ?

Le fine art peut inclure une variété de médiums tels que la peinture, la sculpture, la photographie, la gravure et la céramique.

3. Comment le fine art est-il différent de l’art commercial ?

Le fine art est créé pour l’expression personnelle et la créativité de l’artiste, tandis que l’art commercial est créé pour un but spécifique tel que la publicité ou la promotion d’un produit.

4. Comment peut-on apprécier le fine art ?

Le fine art peut être apprécié de nombreuses manières, notamment en visitant des musées et des galeries d’art, en participant à des expositions d’art et en achetant des œuvres d’art pour les collectionner.

5. Comment les artistes déterminent-ils le prix de leurs œuvres d’art en fine art ?

Les artistes déterminent souvent le prix de leurs œuvres d’art en fonction de leur expérience, de leur renommée, de la rareté de leur œuvre et de la taille de l’œuvre.

6. Qu’est-ce que la reproduction en fine art ?

La reproduction en fine art est un processus utilisé pour créer des reproductions d’œuvres d’art originales. Les reproductions sont souvent produites en utilisant des techniques d’impression de haute qualité telles que la lithographie, la sérigraphie ou l’impression giclée.

7. Comment peut-on se former à la pratique du fine art ?

La formation à la pratique du fine art peut inclure des cours d’art dans des écoles ou des universités, des ateliers d’art, des stages et des résidences d’artistes.

8. Comment peut-on acheter des œuvres d’art en fine art ?

Les œuvres d’art en fine art peuvent être achetées en visitant des galeries d’art, des foires d’art, des ventes aux enchères ou en ligne sur des sites spécialisés dans l’art.

9. Comment peut-on prendre soin de ses œuvres d’art en fine art ?

Il est important de prendre soin de ses œuvres d’art en fine art en évitant la lumière directe du soleil, l’humidité et les températures extrêmes. Les œuvres d’art doivent également être nettoyées régulièrement avec des méthodes de nettoyage appropriées.

10. Comment peut-on évaluer la qualité d’une œuvre d’art en fine art ?

L’évaluation de la qualité d’une œuvre d’art en fine art peut être subjective, mais certains critères peuvent inclure la technique, la créativité, la qualité des matériaux et la renommée de l’artiste. Il est également important de considérer l’état de l’œuvre d’art, son histoire et sa provenance. Il est recommandé de consulter un expert en art ou un évaluateur certifié pour obtenir une évaluation professionnelle de la valeur et de la qualité d’une œuvre d’art en fine art.

Le Fuji X100V : un concentré de performance et de style pour les photographes

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 08/09/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le Fuji X100V : un concentré de performance et de style pour les photographes

Le Fuji X100V, dernier-né de la série des compacts experts de Fujifilm, est rapidement devenu une référence parmi les photographes professionnels et amateurs. Il offre des fonctionnalités avancées telles que la vidéo 4K, un autofocus réactif, un objectif amélioré, un viseur hybride optimisé et une protection contre les intempéries. Le X100V est également apprécié pour son design élégant et sa compacité, ce qui en fait un choix idéal pour la photographie de rue et de voyage.

L’appareil photo expert au service de vos créations

Le Fuji X100V est un outil performant et polyvalent pour les passionnés de l’image. Ses caractéristiques techniques sont à la hauteur des attentes des utilisateurs les plus exigeants :

• Capteur APS-C X-Trans CMOS 4 : offrant une haute résolution de 26,1 mégapixels pour des images détaillées et riches en couleur.
• Vidéo 4K : la possibilité de filmer en 4K jusqu’à 30p assure une qualité exceptionnelle pour toutes vos réalisations visuelles.
• Autofocus rapide et précis : grâce à ses 425 points de détection de phase, le X100V met au point avec rapidité et exactitude même dans des conditions de faible luminosité.
• Objectif 23mm f/2 : cet objectif fixe équivalent à un 35mm en format plein cadre offre une grande ouverture maximale pour capturer des scènes avec peu de lumière et créer un beau bokeh.
• Viseur hybride optimisé : combinant un viseur optique et un viseur électronique, il permet de bénéficier des avantages de chacun et d’optimiser votre expérience de prise de vue.
• Protection contre les intempéries : grâce à ses joints d’étanchéité, le X100V résiste à l’eau et à la poussière, ce qui vous permettra de l’utiliser en toute sérénité dans différents environnements.

Réalisez des vidéos exceptionnelles avec le Fuji X100V

Pour les vidéastes, le X100V propose plusieurs fonctionnalités intéressantes. Outre la vidéo 4K, l’appareil dispose d’un mode de simulation de film ETERNA, idéal pour obtenir des couleurs cinématographiques sans avoir à réaliser de postproduction. L’appareil intègre également un profil F-Log pour les utilisateurs souhaitant effectuer des retouches colorimétriques en postproduction.

De plus, le Fuji X100V est capable de filmer en slow-motion jusqu’à 120 images par seconde en Full HD, offrant un ralenti fluide et esthétique pour vos créations vidéo.

Un design élégant et compact pour la photographie de rue et de voyage

Le Fuji X100V est non seulement performant, mais aussi extrêmement compact et léger. Ces caractéristiques en font un choix privilégié pour les photographes de rue et les voyageurs qui cherchent à allier qualité d’image et praticité.

Design rétro et matériaux de qualité

Avec son esthétique vintage rappelant les appareils photo rangefinder, le X100V affiche fièrement un design élégant et intemporel. Alliant l’aluminium aux éléments de finition en cuir synthétique, il démontre une attention particulière aux moindres détails, tant au niveau de la construction que de l’ergonomie.

Compacité et légèreté pour une utilisation quotidienne

Pesant moins de 500 grammes et mesurant environ 13 x 7 x 5 cm, le Fuji X100V dispose d’un rapport taille/poids idéal pour être transporté facilement lors de vos escapades urbaines ou voyages. Son objectif fixe télescopique se rétracte lorsque l’appareil est éteint, ce qui renforce encore sa compacité et sa discrétion.

Astuces pour tirer le meilleur parti de votre Fuji X100V

Voici quelques conseils pour optimiser votre expérience avec le Fuji X100V :

• Explorez les possibilités offertes par les simulations de film : Fujifilm propose une série de modes de couleur inspirés de leurs célèbres films argentiques. N’hésitez pas à tester chaque simulation et à personnaliser les paramètres pour obtenir le rendu de couleur qui correspond à votre style.
• Prenez avantage du mode panoramique : cette fonction vous permettra de réaliser facilement des images grand-angle en assemblant plusieurs photos. C’est un excellent moyen de capturer des paysages ou des scènes urbaines.
• Utilisez l’écran tactile inclinable pour varier vos points de vue : l’écran arrière du X100V peut être incliné vers le haut et le bas, ce qui facilite la prise de vue depuis des angles inhabituels. L’écran est également sensible au toucher pour une navigation intuitive dans les menus et un ajustement précis des paramètres.
• Tirez parti de la connectivité sans fil : en associant le Fuji X100V à votre smartphone via Bluetooth ou Wi-Fi, vous pouvez transférer rapidement vos images pour les partager sur les réseaux sociaux ou contrôler l’appareil à distance avec l’application dédiée Fujifilm Camera Remote.

Accessoires recommandés pour le Fuji X100V

Pour enrichir davantage votre expérience avec le X100V, voici quelques accessoires intéressants :

1. Un pare-soleil : cet élément protège l’objectif des reflets indésirables et améliore la qualité globale de l’image, surtout en cas de fort ensoleillement.
2. Une dragonne ou une courroie d’épaule : selon vos préférences, ces accessoires facilitent le transport de l’appareil et permettent une prise en main rapide et sécurisée.
3. Un trépied compact : pour réaliser des photos de longue exposition ou des autoportraits, un trépied léger et portable est un excellent compagnon pour votre X100V.
4. Des filtres de protection UV ou ND : ces filtres s’adaptent à l’objectif du X100V et offrent une protection contre les rayures, la poussière ou les chocs tout en améliorant la qualité de vos images selon les conditions d’éclairage.

En somme, le Fuji X100V se distingue par son excellente qualité d’image, sa polyvalence et son design élégant, séduisant ainsi les photographes les plus exigeants. Grâce à cet appareil, capturez des moments uniques lors de vos aventures urbaines et emportez-le facilement dans tous vos voyages.

Polyvalent, compact et costaud, le FUJIFILM X100V argenté est la cinquième génération de la série X100, alliant des capacités d’imagerie impressionnantes, un design distinct avec un objectif grand angle adapté et un ensemble de fonctionnalités flexibles pour répondre à un éventail de besoins de prise de vue.

Utilisant un capteur CMOS 4 X-Trans 26,1 MP au format APS-C éprouvé et apprécié, le FUJIFILM X100V est capable d’enregistrer en haute résolution avec la prise en charge de la vidéo DCI/UHD 4K, la sensibilité de ISO 160-12800 et la prise de vue en continu jusqu’à 11 ips avec l’obturateur mécanique.

La conception BSI du capteur du FUJIFILM X100V offre un bruit réduit et une plus grande clarté globale, et est associée au X-Processor 4 pour obtenir des performances rapides et une réactivité améliorée. La conception du capteur permet également un système de mise au point automatique hybride qui combine 425 points de détection de phase avec un système de détection de contraste pour des performances AF rapides et précises.

Au-delà de l’imagerie, le FUJIFILM X100V conserve la conception éprouvée du boîtier inspirée du télémètre qui a rendu cette série d’appareils photo si spéciale.

Le populaire viseur hybride avancé est à nouveau utilisé, mais a été mis à jour avec un EVF OLED de 3,69 m de résolution plus élevée pour une visualisation plus claire. Cela peut toujours être effleuré pour révéler un viseur optique clair à grossissement de 0,52x pour s’adapter à la façon de photographier des puristes.

Le viseur du FUJIFILM X100V est complété par un écran tactile ACL de 3,0 po à 1,62 m, doté d’une conception inclinable dans les deux sens pour prendre en charge le travail à partir d’angles élevés et faibles.

Ensuite, il y a aussi le précieux objectif grand angle intégré qui offre un distance focale utile équivalente à 35 mm et une ouverture maximale lumineuse de f / 2. Cet objectif a été repensé par rapport aux versions précédentes pour réaliser des images plus nettes avec moins de distorsion, une mise au point plus proche et, physiquement, lorsque vous fixez l’anneau adaptateur en option et le filtre de protection en option, il complète une conception résistante aux intempéries.

De plus, pour vous permettre de rester connecté, le FUJIFILM X100V dispose également de Bluetooth et Wi-Fi intégrés pour permettre le transfert sans fil d’images vers un appareil mobile ainsi que le contrôle à distance de l’appareil photo depuis un smartphone ou une tablette.

FUJIFILM X100V

Fujifilm x100v : Capteur CMOS 4 APS-C X-Trans BSI 26,1 Mpx et processeur X 4

Tournant autour d’un capteur très polyvalent, le FUJIFILM X100V dispose d’un capteur X-Trans CMOS 4 au format APS-C de 26,1 MP, qui a une conception rétro-éclairée pour offrir un rendu tonal fluide, des performances améliorées en basse lumière et une large plage de sensibilité native. de la norme ISO 160-12800.

En tant que capteur X-Trans, il utilise également un réseau de pixels aléatoires, qui offre un degré élevé de qualité et de netteté d’image en raison de l’omission d’un filtre passe-bas optique. Par rapport aux modèles de pixels conventionnels, le design X-Trans imite plus étroitement la nature organique du film afin de produire des couleurs nuancées et des transitions tonales, tout en réduisant le moiré et le crénelage.

FUJIFILM X100V

La conception du capteur du FUJIFILM X100V comprend également un système de mise au point automatique à détection de phase étendu, qui dispose de 425 points sélectionnables qui couvrent presque toute la zone du capteur.

Ce système AF offre des performances de mise au point plus rapides et plus précises dans une variété de conditions d’éclairage jusqu’à -5 EV. Pour compléter les capacités d’imagerie et de mise au point, un X-Processor 4 mis à jour est également présenté, qui dispose d’un processeur quadricœur et offre des performances plus rapides et plus réactives dans tout le système de caméra.

Fujifilm x100v : Enregistrement vidéo UHD et DCI 4K

Étendant ses capacités au-delà des images fixes, le FUJIFILM X100V offre une gamme polyvalente de capacités vidéo, y compris l’enregistrement interne DCI/UHD 4K jusqu’à 30 ips et l’enregistrement Full HD jusqu’à 120 ips.

Bénéficiant grandement des performances vidéo globales, la vitesse du X-Processor 4 permet des vitesses de lecture rapides lors de l’enregistrement vidéo et aide à réduire la distorsion de l’obturateur roulant lors du tournage de sujets en mouvement. De plus, un port micro-HDMI permet un enregistrement 10 bits 4:2:2 sur un enregistreur externe en option.

Fujifilm x100v : Objectif Fujinon 23 mm f/2 repensé

Un objectif Fujinon 23 mm f / 2 mis à jour présente une conception optique révisée qui comprend désormais deux éléments asphériques pour une netteté et une clarté améliorées grâce à la réduction des aberrations sphériques et de la distorsion.

La distance focale de 23 mm de cet objectif équivaut à 35 mm, ce qui en fait un objectif grand angle confortable qui convient bien à une variété de situations de prise de vue.

FUJIFILM X100V

La conception lumineuse f/2 du FUJIFILM X100V convient également au travail dans diverses conditions d’éclairage et offre un meilleur contrôle de la profondeur de champ pour aider à isoler la mise au point sur les sujets.

De plus, un revêtement Super EBC a été appliqué pour supprimer les reflets de l’objectif et les images fantômes pour un meilleur contraste et une meilleure fidélité des couleurs lorsque vous travaillez dans des conditions d’éclairage intenses.

Alors que l’objectif est une distance focale fixe, le X100V intègre des paramètres de téléconvertisseur numérique équivalents à 50 mm et 75 mm pour simuler l’apparence de travailler avec une distance focale plus longue et l’objectif est également compatible avec les objectifs de fixation WCL et TCL en option pour étendre ou réduire le effet champ de vision.

FUJIFILM X100V

Fujifilm x100v :Viseur hybride avancé

Les types de viseur optique et électronique du FUJIFILM X100V sont intégrés dans le viseur hybride avancé unique, qui vous permet de choisir entre la simplicité et la familiarité d’un OVF ainsi que la polyvalence d’un EVF. Le changement entre les types de visualisation s’effectue rapidement via le levier de commutation du viseur dédié à l’avant du boîtier de l’appareil photo.

Le viseur optique à grossissement de 0,52x offre une vue claire et réaliste de la scène pour faciliter la composition et le suivi du sujet. Sa conception améliorée intègre une fonction de télémètre électronique, qui imite la fonctionnalité d’un télémètre mécanique, et superpose simultanément les informations du viseur électronique au-dessus du viseur optique pour un contrôle comparatif de la mise au point manuelle.

En ce qui concerne le viseur électronique, cet OLED arbore une résolution élevée de 3,69 m de points ainsi qu’un taux de rafraîchissement rapide pour réduire le décalage pour des mouvements de panoramique et de suivi plus fluides. L’EVF vous permet de prévisualiser les paramètres d’exposition avant la prise de vue et dispose d’un affichage personnalisable, pour configurer la quantité et le type d’informations affichées dans le viseur.

Fujifilm x100v :Conception du corps

L’écran LCD inclinable de 3,0″ à 1,62 m a une conception d’écran tactile pour un fonctionnement et une lecture intuitifs, et la conception inclinable profite grandement du travail à partir d’angles de prise de vue élevés et bas.
La conception durable peut être rendue résistante aux intempéries lorsqu’elle est associée à l’anneau adaptateur AR-X100 en option et à l’anneau de protection contre les intempéries en option.

La plaque supérieure intègre une série de cadrans et de leviers de verrouillage pour un contrôle rapide et intuitif des paramètres d’exposition, y compris un cadran de vitesse d’obturation qui offre un réglage direct de la vitesse d’obturation.

Une molette ISO est également intégrée à la molette de vitesse d’obturation, pour confirmer le réglage de la sensibilité sans avoir à allumer l’appareil photo et la molette de compensation d’exposition vous permet de choisir +/- 3 EV par incréments de 1/3. Ce cadran a également une position C pour offrir une plage étendue de +/- 5 EV lorsque vous travaillez avec les cadrans de commande.

Les molettes de commande avant et arrière intègrent une fonction push pour faciliter l’utilisation et la sélection des paramètres.

Le joystick arrière est disponible pour la sélection et la commutation intuitives des collimateurs AF ainsi que la navigation dans les menus et la lecture des images.

La connectivité Bluetooth et Wi-Fi intégrée permet de partager sans fil des images vers un appareil mobile ou d’utiliser l’appareil pour contrôler à distance l’appareil photo.

Les emplacements pour carte mémoire SD unique prennent en charge jusqu’à la norme UHS-I.
La batterie NP-W126S incluse fournit environ 350 images par charge lorsque vous travaillez avec l’EVF ou 420 images par charge lorsque vous travaillez avec l’OVF.

Fujifilm x100v : Modes de simulation de films

Tirant parti de la vaste histoire de FUJIFILM dans la photographie argentique traditionnelle, le FUJIFILM X100V intègre plusieurs modes de simulation de film, qui imitent l’aspect et la sensation de certains des types de films classiques de FUJIFILM :

– Provia—Le film transparent couleur à contraste standard et à saturation normale- Velvia—Contraste élevé, saturation des couleurs élevée et film transparent aux couleurs vives

– Astia—Contraste atténué et saturation des couleurs avec un aspect idéal pour les portraits

– Chrome classique : offre des tons atténués et une reproduction des couleurs profondes, semblable à un film de diapositives daté

– Classic Neg – Contraste discret mais couleurs vives avec une sensation cinématographique vintage

– PRO Neg—Disponible avec Hi et Std. options de contraste, cela imite la sensation percutante mais naturelle de leur film négatif couleur de qualité professionnelle

– Eterna—Pour un look cinématographique, cela fournit une couleur plate, un aspect à faible saturation bien adapté à l’étalonnage des couleurs de post-production

– Acros—Basé sur le populaire film N&B, ce mode monochrome a une tonalité et un grain distincts et peut être utilisé avec des effets de filtre de contraste jaune, rouge et vert

– N&B : effet noir et blanc simple et classique avec options de filtre de contraste jaune, rouge et vert
Sépia – Le look ancien préféré de tout le monde imitant le processus alternatif populaire

En plus de simuler des types de film spécifiques, un mode Effet de grain est également disponible pour reproduire l’apparence de vieilles photos de film avec une apparence texturée organique, ce qui est particulièrement visible lors de l’impression.

Les effets Color Chrome et Color Chrome Blue sont également disponibles pour approfondir la couleur, la réponse tonale et la gradation avec des couleurs à saturation plus élevée.

Fujifilm x100v : Version du micrologiciel 2.00 Caractéristiques

– Connectez l’appareil photo à un ordinateur via USB pour l’utiliser comme webcam avec l’utilitaire FUJIFILM X Webcam
– Permettez l’utilisation de simulations de film dans le fonctionnement de la webcam
– Ajoutez la possibilité d’utiliser le filtre ND intégré pendant l’enregistrement vidéo
– Ajoutez la possibilité de mémoriser la position du cadre lumineux dans le viseur optique pour éviter tout décalage
– Enregistrez les images RAW + JPEG lors de l’utilisation du téléconvertisseur numérique à 50 mm ou 70 mm de recadrage

FAQ sur le Fujifilm X100V

1. Qu’est-ce que le Fujifilm X100V?

Le Fujifilm X100V est un appareil photo compact à objectif fixe de la série X de Fujifilm. Il est conçu pour les photographes qui cherchent un appareil photo petit, léger et portable qui offre une qualité d’image exceptionnelle.

2. Quelles sont les spécifications techniques du Fujifilm X100V?

Le Fujifilm X100V est équipé d’un capteur X-Trans CMOS 4 de 26,1 mégapixels et d’un processeur d’image X-Processor 4. Il dispose également d’un objectif fixe Fujinon 23mm f/2, d’une plage de sensibilité ISO de 160 à 12800 (extensible à 80-51200), d’un écran LCD inclinable de 3 pouces et d’un viseur électronique OLED de 0,5 pouce.

3. Quelle est la qualité d’image du Fujifilm X100V?

La qualité d’image du Fujifilm X100V est excellente grâce à son capteur X-Trans CMOS 4 et son processeur d’image X-Processor 4. Les images sont nettes, détaillées et ont une excellente dynamique.

4. Comment le Fujifilm X100V se compare-t-il aux autres appareils photo compacts?

Le Fujifilm X100V se distingue des autres appareils photo compacts grâce à sa qualité d’image exceptionnelle, son objectif fixe de haute qualité et son boîtier en alliage de magnésium durable. Il offre également des fonctionnalités avancées telles qu’un viseur électronique OLED, un écran LCD inclinable et des commandes manuelles pour une expérience de prise de vue personnalisée.

5. Quel est le système d’autofocus du Fujifilm X100V?

Le Fujifilm X100V utilise un système d’autofocus à détection de phase et à détection de contraste avec 425 points de mise au point automatique. Il offre également une fonction de suivi AF avancée pour suivre les sujets en mouvement.

6. Le Fujifilm X100V est-il facile à utiliser pour les débutants?

Le Fujifilm X100V est relativement facile à utiliser pour les débutants grâce à son interface utilisateur intuitive. Il dispose également d’un mode automatique intelligent qui règle automatiquement les paramètres de l’appareil photo en fonction de la scène.

7. Peut-on utiliser des objectifs interchangeables avec le Fujifilm X100V?

Non, le Fujifilm X100V dispose d’un objectif fixe Fujinon 23mm f/2 qui ne peut pas être changé. Cependant, l’objectif offre une excellente qualité optique et est parfaitement adapté aux situations de prise de vue courantes.

8. Quels sont les avantages du boîtier en alliage de magnésium du Fujifilm X100V?

Le boîtier en alliage de magnésium du Fujifilm X100V offre une grande durabilité et une résistance aux chocs

eric.canto@groupe-grim.com
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et aux rayures. Il est également léger et facile à transporter, ce qui en fait un choix idéal pour les photographes en déplacement. De plus, il offre une sensation de solidité et de qualité, ce qui est important pour les photographes professionnels.

9. Le Fujifilm X100V est-il adapté à la vidéo?

Oui, le Fujifilm X100V est capable d’enregistrer des vidéos en 4K à 30 images par seconde. Il offre également des options de formatage de fichier telles que le F-Log et le HLG pour une meilleure flexibilité en post-production.

10. Quels sont les accessoires disponibles pour le Fujifilm X100V?

Il existe plusieurs accessoires disponibles pour le Fujifilm X100V, notamment des étuis de protection, des filtres, des pare-soleils, des adaptateurs pour flash et des sangles de cou. Il est également possible d’ajouter un objectif de conversion grand angle ou téléobjectif en utilisant les adaptateurs de conversion disponibles.

En résumé, le Fujifilm X100V est un excellent choix pour les photographes cherchant un appareil photo compact, léger et portable offrant une qualité d’image exceptionnelle. Avec son objectif fixe de haute qualité, son boîtier en alliage de magnésium durable et ses fonctionnalités avancées, il est idéal pour les photographes professionnels et les amateurs passionnés.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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The Beatles Abbey Road

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

J’adore les anecdotes derrière les pochettes d’album, les covers. En voici quelques-unes autour de la photo la plus célèbre du groupe britannique de renommée mondiale The Beatles Abbey Road pour leur album Abbey Road.

The Beatles Abbey Road

Fondé en 1957 par John Lennon sous le nom de The Quarrymen, le groupe a vraiment commencé en 1962 après l’arrivée de Ringo Starr, qui a suivi l’arrivée de Paul McCartney et George Harrison et du nom The Beatles.

Un album légendaire :The Beatles Abbey Road

Avec 30 millions d’exemplaires vendus, The Beatles Abbey Road est le deuxième plus grand succès des Beatles, juste après le sergent Pepper.. De cette façon, The Beatles Abbey Road a passé 11 semaines à la pointe du blockbuster, lors d’une compétition féroce avec Let It Bleed des Rolling Stones et le deuxième album de Led Zeppelin.

La semaine suivante l’album The Beatles Abbey Road prend de l’avance pour 6 semaines supplémentaires, augmentant le nombre de semaines passées au sommet à 17.The Beatles Abbey Road était l’album le plus vendu au Royaume-Uni en 1969. Quatrième best-seller des années 1960. En 1970, l’album atteint toujours la 7e place en termes de ventes.

The Beatles Abbey Road: les tensions de l’époque…
A cette époque, en plus de la Beatlemania, quatre musiciens sont aux prises avec de nombreuses tensions personnelles, à la fois artistiques et financières, à la fin des années 1960, le groupe est au bord de la séparation.

L’idée de Paul McCartney était que les Beatles se retrouvaient et composaient ensemble dans leur studio habituel sur Abbey Road à Londres. Ainsi, à l’été 1969, ils ont complètement travaillé sur de nouveaux titres composant l’avant-dernier album (par ordre de sortie), dont le titre prenant le nom de la rue : Abbey Road

C’est John Lennon qui a appelé le photographe écossais Iain MacMillan, rencontré par le biais de Yoko Ono, pour la couverture de The Beatles Abbey Road. Iain MacMillan est surtout connu pour cette photo légendaire et le travail réalisé au nom du couple Lennon / Ono.

 The Beatles Abbey Road : Un shooting en 6 temps

Après avoir échangé quelques croquis de la couverture de l’album, le photographe et les Beatles shootent le 8 août 1969, vers11h30 pour éviter l’afflux de fans, notamment ceux présents en début d’après-midi.

Monté sur une caisse en bois, Iain MacMillan ne dispose que de dix minutes pour prendre la bonne photo, tandis qu’un policier tente de réguler le mouvement derrière le photographe.

L’image sélectionnée fait donc partie d’une série de six photos montrant les coulisses de ce moment à un passage piéton sur  Abbey Road, passage classé au niveau II, depuis décembre 2010, en raison de son «importance culturelle et historique» . Cette image immortalise la traversée des Beatles avec la même amplitude de pas, sans trafic ni piétons encombrant trop l’image.

Les 5 photos de  The Beatles Abbey Road

Sur la première photo, John Lennon tourne la tête, tandis que Paul McCartney et George Harrison lèvent les pieds. Nous remarquons également une Mercedes blanche, plus loin dans la rue.

Sur la deuxième, 4 membres ont suffisamment d’espace entre eux, mais John Lennon est le seul avec la bonne amplitude de pas.

Lors de la troisième photo, une file de voitures avec un bus à impérial s’est formée dans la rue. Paul McCartney a finalement abandonné ses sandales et George Harrison n’était plus sur la même ligne que les autres.
Sur la quatrième photo, nous voyons toujours le même bus rouge qui attend, observant la scène. Parmi les Beatles à nouveau, seul John Lennon a une amplitude assez importante, tandis que les trois autres sont figés. C’est la cinquième photo qui est la bonne ! Le bus est parti, et surtout les pas des 4 Beatles sont parfaitement coordonnés.

Enfin, sixième, on remarque que le bus a traversé la rue en sens inverse et repart. Bien que les musiciens soient bien coordonnés, leur gamme d’étapes n’est pas assez grande. Il s’agit de la cinquième photo que le groupe lui-même a choisie pour illustrer leur album. Il a été coupé et retravaillé pour attirer l’attention sur les membres du groupe.

 

The Beatles Abbey Road -The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road -The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road

The Beatles Abbey Road

 

Bien que l’image semble simple, il convient de prêter attention à certains détails, tels que la présence d’une Volkswagen Beetle blanche, qui n’a rien à voir avec le groupe, mais appartient au résident.

Après la sortie de l’album, sa plaque d’immatriculation a été volée plusieurs fois. C’est aussi la seule photo qui montre le tabagisme de Paul McCartney.

Sur la couronne de la tête de Paul McCartney, près de la voiture bleue, se trouvent trois hommes décorateurs d’intérieur, après le déjeuner. Enfin, sur le trottoir droit entre Ringo Starr et John Lennon se dresse la silhouette d’un autre passant, un touriste américain du nom de Paul Cole, arrêté pour avoir observé la scène. Ce n’est que quelques mois plus tard que sa présence sur la photo a été remarquée.

De plus, l’image d’Abbey Road a attiré beaucoup d’attention et est une source de commérages fantaisistes sur Paul McCartney. De nombreux fans ont commencé à affirmer que le vrai Paul McCartney avait été tué dans un accident de voiture en 1966 et qu’il avait été remplacé par une apparence similaire.

Plusieurs arguments sont avancés, dont beaucoup sont faux, basés sur la photo: le fait que Paul McCartney soit pieds nus fait référence à certaines cultures dans lesquelles les morts ont été enterrés sans chaussures; tandis que Paul McCartney est gaucher, il tient une cigarette dans sa main droite; et, selon ces théoriciens du complot, la plaque d’immatriculation de VW Beetle, « LMW 28IF », signifierait « Living McCartney aurait eu 28 ans si », suggérant que Paul McCartney aurait eu 28 ans s’il n’était pas mort … Mais « en 1969 , pendant le tournage, le musicien avait en fait 27 ans !

La dernière anecdote concerne la composition de la pochette de The Beatles Abbey Road. Après cette photo avec les Beatles, Iain MacMillan veut prendre une photo du panneau de signalisation, où malencontreusement, une jeune femme vêtue d’une robe bleue passe devant l’objectif, ce qui agace le photographe. Enfin, cette photo est sélectionnée comme photo de dos de l’album.

 

La réédition The Beatles Abbey Road 50^e anniversaire

L’album est sorti le 27 septembre 2019.  Il est inspiré du mixage stéréo d’origine et remixé par Giles Martin, fils de George Martin et ingénieur du son Sam Okell aux studios Abbey Road, le même qui a remasterisé et modernisé le son des deux rééditions précédentes. À l’instar de la réédition du Lonely Heart Club du sergent Pepper en 2017 et des Beatles en 2018, certaines éditions sont accompagnées d’enregistrements studio inédits. La réédition atteint la première place sur les charts britanniques et la troisième sur Billboard 200.

Album de The Beatles Abbey Road 50e Anniversaire
Sortie 27 septembre 2019 – Format CD, 33 tours, téléchargement, Blu-ray
Producteur Giles Martin
Label Apple Records

Face A

• 1. Come Together John Lennon, Paul McCartney   4:20
• 2. Something George Harrison   3:02
• 3. Maxwell’s Silver Hammer John Lennon, Paul McCartney 3:27
• 4. Oh! Darling John Lennon, Paul McCartney  3:26
• 5. Octopus’s Garden Ringo Starr   2:51
• 6. I Want You (She’s So Heavy) John Lennon, Paul McCartney  7:47

Face B

• 7. Here Comes the Sun George Harrison  3:05
• 8. Because John Lennon, Paul McCartney John Lennon, Paul McCartney,   2:45
• 9. You Never Give Me Your Money John Lennon, Paul McCartney  4:02
• 10. Sun King John Lennon, Paul McCartney John Lennon, Paul McCartney, G  2:25
• 11. Mean Mr. Mustard John Lennon, Paul McCartney  1:06
• 12. Polythene Pam John Lennon, Paul McCartney  1:12
• 13. She Came In Through the Bathroom Window John Lennon, Paul McCartney  1:58
• 14. Golden Slumbers John Lennon, Paul McCartney  1:31
• 15. Carry That Weight John Lennon, Paul McCartney John Lennon,    1:36
• 16. The End John Lennon, Paul McCartney  2:051
• 17. Her Majesty (chanson cachée) John Lennon, Paul McCartney  0:23

La chanson The End en tant que telle dure 2:05, mais un silence de quinze secondes entre elle et la chanson cachée Her Majesty porte sa durée à 2:20.

FAQ sur les studios Abbey Road

1. Qu’est-ce que les studios Abbey Road ?

Les studios Abbey Road sont un complexe de studios d’enregistrement situé à Londres, en Angleterre. Ils sont célèbres pour avoir accueilli des enregistrements de nombreux artistes emblématiques, tels que les Beatles et Pink Floyd.

2. Quand les studios Abbey Road ont-ils été fondés ?

Les studios Abbey Road ont été fondés en 1931 sous le nom d’EMI Studios.

3. Pourquoi les studios Abbey Road sont-ils si célèbres ?

Les studios Abbey Road sont célèbres pour avoir été le lieu de nombreux enregistrements emblématiques, tels que l’album « Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band » des Beatles et l’album « The Dark Side of the Moon » de Pink Floyd.

4. Les studios Abbey Road sont-ils toujours en activité ?

Oui, les studios Abbey Road sont toujours en activité et continuent d’accueillir des artistes et des groupes pour des enregistrements.

5. Comment peut-on réserver les studios Abbey Road ?

Les studios Abbey Road sont réservés par l’intermédiaire de leur site web, où les artistes et les producteurs peuvent soumettre une demande de réservation.

6. Les studios Abbey Road offrent-ils des services de mastering et de mixage ?

Oui, les studios Abbey Road offrent des services de mastering et de mixage pour les artistes et les producteurs.

7. Les studios Abbey Road sont-ils ouverts au public pour des visites ?

Oui, les studios Abbey Road proposent des visites guidées pour les fans de musique et les touristes qui souhaitent découvrir l’histoire du studio.

8. Les studios Abbey Road disposent-ils d’un équipement de pointe pour les enregistrements ?

Oui, les studios Abbey Road disposent d’un équipement de pointe pour les enregistrements, avec des studios équipés de consoles de mixage analogiques et numériques, d’une grande variété de microphones et d’outils de production audio de haute qualité.

9. Les studios Abbey Road ont-ils des résidents permanents ?

Non, les studios Abbey Road ne disposent pas de résidents permanents, mais les artistes et les producteurs peuvent réserver les studios pour des périodes prolongées s’ils le souhaitent.

10. Les studios Abbey Road ont-ils inspiré d’autres studios d’enregistrement dans le monde ?

Oui, les studios Abbey Road ont été une source d’inspiration pour de nombreux autres studios d’enregistrement dans le monde entier. Leur succès et leur histoire ont inspiré de nombreux artistes et producteurs à chercher des conditions similaires pour leurs propres enregistrements.

 

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The Beatles Abbey Road

 

Quelles chansons sont présentes sur l’album Abbey Road ?

L’album Abbey Road comprend 17 chansons, dont certaines des plus célèbres des Beatles. Voici la liste complète des titres :

« Come Together »
« Something »
« Maxwell’s Silver Hammer »
« Oh! Darling »
« Octopus’s Garden »
« I Want You (She’s So Heavy) »
« Here Comes the Sun »
« Because »
« You Never Give Me Your Money »
« Sun King »
« Mean Mr. Mustard »
« Polythene Pam »
« She Came In Through the Bathroom Window »
« Golden Slumbers »
« Carry That Weight »
« The End »
« Her Majesty »

Quelle est l’histoire de la pochette de l’album Abbey Road ?

La pochette de l’album Abbey Road est l’une des plus célèbres de l’histoire de la musique. Elle montre les membres des Beatles traversant un passage clouté en file indienne, devant le célèbre studio Abbey Road à Londres. La photo a été prise par le photographe écossais Iain Macmillan, qui a pris six clichés différents du groupe traversant la rue. La photo choisie pour la pochette est celle où les membres du groupe ont l’air le plus détendus et où le soleil est le plus visible.

La photo a été prise le 8 août 1969, seulement quelques semaines avant que le groupe ne se sépare officiellement. Elle est devenue emblématique de la fin des années 60 et de la musique des Beatles. De nombreuses personnes ont tenté de reproduire la photo au fil des ans, et la rue elle-même est devenue une attraction touristique majeure pour les fans des Beatles.

Quels ont été les succès commerciaux de l’album Abbey Road ?

The Beatles Abbey Road a été un énorme succès commercial pour les Beatles. L’album est sorti en septembre 1969 et a immédiatement connu un grand succès. The Beatles Abbey Road a atteint la première place des charts britanniques et américains et est resté en tête des charts américains pendant 11 semaines consécutives. Les singles « Something » et « Come Together » ont également été des succès commerciaux importants.

Au fil des ans, The Beatles Abbey Road  est devenu l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Il a été certifié disque de platine plusieurs fois dans de nombreux pays et a remporté de nombreux prix, notamment le Grammy Award de l’album de l’année en 1970.

Quelle est la signification de la chanson « Something » de l’album Abbey Road ?

« Something » est l’une des chansons les plus célèbres de l’album The Beatles Abbey Road . Elle a été écrite par George Harrison, le guitariste des Beatles, et est considérée comme l’une de ses plus grandes compositions.

La signification exacte de la chanson est un peu vague, mais on pense qu’elle est inspirée par la femme de George Harrison, Pattie Boyd. La chanson parle de l’amour et de la beauté d’une femme, et est souvent considérée comme l’une des plus belles chansons d’amour jamais écrites.

Quels ont été les singles et les chansons les plus populaires de l’album « Abbey Road » des Beatles ?

The Beatles Abbey Road a été un grand succès commercial, avec plusieurs chansons devenues des classiques de la musique rock. Les singles les plus populaires de l’album étaient « Something » et « Come Together ». « Something » est une ballade écrite par George Harrison qui a atteint la deuxième place du classement des singles aux États-Unis et la quatrième place au Royaume-Uni. « Come Together » est une chanson écrite par John Lennon qui est devenue un autre hit du groupe, atteignant la première place du classement des singles aux États-Unis.

Parmi les autres chansons populaires de l’album figurent « Here Comes the Sun », écrite par George Harrison et considérée comme l’une des meilleures chansons du groupe, ainsi que « Octopus’s Garden », écrite par Ringo Starr. « Because » est également une chanson bien-aimée de l’album, avec ses harmonies vocales complexes.

Quelle est la signification de la pochette de l’album « The Beatles Abbey Road  » ?

La pochette de l’album « Abbey Road » est l’une des plus célèbres de l’histoire de la musique. Elle représente les Beatles traversant un passage clouté devant les studios Abbey Road à Londres. La photo a été prise par le photographe Iain Macmillan en août 1969.

La signification de la pochette a été l’objet de nombreuses interprétations au fil des ans. Certains ont vu dans la photo une allégorie de la mort, John Lennon étant vêtu de blanc comme un prêtre, Ringo Starr de noir comme un croque-mort, Paul McCartney étant pieds nus pour représenter les morts, et George Harrison en jean et chemise pour représenter le fossoyeur. Cependant, Paul McCartney a déclaré plus tard que la photo n’avait aucun sens caché et qu’elle avait simplement été prise parce que les Beatles se trouvaient devant les studios Abbey Road ce jour-là et qu’ils avaient décidé de faire une photo rapide.

Quelle a été la réception critique de l’album « The Beatles Abbey Road  » à sa sortie ?

L’album « Abbey Road » a été bien accueilli par la critique à sa sortie en 1969. Les critiques ont salué la qualité des chansons et la production soignée de l’album. Certains critiques ont également noté que l’album représentait un retour en force pour le groupe après leur expérience décevante avec « Let It Be ».

Aujourd’hui, l’album est considéré comme l’un des meilleurs de l’histoire de la musique rock. Il est souvent cité comme l’un des albums les plus influents de tous les temps et a été inclus dans de nombreuses listes des meilleurs albums jamais réalisés.

Quel est l’héritage de l’album « The Beatles Abbey Road » ?

L’héritage de l’album « Abbey Road » est immense. Il a été un grand succès commercial pour les Beatles, avec des singles comme « Something » et « Come Together » devenus des classiques de la musique rock. L’album a également été salué par la critique à sa sortie et est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs albums de tous les temps

The Beatles Abbey Road

La légendaire route vers l’enfer : une exploration de l’album « Highway to Hell »

par Eric Canto | Mis à jour le 27/12/2024 | Publié le 22/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

La légendaire route vers l’enfer : une exploration de l’album « Highway to Hell »

Dans cet article, nous allons explorer le célèbre album « Highway to Hell«  du groupe de rock légendaire AC/DC. Nous parlerons de l’histoire derrière sa création, des chansons qui le composent et de son impact sur la scène musicale mondiale.

L’histoire derrière la création de « Highway to Hell »

Sorti en 1979, « Highway to Hell » est le sixième album studio d’AC/DC, groupe de rock australien formé en 1973 par les frères Malcolm et Angus Young. Cet album marque un tournant pour le groupe, car il s’agit du dernier dans lequel le chanteur emblématique Bon Scott participe avant son décès prématuré en 1980.

Highway to Hell

Le titre éponyme « Highway to Hell » fait référence aux tournées incessantes que le groupe a dû faire pour percer dans l’industrie musicale à l’époque. Le chanteur Bon Scott aurait décrit la vie sur la route comme étant une véritable autoroute vers l’enfer, où chaque kilomètre semble ne mener qu’à des problèmes et des difficultés.

Les chansons qui composent « Highway to Hell »

L’album « Highway to Hell » comprend dix titres qui figurent parmi les plus grands succès d’AC/DC :

1. « Highway to Hell », la chanson-titre de l’album, est aujourd’hui considérée comme un véritable hymne du rock. Avec son riff de guitare accrocheur et ses paroles provocantes, elle reste l’une des chansons les plus emblématiques d’AC/DC.
2. « Girls Got Rhythm » est un morceau dédié aux groupies qui suivent le groupe en tournée. Son rythme entraînant et ses paroles séduisantes ont fait de cette chanson l’un des moments forts des concerts d’AC/DC.
3. « Walk All Over You » explore la relation tumultueuse entre Bon Scott et sa petite amie de l’époque. Le texte décrit leur relation passionnelle et chaotique à travers un mélange de métaphores et d’allusions.
4. « Touch Too Much » traite des excès et des désirs liés à la célébrité. La chanson parle de l’appétit insatiable pour les plaisirs charnels que peuvent avoir certaines personnes lorsqu’elles sont sous les projecteurs.
5. « Beating Around the Bush » aborde le thème de la tromperie et du mensonge dans les relations amoureuses. Ce morceau énergique reflète parfaitement l’amertume ressentie face à la trahison.
6. « Shot Down in Flames », avec son tempo rapide et ses riffs de guitare musclés, dépeint la déception éprouvée par quelqu’un qui voit ses avances rejetées sans pitié.
7. « Get It Hot » met en avant l’obsession de Bon Scott pour les femmes et la fête. Son message est simple : il faut profiter à fond de la vie et des bonnes choses qu’elle a à offrir.
8. « If You Want Blood (You’ve Got It) » s’inspire de l’énergie brute qui se dégage lors des concerts du groupe. La chanson évoque la soif de l’audience pour le rock’n’roll et la puissance électrisante d’une performance live.
9. Sombre et mélancolique, « Love Hungry Man » expose les tourments intérieurs d’un homme prêt à tout pour combler son insatiable appétit de passion et d’affection.
10. Enfin, « Night Prowler » clôture l’album avec une ambiance sombre et inquiétante. Elle décrit un personnage macabre qui rôde dans la nuit, incarnant ainsi les travers obscurs de la condition humaine.

L’influence des autres membres du groupe sur les chansons

Bien que Bon Scott soit souvent considéré comme le principal parolier de l’album, il convient de noter que les frères Young ont également grandement contribué à sa création. Les riffs de guitare caractéristiques d’Angus Young sont présents tout au long de l’album, tandis que Malcolm Young apporte sa solide base rythmique et sa vision artistique globale.

L’impact de « Highway to Hell » sur la scène musicale mondiale

Dès sa sortie, « Highway to Hell » a connu un succès retentissant. Il a atteint la 17e place du Billboard 200 aux États-Unis et s’est vendu à plus de sept millions d’exemplaires dans le monde. Cette réussite commerciale a permis au groupe d’acquérir une renommée internationale et de participer à des tournées mondiales à guichets fermés.

En dépit du décès tragique de Bon Scott, AC/DC a continué sur sa lancée en recrutant le chanteur Brian Johnson. Ensemble, ils ont sorti l’album monumental « Back in Black » en 1980, qui reste aujourd’hui l’une des meilleures ventes d’albums de tous les temps.

Le legs de « Highway to Hell »

Aujourd’hui, plus de quatre décennies après sa sortie, « Highway to Hell » demeure un pilier incontournable de la musique rock. L’album conserve son pouvoir évocateur et sa capacité à captiver les fans de rock du monde entier, toutes générations confondues. Sa force réside non seulement dans ses mélodies entraînantes et intemporelles, mais aussi dans son authenticité et sa sincérité émotionnelle.

Avec Highway To Hell, AC/DC a devancé les autres en réalisant un record qui les a finalement aidés à percer en  Amérique… mais un tel succès a coûté très cher.

Pour Malcolm Young, le guitariste rythmique d’ AC/DC , il s’agissait toujours du riff. Et avec un en particulier, dès qu’il l’a inventé au début de 1979, il a su dans ses os, que c’était quelque chose de spécial. Comme il l’a dit, avec le genre de brutalité et de vulgarité qui avait toujours défini le travail du groupe : « Ça sortait comme des boules de chien. »

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Highway To Hell : le riff

Highway To Hell était parfait dans sa simplicité : la façon dont il bougeait, en rafales saccadées, rappelant All Right Now de Free . Et c’est sans doute de là que vient la chanson la plus importante de toute la carrière d’AC/DC.

Highway To Hell a commencé comme une blague, lorsque le guitariste principal Angus Young , le petit frère de Malcolm, a décrit la tournée exténuante du groupe en 1978 comme « une putain d’autoroute vers l’enfer ». Et dans les paroles prononcées par le chanteur Bon Scott, il y avait une déclaration de signature d’attitude rock’n’roll insouciante.

Highway To Hell était la chanson titre du premier album vendu à un million d’exemplaires, d’AC/DC. Au Royaume-Uni, c’était le premier hit du groupe dans le Top 10 en dehors de leur Australie natale. Plus important encore, comme l’a dit Angus Young: « C’est l’album qui nous a brisés en Amérique. »

Tout cela n’est pas venu facilement. Lors de la réalisation de l’album Highway To Hell , le groupe a subi une pression intense de la part d’Atlantic Records en Amérique pour sortir un disque à succès. Cela a conduit Malcolm et Angus à prendre l’une des décisions les plus difficiles de leur vie : se passer des services de leur frère aîné, George Young, qui avait produit tous les albums précédents d’AC/DC avec Harry Vanda, un ancien membre, comme George, de groupe australien The Easybeats.

Il y avait même des chuchotements autour d’Atlantic selon lesquels Bon Scott devrait être renvoyé du groupe, à cause de son style de vie alcoolique faisant de lui un canon trop lâche, et sa voix jugée trop crue et idiosyncrasique pour les goûts traditionnels.

En fin de compte, Bon Scott a prouvé que les sceptiques avaient tort, livrant la performance d’une vie sur Highway To Hell, poussé par Mutt Lange, le brillant jeune producteur qui a remplacé George et Harry. Ce que Lange a retiré du groupe était exactement ce qu’Atlantic avait demandé – un disque de hard rock direct, sans conneries, fidèle aux racines d’AC / DC, mais avec un côté plus propre.

Mais alors que Highway To Hell était le disque à succès qui a élevé AC/DC au rang de célébrité majeure, c’était aussi le dernier souffle de Bon Scott. Le 19 février 1980, moins d’un mois après la fin de la tournée Highway To Hell , le chanteur est retrouvé mort à Londres après une nuit de forte consommation d’alcool. Les circonstances exactes de la mort de Bon Scott feront l’objet de conjectures pendant près de 40 ans.

Highway To Hell : la source

Il y avait toujours une dureté à propos d’AC/DC, dans la musique qu’ils jouaient – ​​le son de Chuck Berry et Little Richard and the Rolling Stones poussé au maximum de volume et d’intensité – et dans la façon dont ils se comportaient. Des d’années de corruption, de transpiration dans les pubs et les clubs d’Australie, où des bouteilles étaient jetées et où la foule pouvait y sentir le sang.

Peu importe que les membres d’AC/DC soient tous des petits culs, qu’Angus soit abstinent et porte un uniforme d’écolier sur scène, et que le bassiste Cliff Williams, le seul Anglais du groupe, soit calme et facile à vivre.

Les trois autres avaient un avantage sur eux : Bon avec ses tatouages ​​de taulard, le batteur Phil Rudd un dur à cuire bourru, Malcolm le gars qui dirigeait le groupe avec une verge de fer. C’est en référence à ces trois-là qu’Angus a dit un jour : « Si je les voyais marcher dans la rue, je courrais, tu sais ?

La puissance d’Atlantic Records était la force irrésistible de l’objet immobile d’AC/DC, et la friction entre les deux a commencé bien avant Highway To Hell. « Quand nous sommes arrivés en Angleterre pour la première fois en 1976, la maison de disques voulait nous présenter comme un groupe punk », a déclaré Malcolm. « On leur a dit d’aller se faire foutre ! »

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En Amérique, c’était pire. À une époque où la radio FM était dominée par des stars du soft-rock telles que Fleetwood Mac et Peter Frampton , et où le groupe de hard rock , Boston , avait un son impeccablement conçu, l’album d’AC / DC de cette année-là, Dirty Deeds Done Dirt Cheap , était si rugueux et louche, qu’Atlantic l’a considéré comme commercialement non viable et a refusé de le sortir aux États-Unis.

La réponse du groupe a été de doubler avec l’album suivant, Let There Be Rock de 1977 , un exercice d’exagération, enregistré à peu près en direct en studio, avec des commentaires lamentables et des guitares vacillantes.

C’était à peu près la même chose avec Powerage de 1978, son rock’n’roll viscéral et son authenticité granuleuse, dans des chansons sur la dépendance à l’héroïne et la file d’attente au chômage, admirées par Keith Richards. « Tout le groupe le pense », a-t-il dit, « et vous pouvez l’entendre. »

Les albums d’AC/DC se vendaient bien dans d’autres territoires. Au Royaume-Uni, Let There Be Rock et Powerage avaient fait le Top 30. En Amérique, alors que Powerage s’est vendu à 200 000 exemplaires, soit le double des chiffres de Let There Be Rock, il n’a toujours atteint que la 133e place du classement Billboard.

C’était loin d’être suffisant pour satisfaire une maison de disques qui avait Led Zeppelin dans ses bacs. Mais en tant que groupe qui prospérait sur la route, AC/DC avait parcouru des kilomètres à travers les États-Unis, et à partir de là, l’élan se construisait.

Les années les avaient affinés dans un live électrisant : Bon avec la fanfaronnade d’un flingueur, Angus le paratonnerre pour l’attaque à haute tension du groupe, et derrière eux les trois autres travaillant comme une machine bien huilée.

Leurs premiers spectacles dans les arènes américaines avaient eu lieu à la fin de 1977, en première partie de Kiss à l’invitation du bassiste Gene Simmons après avoir vu AC/DC jouer dans un club de Los Angeles plus tôt cette année-là.

Highway To Hell – Highway To Hell

« Il y avait beaucoup de groupes qui jouaient du bon rock’n’roll », se souvient maintenant Simmons. « Ce qui m’a frappé, c’est ce petit guitariste qui bougeait sur scène comme un fou de Bornéo, même entre les pannes. J’étais émerveillé.

Après ce spectacle, le géant Simmons a emmené le petit guitariste pour un repas de fin de soirée au restaurant Ben Frank sur Sunset Boulevard. « Angus a commandé un hot-dog et des haricots », dit Simmons. « Et je me souviens qu’il a pris le hot-dog dans sa main, moins le petit pain, et l’a mis dans sa bouche sur le côté, car il lui manquait des dents. »

Après les quatre concerts d’AC/DC avec Kiss, Simmons a conclu : « Voici un groupe avec lequel il faut compter. Et il a vu quelque chose d’unique à Bon Scott. « Peut-être parce qu’il venait d’un milieu difficile, il était l’antithèse des jolis chanteurs de l’époque. Torse nu. Chant dur. La voix était indéniable.

En 1978, AC/DC part en tournée avec un autre groupe américain de premier plan, Aerosmith . Au Forum de Los Angeles, un jeune de 15 ans nommé James Hetfield était dans le public. Trois ans avant que Hetfield ne forme Metallica , il assistait à son premier concert de rock. « J’étais un grand fan d’Aerosmith », a-t-il déclaré.

« Mais je n’avais aucune idée qu’AC/DC était aussi cool. J’y suis allé avec mon frère aîné, et je me souviens qu’il a pointé Angus du doigt et qu’il a dit : « Ce petit gars qui courait partout était ennuyeux ! Mais je voulais être ce gars-là !

Highway To Hell : la puissance

La puissance en direct d’AC/DC a également été notée par leurs pairs. Lorsque le groupe a ouvert le festival Day On The Green de 1978 au Oakland Coliseum en Californie, d’une capacité de 80 000 places, avec Aerosmith en tête d’affiche et mettant également en vedette Foreigner , Pat Travers et les étoiles montantes Van Halen , le guitariste de ce dernier, Eddie Van Halen , a ressenti une secousse de peur en regardant AC/DC.

Comme il l’a dit: « Je me tenais sur le côté de la scène en pensant: » Nous devons suivre ces enfoirés ? « A Cleveland, ils nous ont fait sauter de la scène », a avoué Moore. « Putain ils nous ont tués. »

Pour AC/DC, suivre Powerage avec un album live était une évidence. Pour Atlantic, il avait le potentiel d’être un hit révolutionnaire, comme Kiss l’avait fait en 1975 avec Alive!

L’album live d’AC/DC, If You Want Blood You’ve Got It , a été enregistré le 30 avril 1978 à Glasgow Apollo, dans la ville où Malcolm et Angus Young sont nés et à deux heures de route de la ville natale de Bon, Kirriemuir. L’album était explosif, des premières notes endiablées de Highway To Hell jusqu’à l’enfer pour le cuir de Rocker . Mais son succès au Royaume-Uni et en France n’a pas été égalé aux États-Unis, où il a calé au n ° 113. Et c’est à la suite de cette déception que les tensions entre AC/DC et Atlantic Records ont atteint leur paroxysme.

Dans les premiers jours de 1979, le vice-président de la société, Michael Klenfner, a voyagé de New York à Sydney pour rencontrer le groupe et entendre la  nouvelle maquette sur laquelle ils travaillaient aux Albert Studios avec Harry Vanda et George Young. La position de Klenfner était clairement énoncée.

Klenfner voulait entendre des chansons qui pourraient passer à la radio en Amérique, et il n’y avait rien de tout cela dans les démos que George lui jouait.

George et Harry savaient comment faire un hit. Ils l’avaient fait dans le passé avec The Easybeats, et au début de 1979, ils ont eu un succès mondial avec le numéro disco-pop du chanteur australien John Paul Young, Love Is In The Air . Mais avec AC/DC, c’était différent.

Ils voyaient le groupe comme Malcolm et Angus le voyaient : du rock’n’roll pur et simple. Comme l’a dit George : « C’était toujours plus important qu’il ait les couilles. Donc, si nous devions choisir une prise où ça bourdonnait et tout ça, nous irions dans ce sens. »

ac dc highway to hell – Highway To Hell

Klenfner n’y croyait pas. Pour faire passer AC/DC au niveau supérieur, il pensait qu’un nouveau producteur était nécessaire. Finalement, après consultation avec George, la décision a été acceptée, bien qu’à contrecœur, par Malcolm et Angus.

Aucun temps n’a été perdu. En février, le groupe s’est mis au travail aux studios Criteria à Miami, en Floride, avec Eddie Kramer, un producteur avec une grande réputation et une feuille de route éprouvée. Né en Afrique du Sud, Kramer avait été ingénieur du son sur certains des albums classiques des années 60 et 70, dont les trois premiers de Jimi Hendrix Experience et Houses Of The Holy and Physical Graffiti de Led Zeppelin .

Highway To Hell

Plus récemment, il avait produit trois albums pour Kiss. Mais quelques jours après avoir travaillé ensemble, il est devenu évident que Kramer et AC/DC ne faisaient pas bon ménage. Après avoir suggéré que le groupe enregistre une version du hit Gimme Some Lovin’ des années 60 du groupe Spencer Davis , Malcolm a rapidement mis fin aux sessions.

C’était peut-être le destin. A cette époque, le manager d’AC/DC, Michael Browning, partageait un appartement à New York avec ‘Mutt’ Lange. Expatrié sud-africain comme Kramer, Lange avait récemment marqué son premier n ° 1 au Royaume-Uni en tant que producteur avec Rat Trap des Boomtown Rats .

Browning a présenté Lange à Atlantic comme le candidat idéal pour le poste d’AC/DC – un gars avec un sens de la musique rock et une sensibilité pop perspicace. Atlantic a donné le feu vert et, en mars, Lange et le groupe se sont réunis à Londres.

Tout d’abord, ils ont répété et peaufiné les chansons dans un espace d’entraînement à loyer modique avec un sol en terre battue et un radiateur à paraffine pour atténuer le froid hivernal.

Pour l’enregistrement de l’album, ils ont déménagé aux Roundhouse Studios de Chalk Farm. Au sein du groupe, il y avait des réserves à propos de Lange. Malcolm a dit plus tard que s’ils avaient su qu’il avait travaillé avec The Boomtown Rats, « nous ne l’aurions jamais laissé franchir la porte ». Mais dès qu’ils se sont mis au travail, il était clair pour tout le monde, Malcolm en particulier, que ce type savait ce qu’il faisait.

Tout cela était évident dans le premier numéro enregistré pour Highway To Hell, la chanson titre de l’album. Essentiellement, c’était AC/DC comme ils l’ont toujours été. Comme l’a dit Malcolm : « Juste du rock’n’roll fort, wham, bam, merci, madame ! »

Mais avec Lange travaillant sa magie, c’est devenu quelque chose de tout à fait plus grand – un hymne rock pour ressusciter les morts. Et une fois que c’était dans la boîte, les neuf autres morceaux sont venus rapidement, avec l’album entier enregistré en seulement trois semaines.

Une poignée de morceaux consistaient à travailler un groove – Girls Got Rhythm, Shot Down In Flames et Get It Hot , ce dernier mettant en vedette un ricanement de Bon aux dépens du roi du schmaltz au gros nez, Barry Manilow.

Les trucs les plus agressifs étaient aussi durs et méchants que n’importe quoi sur Let There Be Rock : Walk All Over You brutalement efficace dans sa dynamique lente-rapide-lente, Beating Around The Bush était une balade à poings blancs comme Oh Well de Fleetwood Mac joué en double speed, If You Want Blood (You’ve Got It) tout pisse et vinaigre, ses paroles et son titre, à l’image de l’album live du groupe, inspiré des blagues faites par Bon et Angus au festival Day On The Green.

Comme Angus l’a rappelé: «Ce gars d’une équipe de tournage m’a contacté ainsi que Bon et m’a demandé quel genre de spectacle ça allait être. Bon a dit : « Vous vous souvenez quand les chrétiens sont allés voir les lions ? Eh bien, c’est nous les chrétiens ! Puis le type m’a demandé et j’ai dit : ‘S’ils veulent du sang, ils vont en avoir !’ »

C’est sur Love Hungry Man et Touch Too Much que l’influence de Lange était la plus importante, sa voix poussée haut dans le mix, son intelligence pop en jeu. Malcolm et Angus n’ont jamais beaucoup aimé Love Hungry Man, avec son côté mesuré, presque décontracté. Ils avaient aussi des doutes sur Touch Too Much, qui a été démo pour la première fois en 1977.

Mais ce morceau avait tout ce qui était génial à propos d’AC/DC : le rock’n’roll percutant et des paroles vintage. Et ce que Lange en a fait était assez brillant, adaptant le son à la radio avec des crochets vocaux intelligents et obligeant le groupe à se détendre un peu pour que le riff funky swingue vraiment.

Il y avait cependant une part sombre dans cet album. Malgré tout le chahut de l’album, il s’est terminé sur une note sombre avec Night Prowler, une chanson de blues tendue et effrayante pour laquelle Bon a adopté le personnage d’un méchant meurtrier.

Musicalement, c’était aussi puissant que les paroles étaient macabres, et à l’apogée, comme pour rompre le charme, Bon a lancé quelque chose de drôle, citant un faux langage extraterrestre de la sitcom de science-fiction des années 70 Mork & Mindy : « Shazbot ! Nanu nanu! »

Highway To Hell et Atlantic records

Des années plus tard, Night Prowler reviendrait hanter le groupe, lorsque la chanson était liée à Richard Ramirez, le tueur en série américain connu sous le nom de The Night Stalker.

Les allégations faites par Ramirez à la suite de son arrestation en 1985 ont été citées dans des titres de journaux sinistres, dont l’un disait : « AC/DC MUSIC MADE ME KILL 16 ». Malcolm Young a ensuite exprimé son mépris pour Ramirez et pour les articles médiatiques impliquant AC / DC. « Votre réponse à cela est: ‘Avez-vous fouillé son estomac pour un McDonald’s?' », A-t-il dit. « Si vous êtes un fou, vous êtes un fou. »

Mais au printemps 1979, lorsque l’album Highway To Hell a été terminé, c’est la chanson titre, et non Night Prowler, qui a secoué Atlantic Records. « Dès que nous avons appelé l’album Highway To Hell, la maison de disques américaine est immédiatement entrée en panique », a déclaré Angus. « Avec les choses religieuses, je pensais que partout c’était comme l’Australie. »

Là-bas, ils les appellent des bible-thumpers, et c’est une espèce limitée. Très limitée. Le christianisme n’a jamais été un mouvement populaire. C’est ce fond de bagnard !

En Amérique, où la moralité chrétienne était plus enracinée, Highway To Hell était une controverse en attente de se produire.

Avant que le groupe n’y retourne en mai pour une tournée avec les rockeurs britanniques de haut vol UFO, Angus et Bon ont rencontré l’écrivain Sounds Phil Sutcliffe dans un hôtel londonien. Et c’est lors d’une interview, menée en début d’après-midi, que Sutcliffe a senti pour la première fois que la consommation d’alcool de Bon devenait un problème sérieux. Sutcliffe avait rencontré le groupe plusieurs fois auparavant, et lui, comme tant d’autres, a été immédiatement attiré par Bon.

Comme il l’a rappelé : « Bon était tellement excentrique et pourtant tellement terre-à-terre. Sur scène, il était comme un pirate, un peu coriace et macho. Et où qu’il soit, il faisait que les gens se sentent bien. Ce jour-là, c’était différent. Selon Sutcliffe, Bon « ne savait pas où il était », tellement ivre qu’il pouvait à peine enchaîner une phrase cohérente.

Lorsque Sutcliffe lui a posé des questions sur le nouvel album et le rôle de Mutt Lange, Bon a répondu en riant : « Eh bien, en fin de compte, cobber, pour répondre à votre question, il a joué un rôle déterminant pour que je me projette… dans un domaine différent de celui de que je m’étais projeté avant.

Comme. » La façon dont Sutcliffe a décrit cet échange dans son article sur les sons était révélatrice : « Bon a basculé le long de ces circonlocutions grammaticales comme un ivrogne choisissant de se tester sur une ligne blanche. »

Et dans une observation, il y avait une prescience effrayante : « Curieusement », a écrit Sutcliffe, « il semble y avoir une part de vérité chez Angus, et peut-être tout le groupe, ayant pris Bon en main de manière presque paternelle bien qu’il soit de loin le plus âgé des eux à trente-trois ans. Bon reste celui qu’ils estiment devoir surveiller.

Au moment où Highway To Hell est sorti, le 27 juillet, un autre membre du cercle restreint d’AC/DC avait disparu, Michael Browning ayant été démis de ses fonctions de manager et remplacé par Peter Mensch de l’organisation Leber-Krebs, dont les clients comprenaient des gros joueurs tels que comme Aerosmith et Ted Nugent.

Tout allait vite. Le groupe est passé directement de la tournée UFO à une autre avec Cheap Trick . Au Royaume-Uni, Highway To Hell a été un succès instantané, atteignant la 8e place. En Amérique, la percée à la radio a finalement eu lieu lorsque Highway To Hell est sortie en tant que premier single.

Tout comme Atlantic l’avait prévu, Highway To Hell a suscité l’indignation de la soi-disant «majorité morale» américaine, non seulement pour son titre mais aussi pour son image de couverture, une photo de groupe dans laquelle un Angus ricanant, arborait des cornes de diable et, pour un effet supplémentaire, une queue fourchue.

Angus a rappelé en riant: «En Amérique, vous aviez des gars dans des draps et des pancartes avec des prières pour piqueter les concerts. J’ai dit : ‘Pour qui sont-ils là ?’ Et ils ont dit : ‘Toi !’ Nous avons entendu tous ces trucs sur Highway To Hell – que si vous le jouez à l’envers, vous obtenez ces messages sataniques. Putain de merde, pourquoi jouer à l’envers ? C’est écrit d’emblée : Highway To Hell ! » Ce que Gene Simmons a entendu dans Highway To Hell était un groupe atteignant son apogée. « J’ai adoré les chansons », dit-il. « J’ai adoré l’ambiance. »

Alors que l’album se connectait avec un public de masse en Amérique, le profil d’AC/DC au Royaume-Uni s’est encore accru avec une performance époustouflante pour The Who au stade de Wembley le 18 août. Parmi les 60 000 spectateurs se trouvait Danny Bowes – alors un Installateur de tapis de 19 ans qui a chanté dans un groupe de rock basé à Londres appelé Nuthin ‘Fancy, maintenant le chanteur de Thunder.

« Je suis allé voir The Who », dit Bowes, « et j’en suis ressorti fan d’AC/DC. L’approche de Bon Scott envers le public était très directe – ton cul est à moi ! Et vraiment, The Who n’avait aucune chance. AC/DC les a éclaboussé, dépassé complétement ».

Une autre victoire suivit ensuite. Le 5 septembre, alors qu’AC/DC reprenait la route en Amérique, une étape importante a été franchie. Highway To Hell est devenu le premier disque d’or du groupe aux États-Unis, avec un demi-million de ventes. « C’était la première fois que les choses allaient vraiment se passer pour nous », a déclaré Cliff Williams.

Le 26 octobre, cinq jours seulement après la dernière date aux États-Unis, ils ont commencé une tournée britannique à Newcastle Mayfair. L’acte de soutien était un jeune groupe britannique que Peter Mensch allait bientôt co-gérer – Def Leppard. Pour le chanteur de Leppard Joe Elliott, qui venait d’avoir 20 ans, cette tournée était une expérience qu’il n’oublierait jamais.

Le deuxième soir, à Glasgow Apollo, l’endroit où If You Want Blood You’ve Got It a été enregistré, Elliott est monté sur le balcon pour avoir une bonne vue d’AC/DC. Ce qu’il a eu à la place était une expérience de mort imminente. « Quand ils ont ouvert avec Live Wire , la basse pompait, je jure que ce putain de balcon bougeait douze pouces », se souvient-il. « C’était comme un tremblement de terre. Les gens devenaient tellement fous que je pensais que le balcon allait s’effondrer.

Tous les autres soirs de cette tournée, Elliott et les autres membres de Def Leppard ont regardé les performances d’AC/DC depuis le côté de la scène. « Nous avons tellement appris d’eux », dit-il. « La présentation, la grande énergie et la communication avec le public.

Bon était un maître dans ce domaine. Chemise enlevée après trois chansons, beaucoup de sueur, agressivité contrôlée dans la voix. Il n’avait pas l’air d’essayer. Il était comme un robinet – il suffit de l’ouvrir. Il est né pour le faire. »

Comme Elliott s’en souvient, Bon était tout aussi impressionnant hors scène. « Rencontrer vos héros peut être décevant », dit-il, « mais pas avec Bon. Il était super avec nous. Ce n’était pas un connard prétentieux. C’était un talent naturel. Et il y avait toujours une étincelle dans ses yeux et un sourire de merde sur son visage.

Il était à ce moment de sa vie où tous les feux étaient au vert. Un soir, il est entré dans un bar avec sa veste en jean et a vu que nous n’avions pas d’argent, alors il m’a collé un dix dans la main et m’a dit : « Tenez, payez-vous un verre. Rends-le-moi plus tard. Rendez-vous sur la route. Et il n’était pas seulement flash. Bon n’était pas comme Keith Moon, se balançant des lustres. Il aimait boire un verre, mais ce n’était pas seulement un homme sauvage.

Le batteur de Leppard, Rick Allen, garde également de bons souvenirs de cette tournée, et de Bon en particulier. Lorsqu’ils ont joué au Hammersmith Odeon de Londres le 1er novembre, Allen a fêté son seizième anniversaire et son jeune âge s’est reflété dans le cadeau qu’il a reçu de Bon.

« Il est entré dans notre loge », se souvient Allen, « en chantant Joyeux anniversaire avec cette étrange voix australo-glaswégienne, et m’a donné un grand bol de Smarties. C’était sa drôle de façon de me montrer un peu d’amour.

Le 11 novembre, AC/DC part en Europe avec Judas Priest en première partie à la place de Leppard. Un spectacle au Pavillon de Paris dans la capitale française le 9 décembre a été filmé pour le film de concert AC/DC: Let There Be Rock , qui devait sortir en salles en 1980.

Mais alors que la tournée touchait à sa fin, Bon a subi un blessure anormale, se tirant un muscle de la jambe lors d’une bagarre ivre avec l’un des roadies du groupe après un concert à Nice. Il a réussi à passer trois dates en Angleterre à l’approche de Noël, mais deux autres ont dû être reportées.

Bon s’est envolé seul pour l’Australie pour profiter de Noël au soleil, voir ses parents et retrouver de vieux amis. À cette époque, les ventes de Highway To Hell frôlent le million. Mais pour Bon, en revenant à l’endroit où son long voyage vers la célébrité rock’n’roll avait commencé, les émotions étaient mitigées. Même dans ce moment de victoire, il y avait de la tristesse en lui.

Bon Scott avait créé sa propre mythologie avec des mots qu’il chantait en 1976 : « I ‘a rocker, roller, right-out-of-controller « . Il était connu comme un hellraiser et un coureur de jupons; un charmeur, certes, mais un homme qui pouvait user de ses poings si nécessaire. Et pourtant, malgré tout son machisme, c’était un homme complexe, une dichotomie révélée dans les deux premières chansons de blues qu’AC/DC a enregistrées.

The Jack, à partir de 1975, faisait chanter Bon sur les choses qu’il avait apprises en dormant. En tant que « graffeur de murs de toilettes » autoproclamé, les mots lui sont venus facilement. Mais avec Ride On , à partir de 76, il chante la solitude de la route, le revers de la vie rock’n’roll. Interviewé en 1978, il déclare : « J’ai été sur la route pendant treize ans. Les avions, les hôtels, les groupies, l’alcool, les gens, les villes, ils vous arrachent tous quelque chose.

Alors qu’il était en Australie dans les derniers jours de 1979, il a rendu visite à son ex-femme, Irene, qui était enceinte de six mois. Peu importe à quel point il roulait avec AC/DC, et malgré tout ce qu’il s’engourdissait avec l’alcool, voici une vision de ce qu’aurait pu être sa vie si les choses s’étaient passées différemment.

Peu de temps après son retour à Londres en janvier 1980, la tournée Highway To Hell se conclut par huit concerts en France et deux en Angleterre.

Le dernier single de l’album, Touch Too Much , est sorti au Royaume-Uni le 25 janvier. Ce n’était pas un grand succès, culminant au n ° 29. Mais pour Joe Elliott, dont le groupe a continué à faire leurs plus grands albums avec Mutt Lange, Touch Too Much était à peu près parfait. « C’est marrant », dit Elliott, « parce que, comme Mutt me l’a dit plus tard, AC/DC ne supportait pas Touch Too Much . Ils pensaient que c’était trop coquelicot. Mais je pensais que c’était la meilleure chanson de l’album.

La dernière nuit de la tournée, au Gaumont Theatre de Southampton le 27 janvier 1980, s’est avérée être le dernier combat de Bon Scott. Ce qu’il a laissé avec Highway To Hell, son dernier testament, est l’un des plus grands albums de rock de tous les temps. Et tout comme Malcolm Young avait su qu’ils étaient sur quelque chose d’important à partir du moment où ce riff ressortait comme des couilles de chien, Bon l’avait su aussi.

Le 4 août 1979, une semaine après la sortie de Highway To Hell , AC/DC s’est produit pour la première fois au Madison Square Garden de New York, en première partie de Ted Nugent.

Cette nuit-là, comme la plupart des nuits, ils ont fait lever le public de leurs sièges dès le départ. Dans les coulisses après le spectacle, Bon s’était vanté auprès de l’ écrivain de Hit Parader Andy Secher : « Ce sera l’un des plus grands groupes de rock jamais vus. Donnez-nous un an ou deux et nous reviendrons à cet endroit même. »

Bon avait raison. Malheureusement, il n’a jamais vécu assez longtemps pour revivre ce moment.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Cindy Sherman Photographe américaine

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/08/2022 | Inspiration, musique et idées créatives, make

« J’essaie de faire en sorte que les autres reconnaissent quelque chose d’eux-mêmes plutôt que moi. » —Cindy Sherman

Cindy Sherman est l’une des artistes les plus connues et les plus importantes qui travaillent aujourd’hui.

Sa pratique performative de plusieurs décennies consistant à se photographier sous différentes formes,  a produit de nombreuses images parmi les plus emblématiques et les plus influentes de l’art contemporain.

Au cœur du travail de Sherman se trouve la multitude de stéréotypes identitaires qui ont surgi à la fois dans l’histoire de l’art et dans l’histoire de la publicité, du cinéma et des médias.

Sherman révèle et démantèle ces stéréotypes ainsi que les mécanismes de leur production en créant série après série de photographies qui se concentrent sur des procédures particulières de création d’images. La collection Broad est dédiée au travail de Sherman depuis plus de trente ans et ses collections sont inégalées dans le monde.

Dans ses premières œuvres, de petites photographies en noir et blanc connues sous le nom de série Untitled Film Still , Sherman a exploré les images de femmes dans les films des années 1950 et 1960. 

Dans les images fixes du film, plutôt que de citer des films reconnaissables, Sherman suggère des genres, ce qui donne des personnages qui émergent comme des types de personnalité au lieu d’actrices spécifiques. 

Les six premières images de la série, dont Untitled Film Still #6 , 1977, montrent la même actrice blonde à différentes étapes de sa carrière. Plus tard, le personnage dans Untitled Film Still # 34 , 1979, apparaît comme une séductrice, attendant à la maison son amant, et dans Untitled Film Still # 35, 1979, Sherman pourrait être considérée comme le trope de la femme diligente au foyer qui reste sexuellement attirante et disponible pour son mari.

Dans une série plus récente, comprenant des photographies couleur plus grandes, Sherman a reconstitué les décors de divers portraits européens du XVe au début du XIXe siècle. Dans Untitled #205 , 1989, Sherman se fait passer pour La Fornarina, tout comme le modèle aurait pu être peint par son amant, le peintre italien du XVIe siècle Raphaël, ou plus tard par Ingres. 

Cindy Sherman

Cindy Sherman

Ici, cependant, Fornarina de Sherman expose des seins gonflés de lait en plastique et berce un faux ventre de femme enceinte sous son châle. L’utilisation évidente par Sherman de parties du corps prothétiques et d’un décor théâtral oblige le spectateur à réfléchir à la posture et à la modélisation des sources historiques originales.

Pour cette raison, de nombreux critiques ont loué la déconstruction par Sherman des visions ouvertement masculines de la femme dans l’histoire de l’art. 

Biographie de Cindy Sherman

Cindy Sherman , en entier Cynthia Morris Sherman , (née le 19 janvier 1954 à Glen Ridge, New Jersey , États-Unis), est une  photographe américaine connue pour ses images – en particulier pour ses autoportraits minutieusement « déguisés » – qui commentent les jeux de rôle sociaux et stéréotypes sexuels .

Sherman a grandi à Long Island, New York . En 1972, elle s’inscrit à l’ Université d’État de New York (SUNY) à Buffalo et se spécialise en peinture, puis se tourne vers la photographie . Elle est diplômée de SUNY en 1976 et en 1977 a commencé à travailler sur Untitled Film Stills (1977–80), l’une de ses séries les plus connues. 

La série de photographies en noir et blanc de 8 × 10 pouces mettant en vedette Sherman dans une variété de rôles, rappelle le film noir et présente aux téléspectateurs une représentation ambiguë des femmes en tant qu’objets sexuels. Sherman a déclaré que la série parlait « de la fausseté du jeu de rôle ainsi que du mépris pour le public » masculin « dominant qui lirait à tort les images comme sexy. » 

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Elle a continué à être le modèle de ses photographies, enfilant des perruques et des costumes qui évoquent des images des domaines de la publicité, de la télévision, du cinéma et de la mode et qui, à leur tour, remettent en question les stéréotypes culturels soutenus par ces médias.

Au cours des années 1980, Sherman a commencé à utiliser des films couleur, à exposer de très grands tirages et à se concentrer davantage sur l’éclairage et l’expression faciale. 

À l’aide d’appendices prothétiques et de quantités généreuses de maquillage, Sherman est entré dans le domaine du grotesque et du sinistre avec des photographies représentant des corps mutilés et reflétant des préoccupations telles que les troubles de l’alimentation, la folie et la mort. 

Son travail est devenu moins ambigu, se concentrant peut-être davantage sur les résultats de l’acceptation par la société des rôles stéréotypés pour les femmes que sur les rôles eux-mêmes.

Sherman est revenue aux commentaires ironiques sur les identités féminines clichées dans les années 1990, introduisant des mannequins dans certaines de ses photographies, et en 1997, elle a réalisé le film comique noir Tueur de bureau . 

Deux ans plus tard, elle a exposé des images troublantes de poupées sauvages et de parties de poupées qui exploraient son intérêt pour la juxtaposition de la violence et de l’artificialité. Sherman a poursuivi ces juxtapositions dans une série de photographies de 2000 dans lesquelles elle se faisait passer pour des femmes hollywoodiennes avec un maquillage exagéré et des implants mammaires en silicone, obtenant à nouveau un résultat pathétique énigmatique . 

Cette même année, une importante rétrospective de son œuvre est présentée au Museum of Contemporary Art de Chicago et au Musée d’art contemporain de Los Angeles. 

Une rétrospective de 2012 au Museum of Modern Art (MoMA) de New York était accompagnée d’une série de films comprenant des films que Sherman considérait comme ayant influencé son travail.

En 2016, Sherman a reçu le prix Praemium Imperiale de peinture, une catégorie qui englobe également la photographie. Cette même année, elle a débuté une série de nouvelles photographies dans l’exposition « Imitation of Life » au Broad Museum, Los Angeles, et Metro Pictures, New York. En 2017, Sherman a fait sensation lorsqu’elle a fait son privé Compte Instagram public. 

La plate-forme de médias sociaux , où les utilisateurs peuvent exposer des vignettes de leur vie quotidienne et manipuler leur apparence à l’aide de filtres, semblait faite pour son travail, et Sherman a été célébrée pour son utilisation habile de l’application pour faire de l’art.

 Ses selfies, parfois grotesquement déformés et parfois énigmatiques, attirent l’attention sur certaines des caractéristiques les plus troublantes d’Instagram, à savoir l’ ambiguïté entre le réel et la mise en scène. Une rétrospective a été organisée par la National Portrait Gallery, Londres, en 2019.

Technique photo

Cindy Sherman est une artiste et photographe américaine connue pour son travail photographique qui explore les thèmes de l’identité, du genre, et de la représentation de soi. Sa technique photographique est très diversifiée, mais elle est surtout connue pour ses autoportraits, dans lesquels elle joue différents rôles et utilise des accessoires, des costumes et des décors pour créer des images surprenantes et intrigantes.

Sherman utilise souvent des éclairages directs et des couleurs vives pour donner à ses images un aspect cinématographique et dramatique. Elle utilise également différents formats, tels que le format carré, pour créer des images qui rappellent les photographies de mode ou de publicité.

Une autre caractéristique importante de la technique de Cindy Sherman est son utilisation de la mise en scène. Elle crée souvent des décors et des costumes complexes pour ses images, qui ajoutent des éléments de réalisme et de fiction à ses autoportraits. Cette technique de mise en scène donne à ses images une dimension narrative qui invite le spectateur à réfléchir sur les questions d’identité et de représentation de soi.

Enfin, Sherman utilise souvent la post-production pour retoucher ses images et leur donner un aspect plus dramatique ou surréaliste. Elle ajoute parfois des effets de maquillage, des filtres et des textures pour créer des images qui semblent sortir tout droit d’un rêve ou d’un film.

Cindy Sherman

Les livres de Cindy Sherman

2007

Durand, Regis, Jean-Pierre Criqui and Laura Mulvey. Cindy Sherman. France: Flammarion, 2007.

2003

Galassi, Pierre. Cindy Sherman: Les photos complètes du film sans titre . New York : Musée d’art moderne, 2003.

2000

Cruz, Amanda, Elizabeth AT Smith et Amelia Jones. Cindy Sherman : Rétrospective. New York : Tamise et Hudson, 2000.

Cindy Sherman

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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