Plongez dans l’univers complexe et fascinant de Meshuggah

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Plongez dans l’univers complexe et fascinant de Meshuggah

Certains groupes de musique sont considérés comme avant-gardistes, en raison de leur approche unique et innovante dans la création de leur art. C’est notamment le cas du groupe suédois Meshuggah. Depuis la fin des années 80, les musiciens de Meshuggah ont bousculé les codes traditionnels du metal avec leur style rythmiquement complexe et leur vision singulière de la composition musicale.

Style musical atypique entre polyrythmie et mélodies dissonantes

L’une des principales spécificités du groupe est son utilisation fréquente de la polyrythmie, c’est-à-dire la superposition de différentes rythmiques au sein d’une même pièce musicale. Cette technique, qui trouve ses origines dans les musiques africaines et indiennes, permet à Meshuggah d’explorer des territoires musicaux inconnus et de créer une atmosphère presque hypnotique pour l’auditeur.

Rythmes décalés et signatures temporelles inhabituelles

Cette recherche permanente de la nouveauté se retrouve également dans les structures de leurs morceaux, dont certaines reposent sur des signatures temporelles inhabituelles (telles que 23/16 ou 17/8) ainsi que sur des phrases rythmiques décalées. Ces éléments contribuent à créer un sentiment de déstabilisation chez l’auditeur, qui peine parfois à suivre les méandres sinueux de la musique de Meshuggah.

Influence sur la scène metal et au-delà

S’il est indéniable que Meshuggah a ouvert la voie à toute une génération de groupes de metal aux pratiques similairement expérimentales, leur influence ne se limite pas à ce seul genre musical. L’aspect polyrythmique des compositions du groupe a ainsi inspiré de nombreux artistes issus de différents horizons, qui ont choisi d’intégrer ces techniques dans le but de repousser constamment les limites établies dans leur propre discipline.

Une reconnaissance internationale pour un groupe en perpétuelle évolution

Le succès de Meshuggah n’est pas resté cantonné à la seule Suède : le groupe jouit aujourd’hui d’une solide réputation à l’échelle mondiale, grâce notamment à des tournées régulières et des albums plébiscités par la critique. Leur parcours jalonné de prix et distinctions diverses témoigne de cette réussite, bien qu’ils continuent inlassablement à chercher de nouvelles voies à emprunter dans l’univers foisonnant des musiques extrêmes.

Versatilité instrumentale et diversité d’influences au service de l’exploration musicale

Si Meshuggahest avant tout reconnu pour ses prouesses rythmiques, il serait injuste de réduire sa musique à cette seule dimension. Les membres du groupe sont tous des musiciens accomplis, capables de s’approprier aussi bien les codes du jazz que ceux de la musique classique ou des musiques du monde.

Une alchimie unique entre les alliages de guitares

Les deux guitaristes, Fredrik Thordendal et Mårten Hagström, utilisent ainsi souvent des accords dissonants tirés du vocabulaire du jazz pour soutenir leurs riffs metal dévastateurs, tandis que le batteur Tomas Haake, véritable métronome humain, n’hésite pas à emprunter au répertoire des rythmiques de la musique africaine pour asseoir sa frappe si caractéristique. Enfin, le chanteur Jens Kidman apporte une touche d’humanité à cette machine infernale avec ses textes sombres et introspectifs qui mettent en avant les angoisses existentielles de l’homme moderne.

Une discographie riche et éclectique : la quête permanente de l’innovation sans compromis

1. Contradictions Collapse (1991) : premier album du groupe, il montre déjà les prémices de leur style original bien que marqué par l’influence du thrash metal de l’époque.
2. Destroy Erase Improve (1995) : c’est ici que Meshuggah affine son style en intégrant pleinement la polyrythmie au sein de ses compositions.
3. Chaosphere (1998) : considéré comme une œuvre majeure, cet album pousse encore plus loin la complexité et la densité des morceaux tout en conservant une approche résolument aggressive.
4. Nothing (2002) : avec ce disque, Meshuggah se rapproche davantage du metal progressif et réussit une synthèse parfaite de toutes les facettes de leur musique.
5. Obzen (2008) : véritable retour aux sources, cet opus voit le groupe renouer avec une approche plus directe tout en continuant d’explorer des rythmiques toujours aussi déstabilisantes.
6. Koloss (2012) : dans une veine similaire à « Nothing », il propose un voyage passionnant au cœur même de l’univers complexe et fascinant de Meshuggah.
7. The Violent Sleep of Reason (2016) : dernière œuvre en date du groupe, elle témoigne d’une volonté constante de pousser encore plus loin les limites de la créativité musicale.

En définitive, Meshuggah est un groupe qui n’a cessé de repousser les frontières de la musique heavy metal à travers ses innovations techniques. Leur style polyrythmique, leurs rythmes décalés et leurs morceaux souvent labyrinthiques ont forcé nombre de musiciens à remettre en question leurs propres conceptions de la musique. Cette introspection collective a été bénéfique pour l’évolution du genre, qui a vu émerger un courant nouveau de groupes cherchant eux aussi à sortir des sentiers battus pour offrir une expérience musicale unique et stimulante.Si vous aimez les défis réussis et les sensations fortes musicales, vous trouverez sans doute votre bonheur en plongeant dans cet univers fascinant.

Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois qui a su se démarquer grâce à sa musique complexe et avant-gardiste. Depuis sa formation en 1987, le groupe a su influencer de nombreux autres artistes dans le monde du metal, notamment dans le sous-genre du djent. Leurs structures rythmiques uniques, leurs signatures de temps non conventionnelles et leurs grooves lourds et répétitifs font de Meshuggah un groupe à part entière dans le paysage musical contemporain.

Dans cet article, nous explorerons l’histoire du groupe, leur style musical, leurs techniques et leur influence sur le monde de la musique.

L’histoire de Meshuggah

Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois formé en 1987 à Umeå. À l’origine, le groupe était composé de Jens Kidman au chant et à la guitare, de Fredrik Thordendal à la guitare, de Peter Nordin à la basse et de Niklas Lundgren à la batterie. Le nom du groupe, « meshuggah », signifie « fou » en yiddish, reflétant leur intention de créer une musique à la fois complexe et déroutante.

Les débuts de Meshuggah

Le premier album , Contradictions Collapse, est sorti en 1991. Bien que l’album ait été plutôt bien accueilli par la critique, il n’a pas eu un grand succès commercial. Cependant, il a permis au groupe de se faire connaître dans la scène underground de la musique metal.

En 1993, le groupe sort un EP intitulé None, qui présente une musique plus expérimentale que leur premier album. C’est également à cette époque que le bassiste Peter Nordin quitte le groupe et est remplacé par Gustaf Hielm.

L’arrivée de Tomas Haake

En 1994, le groupe recrute Tomas Haake comme batteur. Cette nouvelle recrue apporte avec lui une vision musicale unique et une technique de batterie innovante. Cela a permis à Meshuggah de développer encore plus son style musical distinctif.

L’année suivante, le groupe sort Destroy Erase Improve, qui est considéré comme l’un des albums les plus influents du metal progressif. Cet album a attiré l’attention de nombreux fans et critiques grâce à son utilisation de guitares sept cordes et de signatures rythmiques complexes.

L’ère de la maturité musicale

Après Destroy Erase Improve, le groupe continue à explorer de nouvelles sonorités et des techniques musicales innovantes. Leur album Chaosphere, sorti en 1998, est considéré comme l’un des albums les plus lourds et les plus brutaux de l’histoire du metal.

En 2002, sort Nothing, un album qui se concentre sur la répétition rythmique et la tension musicale. Cet album a également été très bien accueilli par les fans et la critique, et est considéré comme l’un des albums les plus innovants de l’histoire du metal progressif.

Les membres actuels de Meshuggah

Aujourd’hui, le groupe est composé de Jens Kidman au chant et à la guitare, de Fredrik Thordendal à la guitare, de Mårten Hagström à la guitare, de Dick Lövgren à la basse et de Tomas Haake à la batterie. Les membres du groupe sont tous très impliqués dans le processus de création musicale, et travaillent ensemble pour créer des morceaux complexes et innovants.

Le groupe est composé de cinq membres :

• Jens Kidman (chant) : Né le 25 juin 1966 à Umeå, en Suède, Jens Kidman est le chanteur principal de Meshuggah. Il est également guitariste rythmique et a coécrit la plupart des chansons du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Kidman a joué dans plusieurs groupes locaux.
• Fredrik Thordendal (guitare) : Né le 11 février 1970 à Solna, en Suède, Fredrik Thordendal est le guitariste principal de Meshuggah. Il est également l’un des principaux compositeurs du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Thordendal a étudié la musique au conservatoire de Göteborg.
• Mårten Hagström (guitare) : Né le 27 avril 1971 à Örnsköldsvik, en Suède, Mårten Hagström est le second guitariste de Meshuggah. Il est également un compositeur clé du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Hagström a joué dans plusieurs groupes locaux.
• Dick Lövgren (basse) : Né le 27 août 1971 à Umeå, en Suède, Dick Lövgren est le bassiste de Meshuggah depuis 2004. Avant de rejoindre Meshuggah, Lövgren a joué avec plusieurs autres groupes suédois, dont In Flames.
• Tomas Haake (batterie) : Né le 3 juillet 1971 à Örnsköldsvik, en Suède, Tomas Haake est le batteur de Meshuggah. Il est également l’un des principaux compositeurs du groupe. Avant de rejoindre Meshuggah, Haake a étudié la batterie au conservatoire de Göteborg.

Les membres fondateurs  étaient Jens Kidman, Fredrik Thordendal et le batteur original, Niclas Lundgren. Mårten Hagström a rejoint le groupe en 1993 et est devenu membre permanent après la sortie de l’album « Destroy Erase Improve » en 1995. Dick Lövgren a remplacé le bassiste original, Gustaf Hielm, en 2004.

 

Au fil des ans, Meshuggah est devenu l’un des groupes de metal progressif les plus influents et les plus respectés de la scène internationale. Leur musique complexe, leurs rythmes décalés et leurs riffs de guitare innovants ont inspiré de nombreux groupes de metal progressif et ont permis à Meshuggah de se faire une place dans l’histoire du genre.

En résumé, c’est un groupe de metal progressif suédois qui a su se démarquer grâce à sa musique avant-gardiste et complexe. Depuis leur formation en 1987, le groupe a subi plusieurs changements de membres, mais a toujours maintenu son style musical unique. Leurs albums innovants

 

La discographie et les succès de Meshuggah

La discographie de Meshuggah

Depuis leur premier album en 1991, le groupe a sorti neuf albums studio, un album live et plusieurs EPs et singles. Leur discographie se caractérise par des rythmes complexes, des structures musicales uniques et une forte utilisation de guitares sept cordes.

Voici la liste des albums studio :

• Contradictions Collapse (1991)
• None (EP) (1994)
• Destroy Erase Improve (1995)
• Chaosphere (1998)
• Nothing (2002)
• Catch Thirtythree (2005)
• obZen (2008)
• Koloss (2012)
• The Violent Sleep of Reason (2016)
• Meshuggah Live (2010)

Les succès de Meshuggah

Meshuggah a connu un grand succès dans la scène metal, notamment grâce à leur utilisation innovante de la guitare sept cordes et leurs signatures rythmiques uniques. Leur album Destroy Erase Improve est considéré comme l’un des albums les plus influents du metal progressif, tandis que leur album Nothing est souvent cité comme un exemple de l’utilisation de la répétition rythmique pour créer une tension musicale.

Voici quelques-uns des tubes et des chansons à succès :

• « New Millenium Cyanide Christ » : Cette chanson est tirée de l’album « Chaosphere » sorti en 1998. Elle est considérée comme l’un des morceaux les plus connus et les plus appréciés du groupe. Elle présente des rythmes complexes, des riffs de guitare agressifs et un chant brutal.
• « Bleed » : Sorti en 2008 sur l’album « obZen », « Bleed » est peut-être le morceau le plus emblématique de Meshuggah. Il est connu pour son tempo écrasant et pour le jeu de batterie intense de Tomas Haake.
• « Demiurge » : Cette chanson est extraite de l’album « Koloss » sorti en 2012. Elle présente des rythmes décalés et des riffs de guitare lourds qui sont devenus la marque de fabrique du groupe.
• « Clockworks » : Cette chanson est tirée de l’album « The Violent Sleep of Reason » sorti en 2016. Elle est un excellent exemple de la complexité et de la technique de Meshuggah, avec des rythmes polyrythmiques et des changements de tempo rapides.
• « War » : Cette chanson est issue de l’album « Catch Thirtythree » sorti en 2005. Elle est connue pour son riff de guitare hypnotique et son ambiance sombre et oppressante.
• « Future Breed Machine » : Cette chanson est tirée du premier album de Meshuggah, « Contradictions Collapse », sorti en 1991. Elle est considérée comme l’une des premières chansons de metal progressif, avec ses rythmes complexes et ses riffs de guitare innovants.

 

Ces chansons représentent certaines des plus grandes réussites de Meshuggah, mais chaque album du groupe a ses propres moments forts. Les fans du groupe apprécient particulièrement la complexité et l’intensité de leur musique, ainsi que leur approche innovante du metal progressif. Il a également reçu plusieurs récompenses et nominations, notamment un Swedish Grammy Award pour leur album obZen en 2009.

 

Les grands concerts de Meshuggah

Connu pour ses performances en direct énergiques et intenses, avec une attention particulière accordée à la synchronisation des rythmes complexes, le groupe a joué dans de nombreux festivals et salles de concert à travers le monde, notamment au Download Festival, au Hellfest et au Wacken Open Air.

En 2019, le groupe a fait une tournée mondiale pour célébrer le 25e anniversaire de l’album Destroy Erase Improve. Le groupe a joué des concerts dans plusieurs villes d’Europe, d’Amérique du Nord, d’Amérique du Sud et d’Asie, attirant des fans du monde entier.

En résumé, Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois qui a connu un grand succès grâce à sa musique complexe et innovante. Depuis leur premier album en 1991, le groupe a sorti plusieurs albums acclamés par la critique, et a joué dans des concerts et des festivals à travers le monde. Avec leur style musical unique et leur énergie sur scène, Meshuggah a su se faire une place dans le paysage musical contemporain.

 

Le style musical  de Meshuggah

Le style  est très influencé par le jazz, le metal extrême et le math rock. Le groupe utilise souvent des structures rythmiques complexes, des signatures de temps non conventionnelles et des grooves lourds et répétitifs. Les paroles de leurs chansons sont souvent très philosophiques et introspectives, traitant de thèmes tels que la psychologie humaine, l’existentialisme et la société moderne.

Les techniques musicales de Meshuggah

Le groupe est connu pour son utilisation de guitares sept cordes, ainsi que pour sa technique de « riffing polyrythmique », qui consiste à superposer des motifs rythmiques différents pour créer un effet de tension et de désorientation. Le batteur Tomas Haake est également connu pour sa technique de « polyrythmic drumming », qui implique de jouer des motifs de batterie complexes et syncopés tout en gardant une pulsation claire et régulière.

Un style unique

Il est connu pour son style musical unique, qui combine des éléments de metal, de jazz et de musique contemporaine. Le groupe est souvent considéré comme l’un des pionniers du metal progressif, avec des signatures rythmiques complexes et des structures musicales non conventionnelles.

Le style musical de Meshuggah est caractérisé par l’utilisation de guitares sept cordes, qui permettent des riffs plus graves et plus complexes. Le groupe utilise également des motifs rythmiques syncopés, qui créent des rythmes décalés et asymétriques. Cette utilisation de rythmes complexes a été influencée par le jazz et la musique contemporaine, et permet au groupe de créer une tension musicale unique.

Une influence diverse

Outre les guitares, les musiciens du groupe  utilisent également des percussions complexes pour créer un son unique. Le groupe utilise des batteries à double grosse caisse, ainsi que des cymbales et des cloches de différentes tailles pour créer des textures sonores uniques. Les voix  sont souvent criées ou hurlées, ajoutant une dimension supplémentaire à leur musique intense.

Le style musical a influencé de nombreux groupes de metal progressif et de djent, tels que Animals as Leaders, Periphery et TesseracT. La musique de Meshuggah est également appréciée par des musiciens de jazz et de musique contemporaine, qui admirent la complexité de leurs rythmes et de leurs structures musicales.

En résumé, le style musical de Meshuggah est unique et innovant, avec des signatures rythmiques complexes et des structures musicales non conventionnelles. Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, et leur musique est appréciée par des musiciens de jazz et de musique contemporaine.

Avec leur utilisation innovante de la guitare sept cordes, des percussions complexes et des voix hurlées, Meshuggah est devenu l’un des groupes les plus influents et les plus respectés de la scène metal contemporaine.

L’influence de Meshuggah

Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, notamment Periphery, Animals as Leaders et Tesseract. Leur influence s’étend également au-delà du metal, avec des artistes tels que Tool et Gojira qui ont cité Meshuggah comme une source d’inspiration.

Meshuggah est un groupe qui a eu une influence considérable sur la musique, en particulier sur la scène metal. Leur style musical unique, qui mélange des éléments de metal, de jazz et de musique contemporaine, a inspiré de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent. Le groupe est également admiré par des musiciens de jazz et de musique contemporaine pour leur utilisation innovante des rythmes et des structures musicales.

L’utilisation de guitares sept cordes

L’une des contributions les plus importantes de Meshuggah à la musique est leur utilisation de guitares sept cordes. Cette innovation a permis aux guitaristes de créer des riffs plus graves et plus complexes, ouvrant ainsi de nouvelles possibilités pour la musique metal. De nombreux autres groupes de metal progressif et de djent ont adopté l’utilisation de guitares sept cordes après avoir été inspirés par Meshuggah.

L’utilisation de motifs rythmiques syncopés et asymétriques

Meshuggah est également connu pour leur utilisation de motifs rythmiques syncopés et asymétriques, qui créent des rythmes complexes et décalés. Cette utilisation de rythmes complexes a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, qui ont adopté cette approche pour créer des musiques plus sophistiquées et plus intéressantes.

Les voix hurlées

Les voix hurlées de Meshuggah ont également eu une influence considérable sur la scène metal. Le groupe a popularisé cette technique vocale et a inspiré de nombreux autres groupes à l’utiliser. Les voix hurlées sont maintenant un élément clé de nombreux sous-genres du metal, tels que le death metal et le black metal.

L’Influence sur la scène musicale

En résumé, Meshuggah a eu une influence considérable sur la musique, en particulier sur la scène metal. Leur utilisation innovante de guitares sept cordes, de motifs rythmiques syncopés et asymétriques, et de voix hurlées a inspiré de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent. Leur influence s’étend également à des musiciens de jazz et de musique contemporaine, qui admirent la complexité de leurs rythmes et de leurs structures musicales.

En somme, Meshuggah est un groupe dont l’impact sur la musique est indéniable, et leur héritage musical continue d’inspirer de nouveaux artistes chaque jour.

 

Meshuggah tour 2023

Des anecdotes et autres informations sur Meshuggah

Voici quelques anecdotes et informations supplémentaires sur Meshuggah :

• Le nom du groupe, « Meshuggah », est un mot yiddish qui signifie « fou » ou « détraqué ». Le groupe a choisi ce nom car ils pensaient que cela reflétait leur musique intense et complexe.
• Le batteur de Meshuggah, Tomas Haake, est également le principal parolier du groupe. Il s’inspire souvent de la philosophie, de la science et de la politique pour écrire les paroles des chansons.
• En 2016, le groupe a lancé une campagne pour sensibiliser les gens aux problèmes environnementaux. Ils ont créé une vidéo musicale pour leur chanson « Clockworks » qui mettait en évidence les dangers du changement climatique et l’importance de la protection de l’environnement.
• Meshuggah est connu pour avoir des performances live incroyablement énergiques et intenses. Le groupe est réputé pour ses solos de guitare complexes, ses rythmes décalés et la qualité de sa production sonore en concert.
• Le groupe a été nominé pour un Grammy Award en 2019 dans la catégorie « Meilleure performance metal » pour leur chanson « Clockworks ».
• Malgré leur succès international, les membres de Meshuggah sont restés fidèles à leur ville d’origine, Umeå, en Suède. Le groupe a régulièrement soutenu la scène musicale locale et a même fondé son propre studio d’enregistrement à Umeå.
• En 2013, le groupe a été invité à jouer en direct lors de l’émission « Late Night with Jimmy Fallon ». C’était la première fois qu’un groupe de metal progressif était invité à se produire dans l’émission.

En somme, Meshuggah est un groupe qui non seulement a influencé la musique, mais qui s’est également engagé pour des causes importantes telles que l’environnement. Leur énergie sur scène et leur dévouement envers leur ville natale montrent également leur engagement envers la musique et leur communauté.

En résumé, Meshuggah est un groupe de metal progressif suédois connu pour son utilisation de structures rythmiques complexes, de signatures de temps non conventionnelles et de grooves lourds et répétitifs. Leur musique est influencée par le jazz, le metal extrême et le math rock, et leurs paroles traitent souvent de sujets philosophiques et introspectifs. Le groupe a influencé de nombreux autres groupes de metal progressif et de djent, et leur influence s’étend également au-delà du metal.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Meshuggah

Q1 : Quand Meshuggah a-t-il été formé ?

R1 : Meshuggah a été formé en 1987 à Umeå, en Suède.

Q2 : Qui sont les membres de Meshuggah ?

R2 : Les membres actuels de Meshuggah sont Jens Kidman (chant), Fredrik Thordendal (guitare), Mårten Hagström (guitare), Dick Lövgren (basse) et Tomas Haake (batterie).

Q3 : Quel est le style musical de Meshuggah ?

R3 : Meshuggah est généralement considéré comme un groupe de metal progressif. Leur musique est caractérisée par des riffs de guitare complexes, des rythmes décalés et des structures de chanson inhabituelles.

Q4 : Quels sont les albums les plus populaires de Meshuggah ?

R4 : Certains des albums les plus populaires de Meshuggah sont « Chaosphere » (1998), « Nothing » (2002), « obZen » (2008) et « The Violent Sleep of Reason » (2016).

Q5 : Quelles sont les chansons les plus populaires de Meshuggah ?

R5 : Certaines des chansons les plus populaires de Meshuggah sont « Bleed », « New Millennium Cyanide Christ », « Future Breed Machine » et « Demiurge ».

Q6 : Meshuggah a-t-il remporté des prix ?

R6 : Oui, Meshuggah a remporté plusieurs prix tout au long de sa carrière, notamment le Swedish Grammy Award dans la catégorie « Meilleur album de musique hard rock/metal » pour leur album « The Violent Sleep of Reason » en 2017.

Q7 : Meshuggah a-t-il influencé d’autres groupes ?

R7 : Oui, Meshuggah est souvent cité comme une influence majeure pour de nombreux groupes de metal progressif et de metal extrême.

Q8 : Le style de Meshuggah est-il accessible aux non-initiés ?

R8 : Le style de Meshuggah peut être difficile à appréhender pour les auditeurs qui ne sont pas familiers avec le metal progressif ou le metal extrême. Cependant, de nombreux fans considèrent que la complexité de la musique de Meshuggah est une partie importante de son attrait.

Iron Maiden tout sur l’histoire du groupe, histoire depuis 1975

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Iron Maiden est un groupe de heavy metal britannique formé en 1975. Le groupe a connu un grand succès commercial et est considéré comme l’un des pionniers du heavy metal britannique, aux côtés de groupes comme Black Sabbath, Judas Priest et Led Zeppelin. Avec une discographie de plus de 16 albums studio, Iron Maiden est également connu pour ses performances scéniques spectaculaires et son emblème emblématique, Eddie, une figure squelettique qui apparaît sur de nombreuses pochettes d’album et lors des concerts.

Dans cet article, retrouvez toute l’histoire du groupe, sa discographie, ses tubes, son influence musicale depuis sa création en 1975.

L’histoire  de Iron Maiden

Le groupe a été formé en 1975 par le bassiste Steve Harris, qui a recruté le chanteur Paul Di’Anno, le guitariste Dave Murray, le batteur Clive Burr et le guitariste Dennis Stratton pour rejoindre le groupe. Leur premier album, Iron Maiden, est sorti en 1980 et a été bien accueilli par les critiques. Cependant, c’est leur deuxième album, Killers, sorti la même année, qui a vraiment lancé leur carrière.

En 1982, Bruce Dickinson a remplacé Di’Anno en tant que chanteur, ce qui a marqué le début d’une nouvelle ère pour le groupe. Leur troisième album, The Number of the Beast, est sorti la même année et a été un grand succès commercial. L’album est devenu l’un des albums de heavy metal les plus vendus de tous les temps et a fait de Iron Maiden l’un des groupes de heavy metal les plus populaires au monde.

Depuis lors, le groupe a sorti de nombreux albums acclamés par la critique, dont Powerslave (1984), Somewhere in Time (1986), Seventh Son of a Seventh Son (1988), Brave New World (2000) et The Book of Souls (2015). Le groupe a également connu de nombreux changements de formation au fil des ans, avec des membres tels que Adrian Smith, Janick Gers et Nicko McBrain qui ont rejoint et quitté le groupe à différentes époques.

Voici des éléments biographiques sur les membres d’Iron Maiden :

• Steve Harris (basse, fondateur) : Steve Harris est né le 12 mars 1956 à Leytonstone, dans l’est de Londres. Il a formé Iron Maiden en 1975 et est considéré comme le cerveau derrière la musique du groupe. Avant de fonder Iron Maiden, Harris a joué dans plusieurs groupes locaux, notamment Gypsy’s Kiss et Smiler. Il est également connu pour sa technique de jeu de basse rapide et mélodique, ainsi que pour sa voix de chœur distinctive.
• Bruce Dickinson (chant) : Bruce Dickinson est né le 7 août 1958 à Worksop, dans le Nottinghamshire. Avant de rejoindre Iron Maiden en 1981, il a joué avec Samson et a également travaillé comme pilote de ligne. Dickinson est connu pour sa voix puissante et expressive, ainsi que pour ses performances scéniques énergiques.
• Dave Murray (guitare) : Dave Murray est né le 23 décembre 1956 à Edmonton, dans le nord de Londres. Il a rejoint Iron Maiden en 1976 et est connu pour son style de jeu de guitare rapide et complexe. Avant de rejoindre Iron Maiden, Murray a joué dans plusieurs groupes locaux, dont Stone Free et The Secret.
• Adrian Smith (guitare) : Adrian Smith est né le 27 février 1957 à Hackney, dans l’est de Londres. Il a rejoint Iron Maiden en 1980 et est connu pour sa technique de jeu de guitare mélodique et ses talents de compositeur. Avant de rejoindre Iron Maiden, Smith a joué dans plusieurs groupes locaux, notamment Urchin et Evil Ways.
• Nicko McBrain (batterie) : Nicko McBrain est né le 5 juin 1952 à Hackney, dans l’est de Londres. Il a rejoint Iron Maiden en 1982 après avoir joué dans des groupes tels que Trust et Pat Travers. McBrain est connu pour son style de jeu de batterie technique et puissant, ainsi que pour sa personnalité excentrique.
• Janick Gers (guitare) : Janick Gers est né le 27 janvier 1957 à Hartlepool, dans le comté de Durham. Il a rejoint Iron Maiden en 1990 et est connu pour son style de jeu de guitare énergique et acrobatique. Avant de rejoindre Iron Maiden, Gers a joué dans plusieurs groupes, notamment White Spirit et Gillan.

Ces membres ont tous contribué au son distinctif d’Iron Maiden et ont contribué à faire du groupe l’un des groupes de heavy metal les plus influents et les plus respectés de tous les temps.

Les membres de Iron Maiden

Les membres actuels  sont :

• Bruce Dickinson (chant)
• Steve Harris (basse)
• Dave Murray (guitare)
• Adrian Smith (guitare)
• Janick Gers (guitare)
• Nicko McBrain (batterie)

Ces membres ont été actifs ensemble depuis 1990, lorsque Janick Gers a rejoint le groupe. Auparavant, Adrian Smith avait quitté le groupe en 1990 pour poursuivre une carrière en solo, mais il est revenu en 1999 après le départ du guitariste Blaze Bayley.

Au cours des premières années, le groupe a connu plusieurs changements de membres. Les membres fondateurs étaient :

• Steve Harris (basse)
• Dave Murray (guitare)
• Paul Di’Anno (chant)
• Doug Sampson (batterie)
• Dennis Stratton (guitare)

Au fil des ans, plusieurs autres musiciens ont également fait partie d’Iron Maiden, notamment Blaze Bayley, qui a chanté pour le groupe de 1994 à 1999, et Bruce Dickinson, qui avait quitté le groupe en 1993 pour poursuivre une carrière solo, mais est revenu en 1999.

Le style de Iron Maiden

Le style musical  est souvent décrit comme étant du heavy metal, avec des influences du hard rock et du punk rock. Leur musique se caractérise par des riffs de guitare rapides et agressifs, des solos de guitare techniques, une batterie puissante et des lignes de basse mélodiques.

Les paroles des chansons  sont souvent inspirées par la littérature, l’histoire et les films de science-fiction et d’horreur. Le groupe est également connu pour sa mascotte emblématique, Eddie, qui apparaît sur de nombreux albums et lors de concerts.

En termes de style vestimentaire, le groupe est souvent associé à l’esthétique du heavy metal, avec des vêtements en cuir, des vestes à clous, des bottes et des pantalons moulants. Les membres du groupe sont également connus pour leurs cheveux longs et leurs tenues de scène théâtrales, qui incluent des costumes et des accessoires inspirés de l’histoire et de la mythologie.

La discographie de Iron Maiden

Iron Maiden a sorti plus de 16 albums studio, ainsi que plusieurs albums live, compilations et EP. Leur discographie comprend :

• Iron Maiden (1980)
• Killers (1981)
• The Number of the Beast (1982)
• Piece of Mind (1983)
• Powerslave (1984)
• Somewhere in Time (1986)
• Seventh Son of a Seventh Son (1988)
• No Prayer for the Dying (1990)
• Fear of the Dark (1992)
• The X Factor (1995)
• Virtual XI (1998)
• Brave New World (2000)
• Dance of Death (2003)
• A Matter of Life and Death (2006)
• The Final Frontier (2010)
• The Book of Souls (2015)

Les Succès de Iron Maiden

Le groupe a connu de nombreux succès au fil des ans. Leur troisième album, The Number of the Beast, est devenu l’un des albums de heavy metal les plus vendus de tous les temps et a lancé leur carrière à l’international. Le groupe a également remporté de nombreux prix, dont un Grammy Award en 2011 pour le meilleur album de heavy metal pour The Final Frontier.

Iron Maiden est connu pour ses concerts spectaculaires et énergiques, qui incluent souvent des effets pyrotechniques, des écrans géants et des décors impressionnants. Le groupe a également connu de nombreux succès commerciaux, notamment avec des albums tels que The Number of the Beast, Powerslave et Fear of the Dark.

Leur album The Number of the Beast, sorti en 1982, a été un grand succès commercial et est devenu l’un des albums de heavy metal les plus vendus de tous les temps. L’album a également été bien accueilli par les critiques et a permis à Iron Maiden de s’établir comme l’un des groupes de heavy metal les plus populaires au monde.

Powerslave, sorti en 1984, a également été un grand succès commercial pour le groupe. L’album a atteint la deuxième place du classement des albums britanniques et a également été bien accueilli par la critique. L’album contient des chansons telles que « Aces High », « 2 Minutes to Midnight » et « Powerslave », qui sont devenues des classiques du groupe.

Fear of the Dark, sorti en 1992, a également été un grand succès pour le groupe. L’album a atteint la première place du classement des albums britanniques et a été bien accueilli par la critique. La chanson titre de l’album, « Fear of the Dark », est devenue l’une des chansons les plus populaires du groupe et est souvent jouée lors de leurs concerts.

Le groupe est également connu pour ses concerts légendaires, qui ont attiré des foules de fans passionnés du monde entier. Le groupe a joué dans des stades et des arènes à guichets fermés, notamment lors de leur tournée mondiale « Somewhere Back in Time » en 2008-2009. Le groupe a également joué lors de festivals de musique tels que Download, Rock in Rio et Wacken Open Air.

En résumé, Iron Maiden a connu de nombreux succès commerciaux avec des albums tels que The Number of the Beast, Powerslave et Fear of the Dark, ainsi que des concerts légendaires qui ont attiré des foules de fans passionnés. Le groupe est considéré comme l’un des plus grands groupes de heavy metal de tous les temps et continue d’inspirer les fans de musique du monde entier.

L’ Influence musicale de Iron Maiden

Iron Maiden a eu une grande influence sur le heavy metal et le hard rock. Le groupe est connu pour son style musical distinctif, qui se caractérise par des guitares électriques rapides, des solos complexes, des lignes de basse mélodiques et des paroles souvent inspirées de l’histoire, de la mythologie et de la littérature. Iron Maiden a influencé de nombreux groupes de heavy metal et de hard rock, tels que Metallica, Slayer, Dream Theater et Avenged Sevenfold.

Il  a eu une influence majeure sur le heavy metal et le hard rock, et a inspiré de nombreux groupes à travers le monde. Le style de guitare rapide et complexe de Dave Murray et Adrian Smith, combiné à la ligne de basse mélodique de Steve Harris, est devenu une marque de fabrique du son d’Iron Maiden et a influencé de nombreux groupes de heavy metal. De plus, la voix distinctive de Bruce Dickinson a également inspiré de nombreux chanteurs de heavy metal.

Le groupe a également inspiré de nombreux fans à travers le monde, qui ont formé leurs propres groupes de heavy metal en s’inspirant du son et des performances scéniques d’Iron Maiden. Le groupe a également été un pionnier dans l’utilisation de l’artwork pour leurs albums, avec leur emblème emblématique Eddie étant devenu l’un des symboles les plus reconnaissables de la culture du heavy metal.

En termes de collaborations, Iron Maiden a travaillé avec d’autres artistes de renom dans l’industrie de la musique. Le groupe a collaboré avec l’orchestre philharmonique de Prague pour enregistrer leur album live « The Book of Souls: Live Chapter » en 2017. Ils ont également collaboré avec le chanteur de rock Bruce Springsteen pour une reprise de « Bring Your Daughter… to the Slaughter », qui est devenue un succès en 1990.

En plus de leur influence sur la musique, Iron Maiden a également soutenu de nombreuses causes humanitaires et caritatives. Le groupe a soutenu des organisations telles que War Child, Make-A-Wish Foundation et Nordoff Robbins, qui travaillent à aider les enfants et les jeunes en difficulté.

En résumé, Iron Maiden a eu une influence majeure sur le heavy metal et le hard rock, inspirant de nombreux groupes et fans à travers le monde. Leur emblème Eddie est devenu un symbole emblématique de la culture du heavy metal, et leur musique et performances scéniques ont continué à inspirer les fans de musique à travers les décennies. Le groupe a également collaboré avec d’autres artistes de renom et soutenu de nombreuses causes humanitaires et caritatives.

Iron Maiden est un groupe emblématique du heavy metal britannique, connu pour ses performances scéniques spectaculaires, son emblème emblématique Eddie et sa discographie de plus de 16 albums studio. Le groupe a connu de nombreux succès commerciaux et a eu une grande influence sur le heavy metal et le hard rock.

Les anecdotes sur Iron Maiden

Il y a de nombreuses anecdotes intéressantes sur le groupe et ses membres. En voici quelques-unes :

• Steve Harris, le bassiste et fondateur du groupe, a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 7 ans et a formé son premier groupe à l’âge de 12 ans. Il a également été un joueur de football talentueux et a failli devenir joueur professionnel avant de se concentrer sur la musique.
• Bruce Dickinson, le chanteur d’Iron Maiden, est également un pilote de ligne qualifié et a piloté le jet privé du groupe pendant leurs tournées.
• Le guitariste Dave Murray a été expulsé du groupe avant leur première tournée, mais a été rapidement réintégré après que les autres membres aient réalisé qu’ils ne pouvaient pas se passer de son style de jeu unique.
• Pendant leur tournée « Somewhere Back in Time », Iron Maiden a joué dans des endroits inhabituels tels que l’aéroport international de Costa Rica et la station scientifique antarctique Bellingshausen, où ils ont joué devant un public de scientifiques et de militaires.
• Le groupe a été impliqué dans une controverse en 1985, lorsque certains groupes de pression religieux ont accusé Iron Maiden de promouvoir le satanisme. Le groupe a nié ces allégations et a poursuivi en justice le groupe religieux pour diffamation.
• Lors de leur tournée « Powerslave » en 1984, le groupe a utilisé un avion Ed Force One, un Boeing 747 piloté par le chanteur Bruce Dickinson, pour transporter le groupe et son équipement à travers le monde.
• Le groupe est connu pour ses collaborations avec l’artiste britannique Derek Riggs, qui a créé l’emblème emblématique d’Iron Maiden, Eddie. Riggs a également créé de nombreuses illustrations pour les albums du groupe et a travaillé étroitement avec eux pendant de nombreuses années.
• En 2000, le groupe a été nominé pour un Ivor Novello Award, qui est une récompense prestigieuse pour les auteurs-compositeurs, pour leur contribution exceptionnelle à la musique britannique.

Ces anecdotes ne sont que quelques exemples des nombreuses histoires intéressantes et des moments mémorables de la carrière d’Iron Maiden.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur Iron Maiden

Q1: Qui est le fondateur d’Iron Maiden ?

R1: Steve Harris est le fondateur et le bassiste principal d’Iron Maiden. Il a formé le groupe en 1975 à Londres, en Angleterre.

Q2: Quels sont les membres actuels d’Iron Maiden ?

R2: Les membres actuels d’Iron Maiden sont Bruce Dickinson (chant), Steve Harris (basse), Dave Murray (guitare), Adrian Smith (guitare), Janick Gers (guitare) et Nicko McBrain (batterie).

Q3: Quel est le style musical d’Iron Maiden ?

R3: Iron Maiden est souvent classé dans le genre heavy metal, mais leur musique est également influencée par le hard rock et le punk rock.

Q4: Qui est Eddie, la mascotte d’Iron Maiden ?

R4: Eddie est la mascotte emblématique d’Iron Maiden. Il apparaît sur de nombreux albums et lors de concerts, et est souvent représenté comme un personnage horrifique ou fantastique.

Q5: Quels sont les plus grands succès d’Iron Maiden ?

R5: Iron Maiden a connu de nombreux succès tout au long de sa carrière, mais certains de leurs titres les plus populaires sont « Run to the Hills », « The Trooper », « Wasted Years » et « Fear of the Dark ».

Q6: Combien d’albums Iron Maiden a-t-il sorti ?

R6: Iron Maiden a sorti un total de 17 albums studio, ainsi que plusieurs albums live, compilations et EP.

Q7: Quels sont les concerts les plus mythiques d’Iron Maiden ?

R7: Iron Maiden est connu pour ses concerts épiques et théâtraux, mais certains de leurs concerts les plus légendaires incluent leur performance au festival de rock de Donington en 1988, leur tournée « Somewhere on Tour » en 1986-1987 et leur tournée « The Book of Souls World Tour » en 2016-2017.

Q8: Quelle est l’influence d’Iron Maiden sur la musique ?

R8: Iron Maiden est considéré comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire du heavy metal, avec une influence qui se fait sentir dans de nombreux genres de musique. Ils ont inspiré de nombreux artistes du heavy metal et ont aidé à populariser le genre dans le monde entier.

Soundgarden: tout sur le groupe, l’histoire, les albums depuis 1984

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Soundgarden  est un groupe de rock américain formé à Seattle en 1984. Le groupe est composé de Chris Cornell (chant, guitare), Kim Thayil (guitare), Ben Shepherd (basse) et Matt Cameron (batterie). Avec des influences allant du punk rock au heavy metal, Soundgarden est considéré comme l’un des groupes les plus influents de la scène grunge des années 1990.

Soundgarden est un groupe de rock alternatif américain originaire de Seattle, formé en 1984. Le groupe est composé de Chris Cornell au chant et à la guitare, Kim Thayil à la guitare, Ben Shepherd à la basse et Matt Cameron à la batterie.

Soundgarden a été l’un des groupes les plus influents de la scène grunge des années 90, aux côtés de Nirvana, Pearl Jam et Alice in Chains. Soundgarden a sorti six albums studio au cours de sa carrière, dont le dernier, « King Animal », en 2012.

Leur style musical était un mélange de heavy metal et de rock alternatif, avec des influences du punk rock et du grunge. Le son de Soundgarden est souvent décrit comme un mélange de heavy metal, de grunge et de rock alternatif. Le groupe a été influencé par des groupes tels que Black Sabbath, Led Zeppelin, The Stooges, MC5, The Melvins et Sonic Youth.

Dans cet article, revenons sur l’histoire du groupe, sa formation, ses albums, ses tubes et sur des anecdotes qui ont fait le succès du groupe.

La Formation et les débuts

Soundgarden a été formé en 1984 par Chris Cornell (chant, guitare), Kim Thayil (guitare), Hiro Yamamoto (basse) et Matt Cameron (batterie) qui s’étaient rencontrés à l’Université de Washington.

Le groupe a commencé à jouer dans la scène underground de Seattle, avec d’autres groupes comme Green River et Mudhoney.  Le groupe a commencé à jouer dans les clubs de Seattle et a rapidement acquis une grande popularité dans la scène underground de la ville.

En 1987, Soundgarden a sorti son premier album, « Ultramega OK », qui a été bien accueilli par la critique. L’album a été nommé pour un Grammy Award dans la catégorie « Meilleur album de metal » en 1990.

En 1988, Hiro Yamamoto a quitté le groupe et a été remplacé par Ben Shepherd. Le groupe a ensuite signé un contrat avec le label A&M Records et a sorti son deuxième album, « Louder Than Love », en 1989. L’album a été un succès commercial et a permis au groupe d’atteindre une audience plus large.

Les membres du groupe

Le groupe a connu plusieurs changements de membres au fil des ans, mais les membres les plus connus de Soundgarden sont :

• Chris Cornell : chant, guitare rythmique (1984-1997, 2010-2017)
• Kim Thayil : guitare solo (1984-1997, 2010-2017)
• Matt Cameron : batterie (1986-1997, 2010-2017)
• Ben Shepherd : basse (1990-1997, 2010-2017)

Le Succès commercial

En 1991, Soundgarden a sorti son quatrième album, « Badmotorfinger », qui a été un succès commercial et critique. L’album a été certifié double disque de platine aux États-Unis et a produit des singles à succès comme « Outshined » et « Rusty Cage ».

L’album a été certifié disque de platine aux États-Unis et a été salué par la critique pour sa musicalité complexe et sa fusion de plusieurs genres musicaux différents. Le single « Jesus Christ Pose » a également suscité une certaine controverse en raison de son clip vidéo provocateur.

En 1994, le groupe a sorti son cinquième album, « Superunknown », qui a été encore plus réussi que son prédécesseur. L’album a été certifié cinq fois disque de platine aux États-Unis et a produit des singles à succès comme « Black Hole Sun » et « Spoonman ». « Superunknown » a également valu à Soundgarden deux Grammy Awards en 1995, dans les catégories « Meilleure performance hard rock » et « Meilleure chanson rock ».

L’album « Superunknown » de 1994 est considéré comme leur œuvre la plus aboutie et la plus influente, avec des chansons comme « Black Hole Sun » et « Spoonman » qui sont devenues des classiques du rock alternatif. Soundgarden a également été reconnu pour leur engagement en faveur des causes sociales et politiques, notamment la défense de l’environnement et les droits des peuples autochtones.

La Séparation et les retrouvailles

Le groupe s’est séparé en 1997, après la sortie de leur album « Down on the Upside ». Cornell a ensuite poursuivi une carrière solo et a également rejoint le groupe de rock alternatif Audioslave, avec les membres de Rage Against the Machine. Le groupe s’est reformé en 2010 et a sorti un nouvel album, « King Animal », en 2012.

En 2010, Soundgarden s’est réuni pour une tournée mondiale, qui a été suivie de la sortie de leur sixième album studio, « King Animal », en 2012. Bien que l’album n’ait pas connu le même succès que les précédents albums du groupe, il a été bien accueilli par la critique.

« King Animal » est le sixième et dernier album studio de Soundgarden, sorti en 2012, après une pause de plus de 10 ans depuis leur dernier album. C’est leur premier album avec du nouveau matériel depuis « Down on the Upside » en 1996.

L’album comprend 13 chansons, toutes écrites par les membres du groupe Chris Cornell, Kim Thayil, Ben Shepherd et Matt Cameron. Le son de l’album est un retour aux racines heavy rock/grunge du groupe, avec des riffs de guitare lourds, des basses groovy et la voix puissante de Cornell.

Le single principal de l’album est « Been Away Too Long », qui a atteint la 7ème place du classement Rock Billboard aux États-Unis. Les autres chansons notables incluent « By Crooked Steps », « Blood on the Valley Floor » et « Bones of Birds ».

Les critiques ont généralement bien accueilli « King Animal », saluant le retour de Soundgarden avec un son fort et solide. Cependant, certains ont noté que l’album manquait peut-être de certains des éléments innovants et expérimentaux.

En 2013, le groupe a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame et a commencé une tournée pour promouvoir leur nouvel album « King Animal ». Ils ont également publié un album live intitulé « Live From the Artists Den ».

En 2014, Soundgarden a sorti une version remasterisée de leur album « Superunknown » à l’occasion de son 20ème anniversaire. L’album a été accompagné d’une édition de luxe avec des chansons bonus et des démos inédites.

En 2015, Soundgarden a lancé une tournée en Amérique du Nord pour célébrer le 20e anniversaire de la sortie de leur album « Superunknown ». Parallèlement, le chanteur de Soundgarden, Chris Cornell, a formé le supergroupe Temple of the Dog avec des membres de Pearl Jam pour célébrer le 25ème anniversaire de leur album éponyme.

La disparition de Chris Cornell

En 2017, Soundgarden a sorti son dernier album studio, « Ultramega OK (Expanded Reissue) », qui comprenait une version remasterisée de l’album original de 1988 ainsi que six titres bonus.

Malheureusement, le 17 mai 2017, Chris Cornell est décédé à l’âge de 52 ans. Sa mort a été un choc pour les fans de Soundgarden et de la musique en général. Sa mort a été déclarée comme un suicide par pendaison. En fin de compte, les raisons exactes du suicide de Chris Cornell restent incertaines et probablement multifactorielles. Cependant, il est clair que sa mort a été une perte énorme pour l’industrie musicale et pour ses fans à travers le monde.

Thayil, Cameron et Yamamoto ont rendu hommage à Cornell en jouant un concert de reformation en son honneur en janvier 2019, mais depuis lors, le groupe n’a pas annoncé de plan pour continuer à jouer ensemble ou sortir de nouveaux enregistrements. Mais finalement, les projets ne se concrétiseront pas.

Entre 2018 et 2021, le groupe Soundgarden a été impliqué dans un certain nombre de litiges juridiques liés à la propriété intellectuelle.

En mai 2019, le groupe a poursuivi Vicky Cornell, la veuve du chanteur Chris Cornell, décédé en 2017, pour avoir prétendument retenu les redevances de la bande et pour avoir refusé de rendre plusieurs de leurs instruments et équipements de tournée.

En juin 2019, le groupe a également poursuivi le label UMG Recordings pour avoir prétendument sous-payé les redevances de la bande pour les ventes numériques.

En 2020, les membres survivants de Soundgarden – Kim Thayil, Matt Cameron et Ben Shepherd – ont également contre-attaqué contre Vicky Cornell, alléguant qu’elle avait tenté de « s’attribuer le contrôle absolu » de la bande en essayant de prendre le contrôle de leur site Web et des comptes de réseaux sociaux.

Voici quelques-uns de leurs albums et morceaux les plus connus :

Albums :

1. « Ultramega OK » (1988)
2. « Louder Than Love » (1989)
3. « Badmotorfinger » (1991)
4. « Superunknown » (1994)
5. « Down on the Upside » (1996)

Morceaux à succès :

1. « Black Hole Sun » (de l’album « Superunknown »)
2. « Spoonman » (de l’album « Superunknown »)
3. « The Day I Tried to Live » (de l’album « Superunknown »)
4. « Fell on Black Days » (de l’album « Superunknown »)
5. « Outshined » (de l’album « Badmotorfinger »)
6. « Rusty Cage » (de l’album « Badmotorfinger »)
7. « Jesus Christ Pose » (de l’album « Badmotorfinger »)
8. « Hands All Over » (de l’album « Louder Than Love »)
9. « Loud Love » (de l’album « Louder Than Love »)

L’Héritage de Soundgarden

Malgré la séparation du groupe en 1997, leur musique continue d’inspirer de nouveaux fans et de nombreux artistes. Leur héritage est donc durable et important pour l’histoire de la musique rock.

Soundgarden a eu un impact significatif sur le paysage musical des années 1990 et a contribué à définir le son du grunge, un genre qui a connu une popularité massive à l’époque. Leur mélange unique de heavy metal, de punk rock et de rock psychédélique a inspiré de nombreux artistes dans le rock alternatif et le metal, qui ont incorporé ces éléments dans leur propre musique.

Soundgarden a également élargi les horizons du rock alternatif en introduisant des éléments de jazz, de blues et de folk dans leur musique, créant un son plus complexe et sophistiqué que celui des groupes de grunge typiques. Ils ont également été salués pour leur créativité musicale et leur expérimentation, explorant des thèmes sombres et introspectifs dans leurs paroles et intégrant des instruments tels que la cornemuse, la mandoline et la contrebasse dans leur musique.

L’album « Superunknown » de 1994 est considéré comme leur œuvre la plus aboutie et la plus influente, avec des chansons comme « Black Hole Sun » et « Spoonman » qui sont devenues des classiques du rock alternatif. Soundgarden a également été reconnu pour leur engagement en faveur des causes sociales et politiques, notamment la défense de l’environnement et les droits des peuples autochtones.

Leur son unique, qui mélangeait des éléments de rock, de metal et de punk, a influencé de nombreux groupes dans les années 1990 et au-delà.

Parmi les groupes qui ont été inspirés par Soundgarden, on peut citer:

1. Alice in Chains
2. Pearl Jam
3. Stone Temple Pilots
4. Bush
5. Tool
6. Foo Fighters

Ces groupes ont tous émergé de la scène grunge et alternatif des années 1990 et ont été influencés par le son distinctif de Soundgarden. Ils ont également contribué à façonner la scène musicale de cette époque et ont continué à avoir un impact sur la musique aujourd’hui.

En résumé, Soundgarden est un groupe légendaire de rock américain, qui a laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de la musique. Leur son unique, combinant des éléments de heavy metal, de grunge et de rock alternatif, a inspiré de nombreux artistes et continue de le faire aujourd’hui. La voix puissante de Chris Cornell et la guitare heavy de Kim Thayil ont été la marque de fabrique de Soundgarden, et leur musique restera une partie importante de l’héritage musical de Seattle et de la musique en général.

Bien que la mort de Chris Cornell ait été une perte énorme pour le groupe et pour les fans de musique dans le monde entier, les membres survivants de Soundgarden continuent de travailler sur des projets musicaux et de laisser leur marque dans l’industrie musicale.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Soundgarden

Q1: Qui est Soundgarden ?

Soundgarden est un groupe de rock américain formé à Seattle en 1984. Le groupe est connu pour avoir été l’un des pionniers du mouvement grunge dans les années 1990.

Q2: Qui sont les membres de Soundgarden ?

Les membres originaux de Soundgarden étaient Chris Cornell (chant et guitare), Kim Thayil (guitare), Hiro Yamamoto (basse) et Matt Cameron (batterie). Yamamoto a quitté le groupe en 1989 et a été remplacé par Ben Shepherd.

Q3: Quel genre de musique faisait Soundgarden? 

Soundgarden était un groupe de rock alternatif et de metal alternatif, avec des influences du grunge, du punk rock, du heavy metal et du hard rock.

Q4: Quels sont les albums les plus célèbres de Soundgarden ?

Soundgarden a sorti six albums studio, dont les plus célèbres sont « Superunknown » (1994) et « Badmotorfinger » (1991). Ces deux albums ont remporté des Grammy Awards et sont considérés comme des classiques du rock des années 1990.

Q5: Quels sont les titres les plus célèbres de Soundgarden ?

Certains des titres les plus célèbres de Soundgarden sont « Black Hole Sun », « Spoonman », « Outshined », « Fell on Black Days », « Rusty Cage » et « The Day I Tried to Live ».

Q6: Pourquoi Soundgarden s’est-il séparé ?

Soundgarden s’est séparé en 1997, après la sortie de leur album « Down on the Upside ». Les membres du groupe ont décidé de se concentrer sur leurs projets solo. Ils se sont reformés en 2010 et ont sorti un nouvel album, « King Animal », en 2012. Cependant, le groupe s’est séparé à nouveau en 2017 après la mort de Chris Cornell.

Q7: Quelle est la cause de la mort du chanteur Chris Cornell de Soundgarden?

Chris Cornell, le chanteur principal de Soundgarden, est décédé le 18 mai 2017 à l’âge de 52 ans. Selon le rapport du médecin légiste, la cause de la mort de Cornell était un suicide par pendaison. Cela a été confirmé par la police de Detroit, qui a déclaré avoir trouvé Cornell inconscient dans sa chambre d’hôtel avec une bande de résistance autour du cou. Les résultats de l’autopsie ont également révélé la présence de plusieurs médicaments dans son système, y compris de l’Ativan (lorazépam), un médicament utilisé pour traiter l’anxiété et les troubles du sommeil, bien que cela n’ait pas été considéré comme la cause de sa mort.

Q8: Pourquoi le groupe s’est séparé après le décès tragique de Chris Cornell?

La mort de Chris Cornell a été une perte tragique pour le groupe Soundgarden ainsi que pour l’ensemble de l’industrie musicale. Après le décès de Cornell, les membres de Soundgarden ont été profondément touchés et ont pris la décision de se séparer. Dans une déclaration publiée peu après le décès de Cornell, le groupe a déclaré qu’il n’était pas possible de continuer sans lui. Les membres ont également exprimé leur chagrin et leur gratitude envers leurs fans et leurs amis pour leur soutien et leur amour.

Depuis la mort de Cornell, les membres restants de Soundgarden ont été impliqués dans des activités individuelles. Le batteur Matt Cameron a continué à jouer avec Pearl Jam, tandis que le guitariste Kim Thayil a travaillé sur des projets en solo. Le bassiste Ben Shepherd a également continué à jouer de la musique et à collaborer avec d’autres artistes. Malgré leur douleur, les membres de Soundgarden ont réussi à honorer la mémoire de Cornell en organisant des concerts commémoratifs et en partageant leur amour et leur gratitude envers les fans.

Q9: Quelles sont les raisons du suicide de Chris Cornell?

Cornell a lutté contre la dépression et la dépendance à l’alcool et aux drogues pendant une grande partie de sa vie. Il a parlé ouvertement de ses luttes avec la dépression et de sa tentative de suicide à l’âge de 14 ans. Il a également eu des problèmes de toxicomanie dans le passé, mais avait depuis réussi à se maintenir sobre pendant plusieurs années avant sa mort.

Cependant, juste avant sa mort, Cornell avait commencé à prendre un médicament sur ordonnance appelé Ativan pour aider à gérer ses problèmes d’anxiété. Il a pris plus que la dose recommandée et cela aurait pu contribuer à son état d’esprit au moment de sa mort. Certains experts médicaux suggèrent que les effets secondaires de l’Ativan, tels que la confusion, l’irritabilité et les idées suicidaires, pourraient avoir joué un rôle dans sa décision de se suicider.

Q10: Que deviennent les membres survivants de Soundgarden?

Les autres membres survivants de Soundgarden, Matt Cameron, Ben Shepherd et Kim Thayil, ont tous continué à travailler dans l’industrie de la musique après la mort de Chris Cornell. Voici ce qu’ils ont fait depuis :

• Matt Cameron a continué à jouer de la batterie avec le groupe Pearl Jam, avec qui il a été membre à temps plein depuis 1998. Il a également joué avec le groupe de rock progressif Wellwater Conspiracy et a sorti un album solo en 2017.
• Ben Shepherd a travaillé sur des projets en solo et a collaboré avec d’autres artistes, notamment Mark Lanegan et Hater. Il a également joué avec le groupe de rock progressif Hater, et a récemment travaillé sur un nouvel album solo.
• Kim Thayil a travaillé sur divers projets musicaux, notamment en jouant avec le groupe de rock alternatif No WTO Combo et en produisant des albums pour d’autres artistes. Il a également travaillé en tant que professeur de musique à l’Université de Washington.

En 2019, Matt Cameron et Kim Thayil ont formé un nouveau groupe appelé MC50, en hommage au groupe de rock MC5. Ils ont fait une tournée à travers les États-Unis et ont sorti un album live enregistré lors de leur performance au Meltdown Festival de Londres en 2018.

Sepultura: tout sur le groupe, son histoire, ses albums, ses succès depuis 1984

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Sepultura est un groupe brésilien de metal qui a été formé en 1984. Leur musique est connue pour son style agressif et puissant, combinant des éléments de thrash, death et groove metal avec des influences de la musique brésilienne et des rythmes tribaux. Depuis leurs débuts, ils ont été salués pour leur engagement envers leur culture et leur utilisation de la musique comme moyen de protestation contre les injustices sociales.

Le groupe a connu plusieurs changements de membres au fil des ans, mais les frères Max et Igor Cavalera ont été les membres fondateurs les plus emblématiques. Leur album « Roots », sorti en 1996, est considéré comme l’un des albums les plus influents de l’histoire du metal et est souvent cité comme une référence pour les groupes de metal modernes.

En dépit des controverses et des changements de line-up, Sepultura est toujours en activité et continue d’inspirer des générations de fans de metal dans le monde entier. Dans cet article, nous allons explorer l’histoire du groupe, leur discographie et leur impact sur la scène metal, ainsi que leur évolution musicale et leur influence sur d’autres groupes.

L’histoire de Sepultura

Sepultura est un groupe brésilien de metal formé en 1984 à Belo Horizonte, au Brésil. Le groupe a été fondé par les frères Max et Igor Cavalera, qui ont été rejoints par Paulo Jr. à la basse et Jairo Guedz à la guitare. Le nom du groupe signifie « tombe » en portugais.

Les années 80

Le groupe a commencé à jouer des reprises de groupes comme Motörhead et Black Sabbath, mais rapidement, ils ont commencé à créer leur propre musique.  Ils ont commencé en jouant du thrash metal traditionnel, mais ont rapidement incorporé des éléments de la musique brésilienne, de la musique tribale et du death metal dans leur musique.

En 1985, le groupe a sorti son premier album, « Bestial Devastation », qui était un EP de quatre chansons. L’année suivante, en 1986,  ils ont sorti leur premier album studio, « Morbid Visions ». Les deux albums ont été enregistrés en portugais, mais ils ont été bien accueillis par la scène metal underground. Cet album est très influencé par le black metal et le death metal, et est considéré comme l’un des premiers albums de death metal brésilien.

Max et Igor Cavalera

En 1987, le groupe a sorti son deuxième album, « Schizophrenia », qui a été leur premier album enregistré en anglais. L’album a été un grand succès et a aidé à établir Sepultura comme un groupe de metal important dans le monde entier.

Ces deux albums ont posé les bases du son caractéristique de Sepultura et ont établi leur réputation dans la scène underground du metal.

En 1989, Sepultura sort l’album « Beneath the Remains », qui est considéré comme l’un des albums les plus influents du thrash metal. L’album est bien accueilli par la critique et permet au groupe de se faire connaître à l’international.

Les années 90

En 1991, est sorti l’album « Arise », qui est considéré comme l’un de leurs meilleurs albums. L’album comprenait des chansons comme « Dead Embryonic Cells » et « Desperate Cry » qui sont devenues des classiques du groupe. Cependant, en 1996, Max Cavalera quitte le groupe en raison de différends avec les autres membres.

« Arise », est souvent considéré comme l’un de leurs meilleurs et a connu un grand succès commercial, atteignant la 119e place du Billboard 200 aux États-Unis. Le single « Dead Embryonic Cells » est devenu un classique du metal et a aidé le groupe à se faire connaître dans le monde entier.

En 1993, est sorti « Chaos A.D. », un album qui a été salué par la critique et le public. L’album comprenait des chansons comme « Refuse/Resist » et « Territory », qui ont montré que le groupe était prêt à explorer de nouveaux territoires musicaux. Salué comme un chef-d’œuvre du thrash metal, cet album a connu un énorme succès, atteignant la 32e place du Billboard 200 et remportant de nombreux prix, dont le prix du « Meilleur album de metal » aux MTV Video Music Awards.

En 1996, est sorti « Roots », qui est considéré comme l’un des albums les plus influents de l’histoire du metal. L’album a été enregistré en collaboration avec des groupes de percussion brésiliens, donnant une dimension tribale à leur son. L’album a été un grand succès et a propulsé le groupe sur la scène internationale. L’album a été un succès commercial, atteignant la 27e place du Billboard 200, mais il a également suscité des controverses parmi les fans de metal.

Les années 2000

Après le départ de Max, les autres membres recrutent Derrick Green comme nouveau chanteur. Le groupe sort ensuite l’album « Against » en 1998, suivi de « Nation » en 2001 et « Roorback » en 2003. Ces albums sont plutôt bien accueillis, mais ne rencontrent pas le même succès que les albums précédents.

En 2006, Sepultura sort l’album « Dante XXI », qui est basé sur l’œuvre de Dante Alighieri, « La Divine Comédie ». L’album est bien accueilli par la critique et permet au groupe de renouer avec un certain succès.

En 2011, Igor Cavalera quitte le groupe en raison de différends avec les autres membres, laissant Paulo Jr. comme seul membre original. Le groupe sort ensuite l’album « Kairos » en 2011 et « The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart » en 2013, avec Eloy Casagrande comme nouveau batteur.

En 2019, le groupe sort l’album « Quadra », qui est considéré comme l’un des meilleurs albums du groupe depuis les années 1990. L’album mélange des éléments de thrash metal, de death metal et de groove metal, et est très bien accueilli par la critique.

Au fil des ans, le groupe a connu des changements de line-up et des controverses, mais ils ont toujours maintenu leur réputation de groupe de metal innovant et engagé. Aujourd’hui, le groupe est toujours en activité et continue d’inspirer des fans de metal dans le monde entier.

Sepultura en concert

Les Membres actuels :

• Paulo Jr. (basse, depuis 1984)
• Andreas Kisser (guitare, depuis 1987)
• Derrick Green (chant, depuis 1997)
• Eloy Casagrande (batterie, depuis 2011)

Les Anciens membres :

• Max Cavalera (chant, guitare, 1984-1996)
• Igor Cavalera (batterie, 1984-2006)
• Jairo T. (guitare, 1984-1987)
• Jean Dolabella (batterie, 2006-2011)

La discographie et les succès de Sepultura

Voici une liste détaillée de la discographie et des succès du groupe Sepultura

Les Albums studio

1. Morbid Visions (1986)
2. Schizophrenia (1987)
3. Beneath the Remains (1989)
4. Arise (1991)
5. Chaos A.D. (1993)
6. Roots (1996)
7. Against (1998)
8. Nation (2001)
9. Roorback (2003)
10. Dante XXI (2006)
11. A-Lex (2009)
12. Kairos (2011)
13. The Mediator Between Head and Hands Must Be the Heart (2013)
14. Machine Messiah (2017)
15. Quadra (2020)

discographie de Sepultura

Les Singles/EPs

1. Bestial Devastation (1985)
2. Third World Posse (1992)
3. Refuse/Resist (1993)
4. Territory (1993)
5. Slave New World (1994)
6. Roots Bloody Roots (1996)
7. Attitude (1996)
8. Choke (1998)
9. Against / The Roots of Sepultura (2005)
10. Tribus (2009)
11. Sepultura Under My Skin (2010)
12. The Age of the Atheist (2013)

Les Compilations/Live albums

1. The Best of Sepultura (1992)
2. Blood-Rooted (1997)
3. Under a Pale Grey Sky (2002)
4. Live in São Paulo (2005)
5. The Roadrunner Albums: 1985-1996 (2017)

Les succès notables de Sepultura

• Leur album « Beneath the Remains » a été classé numéro 19 sur la liste des « 100 meilleurs albums de metal » de Rolling Stone en 2017.
• Leur album « Chaos A.D. » a été classé numéro 32 sur la liste des « 100 meilleurs albums de metal » de Rolling Stone en 2017.
• Leur album « Roots » a atteint la 27e place du Billboard 200 aux États-Unis en 1996.
• Leur single « Roots Bloody Roots » a été un succès commercial, atteignant la 27e place du UK Singles Chart en 1996.
• Leur album « Dante XXI » a été nominé pour un Grammy Award en 2007 dans la catégorie « Meilleur album de musique du monde ».
• Leur album « Quadra » a été acclamé par la critique et a atteint la première place des charts de metal dans plusieurs pays, dont le Brésil, l’Allemagne et la Suisse.

L’impact de Sepultura sur la scène metal

Sepultura a eu un impact significatif sur la scène metal pour plusieurs raisons.

Mélange de genres et technique de jeu

Sepultura a été l’un des premiers groupes de metal à incorporer des éléments de musique traditionnelle brésilienne dans leur musique. Cela a créé un son unique qui a influencé de nombreux autres groupes de metal à suivre le même chemin et à explorer de nouveaux genres musicaux.

L’un des aspects les plus importants de l’impact de ce groupe sur la scène metal est leur influence sur le mouvement du metal brésilien. Le groupe a aidé à établir le metal comme un genre important au Brésil et a inspiré de nombreux autres groupes de metal brésiliens à émerger. En outre, Sepultura a été l’un des premiers groupes de metal à intégrer des éléments de la culture brésilienne dans leur musique, créant ainsi un style unique et distinctif.

Le groupe est connu pour sa technique de jeu impressionnante, en particulier pour la batterie et la guitare. Les membres de Sepultura ont utilisé des rythmes complexes, des solos de guitare rapides et des tempos rapides qui ont inspiré de nombreux autres musiciens de metal.

Paroles engagées, innovations et influence

Les paroles ont souvent abordé des sujets politiques et sociaux, tels que les droits des peuples autochtones et la pauvreté en Amérique latine. Cela a inspiré de nombreux fans de metal à se sensibiliser à ces questions et à s’engager activement dans des causes sociales et politiques.

Le groupe a été l’un des premiers groupes de metal à utiliser des samples et des effets électroniques dans leur musique. Ils ont également incorporé des éléments de rap et de hip-hop dans leur musique, ce qui était nouveau pour le genre metal à l’époque.

IL  a influencé de nombreux autres groupes de metal, y compris ceux qui ont émergé après eux, tels que Slipknot et Lamb of God. De nombreux fans de metal considèrent Sepultura comme l’un des groupes les plus importants et les plus influents de l’histoire du metal.

Il a eu un impact majeur sur la scène metal en créant un son unique qui mélangeait des éléments du thrash metal, du death metal, du hardcore punk, du groove metal et de la musique traditionnelle brésilienne. Cette fusion de styles a créé un son innovant qui a inspiré de nombreux autres groupes de metal à travers le monde.

Le groupe a également été salué pour ses paroles politiquement conscientes, abordant des thèmes tels que la violence, l’injustice sociale, l’oppression et la résistance. Le groupe a abordé ces questions avec une honnêteté brutale, ce qui leur a valu une base de fans loyale et dévouée.

Enfin, il a été l’un des premiers groupes de metal à connaître un succès international, contribuant ainsi à populariser le genre auprès d’un public plus large. Le groupe a tourné dans le monde entier et a influencé de nombreux autres groupes de metal à travers le monde.

Dans l’ensemble, l’impact de ce groupe  sur la scène metal peut être décrit comme étant immense et durable. Le groupe a été l’un des pionniers du metal brésilien, a créé un son unique et distinctif, a abordé des questions importantes dans leurs paroles et a contribué à populariser le genre auprès d’un public plus large. Leur influence se fait encore sentir aujourd’hui, des décennies après leur formation initiale.

Des anecdotes sur Sepultura

il y a plusieurs anecdotes intéressantes sur le groupe. En voici quelques-unes :

• Le nom « Sepultura » a été choisi par le frère du guitariste fondateur du groupe, Max Cavalera, qui était fan de la chanson « Dancing on Your Grave » de Motörhead qui contient les paroles « sepultura é o seu fim », qui signifie « tombe est ta fin » en portugais.
• L’album « Beneath the Remains » a été enregistré dans une petite ville de l’État de New York appelée Whitehall, dans un studio appartenant à Scott Burns, un producteur renommé de metal. Le groupe a trouvé la ville très ennuyeuse et a passé beaucoup de temps à se saouler pour s’occuper.
• Le batteur de longue date du groupe, Igor Cavalera, a été suspendu du groupe en 2006 après avoir manqué plusieurs concerts. Il a été remplacé par Jean Dolabella, qui a ensuite quitté le groupe en 2011.
• L’album « Chaos A.D. » a été enregistré dans le même studio que Nirvana a utilisé pour enregistrer leur album « Nevermind ». Le groupe a été en mesure d’utiliser l’équipement haut de gamme laissé derrière eux par Nirvana.
• L’album « Roots » a été enregistré dans une tribu indigène au Brésil appelée les Xavante. Le groupe a passé du temps avec la tribu et a incorporé des instruments et des chants traditionnels dans leur musique.

• L’ancien chanteur du groupe, Max Cavalera, a fondé un nouveau groupe appelé Soulfly après avoir quitté Sepultura en 1996. Il a invité ses anciens camarades de groupe pour jouer sur certains albums de Soulfly, mais il y a eu des frictions entre lui et les membres restants de Sepultura.

• Les membres du groupe étaient des fans de soccer passionnés et le guitariste Andreas Kisser a même été recruté pour jouer pour le club de soccer brésilien Corinthians.

• Le batteur Igor Cavalera a été arrêté en 1996 après avoir giflé un agent de sécurité lors d’un concert à San Francisco. Il a plaidé coupable et a été condamné à 18 mois de probation et 100 heures de travaux d’intérêt général.

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 FAQ sur le groupe Sepultura

Q1. Qui est Sepultura ?

R1. C’est un groupe de thrash metal brésilien fondé en 1984 à Belo Horizonte, dans l’État de Minas Gerais. Le groupe est connu pour son mélange unique de musique thrash, death et groove metal, ainsi que pour son engagement politique et social.

Q2. Qui sont les membres originaux de Sepultura ?

R2. Les membres originaux  sont Max Cavalera (chant et guitare), Igor Cavalera (batterie), Paulo Jr. (basse) et Jairo Guedz (guitare). Jairo a quitté le groupe après le premier album, Morbid Visions, et a été remplacé par Andreas Kisser.

Q3. Quel est l’album le plus connu de Sepultura ?

R3. L’album le plus connu est probablement Chaos A.D., sorti en 1993. L’album a été salué par la critique et est considéré comme un classique du thrash metal.

Q4: Quels sont les albums les plus populaires de Sepultura ?

R4: Le groupe a sorti de nombreux albums acclamés par la critique, mais les plus populaires sont « Beneath the Remains » (1989), « Arise » (1991), « Chaos A.D. » (1993) et « Roots » (1996).

Q5: Qu’est-ce que Sepultura signifie ?

R5: Sepultura signifie « tombe » en portugais.

Q6:Qui sont les membres actuels de Sepultura ?

R6: Les membres actuels  sont Paulo Jr. à la basse, Andreas Kisser à la guitare, Derrick Green au chant et Eloy Casagrande à la batterie.

Q7: Pourquoi le chanteur d’origine de Sepultura, Max Cavalera, a-t-il quitté le groupe ?

R7: Max Cavalera a quitté le groupe en 1996 en raison de conflits avec les autres membres du groupe, notamment son frère, le batteur Igor Cavalera.

Q8: Comment est-ce que Sepultura intègre des éléments de musique indigène brésilienne dans sa musique ?

R8: Cette incorporation de la musique indigène brésilienne dans leur style de musique est souvent appelée « world metal » ou « ethnic metal ». Le groupe a commencé à explorer la musique indigène brésilienne après avoir été exposé à la culture indigène par les membres de la tribu Xavante lors d’une tournée en 1989. Ils ont ensuite intégré des instruments tels que le berimbau, le tambour sur cadre, le cuíca, le caxixi et le agogô dans leur musique.

Van Halen: tout sur le groupe, son histoire, ses albums depuis 1972

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Van Halen est un groupe de hard rock américain qui a été fondé en 1972, à Pasadena, en Californie par les frères Eddie Van Halen (guitare) et Alex Van Halen (batterie), ainsi que David Lee Roth (chant) et Michael Anthony (basse).

Le groupe est connu pour son style de guitare virtuose, sa musique énergique, ses paroles pleines d’humour, ses solos incroyables, son guitariste virtuose, Eddie Van Halen, et ses performances scéniques énergiques.

Van Halen a vendu plus de 80 millions d’albums à travers le monde, ce qui en fait l’un des groupes les plus populaires de l’histoire du rock. Le groupe a connu un grand succès dans les années 1980, avec plusieurs albums classés au top des charts et des singles devenus des tubes planétaires.

Dans cet article, nous allons explorer l’histoire du groupe, leurs albums et leurs tubes qui ont marqué leur parcours musical.

L’histoire de Van Halen

Van Halen est un groupe de rock américain formé à Pasadena, en Californie, en 1972. Le groupe a été fondé par les frères Eddie Van Halen (guitare) et Alex Van Halen (batterie), ainsi que par David Lee Roth (chant) et Michael Anthony (basse).

En conclusion, le groupe a connu une histoire riche et mouvementée, avec plusieurs changements de chanteurs au fil des ans. Cependant, le groupe a toujours été soutenu par la virtuosité de la guitare d’Eddie Van Halen et par une série de chansons mémorables qui ont influencé des générations de musiciens.

Eddie Van Halen en 2015

Les succès et les albums de Van Halen

Ce groupe de rock légendaire a connu une longue carrière marquée par de nombreux succès. Au cours de sa carrière, le groupe a sorti 12 albums studio, 2 albums live et 2 compilations. Voici un aperçu des albums les plus remarquables de Van Halen, ainsi que de leurs chansons les plus populaires.

Les années 70-80

Van Halen (1978) :  Ce premier album éponyme de Van Halen a été un grand succès dès sa sortie, atteignant la 19e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Runnin’ With The Devil », « Ain’t Talkin’ ‘Bout Love » et « Eruption », qui mettent en avant les compétences techniques d’Eddie Van Halen à la guitare.

Van Halen II (1979) : Le deuxième album de Van Halen a également été un succès commercial, atteignant la 6e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 5 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Dance The Night Away », « Beautiful Girls » et « Somebody Get Me A Doctor ».

Women and Children First (1980) : Le troisième album de Van Halen a continué leur succès commercial, atteignant la 6e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 3 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « And The Cradle Will Rock… », « Everybody Wants Some!! » et « Romeo Delight ».

Fair Warning (1981) – Le quatrième album de Van Halen a été un succès commercial plus modeste, atteignant la 5e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 2 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Unchained », « So This Is Love? » et « Mean Street ».

Diver Down (1982) – Le cinquième album de Van Halen a été un autre succès commercial, atteignant la 3e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 4 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Pretty Woman », une reprise du classique de Roy Orbison, ainsi que « Dancing In The Street » et « Where Have All The Good Times Gone! ».

1984 (1984) – Le sixième album de Van Halen a été leur plus grand succès commercial à ce jour, atteignant la 2e place du Billboard 200 et se vendant à plus de 10 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Jump », qui est devenue leur premier numéro un au Billboard Hot 100, ainsi que « Panama » et « Hot For Teacher ».

5150 (1986) : Le septième album de Van Halen a été leur premier avec le nouveau chanteur Sammy Hagar, après le départ de David Lee Roth. Il a été un succès commercial, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 6 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Why Can’t This Be Love », « Dreams » et « Love Walks In ».

OU812 (1988) – Le huitième album de Van Halen avec Sammy Hagar a également été un succès commercial, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 4 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « When It’s Love », « Finish What Ya Started » et « Feels So Good ».

Les années 90

For Unlawful Carnal Knowledge (1991) – Le neuvième album de Van Halen a remporté le Grammy Award du meilleur album de hard rock en 1992. Il a été un succès commercial, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 3 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend  des chansons comme « Poundcake », « Right Now » (qui a remporté un Grammy Award) et « Top of the World ».

Balance (1995) – Le dixième album de Van Halen avec Sammy Hagar a également été un succès, atteignant la 1ère place du Billboard 200 et se vendant à plus de 3 millions d’exemplaires aux États-Unis. Il comprend des chansons comme « Can’t Stop Lovin’ You », « Don’t Tell Me (What Love Can Do) » et « The Seventh Seal ».

Van Halen III (1998),  a été le premier album du groupe avec le nouveau chanteur Gary Cherone. Malheureusement, l’album n’a pas rencontré le même succès que les précédents albums du groupe. Les critiques ont été mitigées et l’album n’a pas réussi à générer des hits radio. Malgré cela, le groupe a poursuivi sa tournée mondiale pour promouvoir l’album.

Les années 2000

The Best of Both Worlds (2004), était une compilation de leurs meilleurs morceaux de l’ère Sammy Hagar et de l’ère David Lee Roth. L’album a été un succès commercial, atteignant la 3ème place du Billboard 200 aux États-Unis et étant certifié platine.

A Different Kind of Truth (2007) , qui marque le retour de David Lee Roth en tant que chanteur du groupe. L’album a été bien accueilli par les fans et les critiques et a été certifié or aux États-Unis. La tournée A Different Kind of Truth Tour a été un énorme succès et a vu le groupe jouer devant des foules à guichets fermés.

A Different Kind of Truth (2012) : Le dernier album studio de Van Halen a été publié en 2012. A Different Kind of Truth a été enregistré avec le chanteur original David Lee Roth et a marqué le retour du bassiste Michael Anthony. L’album a été bien accueilli par les critiques et a atteint la 2e place du classement Billboard 200. Les singles « Tattoo » et « She’s the Woman » ont également eu un certain succès.

Tokyo Dome Live in Concert (2015) : Enregistré lors de la tournée de 2013, Tokyo Dome Live in Concert est le premier album en direct de Van Halen avec David Lee Roth au chant depuis 1984. L’album comprend des classiques tels que « Jump », « Panama » et « Hot for Teacher », ainsi que des morceaux de leur dernier album. L’album a été bien accueilli par les fans et les critiques.

Les tournées à succès de Van Halen

Van Halen est connu pour avoir donné des concerts énergiques et intenses tout au long de leur carrière, et plusieurs tournées et concerts ont été marqués comme étant mythiques. Voici quelques exemples :

Les folles années 80

La tournée « World Invasion Tour » en 1978 : Cette tournée a été la première pour Van Halen, et elle a été un véritable succès. Le groupe a parcouru les États-Unis et le Canada et a impressionné les fans avec leur énergie sur scène.

La tournée « Fair Warning Tour » en 1981 : Cette tournée a été une des plus explosives de Van Halen, avec un spectacle impressionnant et des éclairages époustouflants. Elle a également vu la sortie de l’album « Fair Warning », qui est devenu un classique du groupe.

La tournée « 1984 Tour » en 1984 : Cette tournée a été une des plus grandes de Van Halen, avec des concerts dans des stades à guichets fermés. Elle a également vu la sortie de l’album « 1984 », qui a été un énorme succès.

La tournée « Monsters of Rock » en 1988 : Van Halen a été la tête d’affiche de cette tournée, qui comprenait également des groupes comme Scorpions, Metallica et Dokken. Cette tournée a été un énorme succès, avec des concerts devant des foules de plus de 100 000 personnes.

Une continuité dans les années 90 et 2000

La tournée « For Unlawful Carnal Knowledge Tour » en 1991 : Cette tournée a vu le retour du chanteur original de Van Halen, David Lee Roth. Elle a été un succès commercial et a donné lieu à l’album « For Unlawful Carnal Knowledge », qui a été l’un des plus gros succès du groupe.

Pendant cette tournée a eu lieu le fameux concert de l’éclipse : En 1991, Van Halen a donné un concert gratuit dans l’État de New York pour célébrer une éclipse solaire. Pendant le concert, l’éclipse a commencé à se produire et le groupe a arrêté de jouer pour permettre aux fans de profiter de l’événement. Cela a créé une ambiance magique et a été l’un des moments les plus mémorables de la carrière de Van Halen.

La tournée « Balance Tour » en 1995 : Cette tournée a été la dernière de Van Halen avec le chanteur Sammy Hagar. Elle a été un succès, avec des concerts à guichets fermés dans le monde entier.

La Tournée de réunion (2007-2008) : En 2007, Van Halen s’est réuni avec David Lee Roth pour leur première tournée depuis 2004. La tournée a été un énorme succès, avec plus de 1,5 million de billets vendus et un chiffre d’affaires de plus de 93 millions de dollars.

Introduction au Rock and Roll Hall of Fame (2007) : En mars 2007, Van Halen a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Les membres fondateurs Eddie Van Halen, Alex Van Halen, David Lee Roth et Michael Anthony ont tous assisté à la cérémonie.

La Tournée de la réunion avec Roth (2012) : En 2012, Van Halen a entamé une nouvelle tournée de réunion avec David Lee Roth au chant. La tournée a été bien accueillie par les fans et a été l’une des tournées les plus rentables de l’année.

Quelques anecdotes sur Van Halen

M&Ms et Michael Jackson

La clause du M&Ms : Van Halen était connu pour avoir une clause inhabituelle dans ses contrats de tournée qui exigeait que des bonbons M&Ms soient fournis, mais avec toutes les couleurs de bonbons brunes enlevées. Cette demande était souvent vue comme un caprice de rock star, mais il y avait en fait une raison logique derrière cela.    La clause des M&Ms était placée au milieu d’un contrat très détaillé et technique qui couvrait la sécurité de la scène et des artistes. Si les bonbons M&Ms étaient fournis sans la suppression des bonbons bruns, cela indiquait que les détails techniques du contrat avaient peut-être été négligés, et cela incitait le groupe à vérifier en détail la sécurité de la scène.

La collaboration avec Michael Jackson : En 1982, Eddie Van Halen a été invité à jouer sur la chanson « Beat It » de Michael Jackson. Cela a conduit à une collaboration entre les deux artistes, et Eddie a également joué sur la chanson « Black or White » de Jackson en 1991.

Les concerts et les pranks

La guitare « Frankenstrat » : Eddie Van Halen, le guitariste de Van Halen, est connu pour avoir créé une guitare personnalisée qu’il appelait la « Frankenstrat ». Cette guitare était composée de pièces de différentes marques et modèles et avait un son unique qui est devenu un élément clé du son de Van Halen. Eddie a même sorti une version signature de la « Frankenstrat » pour les fans.

Les pranks en tournée : Les membres du groupe étaient connus pour jouer des blagues les uns aux autres en tournée. Par exemple, ils ont déjà rempli la chambre d’hôtel de David Lee Roth avec du sable, ont remplacé le tambour de batterie d’Alex Van Halen par du papier toilette, et ont mis une annonce dans un journal local disant que le groupe allait jouer dans un petit bar, juste pour voir combien de fans se présenteraient.

Les concerts à haut risque : le groupe était connu pour ses performances live explosives, qui comprenaient des sauts acrobatiques et des cascades dangereuses. Eddie Van Halen a même une fois déclaré qu’il avait dû être réanimé après être tombé inconscient en tombant d’une plateforme de scène.  Lors d’un concert en 1982, David Lee Roth a tenté de sauter d’une enceinte de haut-parleur à l’autre, mais il a raté et est tombé sur la scène, se cassant le nez en tombant. Malgré la blessure, il a continué à chanter le reste du concert.

Les costumes de scène : le groupe était connu pour ses costumes de scène extravagants, notamment ceux de David Lee Roth, qui comprenaient souvent des spandex, des chaussures à talons hauts et des vestes à paillettes.

Les anecdotes entre les membres du groupe

Le départ de Sammy Hagar : En 1996, le chanteur Sammy Hagar a quitté le groupe après une dispute avec les autres membres du groupe. Cette dispute aurait commencé lorsqu’Hagar a été invité à participer à la bande originale du film « Twister » sans en informer les autres membres de Van Halen. Cela a entraîné une série de désaccords qui ont finalement conduit à la séparation du groupe et au retour de David Lee Roth.

Les origines du groupe : Le groupe a été formé en 1972 par les frères Eddie et Alex Van Halen, qui ont immigré avec leur famille des Pays-Bas aux États-Unis dans leur enfance. Le groupe a pris le nom de leur nom de famille, mais a connu plusieurs changements de membres avant de devenir la formation classique avec David Lee Roth au chant et Michael Anthony à la basse.

Le changement de chanteur : Le départ de David Lee Roth en 1985 a été une surprise pour les fans, mais le groupe a rapidement trouvé un remplaçant en la personne de Sammy Hagar. Hagar avait déjà connu le succès en tant que chanteur solo, mais son intégration à Van Halen a été un grand succès, avec des albums tels que « 5150 » et « OU812 » devenant des classiques.

La participation de Valerie Bertinelli : La première femme d’Eddie Van Halen, l’actrice Valerie Bertinelli, a été la vedette de plusieurs vidéos musicales du groupe, notamment « Jump » et « Panama ». Elle a également joué un rôle important dans l’histoire du groupe, ayant encouragé Eddie à arrêter de fumer et à adopter un mode de vie plus sain.

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FAQ sur Van Halen

Q1: Qui sont les membres fondateurs de Van Halen ?

Réponse : Les membres fondateurs de Van Halen sont le guitariste Eddie Van Halen, le chanteur David Lee Roth, le batteur Alex Van Halen et le bassiste Michael Anthony.

Q2: Quand le groupe a-t-il été formé ?

Réponse : Van Halen a été formé en 1972 à Pasadena, en Californie.

Q3: Quel est l’album le plus vendu de Van Halen ?

Réponse : L’album le plus vendu de Van Halen est « 1984 », sorti en 1984. Il a été certifié Diamond aux États-Unis et a vendu plus de 10 millions d’exemplaires dans le monde.

Q4: Qui a remplacé David Lee Roth comme chanteur de Van Halen ?

Réponse : Sammy Hagar a remplacé David Lee Roth comme chanteur de Van Halen en 1985.

Q5: Quel est le titre de la chanson la plus célèbre de Van Halen ?

Réponse : La chanson la plus célèbre est « Jump », sortie en 1984.

Q6: Quels sont les albums les plus populaires de Van Halen ?

Réponse: Certains des albums les plus populaires  sont « Van Halen » (1978), « 1984 » (1984), « 5150 » (1986) et « OU812 » (1988).

Q7: Quel est le style musical de Van Halen ?

Réponse: Le groupe est généralement considéré comme un groupe de hard rock ou de heavy metal. Leur musique est souvent caractérisée par des riffs de guitare puissants, des solos de guitare virtuoses et des paroles souvent axées sur les relations amoureuses.

Q8: Quand Eddie Van Halen est-il décédé ?

Réponse: Eddie Van Halen est décédé le 6 octobre 2020 à l’âge de 65 ans, des suites d’un cancer de la gorge.

Q9: Quel est le style musical de Van Halen ?

Réponse: Le style musical du groupe est généralement classé comme du hard rock, bien qu’il comporte des éléments de heavy metal, de pop et de funk.

Q10: Quel est l’héritage de Van Halen ?

Réponse: IL a été l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock, en raison de l’innovation technique d’Eddie Van Halen en matière de guitare et de leur impact sur le genre du hard rock. Le groupe a vendu plus de 80 millions d’albums dans le monde entier et a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2007.

Deep Purple, l’un des groupes les plus emblématiques du rock

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 29/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Deep Purple est un groupe de rock britannique qui a marqué l’histoire de la musique avec ses performances live et ses albums légendaires. Formé en 1968, le groupe a connu plusieurs changements de membres au fil des ans, mais a toujours réussi à maintenir son statut d’icône du rock.

Dans cet article, nous allons plonger dans l’histoire de Deep Purple et explorer leur musique, leurs influences et leur impact sur la scène musicale.

Deep purple , Nîmes arena

I. La formation de Deep Purple

• Les membres fondateurs
• Les premiers albums
• Leur évolution musicale

Le groupe Deep Purple est un groupe de rock britannique fondé en 1968 et composé de cinq membres fondateurs : Jon Lord, Ritchie Blackmore, Ian Paice, Rod Evans et Nick Simper.

Les membres du groupe ont été régulièrement renouvelés et échangés au fil des années, mais ce sont ces cinq musiciens qui ont créé ce qui allait devenir un des plus grands groupes de rock de tous les temps.

Deep purple

Le premier album du groupe, Shades of Deep Purple, est sorti en juillet 1968 et a été un succès immédiat. Il contenait des reprises de morceaux de Ritchie Blackmore et de Jimi Hendrix, ainsi que des compositions originales.

Le groupe a ensuite sorti plusieurs autres albums, dont The Book of Taliesyn, Deep Purple et In Rock, qui a été un des albums les plus populaires du groupe.

Deep Purple a connu une grande évolution musicale et s‘est tourné vers des genres plus hard rock et heavy metal dans les années 1970.

Les albums Machine Head et Made in Japan ont été les plus populaires de cette période et ont été très influents dans l‘évolution de ces genres. Depuis lors, le groupe a continué à produire des albums dans diverses directions musicales et a été régulièrement nominé aux Grammy Awards. Le groupe a également été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2016 pour sa contribution à l‘histoire de la musique.

Deep Purple a été et est toujours un groupe de rock très influent et populaire. Les cinq membres fondateurs du groupe ont créé un son unique qui a été très influent et qui a permis à Deep Purple d‘être considéré comme l‘un des plus grands groupes de rock de tous les temps.

II. Les albums emblématiques de Deep Purple

• « Deep Purple in Rock » (1970)

• « Machine Head » (1972)

• « Burn » (1974)

• « Perfect Strangers » (1984)

Deep purple

III. La musique de Deep Purple

• Leur style musical
• Leurs influences
• Leurs collaborations avec d’autres artistes

Leur premier album de rock classique, Shades of Deep Purple, a été publié en juillet 1968, et leur style musical s‘est progressivement développé pour inclure des éléments de rock psychédélique, de hard rock et de heavy metal.

Le groupe a été considéré comme l‘un des pionniers du hard rock et du heavy metal. Leurs principales influences comprenaient le blues, la musique classique, le jazz et le rock psychédélique.

Deep purple

Les membres du groupe ont également été influencés par des artistes tels que Cream, The Beatles, The Rolling Stones et Led Zeppelin.

Deep Purple a collaboré avec de nombreux artistes différents au cours des années, notamment le compositeur et chef d’orchestre André Previn, le leader du groupe Judas Priest Rob Halford, le guitariste de Guns N‘ Roses Slash et le chanteur de Queen Brian May.

Le groupe a également travaillé avec des artistes de la scène underground tels que Hawkwind et Motörhead.

IV. Les performances live de Deep Purple

Deep Purple est un groupe de rock britannique qui s’est formé en 1968. Depuis lors, le groupe a livré des performances scéniques spectaculaires qui ont contribué à leur statut légendaire.

Ces performances ont été l’une des principales raisons qui ont permis au groupe de devenir l’un des groupes les plus vendus de tous les temps. Deep Purple a livré des performances live remarquables à de nombreuses reprises.

Les fans ont été remplis d’admiration pour leur habileté technique et leur énergie incroyable. Deep Purple a joué des chansons classiques comme « Smoke on the Water », « Highway Star » et « Black Night » et a captivé des foules à travers le monde.

Leur performance de 1972 à leur album live Made in Japan est considérée comme l’une des meilleures performances live de l’histoire. Le groupe a joué des morceaux comme « Highway Star », « Space Truckin‘ » et « Child in Time » avec une énergie incroyable et une technique impeccable.

Deep Purple a également donné des performances live spectaculaires lors de leur tournée de 1995, Purple On The Road.

Le groupe a joué des titres de leurs albums les plus vendus et a fait preuve d’une grande énergie et d’une technique parfaite tout au long de la tournée. Deep Purple continue à jouer à des concerts à travers le monde et à captiver des foules à chaque fois.

Ils donnent aux fans une performance live incroyable et sont toujours aussi talentueux et passionnés que lorsqu’ils ont commencé.

V. L’impact de Deep Purple sur la scène musicale

L‘impact de Deep Purple sur la scène musicale est immense. La formation a été l‘une des principales inspirations pour les groupes de hard rock et de heavy metal qui se sont formés dans les années 1970 et 1980. La musique de Deep Purple est considérée comme l‘une des principales influences du mouvement du heavy metal.

Les paroles et le style de jeu des musiciens ont été fondamentaux pour le développement de ce genre. La formation a également contribué à façonner le son unique de la guitare électrique, avec ses riffs et ses solos caractéristiques.

Le groupe a également influencé les groupes de rock progressif qui ont suivi, notamment King Crimson, Yes et Genesis.

Conclusion

Le groupe britannique Deep Purple a eu une influence considérable sur le rock et la musique hard rock depuis ses débuts à la fin des années 1960. Leur style unique et leur son reconnaissable ont inspiré des générations de musiciens.

Ils sont également reconnus comme l‘un des plus grands groupes de rock classique de tous les temps. Leur influence ne se limite pas à la musique, car leur style et leur énergie ont également inspiré d‘autres artistes.

Leur discographie comprend certains des albums de rock les plus iconiques de tous les temps, tels que Machine Head et In Rock. Leur succès a traversé les décennies et leur héritage est toujours vivant dans le monde de la musique aujourd‘hui.

Deep Purple a laissé une empreinte indélébile dans l‘histoire de la musique et ils continueront à inspirer les générations futures.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe Deep Purple

Qu‘est–ce que le groupe Deep Purple?

Le groupe Deep Purple est un groupe de rock britannique formé en 1968 et étroitement associé à la musique hard rock et au heavy metal. Il est considéré comme l‘un des groupes les plus influents et les plus populaires de tous les temps.

Le groupe est composé de cinq membres : Ian Gillan, Roger Glover, Steve Morse, Ian Paice et Don Airey. Le groupe a connu de nombreux changements de personnel tout au long de sa carrière et a été influencé par de nombreux styles de musique, notamment le blues, le jazz, le funk, le pop et le classique.

Quelle est la discographie du groupe Deep Purple?

Le groupe Deep Purple a sorti treize albums studio, six albums live et plusieurs compilations et singles. Les albums studio les plus connus sont : « In Rock » (1970), « Machine Head » (1972), « Burn » (1974), « Stormbringer » (1974), « Perfect Strangers » (1984)  et « The Battle Rages On » (1993).

Les albums live comprennent : « Made in Japan » (1972), « Last Concert in Japan » (1975), « Scandinavian Nights » (1975), « Tokyo Tapes » (1978), « Nobody‘s Perfect » (1988) et « Total Abandon: Australia » (1999).

Qui sont les membres actuels du groupe Deep Purple ?

Les membres actuels du groupe Deep Purple sont Ian Gillan (chant), Roger Glover (basse), Steve Morse (guitare), Don Airey (claviers) et Ian Paice (batterie).

Qui était le premier membre du groupe Deep Purple ?

Le premier membre du groupe Deep Purple était le chanteur et multi–instrumentaliste Rod Evans, qui a rejoint le groupe en 1968. Il a été remplacé par Ian Gillan en 1969.

Quel est le premier album de Deep Purple ?

Le premier album de Deep Purple est « Shades of Deep Purple », qui a été publié en 1968. Il est composé de versions remaniées de chansons classiques et de reprises.

Quelle est la chanson la plus célèbre de Deep Purple ?

La chanson la plus célèbre de Deep Purple est probablement « Smoke on the Water », qui a été publiée en 1972 sur l‘album « Machine Head ». Elle est devenue l‘un des morceaux de rock les plus populaires de tous les temps et a été reprise par de nombreux artistes et groupes.

Quelle est la plus grande contribution de Deep Purple à la musique ?

La plus grande contribution de Deep Purple à la musique est sans aucun doute leur part importante dans le développement du genre musical hard rock et heavy metal. Leur musique a inspiré de nombreux artistes et groupes et a contribué à la popularisation de ces genres.

Quels sont les instruments joués par le groupe Deep Purple ?

Le groupe Deep Purple est principalement composé de guitare, basse, claviers, batterie et chant. Les membres du groupe jouent tous ces instruments et peuvent également jouer d‘autres instruments occasionnellement, tels que la flûte, le saxophone et le piano.

Quels sont les plus grands succès de Deep Purple ?

Les plus grands succès de Deep Purple comprennent « Smoke on the Water », « Child in Time », « Highway Star », « Black Night », « Speed King », « Hush », « Woman from Tokyo » et « Knocking at Your Back Door ».

Quand le groupe Deep Purple s‘est–il séparé ?

Le groupe Deep Purple s‘est séparé pour la première fois en 1976 mais s‘est reformé en 1984. Il s‘est à nouveau séparé en 2002 mais s‘est reformé en 1984. Le groupe est toujours en activité et continue de publier de nouveaux albums et de se produire en concert.

Les 10 meilleurs livres sur la musique pop

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 27/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les 10 meilleurs livres sur la musique pop : La musique pop est l’une des formes d’art les plus populaires et influentes de notre temps. Elle a façonné notre culture et a souvent servi de reflet à la société dans laquelle nous vivons. Si vous êtes un fan de musique pop, vous pouvez approfondir votre connaissance du genre en lisant les meilleurs livres sur le sujet. Dans cet article, nous allons explorer les 10 meilleurs livres sur la musique pop, en couvrant l’histoire de la musique pop, les tendances actuelles et les biographies de musiciens célèbres.

L’histoire de la musique pop

La musique pop est l’une des formes les plus populaires de musique dans le monde. Elle a émergé au cours des années 1950 et 1960 en réponse à la demande croissante de musique facile à écouter et à danser. La musique pop a été influencée par de nombreux genres musicaux, notamment le rock and roll, le blues, le jazz et le country.

Les années 50

Les débuts de la musique pop Les années 50 ont vu l’émergence de la musique pop en réponse à la demande croissante de musique facile à écouter et à danser. Les artistes tels que Elvis Presley, Chuck Berry et Little Richard ont popularisé le rock and roll, qui est devenu un genre dominant dans la musique pop.

Les années 60

L’âge d’or de la musique pop Les années 60 ont vu l’émergence de groupes tels que les Beatles, les Rolling Stones et les Beach Boys, qui ont redéfini la musique pop en ajoutant des éléments de psychédélisme et de folk. Le mouvement hippie a également influencé la musique pop en donnant naissance à des artistes tels que Bob Dylan et Joni Mitchell, qui ont ajouté des éléments de protestation sociale et politique à la musique pop.

ROLLING STONES

the Beatles

Les années 70

La diversification de la musique pop Les années 70 ont vu la diversification de la musique pop avec l’émergence de genres tels que le disco, le funk et le punk rock. Des artistes tels que Donna Summer, Parliament-Funkadelic et les Sex Pistols ont popularisé ces genres, qui ont continué à évoluer dans les années 80 et 90.

Les années 80 et 90

La domination de la musique pop Les années 80 et 90 ont vu la domination de la musique pop avec l’émergence d’artistes tels que Michael Jackson, Madonna et Whitney Houston. Ces artistes ont créé des chansons qui étaient à la fois mélodieuses et dansantes, et ont utilisé la vidéo musicale pour promouvoir leurs chansons. Les années 90 ont également vu l’émergence de genres tels que le grunge et le hip-hop, qui ont ajouté des éléments de protestation sociale et politique à la musique pop.

Le XXIe siècle

L’évolution continue de la musique pop Au XXIe siècle, la musique pop continue d’évoluer avec l’émergence de genres tels que l’EDM, le R&B et la pop alternative. Des artistes tels que Taylor Swift, Ariana Grande et Billie Eilish ont continué à dominer les charts avec des chansons qui sont à la fois mélodieuses et engageantes.

En conclusion, la musique pop a une longue histoire et a été influencée par de nombreux genres musicaux différents. Les grands noms de la musique pop ont eu un impact considérable sur la culture populaire, et de nombreux livres ont été écrits pour documenter l’histoire de la musique pop et les biographies de musiciens célèbres. Si vous êtes intéressé par la musique pop, vous trouverez sûrement un livre qui répond à vos besoins et vous aidera à mieux comprendre ce genre musical passionnant et évolutif.

Les grands noms de la musique pop

Madonna

Madonna est une autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Elle a vendu plus de 300 millions de disques dans le monde entier et est connue pour son style de musique et de mode provocateur. Née en 1958, Madonna est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale dans les années 1980.

Elle est connue pour sa capacité à se réinventer constamment, à repousser les limites de la sexualité et à utiliser les images et les icônes de la culture populaire dans ses vidéos et ses concerts. Elle est considérée comme l’une des artistes les plus influentes de l’histoire de la musique pop.

Les Beatles

Les Beatles sont considérés comme l’un des groupes les plus influents de l’histoire de la musique pop. Ils ont contribué à l’évolution du genre en y ajoutant des éléments de rock and roll, de folk et de psychédélisme. Ce groupe britannique légendaire a été formé à Liverpool en 1960 et est devenu l’un des groupes de musique les plus influents de tous les temps.

Les membres du groupe étaient John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr. Ils ont produit des chansons intemporelles comme « Hey Jude », « Let It Be » et « Yesterday », et leur musique a influencé des générations de musiciens.

Elvis Presley

Elvis Presley est un autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Il a popularisé le rock and roll dans les années 50 et est considéré comme l’un des artistes les plus importants de l’histoire de la musique. Né en 1935, Elvis Presley était un chanteur, musicien et acteur américain souvent appelé « Le Roi du Rock and Roll ».

Il a commencé sa carrière musicale dans les années 1950 et a produit des hits comme « Hound Dog », « Heartbreak Hotel » et « Jailhouse Rock ». Son style unique de chant et de danse ainsi que sa présence charismatique sur scène ont inspiré de nombreux autres artistes.

Whitney Houston

Whitney Houston est considérée comme l’une des plus grandes chanteuses de tous les temps. Elle a vendu plus de 200 millions de disques dans le monde entier et est connue pour sa voix puissante et sa capacité à transmettre l’émotion dans ses chansons. Née en 1963, Whitney Houston était une chanteuse, actrice et productrice américaine.

Elle a commencé sa carrière musicale dans les années 1980 et est devenue l’une des artistes les plus populaires de tous les temps avec des tubes comme « I Will Always Love You » et « Greatest Love of All ». Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 6 Grammy Awards.

Prince

Prince est un autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Il est connu pour son style unique de musique funk, pop et rock, ainsi que pour ses performances spectaculaires. Né en 1958, Prince était un chanteur, compositeur, producteur et multi-instrumentiste américain.

Il a commencé sa carrière musicale dans les années 1970 et est devenu une icône de la musique populaire avec des albums comme « Purple Rain », « Sign o’ the Times » et « 1999 ». Il était connu pour sa créativité, son style de chant unique et sa capacité à fusionner différents genres musicaux.

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Britney Spears

Britney Spears est une artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop dans les années 90 et 2000. Elle est connue pour ses chansons dansantes et accrocheuses, ainsi que pour son style de mode provocateur. Née en 1981, Britney Spears est une chanteuse, danseuse et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale dans les années 1990.

Elle est devenue une pop star mondiale avec des albums comme « Baby One More Time », « Oops!… I Did It Again » et « Blackout ». Elle était connue pour ses performances scéniques énergiques et ses chorégraphies de danse accrocheuses.

Freddie Mercury

Freddie Mercury est le chanteur légendaire du groupe Queen. Il est connu pour sa voix puissante et sa capacité à transmettre l’émotion dans ses chansons. Né en 1946, Freddie Mercury était un chanteur, musicien et compositeur britannique surtout connu comme le chanteur principal du groupe Queen.   Il a produit des chansons intemporelles comme « Bohemian Rhapsody », « We Are the Champions » et « Somebody to Love ». Il était connu pour son incroyable gamme vocale et sa présence charismatique sur scène.

David Bowie

David Bowie est un autre artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop. Il est connu pour son style unique de musique rock et pop, ainsi que pour ses performances théâtrales. Né en 1947,  David Bowie était un chanteur, musicien, producteur et acteur britannique. Il a commencé sa carrière dans les années 1960 et a produit des albums innovants comme « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars » et « Heroes ». Sa musique était souvent expérimentale et mélangeait différents genres, et son style de chant et de performance scénique était unique.

Taylor Swift

Née en 1989, Taylor Swift est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale en 2006. Elle est connue pour ses chansons pop-country, mais a également expérimenté avec d’autres genres, comme la pop pure. Elle est l’une des artistes les plus populaires de l’industrie musicale actuelle et a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 11 Grammy Awards.

Ariana Grande

Née en 1993, Ariana Grande est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale en 2011. Elle est connue pour sa voix puissante et sa capacité à chanter des notes élevées, ainsi que pour ses chansons pop et R&B. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 2 Grammy Awards.

Beyoncé

Beyoncé est une artiste qui a eu une grande influence sur la musique pop depuis le début des années 2000. Elle est connue pour ses performances électrisantes, sa voix puissante et ses chansons qui parlent de l’émancipation des femmes et de la lutte contre les injustices sociales. Née en 1981, Beyoncé est une chanteuse, compositrice, actrice et productrice américaine qui a commencé sa carrière musicale dans les années 1990 en tant que membre des Destiny’s Child.

Elle est devenue une artiste solo à succès dans les années 2000 avec des albums comme « Dangerously in Love », « B’Day » et « Lemonade ». Elle est connue pour sa voix puissante, ses performances scéniques énergiques et sa capacité à mélanger différents styles musicaux.

Justin Bieber

Né en 1994, Justin Bieber est un chanteur, compositeur et acteur canadien qui a commencé sa carrière musicale en 2009. Il est connu pour ses chansons pop, R&B et hip-hop, ainsi que pour son image de bad boy. Il a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment un Grammy Award.

Billie Eilish

Née en 2001, Billie Eilish est une chanteuse, compositrice et actrice américaine qui a commencé sa carrière musicale en 2015. Elle est connue pour son style musical alternatif et expérimental, ainsi que pour ses paroles introspectives et souvent sombres. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 7 Grammy Awards.

Dua Lipa

Née en 1995, Dua Lipa est une chanteuse, compositrice et mannequin britannique qui a commencé sa carrière musicale en 2015. Elle est connue pour ses chansons pop, dance et R&B, ainsi que pour sa voix puissante. Elle a remporté de nombreux prix pour son travail, notamment 3 Grammy Awards.

 

Les 10 meilleurs livres de la musique pop

« The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century » par Alex Ross

« The Rest Is Noise » est un livre fascinant sur la musique du 20e siècle, y compris la musique pop. L’auteur Alex Ross explore comment la musique a reflété les changements sociaux, politiques et culturels du siècle dernier. Ross analyse également l’influence de la musique pop sur la culture et la politique du 20e siècle.

 « Laurel Canyon: The Inside Story of Rock-and-Roll’s Legendary Neighborhood » par Michael Walker

« Laurel Canyon » est une biographie captivante de l’un des quartiers les plus emblématiques de Los Angeles, qui a vu l’émergence de nombreux musiciens de renom dans les années 60 et 70. Le livre explore comment le paysage social et culturel unique de Laurel Canyon a contribué à façonner la musique pop de l’époque.

 « Rap Attack 3: African Rap to Global Hip Hop » par David Toop

« Rap Attack 3 » est un livre qui explore l’histoire et l’évolution du rap et du hip-hop, de leurs origines en Afrique à leur devenir phénomène global. David Toop examine comment la musique hip-hop a évolué pour devenir une force culturelle et politique influente.

« Love Goes to Buildings on Fire: Five Years in New York That Changed Music Forever » par Will Hermes

« Love Goes to Buildings on Fire » est un livre passionnant sur l’histoire de la musique pop à New York dans les années 70. L’auteur Will Hermes explore comment la ville de New York a été un foyer pour l’innovation musicale pendant cette période, avec l’émergence de genres tels que le punk, le disco et le hip-hop.

« Chronicles: Volume One » par Bob Dylan

« Chronicles » est une autobiographie captivante de Bob Dylan, l’un des musiciens les plus influents de l’histoire de la musique pop. Dans ce livre, Dylan explore son parcours musical et sa vie personnelle, offrant un aperçu unique sur la musique pop et les tendances de l’époque.

 « The Soundtrack of My Life » par Clive Davis

« The Soundtrack of My Life » est une biographie de Clive Davis, l’un des producteurs les plus célèbres de la musique pop. Davis a travaillé avec certains des plus grands noms de l’industrie, notamment Whitney Houston, Alicia Keys et Janis Joplin. Dans ce livre, il raconte l’histoire de sa vie et de son parcours dans l’industrie musicale.

 « Hit Men: Power Brokers and Fast Money Inside the Music Business » par Fredric Dannen

« Hit Men » est un livre sur les coulisses de l’industrie de la musique pop, écrit par le journaliste Fredric Dannen. Ce livre explore comment les producteurs et les dirigeants de l’industrie de la musique ont façonné le paysage musical de l’Amérique dans les années 70 et 80.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur les livres sur la musique pop

EXPOSITION PHOTOS  » LE FESTIVAL DE NÎMES EN OCCITANIE  » PAR ERIC CANTO

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 20/03/2023 | Inspiration, musique et idées créatives, make