David Bailey 50 ans de photos : Look again 2020

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 13/07/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

David Bailey est considéré comme l’un des pionniers de la photographie contemporaine, Devenu célèbre pour ses photographies de mode dans les rues de Londres, il a immortalisé les plus grands mannequins, artistes et personnages médiatiques de ces cinquante dernières années. 

David Bailey et les années 60

Les années 60, nous dit David Bailey dans sa nouvelle autobiographie, étaient terminées vers 1965. Les calendriers pourraient affirmer le contraire. Mais il a un son de vérité, du moins en ce qui concerne la version mod, monochrome et sur mesure des années 60, l’ère du Swinging London. David Bailey devrait savoir, après tout. Il prétend modestement avoir inventé la décennie.

David Bailey: Look again

Son voyage à New York avec le mannequin Jean Shrimpton pour un shooting Vogue en 1962 a pris certaines des qualités légendaires de l’arrivée de Lénine à la gare de Finlande : un moment qui a inauguré une révolution.

* Il est possible d’exagérer à quel point sa technique était innovante – Vogue existe pour faire la chronique des tendances, rarement pour les définir – mais son impact a été historique. Auparavant, les pages du magazine étaient dominées par des tournages scéniques dans lesquels des mannequins hautains prenaient des poses courantes telles que «attraper un papillon» et «héler un taxi».

En revanche, les photos de Shrimpton de David Bailey la montraient dans des décors naturalistes sur un film 35 mm granuleux. Ils ont aligné Vogue avec un nouvel esprit en général dans la culture – dans le style de tir de guérilla des cinéastes français de la Nouvelle Vague ; dans le sérieux du réalisme de l’évier de cuisine ; et surtout dans la ‘Jeune Idée’, un terme nébuleux qui allait mûrir dans une décennie définie par la jeunesse.  Les vêtements étaient presque accessoires. Il s’agissait, comme l’affirme David Bailey, plus d’une fois dans ce livre, de la jeune fille.

David Bailey: Look again

David Bailey a abordé la photographie de mode comme une forme de portrait, tandis que ses portraits délimitaient la mode. Beaucoup de ces personnes étaient ses amis (Mick Jagger, Terence Stamp, Michael Caine), beaucoup d’autres ses amants (Shrimpton, Catherine Deneuve, Penelope Tree), tous photographiés dans son style distinctif et contrasté sur un fond blanc uni.

(Ce n’était pas, il s’efforce de le souligner, de Richard Avedon, mais a été développé par son mentor John French pour obtenir un plus grand impact sur le papier journal Daily Express .) Brutes, non filtrées, les images parlaient de son rapport instinctif avec ses sujets. , de connexions forgées par son charme terreux et racé.

Plus proche d’un mémoire que d’une autobiographie, Look Again est une curieuse affaire. Elle aussi est brute et non filtrée. Les phrases sont saccadées. Le style est grossier et démotique. La structure est une sorte de flux de conscience, comme si nous étions assis avec Bailey et écoutions ses souvenirs.

David Bailey: Look again

Cela n’a rien d’étonnant, puisque le photographe David Bailey est dyslexique et a réalisé le livre avec l’aide de l’historien de l’art James Fox, décrit ici non pas comme un nègre mais comme son « collaborateur ».

Comme un ensemble de pinces bulldog utilisées par un styliste de mode pour améliorer la coupe d’un vêtement, Fox a la tâche peu enviable d’imposer une sorte de forme aux réminiscences informes de Bailey, en restant invisible tout le temps.

Regarde encore est à son plus évocateur lorsqu’il s’agit de l’enfance de Bailey dans les années 1940. Il y a un fort sentiment d’appartenance et un œil pour un détail révélateur : les bâtiments bombardés avec leurs intérieurs exposés comme des maisons de poupées ; la chambre froide avec des meubles recouverts de plastique réservée aux visiteurs spéciaux; la brutalité désinvolte de la vie de l’East End.

(Son père, un tailleur de patrons, a été marqué à vie lorsqu’un jeune voyou l’a tailladé au visage. L’identité de l’agresseur a été cachée à Bailey pendant plusieurs décennies, mais il s’agissait du gangster Reginald Kray – dont il a pris les photos de mariage en 1965.)

On peut dire à peu près la même chose de sa période en poste dans ce qui était alors la Malaisie en service national avec la RAF; tandis que le reste de la caserne était orné de pin-up coquines, une affiche de Picasso était suspendue au-dessus de la couchette de l’aviateur Bailey.

Les années 60, naturellement, occupent la part du lion du livre, mais ici, le style narratif dégressif de David Bailey joue contre lui.

Les pages sont riches d’anecdotes – apprendre au danseur de ballet Rudolf Noureev à faire le twist, se faire arrêter par la police avec un python dans le coffre de sa Rolls-Royce – dont certaines seront déjà familières aux aficionados de l’homme et son travail.

Mais quelque part en cours de route, le sens du lieu, et pire encore, de l’époque, se dissipe. Le livre prend une allure presque picaresque, une séquence brumeuse d’incidents dans lesquels notre héros, tel un Moll Flanders masculin ou le protagoniste d’un roman de Fielding, ricoche d’amant en amant.

Nous sommes passés de Shrimpton à Deneuve (qu’il a épousé pour un pari) à Tree à Marie Helvin à, finalement, Catherine Dyer, sa femme depuis 1986. Look Again, dans des sections de dialogue transcrit comme un scénario de théâtre. Leurs souvenirs des événements ne correspondent pas toujours à ceux de David Bailey.

Dans un sens, ce récit chaotique renvoie à la question de la fin des années 60. De nombreuses personnalités qui se sont fait connaître au cours de cette décennie obsédée par la jeunesse sont confrontées à un dilemme : leurs premières réalisations éclipsent le reste de leur vie, leur talent se fige en une simple célébrité.

En 1965, David Bailey était sans aucun doute une célébrité. Le personnage principal de Blow-Up d’ Antonionia été célèbre sur son modèle, bien que Bailey déplore le maniaque de son homologue fictif « Ouais, bébé ! » maniérismes – plus appropriés, dit-il, à un photographe de studio de Chelsea. (« Il était si carré, David Hemmings. Il aurait été préférable d’avoir Terence Stamp. ») Les décennies suivantes ont un peu l’impression qu’il cherche un nouveau but.

Malgré tout ce qu’il soutient parfois que son apogée est le présent, il n’est pas clair que David Bailey y soit parvenu. Il répertorie certains de ses plus grands succès – photographe officiel de Live Aid en 1985, une publicité anti-fourrure mémorable dans laquelle le manteau d’un mannequin fait glisser du sang sur le podium, une série de publicités télévisées comiques pour les caméras Olympus – mais le sens de la conduite de les chapitres précédents ont disparu.

Dans sa crudité et son manque de vernis, son insistance sur le fait que tout tourne autour de la fille, Look Again évoque sans effort l’homme et son travail. Il est donc regrettable qu’il souffre par endroits de quelque chose que sa photographie d’une netteté irréprochable n’a jamais fait : un étrange manque de mise au point.

Look Again de David Bailey est publié par Mac millan .

Qui est David Bailey ?

David Bailey est un photographe de mode anglais surtout connu pour ses images de célébrités, de mannequins et de musiciens. Bien qu’il soit également connu pour son livre de photographie NWI (1982), qui documente le processus de gentrification dans les quartiers londoniens de Primrose Hill et Camden.

Né le 2 janvier 1938 à Londres, Royaume-Uni, David Bailey a abandonné ses études secondaires pour servir dans la Royal Air Force où il a développé un intérêt pour la photographie d’ Henri Cartier-Bresson . Il est aujourd’hui âgé de 85 ans.

De retour en Angleterre, David Bailey a commencé à travailler en tant que photographe de mode John French l’assistante de. Au cours des années 1960 et 1970, l’artiste a attiré l’attention de la presse après une série de mariages très médiatisés avec Jean Shrimpton, Catherine Deneuve et Marie Helvin.

En 1965, David Bailey publie son premier livre de photographies Box of Pin-Ups , une collection d’images en noir et blanc représentant Mick Jagger, les Beatles, Twiggy et Andy Warhol., ainsi que plusieurs autres personnalités.

David Bailey a ensuite reçu le titre de Commandeur de l’Ordre de l’Empire britannique des mains de la reine Elizabeth II et, en 2016, un prix pour l’ensemble de ses réalisations du Centre international de la photographie de New York.

Les photographies de l’artiste sont conservées dans les collections de la National Portrait Gallery et du Victoria and Albert Museum de Londres. Bailey vit et travaille actuellement à Londres, au Royaume-Uni.

Marié à Rosemary Bramble (m. 1960-1964), puis à Catherine Deneuve (m.1965-1972), Marie Helvin (m.1975-1985), il est marié à Catherine Dyer depuis 1986 et est père de 3 enfants,  Sascha Bailey, Paloma Bailey, Fenton Fox Bailey.

L’avis du Guardian

Pensez aux nuits blanches de M. Edward Shrimpton, un constructeur autodidacte qui, en 1960, s’était acheté une ferme de 200 acres dans le Buckinghamshire et avait envoyé ses deux filles dans la meilleure école de couvent locale. Tout d’abord, son aîné, Jean, 18 ans, tombe amoureux d’un homme marié, un East Ender, qui a pris des photos « glamour » d’elle.

Et comme si cela ne suffisait pas, sa fille cadette, Chrissie, fréquente un étudiant, dont la seule perspective d’emploi rémunérateur semble être avec un groupe de musique qui n’a pas encore sorti de disque. Face à la perspective de David Bailey dans sa grange à foin et de Mick Jagger dans sa chambre du fond, il semble qu’Edward Shrimpton n’ait pas pu décider qui pointer son fusil de chasse en premier.

Soixante ans plus tard, Jean Shrimpton et David Bailey peuvent encore évoquer le frisson de ces premières liaisons, dans lesquelles au moins une image libre d’esprit de la décennie qui a suivi a été créée.

Pour autant qu’ils s’en souviennent, ils n’ont jamais fait d’interview ensemble au cours des années où ils se sont rendus célèbres, alors quand ils s’assoient ici, au cœur des mémoires prévisibles et candides de Bailey, c’est comme s’ils reconstituaient de petits fragments d’un fantasme partagé.

Le shooting phare de Vogue à New York, emmenant la mode studio dans la rue, lui apportant des fleurs, et les portant sans gêne, leur premier sexe, sur Littleton Common (« ah oui, je m’en souviens bien »). « Il m’a fallu trois mois pour faire passer ma jambe », se souvient Bailey, pour souligner sa bravoure.

Une grande partie de cette histoire se lit comme un pays étranger à notre époque de censure. Il y a beaucoup de choses que vous pourriez penser que vous savez déjà dans ce livre, mais ce qui le place au-dessus du familier, ce sont les segments enregistrés dans lesquels nous entendons Bailey tester sa mémoire contre certaines des personnes dont il a été le plus proche – non seulement Shrimpton, mais aussi ses ex-femmes, Catherine Deneuve et Marie Helvin, l’épouse actuelle, Catherine Dyer, et bien d’autres amis et amants.

De cette façon, James Fox, le nègre de David Bailey, fait de ce qui pourrait être un exercice d’auto-mythologie quelque chose de beaucoup plus brut et surprenant (en ce sens, le livre fait un digne successeur des derniers efforts de Fox en tant que « fantôme » pour Keith Richards’s Life).

Parfois, il laisse libre cours au personnage cockney non reconstruit de Bailey, mais en l’écoutant en compagnie de vieux amis et de vieux amants, nous l’entendons également confronter et examiner certains moteurs plus complexes de sa créativité priapique.

Cela remonte en grande partie à l’enfance du photographe. Fox le sonde et le presse au sujet de sa relation avec ses parents, sa mère en colère et son père capricieux – il était l’accident qui a imposé leur mariage horriblement malheureux – et laisse ce rationnement d’affection en temps de guerre expliquer une partie de l’agitation légendaire de David Bailey.

Bailey fait remonter son œil pour la beauté féminine à l’après-midi de 1948 lorsqu’il est allé avec sa mère et sa tante lors de leur voyage annuel dans le West End et à Selfridges pour essayer les robes qu’ils ne pouvaient jamais se permettre, avant de rentrer chez eux pour courir. des versions d’entre eux sur leurs machines à coudre.

À une telle occasion, sa mère a essayé une robe de style Dior et s’est retournée devant la vitrine du grand magasin, à contre-jour – et David Bailey, neuf ans, a pris sa première photo dans sa tête.

Il a conservé cette image, semble-t-il, même s’il était traité de stupide tous les jours à l’école (il est parti à 14 ans et a reçu un diagnostic de dyslexie à 30 ans) et à travers des emplois qui comprenaient un passage en tant que collecteur de dettes dans l’East End à ses adolescents.

Il était, selon son plus vieil ami, Danny O’Connor, jamais sans «le regard de Bailey» apparemment voir des choses chez les gens – les femmes – qu’ils se voyaient à peine eux-mêmes.

Le regard lui a causé beaucoup d’ennuis, se faisant battre par des voyous locaux, « les garçons Barking », dont il a regardé les petites amies, mais c’était aussi son attirance presque indéfectible. Il n’a jamais douté de ce don. « Ma mère avait l’habitude de dire : ‘Tu finiras comme nous tous, à conduire le bus 101’ », se souvient-il.

« Je me suis dit ‘Je ne le ferais pas.’ » Une grande partie de cette histoire, et une grande partie du comportement qu’elle décrit, se lit comme un pays étranger à notre époque de censure. Comme le dit l’assistant de longue date de Bailey, John Swannell : « Quel que soit le voyage dans lequel il était, il est allé chercher le modèle et 99% du temps, il les a fait craquer. »

Il n’y a, parmi les nombreux anciens amants qui apparaissent dans ces pages, aucune suggestion que cette attention était indésirable. Le récit subtil de Fox vous permet de voir à quoi cela ressemblait à travers les yeux de Bailey et vous permet parfois de voir les bords de ce viseur.

BONUS: Interview de David Bailey pour gagosian quarterly, par Derek Blasberg, été 2019

Le photographe s’est assis avec Derek Blasberg pour parler de son processus, de sa bête noire et de ses expériences avec Jean Shrimpton, Anjelica Huston, Freddie Mercury, et plus encore.

DEREK BLASBERG: De souvenez-vous de la première fois que nous nous sommes rencontrés ? C’était il y a des années, et j’étais la styliste d’un shooting magazine avec Daphne Guinness. J’étais terrifié parce qu’on m’avait dit que vous détestiez les Américains et les stylistes insistants et que j’étais là pour être les deux.

DAVID BAILEY: Oui, je me souviens de ce tournage. Tu allais bien, mais c’est son petit ami qui m’a énervé. Je lui ai dit de disparaître, je pense.

DBLY: Oui,vous l’avez fait ! Ce qui a été un énorme soulagement pour moi.

DBAI Je suppose que je ne l’ai pas aimé [rires]. Il se tenait derrière moi et essayait de la diriger sur les photos, ce qui était affreux, mais elle était gentille.

DBL Les shootings pour tant de magazines de mode vous manquent ?

DBAI Je ne vois plus aucun des magazines pour lesquels je tournais.

DBL: Ils ont tous mal avec les budgets de nos jours.

DBAI:  Aucun d’entre eux n’a jamais été vraiment riche. Vogue anglaise ? Oubliez ça, ils n’ont jamais eu de gros budgets. Vogue française ? Rien. Italie : rien. Seul Vogue américain l’a fait. Je me souviens qu’une fois [l’ancienne rédactrice en chef du Vogue américain Diana] Vreeland m’a téléphoné et m’a dit: « Tu vas me donner l’enfer mais nous devons surveiller l’argent. »

Elle a parlé pendant une heure lors de cet appel – un appel longue distance, qui à l’époque coûtait une fortune – et elle a passé environ une heure et demie à parler. Puis elle m’a téléphoné le lendemain et m’a dit : « Iras-tu en Inde pour photographier un tigre blanc ? [rires] Après m’avoir dit de réduire les budgets, elle m’envoie en Inde pour photographier un tigre blanc ! Il était dans un zoo de toute façon ! Vreeland était l’une des femmes les plus extraordinaires que j’ai jamais rencontrées.

DBL: C’est fascinant de voir comment Diana Vreeland est restée une telle icône de la mode.

DBAI:  Eh bien, elle était vraiment fantastique. Elle était intelligente et l’une des femmes les plus intéressantes que j’ai jamais rencontrées, d’une drôle de manière.

DBL: Elle a inspiré le personnage de Kay Thompson dans le film Funny Face [1957], qui mettait en vedette Audrey Hepburn.

DBAI: C’était un grand film. J’ai vu ce film quand j’étais assistant du photographe John French.

DB: Il a ce grand numéro d’ouverture, « Think Pink ».

DBAI: Yeah, cette déclaration de Diana Vreeland. C’est elle qui a dit « Le rose est le bleu marine de l’Inde ». C’est aussi bon que la ligne d’Andy Warhol sur le fait que tout le monde est célèbre pendant quinze minutes. Mais je me demande si cet écrivain médiatique…

DBL: Marshall McLuhan?

DBAI: Yeah, celui qui a dit que l’image est le message. Il a dit toutes sortes de choses accrocheuses. Je me demande si Warhol a obtenu beaucoup de citations de lui.

DBL: Il sait que vous avez commencé à prendre des photos après votre appel au service national, l’équivalent britannique du repêchage militaire américain, mais avant cela, pensiez-vous que vous seriez dans le monde de la mode ? Dans les magazines, les médias et les photographies ?

DBAI: Personne n’ y a pensé. J’aimais la photographie mais je ne pensais pas à la mode. En fait, c’était vraiment un accident : je jouais de la trompette, je voulais être Chet Baker, mais, heureusement, quelqu’un a volé ma trompette [rires].

DBL: Quand ?

DBAI: Lorsque j’étais dans l’Armée de l’Air. Un officier l’a pris et je n’ai rien pu faire. Il a dit : « Puis-je emprunter votre trompette pour dessiner ? J’ai dit « Ouais », puis il a dit : « Désolé de te dire ça, mais quelqu’un l’a volé. » C’était un officier et je n’étais qu’un soldat, donc je ne pouvais rien y faire.

DBL: C’est peut-être la meilleure chose qui vous soit jamais arrivée.

DBAI:  oui, probablement ! J’aurais été un très mauvais Chet Baker [rires].

DBL:  Et c’est à ce moment-là que vous avez travaillé avec John French, n’est-ce pas ? DBOUi, pendant environ onze mois. John était un gars formidable. Et puis je suis allé à Vogue.

DBL: Vous étiez assez jeune et – comment dire ? – pas le genre de photographe typique utilisé par Vogue à l’époque. À ce moment-là, Vogue cherchait des gens assez polis.

DBAI: Honnêtement, je ne sais pas comment je suis arrivée à Vogue avec mon accent. Les Américains ne le savent peut-être pas, mais ce n’était pas facilement accepté en Angleterre d’avoir un accent comme le mien. Il y avait de très belles filles dans les années 1960 avec des accents comme le mien et nous n’avions pas le droit de travailler avec elles.

J’ai toujours pensé : « Eh bien, qu’est-ce que son accent a à voir avec une photo ? Nous ne faisons pas de film ! » Mais ils n’auraient rien à voir avec quelqu’un qu’ils pensaient être « commun ». C’était comme ça jusqu’aux années 70, vraiment.

DBL: Pourquoi vous ont-ils laissé entrer ?

DBAI:  Je ne sais pas pourquoi. Je pense que le directeur artistique était un outsider et peut-être qu’il pensait que j’étais un outsider aussi. Il était homosexuel et, à cette époque, être homosexuel était en fait interdit par la loi. J’étais un étranger d’une manière différente, donc nous avions quelque chose en commun.

DBL: Vous étiez contre la société, et les magazines aimaient les gentils gens de la classe moyenne supérieure comme Cecil Beaton.

DBAI: Cecil détestait ne pas être chic. Il aurait aimé être comte ou seigneur ou n’importe quoi d’autre. Ils ont fait de lui un monsieur à la fin, donc au moins il l’a en quelque sorte compris.

DBL: Vous  avez contribué à inaugurer une nouvelle ère de la photographie très post-Cecil Beaton.

DBAI: Il avait une façon de mettre les gens à l’aise. C’étaient de superbes photos parce qu’il filmait des gens dans une chaise élégante et leur donnait l’impression qu’ils avaient toujours été dans cette chaise élégante.

DBL: Vous avez cependant fait sortir les gens de leurs chaises de luxe. En arrivant chez Vogue, saviez-vous que vous introduisiez un style unique ?

DBAI: Non. Je n’y ai jamais pensé, pour être honnête. Cela semblait juste être du bon sens. Je ne pense même pas que les gens aient réalisé que les photos étaient bonnes quand je les ai faites. . . mais nous ne savions rien à l’époque.

DBL: Il y a cette excellente citation que vous avez faite : « Environ 2 000 personnes se sont amusées dans les Swinging ’60s. »

DBAI: Yeah, ils n’étaient pas très amusants si vous étiez un mineur de charbon ou un pêcheur ou quelque chose comme ça. Il n’y avait que quelques milliers de personnes qui s’amusaient dans les années 60 et c’était un truc de la classe ouvrière. C’était la première fois qu’ils avaient une voix. Je pense que la raison pour laquelle c’est arrivé était que nous étions trop nombreux. Il y avait Michael Caine, Terence Stamp, Albert Finney.

Si vous regardez des films anglais des années 50, c’étaient tous des gens de la classe moyenne qui jouaient au cockney. Vous pouvez dire par leur accent qu’ils n’étaient pas vraiment de l’East End. Finalement, nous étions comme, qu’est-ce que c’est?

DBL: Utilisez-vous un appareil photo numérique de nos jours ? Ou un iPhone ?

DBAI: Yeah, je vais leur parler pendant quelques heures si je peux avant de leur tirer dessus. Ensuite, cela ne prend que dix minutes. Mais pensez-y : comment pouvez-vous tirer sur quelqu’un que vous ne connaissez pas ? Ce n’est pas grave si je les ai déjà rencontrés et que je les connais, si je les connais depuis des années, comme Jack [Nicholson] ou quelqu’un d’autre, mais si un étranger arrive et que je ne sais pas qui il est, comment puis-je savoir quand j’ai le bon coup?

DBL: Si je pouvais dire que demain tu pourrais tirer sur qui tu veux, qui serait-ce ?

DBAI: Personne, vraiment. Il y a vingt ans, cela aurait probablement été Fidel Castro. [Magazine editor] Tina Brown voulait faire ça, et nous avons essayé plusieurs fois, mais ils disaient: « Pouvez-vous aller passer six semaines là-bas, mais ils ne sont pas sûrs que vous l’obtiendrez. » Alors j’ai dit : « Je ne peux pas passer six semaines à Cuba !

Finalement, ils ont envoyé [Herb] Ritts, et il est resté là-bas pendant deux semaines et est parti. Il en a eu marre aussi. Honnêtement, je ne pense pas que les Cubains étaient si intéressés.

DBL: Une question que je reçois souvent, en particulier avec les personnes qui aiment la photographie, est la suivante : comment commence-t-on une collection de photographies ? Que recherchez-vous lorsque vous prenez des photos ? Qu’est-ce qu’une image importante pour vous ?

DBAI: Je ne parle jamais aux gens de cette merde ! [rires] Honnêtement, je ne sais pas. Je n’ai collectionné que deux photographes dans ma vie : l’un est Irving Penn et l’autre est Manuel Álvarez Bravo. J’ai probablement une vingtaine de photos de chacun d’eux.

DBL: Vous arrive-t-il d’afficher vos propres images ?

DBAI: Non, jamais. Sur mes murs ? Non. Je ne veux pas que mes photos soient chez moi.

DBL:  Il y a une photo de Georgia O’Keeffe dans les toilettes.

DBAI:  C’est de Bruce Weber.

DBL: Oh, c’est vrai.

DBAI: Ils sont principalement Bruce aux toilettes. Ha! Je parie qu’il aimerait ça.

DBL: Avez-vous une camaraderie avec d’autres photographes ?

DBAI: Non. Je l’ai fait avec Helmut [Newton] et avec Bruce – j’essaie de penser à qui d’autre. Je connaissais assez bien Irving Penn. Il me laissait louer son studio.

DBLT:  Parlez-moi de modèles. Qui aimes-tu?

DBAI: Easy : Je pense que les deux plus grands modèles sont Jean Shrimpton et Kate Moss.

DBL: Certaines de vos premières photos les plus célèbres sont avec la crevette, mais ensuite elle a complètement quitté la mode et est sortie de la grille. Droite?

DBAI:  Eh bien, elle n’a pas aimé ça. Jean détestait ça. Kate adore ça. C’est la différence. Kate est fantastique. Elle vient parfois ici et elle repart vers quatre heures du matin. Je viens de prendre une belle nouvelle photo d’elle. Je ferais n’importe quoi pour Kate.

DBL:  Il est heureux de vous entendre dire cela parce que je pense que souvent, les photographes comme vous ont si peu de patience pour les gens de la mode.

DBAI: J’ai cessé de faire de la mode il y a des années. C’était trop. En 1971, j’ai fait 800 pages chez Condé Nast en un an, et c’était tout simplement trop.

DBL: Wow, 800 de quoi que ce soit, c’est trop.

DBAI : J’ai pensé : « Merde, je dois arrêter de travailler comme ça. Je vais me transformer en robe si je ne fais pas attention ! » [Rires] Je n’ai jamais vraiment aimé la mode de toute façon. J’aime les filles mais je n’ai jamais vraiment été bonne pour le business. J’aime Yves Saint Laurent, je suppose. En fait, je suis allé voir sa première collection et j’étais avec Catherine Deneuve et je lui ai dit : « Catherine, tu dois arrêter de porter ce que tu portes et il faut que tu enfiles ce Yves Saint Laurent. »

DBL: Vraiment ? YSL et Deneuve sont devenus des amis et des muses pour la vie.

DBAI : C’est moi qui l’ai présentée à Yves. Après cela, Pierre Bergé a été mon meilleur ami pour le reste de sa vie.

DBL: Est-ce que votre façon de prendre des photos aujourd’hui diffère un peu de celle que vous aviez lorsque vous avez réalisé les portraits de Michael Caine dans les années 1960 ?

DBAI: Non, je les prends tous de la même manière. Je n’ai jamais vraiment changé. J’ai de la chance d’une certaine manière, car mes photos ne semblent pas dater. Si je faisais des photos de mode maintenant, j’éviterais les cheveux et les chaussures. Je n’ai jamais porté trop de cheveux ou de chaussures parce que ces deux choses, les livres de mode, vieillissent plus qu’autre chose. Je recadre toujours des trucs. J’ai toujours eu des ennuis avec Vogue, comme « Oh, on ne peut pas voir les pieds. »

Et je disais: « Eh bien, vous savez à quoi ressemblent les pieds » [rires]. J’aime faire mon propre style. Je ne veux pas faire de trucs marrants. Je veux prendre la photo et continuer. Moins est toujours plus.

DBL: Quand vous voyez les photos de Mick Jagger, les photos que nous avions exposées dans la galerie, vous paraissent-elles encore fraîches ?

DBAI : Au début, je n’étais pas submergé par l’idée de faire une exposition de photographies des années 60 – je me suis dit : « Ugh, encore les années 60 ». Et je déteste ce terme « Swinging ’60s » et tout ça, c’est tellement cliché. Mais ici, ils se sentaient frais.

DBL: Mais nous sommes tous tellement ivres de nostalgie. Je veux dire, Freddie Mercury est le nom le plus chaud à Hollywood et il est mort depuis des décennies.

DBAI: Oh ouais, j’ai vu ce film, Bohemian Rhapsody. C’est bon, il est bon.

DBL: aviez-vous connu Freddie ?

DBAI: Freddie a enfoncé sa langue dans ma gorge !

DBL: n’êtes-vous pas sorti avec Anjelica Huston ?

DBAI: OUi, j’étais avec elle avant Nicholson. Elle était super, Anjelica. C’est une imitatrice fantastique. Elle peut imiter n’importe qui. J’ai fait un livre sur elle.

DBL: Tu es sorti avec Shrimpton aussi.

DBAI: Je l’ai fait.

DBL: J’ai entendu dire qu’elle dirigeait maintenant une chambre d’hôtes au bord de la mer.

DBAI: C’est mieux qu’une chambre d’hôtes ! C’est un peu comme Fawlty Towers. La dernière fois que je suis resté avec elle, nous avons tous les deux été enfermés à 20 heures du soir et nous n’avons pas pu rentrer parce que personne ne savait où était la putain de clé. Il n’y avait personne à la réception. C’est un hôtel adorable. Il n’y a pas trop d’hôtels de charme à St. Ives.

DBL: Alors tu es toujours ami avec elle ?

DBAI: Oui ! Je suis ami avec toutes mes ex-petites amies sauf Marie Helvin. Je ne la vois jamais.

DBL: Êtes-vous ami avec des personnes avec qui vous avez travaillé au fil des ans ?

DBAI:  Ah ouais. Tout le monde. J’aime travailler avec les mêmes femmes depuis quinze ans. Vogue en a eu marre mais j’ai travaillé avec [ma femme] Catherine pendant quarante ans.

DBL: Ça doit être valorisant d’avoir encore des gens qui viennent voir des photos vieilles de cinquante ans dans une galerie, non ?

DBAI: Je pense qu’ils sont plus vieux que ça. Quel âge j’ai? Quatre-vingts. Ouais, ils sont plus vieux que ça. Ils datent du début des années 60.

DBL: Il était poli et coupé quelques années.

DBAI Non, non, je suis très vieux [rires].

DBL: Dernière question : Quelle est la première personne que vous avez eu envie de prendre en photo ?

DBAI:  Somerset Maugham. Il a écrit Of Human Bondage. Ils en ont fait un film et il s’agissait d’un gang de filles. Il a fait beaucoup de bons livres et il comprenait les femmes plus que n’importe quel hétéro.

DBL: C’était le premier portrait de célébrité ?

DBAI: Première personne célèbre, ouais. Je me suis dit : « Merde, s’ils sont tous comme ça, ça va être génial. » Il n’aurait pas pu être plus gentil et il est mort quelques années plus tard. Il m’a dit : « Ne donne pas tout. » La dragonne de mon appareil photo était un morceau de ficelle [rires] et je n’avais pas beaucoup d’argent à l’époque, ce qu’il a remarqué. Il a dit: «Oh bien, tu es pauvre. Ne donnez rien. Gardez quelque chose en retour.

DBL C’est un sage conseil.

DBAI s’entendait bien avec lui. Il était très vieux—

DBL: Quel âge ?

DBAI: Shit, il devait avoir soixante-treize ans ou quelque chose comme ça, ce qui est plus jeune que moi maintenant. Mais ne me demandez aucun conseil.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :10 RAISONS DE SE LANCER

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 30/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

L’achat de photo d’art en ligne à le vent en poupe actuellement. L’image est d’ailleurs partout : des influenceurs documentant leurs choix de mode aux publicités commerciales, il y a des images partout où nous regardons. Pourtant, ne vous laissez pas tromper par la saturation du champ.

La photographie d’art, les photos d’art est une étoile montante dans le monde exclusif de la collection d’art. L’achat d’image en ligne explose.

Loin de votre photo de téléphone intelligent moyenne, les pièces dignes d’un musée par des maîtres photographes sont des choix judicieux pour les investisseurs et les amateurs d’art.

Des photographies telles que « Rhien II » d’Andreas Gursky se sont vendues à des millions. La valeur d’investissement de ces chefs-d’œuvre fait partie du changement croissant dans le monde de l’art.

Aujourd’hui, la photographie est enfin placée dans le même domaine que les arts séculaires de la peinture et de la sculpture. L’abordabilité relative de la photographie d’art par rapport à ces autres médiums en fait un bon point de départ pour un collectionneur d’art en herbe.

ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE

Une collection de photographies d’art organisée rehaussera votre espace avec de la couleur, du luxe et de la personnalité. Choisir d’acheter le travail d’un véritable artiste, plutôt que des tirages commercialisés en masse, signifie que vous soutenez directement le parcours de l’artiste.

Les éditions limitées garantissent que votre achat sera l’un des quelques chefs-d’œuvre produits par l’artiste. Ces éditions exclusives apporteront une individualité et une beauté rare à votre maison tout en ayant une réelle valeur.

Commençons par nos 10 raisons pour lesquelles vous devriez commencer votre collection de photographies d’art dès aujourd’hui. Car, après tout, il n’est jamais trop tard pour se découvrir une nouvelle passion !

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1.ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE EST À LA HAUSSE DANS LE MONDE DE L’ART

Par rapport aux peintures ou aux sculptures, la photographie est plus accessible financièrement … pour l’instant. Avec la popularité croissante du média, certaines photographies se vendent déjà à des prix très élevés et cela ne fera qu’augmenter.

La bonne nouvelle est qu’il existe encore des prix pour chaque collectionneur. Les photographies peuvent aller de 150 USD à 6,5 millions (le montant du record du monde payé pour « Phantom » de Peter Lik). Cependant, si vous cherchez à acheter le travail d’un photographe bien connu, attendez-vous à des prix plus élevés.

À partir de là, cela dépend de vous, de votre budget et de votre style d’investissement. Voulez-vous acheter une photographie à succès établie pour suivre l’augmentation du prix par rapport au premier exemplaire vendu ? Ou préférez-vous acquérir l’un des premiers exemplaires d’une édition limitée pour un prix moindre et attendre de voir comment il gagne en popularité ?

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2. VOTRE COLLECTION DE PHOTOGRAPHIES D’ART SERA COMPLÈTEMENT ORIGINALE

Personne n’aime être un imitateur . Lorsque vous achetez des œuvres d’art dans une chaîne de magasins, vous savez que des milliers d’autres ont la même scène de ville, la même impression botanique ou la même copie d’un célèbre tableau accroché dans leur maison. Il est vrai que rechercher l’art que vous aimez prendra plus de temps et d’argent que de trouver quelque chose chez IKEA. Mais cela ne fait-il pas partie du plaisir ?

Passer par ce processus peut vous renseigner sur l’art, le design d’intérieur, la théorie des couleurs, les techniques d’investissement et votre propre personnalité.

Lorsque vous regardez la pièce que vous avez choisie sur votre mur, elle parlera vraiment de votre individualité, plutôt que de simplement faire partie de l’arrière-plan.Kit métallisé.

3. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :VOUS SOUTIENDREZ DE VRAIS ARTISTES ET NON L’ART D’USINE

L’art original est réalisé par des artistes individuels.

Les photographes d’art passent chaque jour à créer des œuvres qui révèlent leur vision artistique. Chaque photographie est à la fois incroyable à regarder et a une histoire originale derrière elle. Peut-on en dire autant d’une image qui a été réimprimée un million de fois parce qu’elle occupe une certaine niche dans un magasin de décoration d’intérieur ?

Lorsque vous investissez dans le travail d’un véritable photographe d’art, vous investissez dans la poursuite de sa carrière. Si vous aimez leur travail, aidez-les à en faire plus.

4. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :OPTEZ POUR LE RARE AVEC UNE ÉDITION LIMITÉE

La photographie en édition limitée permet de posséder une œuvre d’art de grande valeur. Ces éditions sont accompagnées d’un certificat d’authenticité et de la signature de l’artiste, afin de garantir leur valeur dans le temps.

De nombreux acheteurs d’art potentiels ont du mal à comprendre la différence entre une édition limitée et une édition ouverte . Les photographies peuvent être simplement réimprimées, n’est-ce pas ?

Pourquoi les éditions limitées sont-elles tellement plus chères ? Utilisons une analogie avec un livre pour clarifier les choses.

Imaginez avoir acheté l’un des premiers exemplaires de Shakespeare’s Collected Plays, connu sous le nom de « First Folio ». En 1623, vous auriez peut-être payé 15 shillings (134 livres en tenant compte de l’inflation actuelle). Aujourd’hui, ce même livre vaut des millions de livres. Un exemplaire de « First Folio » a été vendu 5,2 millions à la maison de vente aux enchères Sotheby’s en 2006 .

Oui, les « pièces de théâtre » de Shakespeare ont été réimprimées des millions de fois. Presque tous ceux qui sont allés au lycée au Royaume-Uni ou en Amérique ont lu au moins une partie de la collection. Pourtant, l’éditeur ne pourra jamais faire une autre première édition. La poignée de ces livres rares qui existent ne fera qu’augmenter en valeur avec le temps.

Les photographes d’art limitent le nombre de copies qu’ils font d’une pièce particulière pour exactement cette raison. Ils veulent que la valeur de leur travail reste dans ce monde exceptionnel de rareté.

Une fois qu’une édition est épuisée, selon le code du photographe d’art, elle ne sera jamais réimprimée. C’est pourquoi il est important de saisir cette superbe image en édition limitée que vous regardez avant que quelqu’un d’autre ne le fasse !

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5. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE D’ART AJOUTE DU LUXE À VOTRE ESPACE

Si vous parcourez les pages de n’importe quel magazine de décoration haut de gamme, vous remarquerez que les chambres sont remplies d’œuvres d’art magnifiques. Loin de l’ordinaire du marché de masse, ces images confèrent une sophistication mondaine à n’importe quelle pièce.

Les architectes d’intérieur savent que concevoir une pièce autour d’œuvres d’art originales, en harmonisant les couleurs et les styles, ancrera l’espace. Une collection bien organisée peut faire toute la différence entre ennuyeux et brillant .

De plus, la photographie d’art peut être un sujet de discussion pour vos invités ou clients. Les histoires derrière la photographie et l’artiste sont infiniment plus intéressantes que de décrire votre week-end de shopping au centre commercial.

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6. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : LA PHOTOGRAPHIE D’ART EST INTEMPORELLE

La photographie de masse peut rapidement sembler dépassée, en partie parce qu’elle est trop saturée sur le marché. Alors que la photographie d’art évoluera avec votre style et suscitera encore et encore l’intérêt.

Une partie de la valeur d’investissement d’une œuvre d’art réside dans le fait qu’elle peut rester une partie de votre décor pour les années à venir . Chaque fois que vous accrochez votre photo dans un nouvel endroit ou que vous changez les tendances qui l’entourent, elle se démarquera toujours comme un ajout élégant.

Et la meilleure partie ? La photographie d’art conserve sa valeur dans le temps. Donc, tant que vous prenez bien soin de votre investissement, il sera vraiment intemporel.

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7. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : VOUS POUVEZ RAMENER VOS VOYAGES À LA MAISON AVEC VOUS

Des photos phénoménales de lieux intéressants et des portraits des personnes qui y vivent peuvent vous permettre de vous évader de votre vie quotidienne.

Le voyage est une catégorie populaire de la photographie d’art car il peut stimuler la mémoire d’un voyage bien-aimé. Ou il peut servir de vie ambitieuse. Vous ne pourrez peut-être jamais atteindre le sommet brumeux de cette montagne à Sapa, au Vietnam. Mais avoir une photographie artistique du lieu peut toujours vous y transporter.

Un photographe de voyage d’art peut voyager jusqu’au bout du monde et raconter les histoires de personnes et de lieux dont nous ne pouvons que rêver.

De plus, les photographies de paysages créent une impression de profondeur et d’espace dans n’importe quelle pièce. Une photographie à grande échelle peut inciter l’œil à regarder au-delà du mur et à pénétrer dans les terres au-delà. Choisir une photographie avec une technique de traitement qui offre un effet 3D peut aller encore plus loin dans la création de cette illusion.

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8. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE : UTILISEZ L’ART POUR CRÉER UNE AMBIANCE SPÉCIALE DANS VOTRE ESPACE

L’ambiance de votre décor changera avec le sujet de votre photo . L’image d’une forêt verdoyante peut créer un effet serein et diminuer l’anxiété. Une scène urbaine peut ajouter une touche industrielle à un projet de design urbain. Un portrait intrigant peut agir comme un « gardien de la pièce », attirant les gens à entendre l’histoire derrière les yeux du sujet.

Choisissez d’abord quelques pièces que vous aimez, puis réfléchissez à ce qu’elles vous font ressentir.

Quelle sorte d’atmosphère la photo créera-t-elle dans votre espace ? Quel esprit essayez-vous d’évoquer ? Branché? Zen? Mondain? Surprenant? Luxueux?

Que vous soyez attiré par les portraits, les paysages, les images urbaines ou abstraites, une photo d’art ajoutera de la texture et de l’intérêt à votre décoration d’intérieur. À partir de là, l’ambiance est à vous pour créer !

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9. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :LES EXPERTS RÉVÈLENT QUE LA PHOTOGRAPHIE D’ART A DE LA VALEUR

Ne nous croyez pas sur parole. Les experts dans le domaine de la collection d’art ont déclaré que la photographie d’art est une forme d’investissement en hausse.

Le marché de l’art existe depuis des siècles, mais il y a toujours de la place pour de nouveaux artistes et médiums pour faire sensation. Des articles dans Robb Report , The Guardian et Sotheby’s soulignent la tendance croissante à l’acquisition par les collectionneurs de photographies contemporaines aux prix les plus élevés.

Le prix de départ d’une édition limitée peut dépendre de beaucoup de choses. Il prend en compte la notoriété du photographe, la demande des collectionneurs pour des pièces similaires, la technique de traitement ou les matériaux utilisés, le sujet et l’importance historique.

Faites vos recherches et investissez dans un budget qui vous convient. Choisissez une œuvre que vous aimez et votre photo résistera à l’épreuve du temps.

Cela nous amène à notre dernière raison :

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10. ACHAT PHOTO D’ART EN LIGNE :ACHETEZ-LE PARCE QUE VOUS L’AIMEZ

Achetez de l’art qui vous apporte de la joie personnelle.

N’achetez jamais une photographie d’art simplement sur les recommandations des galeristes ou des marchands d’art. C’est vous qui vivrez avec jour après jour, ce qui signifie que vous êtes l’expert le plus important !

Commencez par choisir quelques pièces dont vous ne pouvez pas détourner le regard. Pour une raison quelconque, ils devraient déclencher une émotion à l’intérieur de vous. Ensuite, recherchez leur valeur, y compris l’artiste et les normes avec lesquelles ils ont été produits avant de faire votre choix final.

Sans un lien personnel avec l’œuvre, elle ne finira que dans une archive de stockage quelque part. Et quoi de plus triste qu’une pièce dans laquelle un artiste a mis toute son âme et qu’on ne voit jamais ?

Commencez une collection que vous aimez. Le reste se mettra en place à partir de là.

Nous espérons que vous avez apprécié notre série sur Comment et pourquoi investir dans la photographie d’art.

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Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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NIRVANA : la bande originale des années 90

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 16/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Si les années 90 étaient un film, la bande originale serait 100 % Nirvana. À l’époque où Kurt Cobain , Krist Novoselic et Dave Grohl sont entrés en scène avec des jeans déchirés, un son brut et des voix hurlantes, leur révolution grungy a complètement modifié le visage de la culture populaire.

La musique qu’ils ont popularisée, loin d’être l’hymne de l’apathie qu’elle est souvent qualifiée de, était comme un violent coup de pied au visage de la cupidité des entreprises. C’était nouveau.

C’était nerveux. Il était en avance sur son temps. Même maintenant, des années plus tard, où le rock alternatif envahit les ondes et où « Smells Like Teen Spirit » est joué sans ironie lors d’événements d’un milliard de dollars, la philosophie punk de Nirvana continue de gagner de nouveaux fans.

Cependant, alors que la place de Nirvana dans l’histoire est assurée, les luttes auxquelles les artistes ont été confrontés en tant que groupe sont également bien documentées.

Entre toxicomanie, dépression, tension et doute de soi, les choses se sont souvent compliquées dans les coulisses, tout s’appuyant sur la tristement célèbre tragédie qui a finalement mis fin au groupe Nirvana.

LA PAUVRETÉ, L’ITINÉRANCE ET DEUX ENFANTS QUI AIMAIENT LA MUSIQUE

Kurt Cobain et Krist Novoselic ont d’abord pris vaguement conscience l’un de l’autre en tant qu’autres parias victimes d’intimidation au lycée d’Aberdeen, Washington, selon  Nirvana: The Biography.Novoselic, le fils de réfugiés yougoslaves, sabotait habilement les assemblées scolaires. Cobain a quitté la maison de sa mère alors qu’il n’avait que 17 ans, a abandonné l’école et est rapidement devenu sans abri.

Certains des endroits où il dormait la nuit comprenaient une boîte en carton, la salle d’attente de l’hôpital et sous un pont, selon le  musée d’histoire d’Aberdeen , c’est à ce moment-là qu’il n’était pas arrêté pour avoir apposé des graffitis sur les murs des ruelles. Dans une tournure tristement ironique, la quête d’emploi de l’adolescent Cobain lui a valu un emploi de concierge dans le même lycée qu’il avait abandonné.

C’est à cette époque, selon le  NME , que Novoselic – qui était encore étudiant – a d’abord remarqué comment Cobain s’exprimait toujours de manière artistique, même lorsqu’il était au travail. Cobain avait déjà monté un album DIY, comme le décrit le  NME , et il en a donné un exemplaire à Novoselic… qui l’a ignoré pendant des mois. Aie.

Une fois que Novoselic a écouté, cependant, il s’est rendu compte que le gars avait un talent sérieux et a accepté son offre de créer un groupe. Les deux enfants ont commencé à jouer ensemble dans un salon de coiffure géré par la tante de Novoselic, n’ayant probablement aucune idée que leur mentalité punk, leur son unique et leurs origines ouvrières étaient sur le point de changer la musique populaire, pour toujours.

UN GROUPE AUX MULTIPLES NOMS ET IDENTITÉS

Cobain et Novoselic ont mis du temps à trouver leur créneau. Au début, personne n’était trop enthousiasmé par la musique qu’ils créaient, selon  NME , Cobain décrivant leurs premiers concerts comme jouant devant un public de « locaux qui détestaient nos tripes et pensaient que c’était de la musique terrible ».

Certes,  Nirvana qui a joué ces spectacles n’était pas le Nirvana que vous connaissez aujourd’hui. Ils n’étaient pas encore entrés dans leur groove, et cela n’était nulle part plus évident que dans la quête du groupe pour un nom propre. « Fecal Matter » était un nom que Cobain aimait, selon  Yahoo , ce qui est certainement difficile à imaginer bien jouer sur MTV.

Smell Fish, Man Bug, Ted Ed Fred, Labido, Skid Row et les Reaganites sont d’autres noms de groupe qu’il a proposés. Finalement,  LounderSound écrit que Cobain a changé de vitesse, s’est rendu compte qu’il voulait un nom de groupe plus beau et plus significatif au lieu d’un nom grincheux, et a opté pour « Nirvana », basé sur le concept bouddhiste de l’illumination. Bien mieux.

Maintenant, qu’en est-il de ce visage souriant Nirvana aux yeux X que vous avez sur votre T-shirt ? Cet emblème est venu bien plus tard, mais on pense qu’il s’agissait simplement d’un croquis que Cobain a dessiné pour un dépliant en 1991.

LES BATTEURS DE NIRVANA ALLAIENT ET VENAIENT, SOUVENT DE MANIÈRE CHAOTIQUE

Maintenant, si vous êtes un fan de Nirvana, vous avez probablement remarqué l’absence d’un nom clé de la formation du groupe (autre que Pat Smear, qui a rejoint beaucoup plus tard), et c’est Dave Grohl .

C’est parce que Nirvana a traversé une cargaison de batteurs en route vers le vainqueur, selon Mental Floss, dont beaucoup ont quitté le groupe pour des raisons criminelles. Leur premier gars, Aaron Buckhard, a été abandonné après s’être battu avec un officier de police et avoir mis en fourrière la voiture de Cobain. Pas cool.

Le batteur suivant, Dale Crover, a fait un bref passage avant de déménager à San Francisco. Son remplaçant, Dave Foster, a agressé le fils d’un maire et a été arrêté. Plusieurs autres ont suivi, notamment Chad Channing, jusqu’à ce que Cobain et Novoselic rencontrent enfin Grohl.

Grohl et Nirvana étaient, heureusement, un mariage parfait (ou Nirvana, si vous préférez). Comme l’a dit plus tard Cobain, selon NME , « Le groupe est enfin au complet parce que tous les autres batteurs que nous avions étaient à peu près nuls. »

Alors que ce remaniement constant des batteurs se déroulait, selon l’ Encyclopedia Britannica , Nirvana avait frappé de petites salles à travers le nord-ouest, faisant des vagues. L’une des démos de Nirvana est tombée sur les genoux d’un label indépendant de Seattle nommé Sub Pop, qui a signé le groupe. En 1988, ils ont sorti leur premier single – une reprise de la chanson Shocking Blue « Love Buzz » – et leur premier album, Bleach , est sorti l’année suivante.

LE GARS QUI A PAYÉ LA FACTURE DU NIRVANA

Avez-vous déjà entendu parler de Jason Everman ? C’est un nom qu’il faut connaître, comme l’explique le New York Times . Everman est le gars qui a financé le premier album de Nirvana, Bleach , pour un total de 606,17 $ – ce qui peut ne pas sembler beaucoup, mais c’est une grosse pâte pour une équipe d’adolescents décoiffés comme le début de Nirvana.

Everman a également été le deuxième guitariste de Nirvana pendant une bonne partie du temps… mais aujourd’hui, il essaie d’éviter de parler de tout le shebang. Pourquoi? Parce que ça ne s’est pas bien passé. Pendant que Nirvana était sur la route, l’ambiance d’Everman ne correspondait tout simplement pas aux autres gars de la camionnette.

Il était calme, replié sur lui-même et semble avoir pour la plupart cessé de parler à tout le monde dans le groupe, ce qui a finalement conduit Cobain à le considérer comme un « métalleux lunatique ». La tension s’est accrue et Nirvana – étant un groupe de punks qui n’avaient pas encore appris à gérer des conflits émotionnels étranges – a en fait annulé leur tournée et est rentré chez lui pendant 50 heures, dans un silence de mort, juste pour jeter Everman au bord du trottoir. Bon sang.

Une fois Nirvana dans ses feux arrière, Everman a rejoint Soundgarden. C’est logique, mais ensuite, Everman a pris un virage à gauche et a rejoint … euh, les forces spéciales de l’armée américaine. Plus surprenant encore, Everman a suivi son passage militaire en obtenant un baccalauréat en philosophie de l’Université Columbia. Une sacrée trajectoire de carrière unique, c’est sûr.

LA RENOMMÉE, LE SUCCÈS… ET LE DOUTE DE NIRVANA

Comme le souligne l’ Encyclopedia Britannica , le moment où Nirvana est passé d’un succès underground à un phénomène mondial a été, sans aucun doute, la sortie en 1991 de leur premier album sur une major, Nevermind .

Cela comprenait leur single « Smells Like Teen Spirit », qui a été diffusé presque 24h/24 et 7j/7 sur MTV, le transformant rapidement en l’une de ces chansons que tout le monde peut fredonner, même s’ils ne comprennent pas le sarcasme intelligent des paroles.

Après le frisson initial du succès, cependant, Nirvana – et Cobain en particulier – se sont rapidement sentis mal à l’aise avec toute l’attention qu’ils recevaient. La nouvelle réputation de Cobain en tant que porte-parole de sa génération n’était pas quelque chose qu’il embrassait : à un moment donné, il a dit catégoriquement à Rolling Stone : « Je suis un porte-parole pour moi – même « , arguant qu’il était aussi confus que tout le monde, et n’avaient pas les réponses que les gens cherchaient.

Quoi qu’il en soit, Cobain est rapidement devenu un héros culte. Sa réputation sale, énervée et terre-à-terre n’a été renforcée que par son aversion pour la divinité des célébrités, son refus d’accepter des offres de promenade en limousine, etc.

Alors que Nirvana est devenu une icône, des rumeurs ont circulé selon lesquelles Cobain pourrait consommer de l’héroïne. À l’époque, il a rejeté ces allégations, mais le temps les prouverait tristement exactes.

PROBLÈMES DE SANTÉ ET ABUS D’HÉROÏNE

Tout au long d’une interview accordée à Rolling Stone en 1992 , Cobain a discuté publiquement des mystérieuses douleurs à l’estomac non diagnostiquées qui l’avaient tourmenté pendant une grande partie de sa vie – et a nié les allégations de consommation d’héroïne.

Il est allé jusqu’à dénoncer complètement la consommation de drogue, la qualifiant de « perte de temps », et a également fait valoir que sa mauvaise santé avait atteint un point où il ne pouvait même plus boire d’alcool, et encore moins utiliser des drogues dures.

Ce n’était… pas vrai, c’est le moins qu’on puisse dire. En réalité, selon Newsweek , la maladie chronique de l’estomac de Cobain et sa consommation d’héroïne étaient profondément liées : il a commencé à utiliser la drogue par intermittence à la fin des années 80, en particulier pour soulager ses symptômes gastro-intestinaux.

Assez facile à comprendre – même si ce n’est pas sage – mais la lutte de toute une vie de Cobain contre la dépression a provoqué une crise toxique avec l’abus d’héroïne, et il est devenu dépendant.

Bien que des observateurs occasionnels aient souvent spéculé que les problèmes de drogue de Cobain pourraient avoir été causés soit par la renommée soudaine de Nirvana, soit par sa relation turbulente avec Courtney Love, les faits montrent que ses luttes ont précédé ces deux choses.

PEU IMPORTE TOUT CE TRUC DE NEVERMIND

Tout le monde aimait Nevermind … sauf, ironiquement, Kurt Cobain lui-même.

Il ne fait aucun doute que Nevermind  est l’album qui a fait de Nirvana une force culturelle avec laquelle il faut compter, mais selon Slate , Cobain en est venu à détester le son brillant et studio du disque.

Dans l’une de ses interviews au franc-parler caractéristique, il a un jour décrit Nevermind comme étant un « bonbon », disant qu’avec le recul, il en était gêné. Cette aversion n’avait rien à voir avec le travail du groupe lui-même – en fait, il aimait la version originale et non améliorée de l’album, qui a depuis été rééditée – mais plutôt, il méprisait la façon dont l’ingénieur du son Andy Wallace coupé le bruit, lissé les défauts et égalisé tout dans une finition radio-amicale.

Selon Cobain, ces modifications ont peut-être semblé plus professionnelles, mais elles étaient beaucoup moins grunge. Assez juste.

Suite à cela, Nirvana a engagé Steve Albini pour leur prochain album, In Utero . Cette dernière version, selon PSN Europe , a été enregistrée et mixée en moins de deux semaines, s’adaptant beaucoup plus naturellement au style chaotique et improvisé de Nirvana.

UNE OVERDOSE DE DROGUE AVANT QUE NIRVANA NE JOUE AU SATURDAY NIGHT LIVE

En 1992, il ne faisait aucun doute que Nirvana était devenu le plus grand groupe du monde, et la même année, ils ont fait une apparition marquante sur Saturday Night Live . Comme Dave Grohl dit qu’il , la taille étonnamment faible de la SNL ensemble était hallucinant, parler rien de l’énergie maniaque ou le fait qu’ils immédiatement se sont appelés par Weird Al Yankovic , qui demande la permission d’usurper « Smells Like Teen Esprit. »

Malheureusement, l’ apparence SNL du groupe a été assombrie par le gouffre de plus en plus profond de l’abus de drogues dans lequel Cobain s’enfonçait. Lors d’une séance photo la veille des débuts, selon le Nirvana Club, Cobain n’arrêtait pas de s’endormir. Il a fait une overdose d’héroïne plus tard dans la nuit et n’a été relancé que par une dose illégale de médicament administrée par Courtney Love .

Néanmoins, Nirvana était entièrement prêt pour SNL le lendemain. Le groupe a effacé la scène dans une performance frénétique de « Smells Like Teen Spirit » et « Territorial Pissings », cassant l’équipement partout. Heureusement pour le réseau, ils s’étaient préparés à cela en remplaçant leur équipement sonore habituel par des trucs bon marché.

LES CONFLITS DE NIRVANA AVEC D’AUTRES GROUPES

Nirvana n’a pas tenu sa langue.

Quand ils ont eu un problème avec d’autres groupes, ils ont parlé. Par exemple, dans une interview avec  Rolling Stone , Cobain a critiqué Pearl Jam comme étant des shills d’entreprise qui avaient sauté dans le train du grunge. Aie. La plus grande colère de Cobain, cependant, était réservée à Axl Rose de Guns ‘N Roses.

Cobain a souvent accusé la musique de Rose d’être de la camelote dénuée de sens, selon Rolling Stone , ce qui a finalement conduit Rose à considérer Cobain comme un « junkie F-in’ avec une femme droguée ».

Cependant, la raison la plus profonde pour laquelle Cobain détestait tellement Rose – la musique cracha de côté – était sa conviction que Rose était un homophobe raciste et sexiste. Vous voyez, même si les gens peignent toujours Nirvana comme un symbole de l’apathie de la génération X, le vrai Kurt Cobain était un défenseur infatigable des droits LGBTQ+, des droits des femmes, et plus encore, qui était très en avance sur son temps : selon  Mashable , il s’exprimait fréquemment.

Contre l’homophobie, il a publiquement dit aux fanatiques de rester à l’écart de ses émissions et a parlé ouvertement de la façon dont les femmes étaient opprimées par la culture populaire. Il portait parfois des robes sur scène, selon la BBC , pour protester contre le sexisme, et il a dit un jour que même s’il n’était pas gay, il aurait aimé l’être, car cela mettrait les homophobes en colère.

Avait-il raison à propos d’Axl Rose ? Décidez par vous-même, mais n’oubliez pas qu’en 2018, comme le souligne le Guardian , Guns N’ Roses a dû retirer l’une de leurs chansons de 1988 d’une réédition d’album parce que les paroles comportaient des insultes racistes et homophobes.

AU FUR ET À MESURE QUE NIRVANA GRANDISSAIT, LES PROBLÈMES DE SANTÉ DE COBAIN GRANDISSAIENT AUSSI

En 1994, Nirvana était plus grand que jamais. Cependant, à ce stade, il n’y avait plus moyen de cacher les problèmes qui se déroulaient dans les coulisses. En mars, la nouvelle est tombée que Cobain avait été hospitalisé à Rome à la suite d’un bref coma, provoqué par une terrible combinaison de champagne et de tranquillisants sur ordonnance.

Ni Cobain ni Love n’ont commenté la question, mais le mois suivant,  le Los Angeles Times a rapporté que Nirvana avait été contraint de quitter une apparition imminente au célèbre festival de musique Lollapalooza ’94 de Chicago, citant les problèmes de santé de Cobain. Des rumeurs circulaient selon lesquelles le plus grand groupe du monde était sur le point de s’effondrer.

Des sources proches du groupe ont déclaré que ces théories étaient absurdes, soulignant que Nirvana avait souvent été sur le point de rompre., et les membres finissaient toujours par arranger les choses.

Malheureusement, comme vous le savez probablement aujourd’hui, la menace perçue de la dissolution de Nirvana était mineure par rapport aux circonstances tragiques qui se sont rapidement produites …

LE SUICIDE DE KURT COBAIN

Le 8 avril 1994, comme décrit par  Biography,  le corps de Kurt Cobain a été retrouvé dans la serre au-dessus de son garage de Seattle, avec un fusil de chasse tombé sur sa poitrine.

Il avait disparu pendant des jours après un bref passage en cure de désintoxication : le mois précédent, ses camarades du groupe Nirvana , ses amis et sa femme avaient organisé une intervention, le suppliant de se faire soigner. Une lettre de suicide a été trouvée et l’autopsie a trouvé des traces d’héroïne et de Valium dans son corps.

Cobain avait lutté contre la dépression toute sa vie. On pense qu’il a envisagé le suicide lorsqu’il était adolescent (selon  NME ) et que le stress de la vie adulte, ses problèmes de santé et sa dépendance à l’héroïne pesaient lourdement sur lui.

Cependant, Newsweek souligne qu’il ne s’est certainement pas suicidé à cause du succès de Nirvana, comme cela est si souvent théorisé, et alors qu’il a souvent été accusé de ne pas se soucier de sa jeune fille – IE, « S’il l’a fait, pourquoi se suiciderait-il? » – il est important de reconnaître que non seulement il a désespérément essayé de devenir sobre, pour le bien de sa fille, mais que sa propre note de suicide contenait l’affirmation erronée qu’elle serait plus heureuse avec lui mort.

Fondamentalement, Cobain a passé une grande partie de sa vie à lutter contre le dégoût de soi, l’instabilité financière, la toxicomanie et les problèmes de santé non diagnostiqués. Sa dépression était profonde et il n’est pas juste de le juger pour cela.

NIRVANA SE DISSOUT

Nirvana a pris fin avec la mort de Kurt Cobain. Il était la voix du groupe, le cœur et le centre de leur message. Cependant, au fur et à mesure que la poussière retombe et que les années passent, ses camarades de groupe se remettent à faire de la musique.

Parmi les membres restants de Nirvana, Krist Novoselic a gardé le profil le plus bas. Il a joué dans un certain nombre de petits groupes, selon le Seattle Times , sa plus récente entreprise étant un groupe local du comté de Wahkiakum appelé Giants in the Trees.

Quant à Dave Grohl, eh bien, vous savez ce qu’il a fait : il a fondé les Foo Fighters en 1995, selon Biography , un groupe qui a produit des tubes emblématiques comme « Everlong », gagnant leur propre place dans l’histoire de la musique. Il y a aussi Pat Smear, le dernier deuxième guitariste de Nirvana, qui a rejoint Grohl sur les Foo Fighters, selon Rockapedia .

En fin de compte, cependant, il est difficile de ne pas penser à ce qui aurait pu se passer si Cobain avait vécu. Le Nirvana existerait-il encore aujourd’hui ? Il semble probable que les tendances créatives de Cobain l’aient finalement poussé à se lancer seul, à la Sting and the Police , pour favoriser de nouvelles innovations et approches.

Comme le souligne la BBC , en 1993, il parlait d’évoluer vers des instruments acoustiques, et il prenait toujours de nouvelles directions. Donc, quoi qu’il se soit passé ensuite dans sa carrière, cela aurait certainement été fascinant … et, peut-être, un changement aussi important que Nirvana lui-même.

NIRVANA: les dates et le chronologie

• Le 10 mai 1965, naissance de Krist Novoselic .
• Le 20 février 1967, naissance de Kurt Cobain.
• Le 14 janvier 1969, naissance de Dave Grohl .
• Automne 1985 Kurt rencontre Krist. Ils jouent ensemble dans plusieurs groupes, dont Stiff Woodies.
• Décembre 1987 Kurt, Krist et le batteur Aaron Burckhard forment la formation originale de Nirvana à Aberdeen, Washington.
• 23 janvier 1988 Nirvana enregistre une démo de 10 chansons avec le « Godfather of Grunge », légendaire producteur de Seattle Jack Endino. Le boss de Sub Pop, Jonathan Poneman, entend la cassette et propose de sortir un single de Nirvana. Le groupe accepte.
• 30 octobre 1988 Kurt brise sa première guitare.
• Juin 1989 Bleach sort sur Sub Pop. Nirvana entame une tournée américaine d’un mois.
• 25 septembre 1990 Dave Grohl, ancien batteur de Washinton, DC’s Scream, rejoint Nirvana.
• Octobre 1990 Nirvana tourne brièvement en Angleterre avec L7.
• Hiver 1991 Nirvana signe avec DGC Records.
• Août 1991 Nirvana ouvre pour Sonic Youth sur une tournée de festivals européens, qui comprend une performance historique au
• Reading Festival. La tournée est documentée dans le film 1991: The Year Punk Broke.
• 24 septembre 1991 Nevermind sort.
• 12 octobre 1991 Nevermind est certifié disque d’or.
• Novembre 1991 Le groupe entame une tournée européenne de six semaines alors que Nirvanamania déferle sur les États-Unis. MTV
• diffuse en permanence la vidéo « Smells Like Teen Spirit » ; la chanson est saluée comme un hymne pour une génération.
• Le 11 janvier 1992, Nevermind atteint la première place du palmarès des albums Billboard 200.
• Janvier/février 1992 Nirvana tourne en Australie, au Japon et à Hawaï.
• Avril 1992 Nirvana apparaît sur la couverture de Rolling Stone.
• Juin/Juillet 1992 Nirvana tourne en Europe.
• 15 décembre 1992 Incesticide, une collection de faces B et de raretés, est publiée. Il devient doré au printemps suivant.
• 9 avril 1993 Nirvana donne un concert au Cow Palace de San Francisco pour sensibiliser et générer de l’aide pour les victimes de viol
• en Bosnie-Herzégovine. L7, les Breeders et Disposable Heroes of Hiphoprisy sont également à l’affiche.
• 21 septembre 1993 In Utero sort.
• 18 octobre 1993 Nirvana entame une tournée de trois mois en Amérique du Nord.
• 19 novembre 1993 Nirvana enregistre une émission entièrement acoustique pour « MTV Unplugged » aux studios Sony à New York.
• Cris et Curt Kirkwood des Meat Puppets participent à trois chansons de Meat Puppets.
• Le 16 décembre 1993, MTV diffuse l’émission « Unplugged » de Nirvana.
• 7 janvier 1994 Nirvana joue au Seattle Arena. Ce sera le dernier concert américain du groupe.
• 6 février 1994 Nirvana entame une tournée en Europe.

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Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 15/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Le gros 4 : retour sur la tournée événement ! – Zénith DIJON : Tristesse, chaleur & sandwichs

Samedi 26 mars, la première date du Gros 4 avec Mass Hystéria, No One Is Innocent, Ultra Vomit et Tagada Jones à Dijon. Le Gros 4, c’est le clin d’œil français au Big 4 américain composé de Metallica, Slayer, Megadeth et Anthrax. Le Gros 4 commence sa tournée des zéniths de France ce soir.

Cette affiche XXL passe par le Zénith de Montpellier le 5 juin prochain pour le plus grand bonheur des métalleux. Oui, avouons-le, cette affiche ne te concerne pas si tu n’aimes pas le métal, si tu as liké l’arrivée de JUL sur scène en scooter, si tu kiffes JUL plus globalement, prévois autre chose pour le 5 juin.

Cette journée du 26 commence dans une immense tristesse mais finit dans la chaleur & et les sandwichs. Ce matin-là, tombe la nouvelle de la disparition du batteur des Foo Fighters : Taylor Hawkins. Foo Fighters, ce groupe phare de la scène indépendante américaine, qui doit se produire dans les arènes de Nîmes cet été.

Le groupe annonce sur Facebook cette tragique disparition survenue la nuit précédente à Bogota. La terrible nouvelle se mêle à un départ pour Dijon… comme une punition. Cette journée part mal.
Voiture chargée, la route défile et cinq heures plus tard, vers 14h30, le Zénith de Dijon est en vue.

14h30, cela peut sembler tôt pour un concert qui commence à 19h00, mais j’ai un joker, je bosse avec Mass Hysteria depuis près de 15 ans. Je rejoins l’équipe en backstage avec un plaisir non dissimulé. Un retour aux affaires dans la joie et la bonne humeur, après deux ans de COVID, sans concert, et surtout un Zénith de Paris d’anthologie.

Balances entre 15h00 et 16h00 dans un Zénith encore vide, puis échanges, apéritif, très peu de légumes et de fruits mais du houblon. Ouverture des portes à 18h00 sur une foule qui attend depuis 15h00. L’ordre de passage est tiré au sort chaque soir. Pour Dijon, ça sera Ultra Vomit qui ouvrira le bal, suivi de Mass Hysteria, No one is Innocent et enfin Tagada Jones.

Je ne vais pas vous spoiler la soirée… Pour ceux qui seront au Zénith de Montpellier début juin, voici toutefois quelques éléments : le show est gros, l’écran vidéo géant, la pyrotechnie impressionnante, beaucoup de lights et de décors. Le concept est global.
Peut-être, vous dire de ne pas aller derrière la batterie car vous risquez, comme moi, de sentir les flammes et de prendre un coup de chaud. Vous dire que si vous allez devant, dans le pit, vous risquez de vous faire gentiment secouer. Vous dire aussi de venir léger, car il fait et fera chaud, très chaud.

Une journée qui commença donc dans une tristesse infinie mais qui finalement se termina dans la chaleur (oui je sais, ne pas aller derrière la batterie sur cette tournée…)

Et les sandwichs me direz-vous ? Ils vont clôturer cette soirée à 3h00 du mat dans le tour bus avec les Mass et No one. C’est un peu ça les clichés, on m’avait promis du rock’n’roll, des groupies et de la coke et je me retrouve à me taper des sandwichs au jambon dans un tour bus avec huit barbus.

De rage, j’ai bouffé 3 sandwichs. De rage et pour éponger aussi…

Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !

LE GROS 4 – Le gros 4 : retour sur la tournée évènement !

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HELLFEST 2022

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 14/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

HELLFEST 2022 : Après deux années sans festival, le Hellfest voit très grand pour son retour en 2022.

Il n’y aura pas une seule 15e édition, mais bien deux éditions du Hellfest 2022: du 17 au 19 juin puis du 24 au 26 juin 2022.

La programmation du Hellfest 2022 fut dévoilée officiellement par son patron Ben Barbaud jeudi 17 juin,  Metallica,  l’un des plus grands groupes de metal au monde à n’avoir jamais joué au Hellfest, clôturera le HELLFEST 2022.

Après avoir été mis à l’écart par la pandémie, le Hellfest à Clisson, en France, revient pour le Hellfest 2022 avec un événement de sept jours et deux week-ends mettant en vedette 350 groupes stupéfiants sur six scènes, avec Metallica , Guns N’ Roses , Nine Inch Nails , Scorpions , Avenged Sevenfold , Faith No More et Deftones font partie des plus grands groupes qui seront là.

Après un coup d’œil à la programmation, la plus grande question est vraiment : « Quel groupe ne sera pas à Clisson au Hellfest 2022 ? »

Hellfest 2022

Le premier volet du festival Hellfest 2022 en deux parties aura lieu les 17, 18 et 19 juin avec en tête d’affiche Deftones, Faith No More et Avenged Sevenfold. Les Dropkick Murphys, Megadeth, Korn, Volbeat, Judas Priest, Deep Purple et bien d’autres devraient également apparaître.

Cette partie du Hellfest est épuisée depuis fin 2019, alors bonne chance pour y gagner un billet. Des billets seront disponibles pour les quatre dates étendues qui auront lieu le week-end suivant.

Le festival Hellfest 2022 reprendra les 23, 24, 25 et 26 juin et c’est un autre set percutant avec Scorpions, Nine Inch Nails, Guns N ‘Roses et Metallica tous en haut de l’affiche aux dates respectives. Parmi les autres grands noms, citons Whitesnake, Ministry, Black Label Society, Alice Cooper, Megadeth (encore une fois), Nightwish, Sabaton, Helloween, Rise Against, Hatebreed et des dizaines d’autres.

Hellfest 2022 : Les Groupes qui seront sur scène

Plus de 350 groupes au Hellfest 2022 ! en voici quelques uns : Metallica, Nine Inch Nails, Faith No More, Deftones, Judas Priest, Guns N’ Roses, Mercyful Fate, Deep Purple, Scorpions, Alice Cooper, Megadeth, Korn, Converge: Blood Moon, Helloween, Hatebreed, Ministry, Whitesnake, Dropkick Murphys, Suicidal Tendencies, Social Distortion, Rise Against, Bad Religion, The Exploited, Hatebreed, The Offspring, Opeth, Mastodon, Down, Skinny Puppy, Killing Joke, The Distillers, HEALTH,…

A ces groupes s’ajoutent : Kreator, Youth of Today, Cro-Mags, Slapshot, Higher Power, Anti-Flag, Agnostic Front, Turnstile, Touche Amore, Xibalba, Madball, Terror, Crowbar, Judiciary, Year of the Knife, Electric Wizard, Envy, Baroness, High On Fire, Black Mountain, Mono & the Joy Quail Quartet, OM, Pelican, Life of Agony, Inter Arma, Earth, Godflesh, Monster Magnet, The Obsessed, Eyehategod, …

…Thou, Year of No Light, Obituary, Death To All, At The Gates, Grave, Gatecreeper, Enforced, Sepultura, Sacred Reich, Devin Townsend, Coroner, Dying Fetus, Misery Index, Dropdead, Katatonia, My Dying Bride, Carcass, Napalm Death, Destruction, Blood Incantation, Mayhem, Abbath, Rotting Christ, Alcest, Triptykon, Cult of Fire, Midnight, L7… you know, just to name a few.

Hellfest 2022

Hellfest 2022 : le communiqué du festival

 » Que dire sinon que nous sommes fiers (et excités) de dévoiler enfin le line up tant attendu de notre édition anniversaire ! Garder un tel line-up secret pendant plusieurs semaines n’a pas été une tâche facile, surtout ces derniers jours…
Cela fait plus de 16 mois que notre rythme de travail a été bouleversé par l’arrivée de ce virus, depuis que l’industrie de la musique live s’est éteint. Malgré cela, notre confiance n’a jamais été affectée et nous avons continué à travailler avec un état d’esprit positif.

La frustration de deux ans sans festival nous a fait rêver encore plus grand de nos retrouvailles ! En 2022, nous vous proposons un nouveau format unique étalé sur 10 jours ! Jamais faite auparavant, cette formule restera, sans aucun doute, dans l’histoire des musiques dites « extrêmes » ! Deux fois plus historique, car cette formule n’est censée exister qu’en 2022 et ne se reproduira plus dans les années à venir.

Hellfest 2022 – Kiss au Hellfest 

Hellfest 2022 : c’est quoi ce festival

Le Hellfest, aussi appelé Hellfest Summer Open Air , est un festival de rock en mettant l’ accent sur la musique heavy metal , a lieu chaque année en Juin à Clisson en Loire-Atlantique , France. Sa forte fréquentation en fait le festival de musique français avec le plus gros chiffre d’affaires. C’est aussi l’un des plus grands festivals de métal d’Europe et le premier à exister en France.

Il trouve son origine dans un autre festival de musique, le Fury Fest, organisé de 2002 à 2005, dans différentes régions des Pays de la Loire .

Hellfest 2022

Le Hellfest a pris le relais en 2006 et a connu au fil des années une augmentation continue du nombre de visiteurs, passant de 22 000 lors de la première édition à 55 000 billets vendus par jour en 2017.

Sa programmation est principalement axée sur le hard rock et le métal sur les deux scènes principales, tandis que chacune des quatre autres scènes du festival est dédiée à un style particulier comme le black metal , le death metal , le doom metal ou le stoner metal , rendant possible la présence de groupes tels que comme Iron Maiden , Rammstein , ZZ Top et Motörhead , ainsi que celui de Slayer , Mass Hysteria , Sepultura , Kiss ou Anthrax.

Guns N’ Roses au Hellfest 2022

Zégut l’annonce depuis plusieurs jours, Gun’s & Roses seront au Hellfest 2022…

Guns N’ Roses , souvent abrégé en GNR , est un groupe de hard rock américain de Los Angeles , Californie, formé en 1985. Lorsqu’ils ont signé avec Geffen Records en 1986, le groupe comprenait le chanteur Axl Rose , le guitariste Slash , le guitariste rythmique Izzy Stradlin , le bassiste Duff McKagan et le batteur Steven Adler .

Hellfest 2022

La formation actuelle se compose de Rose, Slash, McKagan, du guitariste Richard Fortus , du batteur Frank Ferrer et des claviéristes Dizzy Reed et Melissa Reese .

Le premier album de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction (1987), a atteint la première place du Billboard 200 un an après sa sortie, grâce au top 10 des singles  » Welcome to the Jungle « ,  » Paradise City  » et  » Sweet Child o’ Mine « , le seul single du groupe à atteindre la première place du Billboard Hot 100 .

L’album s’est vendu à environ 30 millions d’exemplaires dans le monde, dont 18 millions d’unités aux États-Unis, ce qui en fait le premier album le plus vendu du pays et le onzième album le plus vendu . Leur prochain album studio, GN’ R Lies (1988), a atteint la deuxième place du Billboard200, vendu à dix millions d’exemplaires dans le monde (dont cinq millions aux États-Unis), et comprenait le top 5  » Patience « .

Use Your Illusion I et Use Your Illusion II , enregistrés simultanément et sortis en 1991, ont fait leurs débuts respectivement aux deuxième et première places du Billboard 200 et se sont vendus à 35 millions d’exemplaires dans le monde, dont 14 millions d’unités aux États-Unis.

Les albums d’ Illusion comprenaient le single  » You could be mine  » (également présent dans la bande originale du film Terminator 2 ), des reprises de  » Live and Let Die  » et  » Knockin’ on Heaven’s Door « ,Don’t Cry « ,  » November Rain  » et  » Estranged « ), qui présentaient notamment des clips à gros budget .

Les disques Illusion ont également été soutenus par le vaste Use Your Illusion Tour , une tournée mondiale qui a duré de 1991 à 1993. « The Spaghetti Incident? » (1993), un album de reprises, était le dernier album studio du groupe à présenter Slash et McKagan avant leur départ initial.

Hellfest 2022 – Hellfest 2022

Travail sur un album de suivi au point mort en raison de différences créatives entre les membres du groupe ; en 1998, seuls Rose et Reed restaient de la gamme de l’ère Illusion . Après une décennie de travail et plusieurs changements de line-up, le sixième album studio tant attendu de Guns N’ Roses, Chinese Democracy (2008), est sorti.

Avec un coût de production estimé à 14 millions de dollars, c’est l’album rock le plus cher de l’histoire. Il a fait ses débuts au numéro trois du Billboard 200, mais a sous-estimé les attentes de l’industrie malgré un accueil critique majoritairement positif. Slash et McKagan ont rejoint le groupe en 2016 pour la tournée Not in This Lifetime… , qui est devenue la troisième tournée de concerts la plus lucrative jamais enregistrée , avec plus de 584 millions de dollars de recettes brutes à sa conclusion en 2019.

Dans leurs premières années, l’hédonisme et la rébellion du groupe ont attiré des comparaisons avec les premiers Rolling Stones et leur ont valu le surnom de « groupe le plus dangereux du monde ».

La formation classique du groupe, avec les membres ultérieurs Reed et le batteur Matt Sorum , a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 2012, sa première année d’éligibilité. Guns N’ Roses a vendu plus de 100 millions de disques dans le monde, dont 45 millions aux États-Unis, ce qui en fait l’un des groupes les plus vendus de l’histoire .

Metallica au Hellfest 2022

Metallica est l’un des groupes de métal les plus importants et les plus influents de tous les temps, élaborant le plan directeur du thrash metal à ses débuts, puis repoussant les limites du métal traditionnel et du hard rock alors qu’ils s’installaient dans leur rôle d’héritage populaire en tant que des décennies se sont écoulées.

Entre la rencontre de l’énergie brute et des compositions de speed metal complexes de leur premier album Kill ‘Em All en 1983et la production en couches et axée sur la radio de «l’album noir» éponyme de 1991, le groupe a tourné album classique après album classique, chaque nouveau chapitre menant le développement du métal à l’échelle mondiale.

Tout au long des années 90 et au-delà, le groupe a été très actif en tant qu’acteur de tournée au niveau des stades tout en lançant sporadiquement de la nouvelle musique.

Des riffs acérés, des voix grondantes et une batterie de précision à haute puissance sont restés au cœur de leur son alors même qu’ils exploraient de nouvelles idées sur des albums ultérieurs comme St. Anger en 2003 ou leur dixième album studio, Hardwired… To Self-Destruct en 2016 . .

Un Hellfest 2022 complètement fou !

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Hyraw clothing : La marque qui vous offre un style rock unique

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 02/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Hyraw clothing : La marque qui vous offre un style rock unique

Si vous êtes à la recherche de vêtements et accessoires au design inspiré par l’esprit du rock, Hyraw clothing est sans doute la marque qu’il vous faut. Cette entreprise française propose en effet une large gamme de produits alliant originalité, qualité et confort. Des t-shirts aux vestes en passant par les bijoux et autres objets dérivés, il y en a pour tous les goûts et tous les budgets. Dans cet article, nous vous invitons à découvrir l’univers d’Hyraw clothing.

Une marque qui puise ses inspirations dans le rock’n’roll

Fondée en 2005, la société Hyraw s’est rapidement imposée comme un acteur incontournable sur la scène alternative française grâce à son style résolument rock. Cet esprit se retrouve dans toutes les créations de la marque, autant au niveau des motifs que des matériaux employés.

Des visuels marquants

L’une des caractéristiques des vêtements Hyraw réside dans leurs designs percutants. Souvent sombres, ces derniers mettent en avant différentes thématiques chères aux amateurs de rock comme les têtes-de-mort, les croix ou encore les animaux sauvages. Les illustrations sont réalisées par des artistes talentueux pour offrir à chaque collection un résultat singulier et percutant.

Des matières de qualité

Puisque le rock est avant tout une attitude, la marque Hyraw est soucieuse d’utiliser des matériaux qui correspondent à cet état d’esprit. Ainsi, les vêtements sont principalement confectionnés en coton pour garantir un maximum de confort sans négliger le côté esthétique. Pour les accessoires, la marque opte le plus souvent pour de l’acier inoxydable afin d’assurer une résistance optimale et préserver leur aspect même après plusieurs années.

Une diversité de produits pour satisfaire tous les styles

Hyraw clothing se distingue également par le nombre important de références qu’elle propose à sa clientèle. Une variété qui permet à chaque personne adepte du style rock de trouver son bonheur.

Vêtements hommes et femmes

Pour habiller les fans de rock, Hyraw offre de nombreux modèles de t-shirts, sweats, chemises et vestes, déclinés aussi bien pour les hommes que pour les femmes. Les coupes sont modernes et adaptées à toutes les morphologies, tandis que les designs s’intègrent facilement aux tenues quotidiennes ou peuvent être portés lors d’événements spécifiques comme les concerts, soirées déguisées ou festivals.

1. T-shirts : les modèles de t-shirts Hyraw sont disponibles dans de multiples designs, allant des motifs classiques aux plus audacieux. À manches courtes ou longues, ils conviennent à toutes les saisons et se combinent facilement avec tous les types de pantalons, jeans et shorts.
2. Sweats : idéaux pour affronter le froid tout en restant stylé, les sweats Hyraw se déclinent en différentes versions avec ou sans capuche, et sont conçus pour offrir chaleur et confort.
3. Chemises : pour un look plus chic tout en conservant la touche rock, la marque propose aussi des chemises élégantes aux motifs originaux. Parfaites pour les occasions spéciales ou pour le quotidien.
4. Vestes : indispensables pour affirmer son style lors des soirées fraîches, les vestes Hyraw allient esthétisme et praticité, grâce à leur design unique et leurs poches fonctionnelles.

Accessoires pour sublimer sa tenue

Pour compléter une tenue, il est indispensable de disposer d’accessoires adaptés à notre style. C’est pourquoi Hyraw offre également une large collection de bijoux et autres accessoires venant ajouter une note supplémentaire à votre look :

• Bijoux : bagues, bracelets, colliers et boucles d’oreilles au design inspiré par l’univers du rock.
• Ceintures : pour un look complet, la marque propose également des ceintures assorties à ses vêtements, souvent agrémentées de supports métalliques pour renforcer l’allure rock’n’roll.
• Chaussettes : pour ceux qui souhaitent pousser la personnalisation jusqu’au bout, Hyraw dispose également d’une série de chaussettes aux motifs variés.
• Casquettes et bonnets : la tête n’a pas été oubliée, puisque la marque propose des casquettes et bonnets affichant les mêmes thèmes que les vêtements.

Hyraw clothing, c’est aussi de nombreux objets dérivés

Les fans de rock et de métal ont également la possibilité d’affirmer leur passion grâce aux nombreux gadgets et goodies disponibles sur le site de la marque. Du porte-clés aux coques de téléphone en passant par les housses de couette et autres affiches, ces objets inédits permettent à chacun d’exprimer son appréciation pour cet univers musical captivant.

Comme vous pouvez le constater, Hyraw clothing s’impose comme une véritable référence dans le monde des vêtements et accessoires dédiés au style rock. Ne vous étonnez donc pas si vos prochaines tenues portent l’emblème de cette griffe française !

La marque Hyraw clothing, bien connu des métalleux est une marque française de vêtements et d’accessoires du sud de la France. J’ai eu la joie de shooter la derniére collection de la marque Hyraw  il y a quelques mois.

Cette marque est cofondée par Christophe dit « Musclor ». Son parcours est plutôt au départ dans la musique. Il tenait il y a quelques années une boutique rock où il faisaiT de la vente en ligne (NB : La Boutique Metal) mais il n’était pas fabricant, il achetait et revendait.

Musclor a avant tout travaillé 15 ans dans la musique en tant que manager des groupes tels que « Tripod » et « ETHS ».

Hyraw clothing puise son inspiration dans la mode et la musique alternative. L’équipe d’Hyraw clothing réfléchit ses dessins comme des pièces uniques, comme un tatouage. Des t-shirts, sweat-shirts, vestes et blousons à l’esprit graphique « Made In Hell »…

Retour sur l’interview du cofondateur d’Hyraw clothing par Daily rock

Comment commence Hyraw Clothing?

Au début, je n’avais pas la volonté de créer une marque de vêtements. Avec « Coriace », nous fabriquions déjà des produits pour essayer de gagner plus d’argent. c’est le but.

Cependant, tout est venu d’une rencontre avec les graphistes Jérémie et Yann. Lorsque nous nous sommes rencontrés, nous avons pensé que ce serait une bonne chose de travailler ensemble et de créer une marque de vêtements, car tout le monde porte des vêtements et tout le monde aime ça.  Cela commence à partir de là.

Quelle est la philosophie de « Hyraw clothing« ?

Notre philosophie est d’avancer le plus possible, de produire des choses qui nous surprennent, et de les développer le plus possible, nous donnant ainsi les moyens de faire des choses intéressantes.

Nous le fournissons aux gens et ils décident. C’est comme un groupe de musique. Le groupe a fait ce qu’il veut, puis le propose au public, et les gens décident si c’est bon ou pas.

Eh bien, c’est un peu la même chose pour nous, nous avons décidé de créer une marque de vêtements, car au final nous avons appris à nous connaître, nous avons appris les compétences de l’autre et nous nous sommes développés dans ce sens.

Jérémie vient du monde des sports de glisse, du skate, du kitesurf. Nous avons tous les deux la musique en commun. Parce que j’avais des magasins, j’avais aussi cette approche d’ Internet pour revendre des vêtements, ce qui s’est avéré intéressant. La vraie philosophie qui nous anime est « nous faisons les choses que nous aimons et nous les ferons toujours ».

Comment choisissez-vous un modèle pour mettre en valeur Hyraw clothing ?

Le premier critère est qu’elle soit belle. Après cela, elle doit être impliquée.
Nous travaillons avec « Makanie Terror », elle est allemand, mais elle fait partie du monde alternatif. Nous ne l’avons choisi pas parce qu’elle est une grande modèle. Nous l’avons choisi pas parce qu’elle a des tatouages, elle représente aussi quelque chose.

Elle évolue dans un environnement qui nous intéresse. Elle est fan de métal, elle va au concert et ainsi de suite. C’est en effet le plus important.

Pour le modèle, nous avons travaillé avec Aaron Matts, le chanteur de « Betrayal of the Martyrs », qui parle anglais; mais après cela, nous préférerions travailler avec un chanteur avec une vraie attitude.

Avec qui Hyraw clothing coopére ?

Nous coopérons avec de nombreux groupes de France et du monde entier. Pour obtenir une liste exhaustive, vous devez consulter le site Web, car je n’ai pas tout en tête.

Les derniers à ce jour sont « Sepultura » et « Walls Of Jericho« . Cependant, en France, nous avons « Lofofora« , « Black Bomb A », « Mass Hysteria« , « Headcharger », « Colossus » …. Nous sommes partenaire du Hellfest depuis de nombreuses années.

Nous aimons travailler avec les festivals de musique car ils ont beaucoup d’idées, ils sont très créatifs et ils sont totalement cohérents avec nos suggestions et notre façon de faire.

Comment Hyraw clothing a participé au Hellfest?

Depuis la création du festival, Ben vend des fringues sur notre festival. Année après année, nous devenons de plus en plus gros, jusqu’à ce que nous ayons un pied ferme sur Hellstreet, et enfin Guillaume, qui est responsable de tous les liens de vente de produits et Extramarket, nous a dit qu’un jour « vous nous faites un design de chemise?  »

Nous travaillons dur. Nous lui avons donné deux possibilités. Il nous a dit: » C’est très réussi, et je prends les deux. Une fois sur place, tout est aussi simple que cela. Puis d’une année sur l’autre, cela s’est poursuivi. La deuxième année, ils nous en ont demandé deux, nous en avons gagné trois, puis ils nous ont proposé de faire le gobelet, et nous leur avons dit oui.

Hyraw clothing et la musique ?

L’essence de la marque Hyraw est de collaborer avec des artistes. Nous écoutons de la musique tous les jours. Enracinés dans cela, nous prétendons être une marque axée sur la musique, tout comme « Sullen » prétend être de l’industrie du tatouage, nous sommes de la musique.

De plus, les personnes tatouées et les skateurs sont également très intéressés, car certains fans de musique font du skate. Pourquoi les choisir? Parce que c’est une vitrine, c’est évident. Cela nous rend visibles.

Avec qui avez-vous collaboré pour prendre des photos?

Eh bien, à un moment donné, nous avons tout fait nous-mêmes, mais maintenant c’est un peu difficile de le faire. Un jour, nous avons décidé de travailler avec un photographe professionnel spécialisé dans la photographie de modèles tatoués. Nous travaillons avec lui car nous avons déjà travaillé avec sa petite amie modèle. Elle nous l’a présenté.

Il a un réseau de connaissances dans ce milieu. Maintenant, nous travaillons avec lui. Demain, nous travaillerons avec d’autres. Là, on a des idées de photos qu’il n’aime pas, on va les regarder. Mais pour l’instant, nous travaillons avec.

Pouvons nous trouver des «vêtements Hyraw clothing» partout?

Eh bien, il y a encore un long chemin à parcourir au niveau national. D’un point de vue national, nous avons environ 40 vendeurs, pas beaucoup. Mais maintenant, avec Internet, tout le monde peut commander, et cela fonctionne très bien.

FAQ sur la marque de vêtements HYRAW

Qu’est-ce que HYRAW ?

HYRAW est une marque de vêtements créée en France en 2013. Elle propose une gamme de vêtements et d’accessoires inspirés par la culture underground et le monde du tatouage.

Quel est le style de HYRAW ?

Le style de HYRAW est caractérisé par des motifs sombres et graphiques, souvent inspirés par l’univers du tatouage et du rock’n’roll. Les vêtements sont également conçus pour être confortables et résistants, avec une attention particulière portée à la qualité des matériaux.

Pour qui sont les vêtements HYRAW ?

Les vêtements HYRAW sont destinés à un public qui apprécie la culture underground, le monde du tatouage et de la musique rock. Les vêtements sont conçus pour être portés au quotidien, mais peuvent également être utilisés pour des occasions plus spéciales.

Où peut-on trouver des vêtements HYRAW ?

Les vêtements HYRAW sont disponibles dans des boutiques spécialisées dans la mode alternative, ainsi que sur le site web de la marque. Il est également possible de trouver des vêtements HYRAW dans des festivals et des événements liés à la culture underground.

Quels sont les produits proposés par HYRAW ?

HYRAW propose une gamme de vêtements et d’accessoires, comprenant des t-shirts, des sweats à capuche, des vestes, des pantalons, des casquettes, des bonnets et des sacs à dos. La marque propose également des produits pour femmes, avec des modèles spécifiquement conçus pour leur morphologie.

Comment sont fabriqués les vêtements HYRAW ?

Les vêtements HYRAW sont fabriqués dans des usines en Europe et en Asie, avec une attention particulière portée à la qualité des matériaux et à la durabilité des produits. La marque utilise des matériaux de haute qualité tels que le coton organique et le cuir véritable.

Quelle est l’éthique de HYRAW ?

HYRAW s’engage à respecter l’environnement et les droits des travailleurs. La marque utilise des matériaux durables et biologiques lorsque cela est possible, et travaille avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales. La marque est également transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.

HYRAW est-elle une marque responsable ?

HYRAW est engagée dans une démarche de développement durable et de responsabilité sociale. La marque travaille avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales, et utilise des matériaux durables et biologiques. La marque est également transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.

Quels sont les engagements de HYRAW en matière de durabilité ?

HYRAW s’engage à réduire son impact environnemental en utilisant des matériaux durables et biologiques, en réduisant les déchets et en minimisant l’empreinte carbone de ses produits. La marque travaille également avec des fournisseurs qui respectent les normes environnementales et sociales, et est transparente sur ses pratiques et ses fournisseurs.

Comment entretenir les vêtements HYRAW ?

Les vêtements HYRAW sont conçus pour être résistants et durables, mais il est important de les entretenir correctement pour prolonger leur durée de vie. Les vêtements doivent être lavés à l’envers à une température maximale de 30 degrés, avec des couleurs similaires. Il est recommandé de ne pas utiliser d’adoucissant et de ne pas les mettre au sèche-linge. Les vêtements en cuir doivent être nettoyés avec un produit spécialisé pour le cuir.

HYRAW propose-t-elle des collections limitées ?

La marque propose régulièrement des collections limitées en éditions spéciales. Ces collections sont souvent inspirées par des collaborations avec des artistes, des tatoueurs ou des musiciens, et offrent des designs uniques et exclusifs pour les fans de la marque.

En résumé, quelle est la particularité de HYRAW ?

C’ est une marque de vêtements qui se distingue par son style underground et inspiré de la culture du tatouage et du rock’n’roll. La marque propose des produits de haute qualité, durables et fabriqués dans le respect de l’environnement et des droits des travailleurs. HYRAW s’adresse à un public qui apprécie l’originalité, l’authenticité et la créativité.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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GIBSON LES PAUL : 100 ANS DE MYTHE

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 01/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Gibson les Paul : L’histoire d’un mythe

Gibson, la marque de guitare sûrement  la plus emblématique au monde, est une marque américaine qui a façonné les sons de générations de musiciens depuis plus de 100 ans. De Slash à Jimmy Page, Gibson est maintenant un mythe.

Fondée en 1894 et basée à Nashville, dans le Tennessee, Gibson Brands possède un héritage de savoir-faire de classe mondiale, de partenariats musicaux légendaires et d’évolution progressive des produits qui ne ressemble à aucune autre marque de guitare.

Le portefeuille Gibson Brands comprend Gibson, la marque de guitare numéro un, ainsi que de nombreuses marques de musique les plus appréciées et les plus reconnaissables, notamment Epiphone, Kramer, Steinberger, MESA / Boogie et la division Gibson Pro Audio, KRK Systems.

Gibson Brands se consacre à la qualité, à l’innovation et à l’excellence sonore afin que les mélomanes des générations à venir continuent à découvrir la musique façonnée par Gibson Brands.

Le modèle signature de Gibson Les Paul

Le modèle signature de Gibson Les Paul a fini par définir le son de la musique rock – un rôle qui lui plaît encore aujourd’hui. Pourtant, sa conception était un processus prolongé, avec de nombreux rebondissements. Ici, nous présentons son histoire de première main, à la fois de ses créateurs et de ses joueurs les plus connus…

Histoire de la LES PAUL : la story

C’est l’histoire de l’initié des débuts de la Gibson Les Paul , la première guitare électrique solidbody de la société. Après l ’introduction par Fender du Broadcaster et de la Telecaster en 1950 et 1951, Gibson décida de concourir, engageant le guitariste américain le plus célèbre de l’époque, Les Paul , pour approuver son nouvel instrument.

GIBSON Paul Custom, Les Paul Standard ou «  Burst  »

Au cours des années qui ont suivi, les Paul Goldtop de Gibson (introduites en 1952), Les Paul Custom (1954) et Les Paul Standard ou «  Burst  » (qui a remplacé le Goldtop en 1958) ont constitué une base solide et confortable pour la gamme solidbody et qui a également présenté quelques modèles économiques: la Les Paul Junior (1954) et la Les Paul Special (1955).

Cette histoire orale des premiers Les Paul et de ses célèbres joueurs provient d’archives d’interviews que je vais vous partager.

Les personnes que vous lirez dans cet article sont: Billy Gibbons, qui était dans son groupe pré-ZZ Top Moving Sidewalks en 1968 quand il a acquis un Burst; Ted McCarty, qui a rejoint Gibson en 1948 et en est devenu le président deux ans plus tard; Jimmy Page, qui a obtenu une Les Paul Custom vers 1964 et, à Led Zeppelin, a acheté une Burst à Joe Walsh en 1969; et Les Paul lui-même – qui, avec Mary Ford, avait marqué un hit américain n ° 1 avec How High The Moon en 1951.

Les Paul «J’avais essayé de faire une guitare qui soutenait et qui reproduisait le son de la corde sans rien d’ajouté. Aucune distorsion, aucun changement dans la réponse par rapport à ce que faisait la corde. Pas de top vibrant, pas d’amélioration supplémentaire, avantageux ou désavantageux.

GIBSON LES PAUL

Je voulais m’assurer que le son produit était seulement celui de la corde excitée: vous pinciez la corde, et c’est ce que vous aviez. C’était toute mon idée au début des années 30. J’ai travaillé dessus, travaillé dessus, bourré des chiffons dans les guitares, fait des tops d’un pouce dessus. Puis enfin en disant: « Ecoute, je vais juste aller sur un journal. »

«J’ai approché Gibson en 1941. Ils ont ri à l’idée, ils m’ont appelé le gamin avec le manche à balai avec les micros dessus. L’usine était à Kalamazoo, Michigan, mais les bureaux étaient à Chicago, et c’est là que je suis allé. Le journal était ce que je leur ai apporté. Je l’ai en fait construit chez Epiphone. Je connaissais les gens là-bas, et je pouvais avoir l’usine tous les dimanches, il n’y avait personne d’autre que le gardien.

«Donc, tous les dimanches, j’y suis allé et j’ai travaillé là-bas, de 1939 à 41. Epiphone dit, qu’est-ce que c’est que ce bordel? Je dis que c’est une bûche, c’est une guitare solidbody, et ils disent, eh bien pourquoi? Et je dis, eh bien… mais je visais Gibson, je ne visais pas Epi. Je savais qu’Epi était sur le point de couler. Gibson était le plus grand du secteur et c’est là que je voulais aller. Je l’ai apporté à Chicago à Maurice Berlin, le président de CMI, la compagnie Chicago Musical Instrument [propriétaire de Gibson], et ils en ont ri.

«J’ai déménagé en Californie, je suis allé dans l’armée, je suis allé avec Bing Crosby, j’ai continué à jouer mon journal, et Leo Fender est venu dans mon jardin, et Merle Travis l’a vu, tout comme tous les autres guitaristes, tous les autres fabricants, ils l’ont tous vu.

La vibrola, j’ai commencé là-dessus dans les années 30 puis j’ai découvert qu’un mec avait déjà inventé une vibrola, mais elle était morte, elle était éteinte, elle est morte dans son élan. Alors j’ai dit: « Je vais faire ma propre vibrola », alors j’ai fait la mienne et Bigsby est venu dans mon jardin, avec Fender.  »

GIBSON LES PAUL

Gibson veut un corps solide

Ted McCarty «Les salons de la fin des années 40 étaient à Chicago en juin et à New York en janvier environ. Nous emmenions des prototypes au salon, nous leur montrions, ils obtiendraient une réaction des revendeurs – parce que c’était une exposition de revendeurs, il fallait être un concessionnaire pour entrer – et selon la réaction, nous reviendrions à l’usine et les vendeurs diraient que c’est un bon vendeur, c’est un bon vendeur, mais je ne pourrais pas faire grand-chose avec celui-ci. D’accord, vous l’avez. C’est ainsi que nous avons choisi la ligne, pourriez-vous dire.

«Nous avons réalisé que Leo Fender gagnait en popularité en Occident avec son corps solide espagnol. Il n’est arrivé nulle part à New York ou dans cette partie du pays, c’était strictement en Occident.

Je l’ai regardé et regardé et j’ai dit: «  Nous devons nous lancer dans cette affaire. On lui donne une course gratuite, c’est le seul à fabriquer ce genre de guitare. Avait ce vrai son strident, que les garçons country et occidentaux aimaient. Cela devenait populaire. Nous en avons donc discuté et décidé, faisons-en un.

«Maintenant, Les Paul m’était connue, Les Paul était un peu un innovateur, mais il jouait à Epiphone. Et j’essayais de lui faire jouer Gibson, oh, depuis quelques années. Il n’allait pas s’éloigner d’Epiphone, il leur était fidèle. Il avait fait quelques améliorations, quelques changements, dans son Epiphone qu’il utilisait. Ils n’ont pas fabriqué un Epiphone avec son nom dessus – tout ce qu’ils ont fait était Epiphone.

GIBSON LES PAUL

La Conception de la  Les Paul

Les Paul «Leo Fender a vu ce que je faisais et il a commencé à en créer un. Et quand Gibson en a entendu parler, ils ont dit de trouver ce type avec le manche à balai avec le micro dessus! Ils sont venus tout de suite, dès qu’ils ont entendu ce que faisait Léo. Ils sont venus me voir et j’ai dit: «  Eh bien, vous êtes un peu en retard. Mais d’accord, allons-y.  »

Ted McCarty «Nous avons commencé à fabriquer un corps solide et nous avions beaucoup à apprendre. Par exemple, plus le matériau est rigide, plus le bois est dur, plus le son est aigu et plus le sustain est long.

Frappez la corde et elle sonnerait pendant une longue période de maintien. Cela pourrait être trop long. Une des choses que nous avons faites a été de prendre un morceau de rail de fer de la voie ferrée, de mettre un pont, un pick-up et un cordier dessus, et de le tester.

Vous pourriez frapper cette ficelle, marcher, revenir, et ça sonnerait toujours. Parce que ce qui le fait ralentir, c’est le fait que le bois donne un peu.

«Nous avons fabriqué une guitare en érable massif. Ce n’était pas bon. Trop strident, trop de sustain. Et nous en avons fait un en acajou. Trop mou. Je n’avais pas vraiment ce truc.

Nous avons donc finalement trouvé une table en érable et un dos en acajou, en avons fait un sandwich, les avons collés ensemble.

Les Paul : la forme

Ensuite, nous avons décidé, qu’en est-il de la forme? Nous voulions quelque chose qui ne serait pas trop lourd. La Fender était une guitare beaucoup plus grosse, plus lourde. Nous avons donc fait le nôtre un peu plus petit, de forme traditionnelle.

Les Paul et son épouse Mary Ford lors d’une réception de presse au Savoy Hotel de Londres, pour le dévoilement en 1952 du modèle signature Les Paul. Notez le DeArmond Dynasonics sous les caches de micro manche P-90

«Nous avions toujours sculpté le dessus de nos belles guitares, et nous avions de véritables machines à sculpter. Leo Fender n’avait pas de machine à sculpter. Ils ont joint leur manche avec une plaque à l’arrière de la guitare. Nous avons toujours collé notre cou, en avons fait une partie intégrante. Alors j’ai dit: « D’accord, découpons le haut de cette chose, comme nous le ferions sur un L-5 et un L-7. »

«Nous avons finalement trouvé une guitare séduisante. Et en ce qui nous concerne, il avait le ton, il avait la résonance et il avait aussi le sustain, mais pas trop. Maintenant, nous avions besoin d’une excuse pour le faire. Aucune des autres grandes sociétés de guitare n’avait quoi que ce soit à voir avec un corps solide.

Leur attitude était de l’oublier, car n’importe qui avec une scie à ruban peut fabriquer une guitare solidbody. Scie à ruban et routeur, c’est tout ce dont vous aviez besoin.

«Alors j’ai commencé à réfléchir. A cette époque, Les Paul et Mary Ford roulaient très haut, ils étaient probablement l’équipe vocale numéro un aux États-Unis. Ils gagnaient un million de dollars par an. Et connaissant Les et Mary, j’ai décidé que je devrais peut-être leur montrer cette guitare.

Ted McCarty «Les et son groupe se trouvaient dans un pavillon de chasse au Delaware Water Gap, qui se trouve dans les montagnes de Pennsylvanie. J’avais parlé à Les par téléphone et j’ai parlé à Phil Braunstein, son directeur financier, un comptable de New York. Alors j’ai pris rendez-vous avec Phil, je suis allé à New York, j’ai pris le petit déjeuner, je suis monté dans sa voiture, et j’avais cette guitare [prototype] avec moi.

«C’était une journée de route depuis New York là-bas, nous y sommes arrivés la nuit, pluvieux, une nuit misérable. «J’ai dit: ‘J’ai quelque chose ici, Les, que j’aimerais que vous voyiez.’ Nous avions un amplificateur et nous y avons branché cette guitare. Il l’a pris, et il l’a joué – et il l’a joué et il l’a joué. Il y avait ce balcon à l’étage avec des chambres menant à côté, et Mary Ford était à l’étage, alors il a crié: «Mary, viens ici, je veux que tu vois ça.

«Mary est descendue. Il dit: « Joue ça, Mary, je veux entendre et voir ce que tu en penses. » Elle l’a pris et l’a joué, et elle a dit: «J’adore ça. Les a dit: «  Laissez-moi l’avoir  », et il l’a joué un peu plus, et il s’est tourné vers Mary et a dit: «  Écoutez, ils se rapprochent trop de nous, Mary, je pense que nous devrions les rejoindre. Qu’est-ce que tu penses?’ Elle dit: «J’aime ça.» »

Les Paul «C’était une guitare plate à l’époque, ce n’était pas une archtop. J’ai tout dessiné là-bas sauf le ventre, le sommet cambré. J’avais un flat-top. J’étais assis là avec Maurice Berlin au CMI, et il a dit: «Vous savez, j’aime les violons. Et il m’a fait traverser son coffre-fort et m’a montré sa collection, et il a dit:

«  Envisageriez-vous de le faire dans un archtop?  », Et j’ai dit que j’adorerais. Il a déclaré: « Personne d’autre – Fender, personne d’autre – ne peut le faire, et nous avons les installations pour le faire. » Alors j’ai dit: « Bien sûr, faisons-le. » Nous les avons donc fabriqués.

Ted McCarty «Les avait pris son Epiphone et y avait fait beaucoup de changements, y avait mis des micros qu’il avait faits. J’avais été après lui pendant quelques années, essayant de le convaincre de Gibson, je n’avais pas réussi. Alors j’ai dit: « C’est ce que nous voulons faire, nous voulons appeler cela le modèle Gibson Les Paul. »

Je lui ai dit que nous lui paierions une redevance. Je ne suis pas avocat, ni Phil Braunstein, ni Les. Nous avons donc commencé à conclure un contrat. Et j’ai une théorie sur les contrats. Plus ils sont simples, mieux ils sont. Si vous avez cinq pages de gobbledegook, ce que j’appelle «passe-partout», vous engagez un avocat intelligent et il y trouvera des failles.

Un simple, tout le monde peut comprendre. Nous avons donc commencé, la première chose que nous avons faite a été d’écrire combien nous lui paierions par guitare.

«Nous nous sommes mis d’accord toute la nuit. Je suis donc revenu à l’usine et maintenant nous avions un modèle Gibson Les Paul. J’essayais de convaincre Les de nous laisser lui fabriquer une guitare depuis des années, sans succès, mais nous avons finalement eu quelque chose qui lui plaisait. Alors nous avons commencé à les produire.

Gibson et les imperfections du bois

Ted McCarty «Nous avons fait la finition dorée car elle couvrait les imperfections du bois, l’aspect cosmétique. Si c’était de l’érable [comme le dernier Burst], ce devait être de l’érable à violon, devait être parfait, ne pouvait pas avoir de défauts, ne pouvait pas avoir de stries minérales. Mais nous avions l’habitude de le recouvrir de cette peinture [dorée].

L’absence de reliure de la touche et les vis de réglage de la hauteur du micro du chevalet en diagonale indiquent que ce modèle Goldtop de 1952 maintenant fortement modifié est l’un des tout premiers jamais fabriqués.

«Nous avons ajouté la Gibson Les Paul Custom juste pour en avoir une autre. Vous avez toutes sortes de joueurs qui aiment ça et comme ça. Chevrolet a tout un tas de modèles, Ford a tout un tas de modèles. Et il y avait une bonne raison à cela. Nous avions de plus en plus de problèmes pour obtenir du vrai bon acajou clair du Honduras. Nous aurions de l’acajou et il y aurait des stries dedans et ainsi de suite.

«Pour que la Gibson Les Paul Custom soit un corps solide, ce n’était pas un sandwich, c’était de l’acajou massif, mais peint en noir. Alors vous en aviez avec des stries? Vous en avez fait des douanes. Je l’ai agrémenté de reliures et d’autres éléments, et je l’ai vendu à un prix plus élevé.  »

La musique divine de Billy avec la  Pearly Gates

Billy Gibbons «Ce gars que je connaissais à Houston, John Wilson – il avait un Rickenbacker 12 cordes, ils sonnaient comme The Byrds, ils s’appelaient The Magic Ring – il a sonné un jour et a dit: ‘Hé, le mot est que vous en cherchez un de ces Gibson Les Paul. J’ai dit ouais. Il a déclaré: «  Il y a un fermier, un éleveur, en haut de la route, juste à l’extérieur des limites de la ville, un grand ranch là-bas, un gros éleveur de bétail, du bétail et des chevaux. Eh bien, il a une de ces choses.

«Nous avions obtenu une automobile Packard de 1936, et nous avions une amie du groupe, Renee Thomas, elle avait l’opportunité de passer une audition en Californie pour gagner un rôle dans un film, alors nous lui avons donné le Packard. Elle a appelé, dit qu’elle est en Californie et qu’elle a eu le rôle. Enfin, elle a vendu le batteur Packard et m’a envoyé ce chèque de, je crois, 350 $. Je jure, le chèque est arrivé par la poste, et mon pote s’arrête et dit: «Hé, allons voir cette guitare.

Ce magnifique ’59 Burst a été l’inspiration pour le Minnesota Burst 2016 de Gibson Custom, 39e dans une série de recréations minutieuses d’instruments historiques.
On y arrive, le gars a dit: « Vous le voulez, vous pouvez l’avoir. » J’ai dit: « Combien vous voulez? » Il dit: « Combien vous avez? » J’ai sorti le chèque et j’ai dit que je viens de recevoir ça aujourd’hui, 350 $. Il dit: «Je vais le prendre. Alors j’ai décollé avec cette guitare!

«Nous avions nommé cette voiture Pearly Gates et quand Renee l’a vendue, je l’ai rappelée, j’ai dit: ‘J’ai eu cette guitare avec l’argent.’ Elle dit: «Eh bien, nous allons appeler cette guitare Pearly Gates et vous allez jouer de la musique divine.

«Je vais vous dire, mec, c’est une sorte de guitare! C’était en 1968, juste après l’été. Je me suis demandé en cours de route pourquoi cet exemple particulier de Gibson Les Paul [’59 Burst] est si robuste.

Vraiment, la seule explication est que c’est juste arrivé à être mis en place le bon jour. La bonne combinaison de bois. «Tout était supposé à l’époque. Le jour particulier où tous les éléments disparates se sont réunis était juste ce moment magique, je suppose.

Roadrunner Guitars

Jimmy Page et la Les Paul

Gibson Les Paul Standard

jimmy Page «J’ai eu mon [trois humbucker] Gibson Les Paul Custom dans les années 60… il y avait [magasin Selmer à Charing Cross Road] et puis il y en avait un plus loin, à l’époque il était affilié d’une manière ou d’une autre, appelé [Lew Davis], et j’ai acheté il là-dedans.

Je me souviens être entré et il y avait une sorte de caisse, et les gars derrière, et juste au mur… J’ai dit: « Oh mon Dieu, laisse-moi essayer! » Ce qu’il faisait là-dedans et pourquoi, mais c’était là. C’était juste… je suis tombé amoureux de ce truc sanglant.

«Il n’y en avait pas beaucoup autour. C’était juste une chose si magnifique et ça avait l’air si merveilleux. Le réglage du milieu n’était pas ce à quoi vous vous attendiez, mais c’était un son vraiment pointu qui était vraiment superbe. Je l’ai personnalisé avec des interrupteurs pour que vous puissiez entrer dans n’importe quelle combinaison, et [en 1970] c’est celui qui a été volé.

Jimmy Page en 1975, l’année où il a acheté une sauvegarde Burst pour remplacer la «  numéro un  » Gibson Les Paul Standard qui était son pilier

«En 1969, Joe Walsh est venu au Fillmore ou au Winterland, l’un ou l’autre, à San Francisco et il a insisté, il a dit: ‘Vous devez acheter cette guitare!’ [Il est devenu le Burst ‘Number One’ de Page.] Et il semblait en fait qu’il avait été remis à neuf. J’ai dit: «Je n’en ai pas nécessairement besoin».

«Non, vous devez l’avoir, essayez-le, vous le voudrez», et tout ça. J’ai dit: « J’ai déjà la coutume. » «Non, non, vous devez l’essayer! Vous devez acheter cette guitare!

«Il a continué à insister. J’ai dit: «Ah, non, non, non, je ne peux pas me le permettre. Tu sais comment c’est.’ Ce n’était pas comme traiter avec Selmer. Il faisait vraiment du sport – il en fait toujours du sport maintenant. Parce que tout le monde y va, tu lui as vendu une Gibson Les Paul pour quoi que ce soit, des centaines de dollars. C’était un prix au prorata, il ne me volait pas et il ne me le donnait pas en cadeau.

«Je savais que c’était une bonne guitare. Je savais qu’il n’y aurait pas de retour, le grincement que je recevais de ma Telecaster, qui chaque soir, il y avait un épisode entier de contrôle. Le premier album se fait sur la Telecaster, car c’est une transition de The Yardbirds à Led Zeppelin, c’est exactement la même guitare.

Tout le monde avait ça s’ils commençaient à monter une Telecaster fort. Alors Joe a insisté pour que je l’achète, et je l’ai acheté, et j’ai lancé le deuxième album avec.

Gibson Les Paul Custom de 1956

Cette Gibson Les Paul Custom de 1956 a un simple bobinage «de base» en position manche. La Custom a été introduite en 1954 pour répondre au souhait de Gibson Les Paul d’une guitare plus luxueuse qui ressemblait à «un smoking»

«Il n’y a aucune garantie que j’aurais joué le… Je ne sais pas, c’est hypothétique, mais je n’ai peut-être pas trouvé le riff de Whole Lotta Love sur la Telecaster. Ce gros son avec lequel vous travaillez, vous êtes inspiré – eh bien, je le suis – et je sais que d’autres personnes sont, par les instruments, le son des instruments.

Et puis ils jouent quelque chose qu’ils n’ont jamais joué auparavant – et c’est vraiment convivial, et soudainement ils ont une sorte de riff, qui est propre à ce moment. Je ne dis pas que c’est la première chose que j’ai joué dessus, mais c’était à venir.

«J’ai toujours su que la Gibson Les Paul était une guitare très conviviale par rapport, disons, à une Strat ou quelque chose comme ça. C’est vraiment sympathique. Tant de choses commencent à chanter, tu sais? Vraiment chanter. »

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Tout savoir sur la Gibson Les Paul

1. Qu’est-ce que la Gibson Les Paul?

La Gibson Les Paul est une guitare électrique emblématique, fabriquée pour la première fois en 1952 par la société américaine Gibson Guitar Corporation. Elle a été conçue en collaboration avec le musicien et inventeur Lester William Polsfuss, plus connu sous le nom de Les Paul.

La guitare Les Paul est célèbre pour son design distinctif, son sustain impressionnant et sa polyvalence, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de nombreux genres musicaux, notamment le rock, le blues, le jazz et la country.

2. Quelles sont les principales caractéristiques de la Gibson Les Paul?

La Gibson Les Paul est reconnaissable à son corps en acajou massif avec une table en érable, sa forme de corps en « single cutaway » qui permet un meilleur accès aux frettes supérieures, et son manche collé, généralement en acajou avec une touche en palissandre. La combinaison de ces bois confère à la guitare un sustain et une résonance caractéristiques.

La Les Paul est également équipée de deux micros humbuckers, conçus pour réduire les interférences électromagnétiques et produire un son riche et puissant. La guitare dispose d’un sélecteur à trois positions pour choisir entre les micros, ainsi que de quatre boutons de réglage pour le volume et la tonalité de chaque micro.

3. Quelles sont les différentes finitions disponibles pour la Gibson Les Paul?

Au fil des ans, la Gibson Les Paul a été proposée dans une variété de finitions et de couleurs. Parmi les finitions les plus célèbres, on trouve le « Sunburst » (dégradé de couleur du centre vers les bords), le « Goldtop » (couleur dorée), le « Black Beauty » (noir avec des ornements dorés) et le « Cherry Sunburst » (dégradé de rouge cerise).

Les finitions de la Les Paul peuvent varier en fonction des modèles et des éditions limitées. Certaines finitions sont spécifiques à des artistes ou des modèles signature, tels que la Les Paul Jimmy Page ou la Les Paul Slash.

4. Quels sont les différents modèles de Gibson Les Paul?

Il existe plusieurs modèles de Gibson Les Paul, chacun ayant ses propres caractéristiques et spécifications. Parmi les modèles les plus populaires, on trouve :

• Les Paul Standard : Le modèle phare de la gamme, avec un corps en acajou, une table en érable, des micros humbuckers et un manche collé.
• Les Paul Custom : Une version haut de gamme de la Les Paul, avec des ornements luxueux tels que des incrustations en nacre, une binding multicouche et des accastillages dorés.
• Les Paul Studio : Une version plus abordable de la Les Paul, avec un design épuré et des caractéristiques simplifiées, sans compromettre la qualité sonore.
• Les Paul Junior : Un modèle d’entrée de gamme avec un corps en acajou massif, un seul micro P-90 et un design simplifié pour une accessibilité accrue.
• Les Paul Special : Un autre modèle d’entrée de gamme, semblable à la Junior, mais avec deux micros P-90 et des finitions légèrement différentes.
• Les Paul Traditional : Inspirée des Les Paul des années 50 et 60, la Traditional a un profil de manche plus épais et des caractéristiques vintage, comme les mécaniques Keystone et les micros Burstbucker.
• Les Paul Classic : Un modèle qui combine des éléments des Les Paul des années 60 avec des caractéristiques modernes, comme un profil de manche mince et des micros plus puissants.
• Les Paul Tribute : Un modèle abordable qui rend hommage à l’héritage de la Les Paul, avec des caractéristiques vintage et une sélection de finitions classiques.
• Les Paul Modern : Une version contemporaine de la Les Paul, avec des améliorations ergonomiques, des micros à haut rendement et des options de finition modernes.
• Les Paul Signature : Des modèles spécifiques conçus en collaboration avec des artistes célèbres, tels que Slash, Jimmy Page et Joe Bonamassa, qui présentent des spécifications et des finitions uniques.

5. Quel est le prix d’une Gibson Les Paul?

Le prix d’une Gibson Les Paul varie en fonction du modèle, des caractéristiques et des finitions. Les modèles d’entrée de gamme, tels que la Les Paul Junior et la Les Paul Special, peuvent être trouvés à partir d’environ 1 000 $, tandis que les modèles Standard et Custom se situent généralement entre 2 500 $ et 5 000 $.

Les éditions limitées, les modèles vintage et les modèles signature peuvent être plus coûteux, allant jusqu’à 10 000 $ ou plus pour des pièces de collection rares.
Il est important de noter que Gibson propose également des versions plus abordables de la Les Paul sous sa marque Epiphone, qui offre des modèles similaires avec des spécifications légèrement différentes et des matériaux moins coûteux.

6. Quels artistes célèbres jouent sur une Gibson Les Paul?

De nombreux artistes célèbres ont choisi la Gibson Les Paul comme leur guitare de prédilection, notamment :
– Jimmy Page (Led Zeppelin)
– Slash (Guns N’ Roses)
– Eric Clapton
– Peter Green (Fleetwood Mac)
– Duane Allman (The Allman Brothers Band)
– Joe Perry (Aerosmith)
– Gary Moore
– Joe Bonamassa
– Billy Gibbons (ZZ Top)
– Ace Frehley (KISS)

La Gibson Les Paul est appréciée pour sa polyvalence, son sustain et son esthétique attrayante, ce qui en fait un choix populaire parmi les guitaristes de différents genres musicaux.

7. Comment entretenir et prendre soin de sa Gibson Les Paul?

Pour maintenir votre Gibson Les Paul en bon état et préserver sa qualité sonore, il est important de suivre quelques étapes d’entretien de base :
1.Nettoyez régulièrement la guitare avec un chiffon doux et sec pour éliminer la poussière et les traces de
de doigts.
2. Changez les cordes régulièrement, en fonction de votre fréquence de jeu et de vos préférences personnelles. Il est généralement recommandé de changer les cordes tous les 1 à 3 mois pour les guitaristes actifs.

• Nettoyez et hydratez la touche en utilisant un nettoyant spécial pour touche et de l’huile de citron ou de l’huile d’entretien pour bois. Cela aidera à prévenir le dessèchement et les fissures de la touche.
• Contrôlez périodiquement l’ajustement du manche et ajustez le truss rod si nécessaire pour maintenir une action confortable et éviter les problèmes de justesse.
• Protégez votre guitare des changements brusques de température et d’humidité en la conservant dans un étui rigide lorsqu’elle n’est pas utilisée. Utilisez un humidificateur pour guitare si vous vivez dans un environnement sec.
• Faites régulièrement vérifier votre guitare par un luthier professionnel pour détecter d’éventuels problèmes et effectuer les réglages nécessaires.
• Nettoyez et lubrifiez les mécaniques pour assurer un fonctionnement en douceur et prévenir la corrosion.
• Évitez d’exposer votre guitare à des sources de chaleur directe ou à la lumière du soleil, car cela peut endommager la finition et provoquer des déformations.

En suivant ces conseils d’entretien, vous pouvez préserver la qualité et la longévité de votre Gibson Les Paul.

8. Quelle est la différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul?

La principale différence entre une Gibson Les Paul et une Epiphone Les Paul réside dans la qualité des matériaux, la fabrication et le prix. Gibson est la marque originale et haut de gamme, offrant des instruments de qualité supérieure fabriqués aux États-Unis avec des matériaux sélectionnés et un contrôle qualité rigoureux. En conséquence, les Gibson Les Paul ont tendance à être plus chères.

Epiphone est une filiale de Gibson qui propose des instruments plus abordables, fabriqués en Asie et conçus pour offrir une alternative de qualité aux guitaristes avec un budget plus limité. Les Epiphone Les Paul présentent des caractéristiques et des designs similaires à leurs homologues Gibson, mais avec des matériaux moins coûteux et des différences subtiles dans la construction et l’électronique.

9. Comment identifier une Gibson Les Paul authentique?

Pour vous assurer que vous achetez une Gibson Les Paul authentique, il est important de vérifier plusieurs éléments :
Examinez le logo Gibson sur la tête de la guitare. Le logo doit être net et précis, avec une police et un espacement cohérents.

Vérifiez le numéro de série, généralement situé sur l’arrière de la tête de la guitare. Les numéros de série Gibson suivent un format spécifique en fonction de l’année de fabrication. Vous pouvez vérifier la validité du numéro de série sur le site officiel de Gibson.

Inspectez la qualité de la finition, des incrustations et des matériaux utilisés. Une Gibson Les Paul authentique aura généralement une finition soignée et des incrustations précises.

Observez les mécaniques, les micros et les autres composants électroniques. Les modèles Gibson authentiques utilisent des pièces de haute qualité, souvent marquées du logo Gibson ou de marques spécifiques, comme les mécaniques Grover ou les micros Burstbucker.

Comparez la guitare à des photos et des spécifications de modèles authentiques disponibles sur le site officiel de Gibson ou dans des publications spécialisées.
Si vous avez des doutes sur l’authenticité d’une Gibson Les Paul, il est préférable de consulter un expert ou un luthier professionnel pour une évaluation.

10. Quelles sont les alternatives à la Gibson Les Paul?

Si vous êtes intéressé par une guitare similaire à la Gibson Les Paul, mais que vous souhaitez explorer d’autres options, voici quelques alternatives populaires :

– Epiphone Les Paul : Comme mentionné précédemment, Epiphone est la filiale de Gibson et propose des modèles Les Paul plus abordables avec des caractéristiques et des designs similaires.

– PRS Singlecut : La PRS Singlecut est une guitare électrique à simple pan coupé qui offre une qualité de fabrication et un son comparables à la Gibson Les Paul, avec un design distinctif propre à PRS.

– Fender Telecaster : Bien que la Fender Telecaster ait un design et une construction différents, elle est appréciée pour sa polyvalence et son son chaleureux, similaire à la Les Paul, en particulier dans les modèles équipés de micros humbuckers.

– ESP Eclipse : L’ESP Eclipse est une guitare électrique inspirée de la Les Paul, avec un design et des caractéristiques similaires, mais une orientation plus marquée vers les genres de musique heavy metal et hard rock.

En fin de compte, le choix de la guitare idéale dépend de vos préférences personnelles, de votre budget et de votre style de musique. Il est toujours recommandé d’essayer plusieurs guitares et de comparer leur son et leur jouabilité avant de prendre une décision.

GOJIRA Fortitude : Clips, photos et interview

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 01/06/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les metalheads avertis peuvent être enclins à convenir que GOJIRA est l’une des meilleures choses qui soit arrivée à la musique heavy au cours des 20 dernières années. Il en est de même après l’écoute de GOJIRA Fortitude.

L’album a reçu des critiques positives de la part des critiques. AllMusic a donné à l’album une note de 4,5 sur 5, fortitude est une nouvelle étape dans le parcours de GOJIRA pour devenir l’un des groupes de métal les plus importants et les plus vitaux

L’album a débuté à la quatrième place du Billboard 200, ce qui en fait l’album du groupe le mieux classé à ce jour. En outre, l’album a également débuté à la première place du palmarès des disques métals.

Le premier single de l’album, « Born for One Thing », est sorti le 28 avril 2020. La chanson a reçu un accueil positif de la part des critiques. AllMusic a loué la chanson pour son refrain « hymnique » et l’a qualifiée de « retour en force à la forme ».

GOJIRA Fortitude : la génèse

GOJIRA Fortitude est le septième album studio du groupe Gojira . GOJIRA Fortitude est sorti le 30 avril 2021 chez Roadrunner Records . Gojira Fortitude a été enregistré au studio du groupe à New York, et a été produit par Joe Duplantier et mixé par Andy Wallace .

GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude

Gojira avait l’intention d’écrire un album plus cohérent et plus brillant que Magma , mettant l’accent sur un son progressif utilisant l’incorporation d’éléments de rock classique avec un message lyrique positif.

L’écriture de GOJIRA Fortitude a commencé au début de 2018 mais a été suspendue en raison du calendrier des tournées du groupe. La pandémie COVID-19 a interrompu le mixage de l’album et sa date de sortie a été reportée à une date ultérieure.

GOJIRA Fortitude a fait ses débuts au n ° 12 sur le Billboard 200 et vendu 27,372 unités dans sa semaine débuts aux États – Unis, qui a dépassé Magma  » tableau de et les ventes. L’album est en tête des palmarès Billboard Hard Rock Albums et Top Rock Albums , ainsi que du palmarès UK Rock & Metal Albums .

Gojira Fortitude s’est classé en tête des charts en Europe et s’est vendu à 9 900 exemplaires lors de sa première semaine de sortie en France. Il a culminé au n ° 3 sur les graphiques ARIA . Fortitude a été l’album studio le plus vendu aux États-Unis lors de sa semaine d’ouverture.

GOJIRA Fortitude arrive au bon moment…

Même en ignorant l’humilité, l’humanité et le dévouement inspirant du groupe français pour les nobles causes, le monde du métal s’est asservi à presque tout ce qu’il a fait depuis son entrée dans la conscience plus large avec « From Mars to Sirius » de 2005, puis est devenu véritablement stratosphérique avec le grand label de 2012 débuts « L’Enfant Sauvage » .

GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude  

Un groupe live toujours étonnant, GOJIRA a conquis le métal traditionnel en poursuivant un parcours singulier et en entraînant tout le monde avec lui. Il probablement des gens qui pensent qu’ils sucent,

En raison de toute cette brillance pionnière, on attend beaucoup plus de GOJIRA que peut-être n’importe quel autre groupe de metal traditionnel.

« Fortitude » arrive au milieu d’une vague de battage médiatique entièrement justifiable, en grande partie provoqué par l’énorme succès de l’album précédent du groupe, « Magma » .

Ce disque était sans doute un peu moins aventureux que certains des efforts précédents du groupe, mais via les goûts irrésistiblement accrocheurs de « Stranded » et « Silvera » , GOJIRA a confirmé qu’ils pouvaient livrer des hymnes et plaire à la foule tout en maintenant l’individualité et l’intégrité créative qui a toujours été une caractéristique de leur travail.

Cinq ans plus tard, les Français ont beaucoup plus grand public à servir, et si « Fortitude » ravira sans aucun doute ceux pour qui « Magma » était un avant-goût du groupe, ce n’est pas tout à fait le triomphe sans équivoque que les fans purs et durs attendaient.

GOJIRA Fortitude : l’écoute

Les deux « Born For One Thing » et « Another World » ont livré la marchandise avant l’album complet, et bien qu’aucun des deux ne soit sorti comme un classique instantané, les deux sont pleins de rythmes agiles et de ces riffs et éclats d’harmoniques incomparables.

GOJIRA Fortitude- GOJIRA Fortitude  

Comme toujours, la voix de Joe Duplantier tourne en spirale à travers la mêlée, enveloppée de réverbération mais néanmoins autoritaire, et les crochets centraux des deux chansons s’envolent, soutenus par le génie encore plus adroit et percussif de Mario Duplantier .

« Amazonia » est GOJIRA en mode groove langoureux, évoquant la puissance de la terre brûlée de KILLING JOKE dans les couplets avant de servir un riff titubant et descendant qui se sent destiné, dans un avenir pas si lointain, à des foules immenses se cognant la tête a unisson.

« New Found » est un autre joyau, avec un riff d’ouverture à tuer et une baisse de tempo au milieu de la chanson qui facilite un fondu culminant vraiment magnifique et épique. Mieux encore, « Sphinx » sonne comme le GOJIRA classique , mais mis à jour et en quelque sorte encore plus épineux que les points culminants précédents.

GOJIRA Fortitude et l’expérimentation

Ce ne sont cependant pas toutes de bonnes nouvelles. GOJIRA a toujours été animée par le désir d’expérimenter et d’élargir leur son.

« Fortitude » n’est pas différent à cet égard, mais les courbes supposées de GOJIRA Fortitude sont loin de livrer des révélations surprenantes.

En particulier, « The Chant » est une affaire légère mais légère, avec des nuances de rock stoner et un refrain vocal doux mais banal, tandis que « The Trails » et « Hold On » semblent occuper un territoire que GOJIRA a déjà maîtrisé et éloigné. , mais avec la mélodie vocale poussée au premier plan d’une manière que les albums précédents n’avaient fait que suggérer.

GOJIRA Fortitude – GOJIRA Fortitude  

Certes, toutes les réserves que vous pourriez avoir en écoutant « Fortitude » disparaîtront dès que « Grind » plus proche éclatera, administrant au moins deux riffs plus magnifiques et suffisamment d’énergie haussière pour repousser un tsunami.

C’est une fin exaltante pour un album qui ne manque pas d’aigus, mais qui est également chargé de plusieurs accalmies et de quelques pas d’évolution qui ne sont que partiellement réussis.

Dans tous les cas, « Fortitude » est un autre excellent album de GOJIRA et reste le ticket de metal traditionnel le plus chaud et le plus distinctif du moment..

Malheureusement, si vous vous souvenez à quelle vitesse et avec quelle force votre mâchoire a heurté le sol la première fois que vous avez entendu « Ocean Planet » , « Explosia » »Stranded » , « Fortitude » ne fait pas tout à fait feu avec la même férocité mercurielle.

Le processus créatif de GOJIRA Fortitude

Le processus créatif du septième album de Gojira, Fortitude a commencé avec parcimonie fin 2017.  Gojira avait l’intention d’écrire un «album groovy et aéré» avec un thème fort et axé sur le partage avec le public, un album où deux énergies coexistent, «toutes deux très masculines et féminin « .

L’album a été inspiré comme un encouragement à l’auto-renforcement, « pour montrer le courage de faire face au monde, pour faire face aux problèmes de demain ».

L’album a été écrit et enregistré sur une période de deux ans. Le groupe a fait une pause dans ses tournées pour se concentrer sur l’écriture et l’enregistrement de l’album

Dans une interview accordée à Loudwire, le batteur Mario Duplantier a parlé de la réalisation de l’album : « Nous voulions être sûrs d’avoir assez de temps pour chaque chanson, donc… »Il poursuit : « Même si cela nous a pris deux ans, nous voulions être sûrs que chaque chanson soit la meilleure possible. »

Gojira Fortitude  :Enregistrement et production

Ayant eu des demandes soutenues de tournées dans le monde entier pour soutenir Magma , au-delà du cycle initial, le groupe a décliné afin de se concentrer sur l’écriture d’un nouvel album.

L’album a été enregistré au Silver Cord Studio dans le Queens, à New York. Le groupe a travaillé avec le producteur Josh Wilbur sur l’album Wilbur est connu pour son travail avec Lamb ofDieu, Gojira, et Megadeth. L’écriture de chansons de l’album a officiellement commencé au début de 2018 au Silver Cord Studio de New York, qui deviendrait « le cocon pour une odyssée créative de deux ans ».

Cependant, il a été interrompu par une tournée en Europe et l’écriture s’est terminée après la tournée 2019 Knotfest Roadshow à travers les États-Unis et le Canada.

Joe Duplantier a produit l’album, et le groupe l’a enregistré au Silver Cord Studio à la fin de 2019. Mario Duplantier a enregistré onze pistes de batterie en huit jours en une ou deux prises chacune.

Wallace a mixé trois chansons avant que les premiers verrouillages COVID-19 ne soient imposés, alors que l’album était prévu pour une sortie en juin 2020.

Joe Duplantier, résident de l’État de New York, visitait son père dans le sud-ouest de la France, ce qui a compliqué le processus de mix.

Le groupe était alors incapable de rejoindre Wallace en Floride en raison de la situation sanitaire.  Puis Joe Duplantier a passé plusieurs mois dans une cabane dans la forêt landaise sans écouter les nouvelles pistes et a abandonné son téléphone portable et son ordinateur.

En juillet, le groupe est revenu au processus de mixage sur Internet et par téléphone avec Wallace. Wallace préférerait être laissé seul dans le studio, sans assistants, étant vulnérable à une infection à coronavirus en raison de son âge, se disant « infiniment contrarié de ne pas être avec le groupe ».

La date de sortie de GOJIRA Fortitude a ensuite été repoussée à septembre en raison de la pandémie COVID-19 , puis a échoué par la suite et un autre report a été décidé.

Le 5 août 2020, le groupe sort un nouveau single intitulé « Another World », leur premier single en quatre ans.

Le 17 février 2021, Gojira a annoncé Fortitude et sa date de sortie pour le 30 avril 2021 via Roadrunner Records. Le même jour, le groupe a sorti une vidéo officielle pour son premier single, « Born for One Thing ».

La force a marqué le plus long écart entre deux albums de studio dans la carrière du groupe.

Style de musique et d’ écriture de Fortitude

Sur Fortitude, Gojira a adopté une approche lyrique différente de celle explorée sur leur album précédent, Magma .

Ce dernier a été fortement influencé par la mort de la mère de Joe et Mario Duplantier, a déclaré Joe Duplantier.Cette fois, le groupe « a eu l’envie de remplir l’album de plus de joie, même si cela n’apparaît pas comme une musique joyeuse ». Mario Duplantier a mentionné un processus de composition plus lent qu’avant en raison des goûts musicaux de plus en plus diversifiés au fil des ans.

Tout en conservant leur style de signature, Gojira a étendu sa gamme à une « dimension traditionnelle »des « groupes classiques ». Le but était de concentrer la musique sur le « gros riff de guitare » plutôt que sur la performance, avec une cohésion de groupe mettant l’accent sur ce point.

« Amazonia », qui parle de la déforestation de la forêt amazonienne (en particulier les incendies de forêt amazonienne en 2019 ), a été publié dans le cadre d’une collecte de fonds d’un mois pour une organisation caritative brésilienne de défense des droits des autochtones organisée par Gojira. Une partie de l’album est un hommage aux communautés indigènes .

GOJIRA Fortitude : l’interview

Gojira de Joe Duplantier a été l’invité Full Metal Jackie Radio show de ce week – end passé, en prenant un peu de temps pour discuter du très attendu nouvel album Fortitude.

Duplantier discute également de la barre fixée par leur album Magma et se rend enfin compte de l’effet qu’il a eu sur le public, s’ouvre sur le processus de création et offre ses réflexions sur un monde en tournée post-Covid.

Découvrez le chat dans son intégralité ci-dessous.

Comme c’est passionnant enfin, nous avons l’annonce d’un nouveau disque de Gojira. Fortitude sortira le 30 avril. Joe, Magma a donc amené Gojira à un autre niveau. Qu’avez-vous appris sur GOJIRA Fortitude qui est devenu le point de départ de Fortitude ?

Eh bien, vous savez que Magma a été une belle expérience et nous avons tourné et, comme vous l’avez dit, cela nous a en quelque sorte amenés à un autre niveau, mais nous ne nous en sommes pas vraiment rendu compte.

Je vois qu’aujourd’hui, quand nous sortons certaines choses, c’est beaucoup plus d’attention autour du groupe et des trucs, mais je travaillais dur pour faire des tournées et faire des interviews. Je n’ai rien vu de vraiment se passer à part ma vie quotidienne avec le groupe.

Mais quand nous avons commencé à travailler sur Fortitude , nous voulions quelque chose de différent. Magma était un peu, un peu sombre. Nous avons exprimé des émotions intenses liées au départ de ma maman lors de l’enregistrement de l’album.

Nous en avons parlé, mais sur GOJIRA Fortitude nous voulions exprimer quelque chose de différent, quelque chose de plus joyeux et énergique. Et je veux dire, joyeux, je veux dire plus percutant, plus flamboyant mais les paroles nous parlent généralement de l’humanité et du mal que font les hommes.

Donc en ce sens, ce n’est pas exactement un album de fête, mais le son est plus rock, plus excitant. Je dirais.

Le titre du nouvel album est Fortitude – un appel à l’amélioration. Pourquoi est-il important pour vous d’encourager cela maintenant?

Je ne sais pas. Malgré le fait que je pense que les humains sont assez foutus et qu’une partie de moi souhaite que les humains disparaissent de cette planète pour laisser ces pauvres animaux seuls, vous savez, mais je crois au potentiel de nous les êtres humains.

Je pense que nous avons de belles choses à offrir, et je souhaitais toujours voir le meilleur de ce que nous avons en nous sortir et c’est ce que j’essaye de faire sur le plan artistique et sur le plan humain dans ma vie de tous les jours.

C’est ce que nous voulions exprimer dans GOJIRA Fortitude aussi, voir les gens donner le meilleur d’eux-mêmes et être forts et ne pas désespérer et projeter une image positive pour leur avenir et pour notre avenir, et par la discipline et la décision et les bonnes intentions, nous pouvons mieux nous-mêmes et un meilleur affichage. Donc, c’est presque par défaut l’énergie et le message que nous choisissons par rapport à, ah, laissez-le brûler.

Joe, la créativité peut être stimulante. Comment fairepour qu’ un album comme Fortitude , vous donne de la force.

C’est une bonne question. J’apprécie chaque étape du chemin, même si parfois c’est douloureux. Nous avons presque parfois des douleurs physiques quand nous ne pouvons pas trouver la bonne partie de la chanson.

Et nous travaillons dur pour créer des chansons si fortes que nous pouvons nous asseoir dessus et elles nous apporteront des places. Tu sais ce que je veux dire?

C’est donc une grande satisfaction lorsque le puzzle d’un album se réunit enfin et que nous avons cette image plus grande de ce que nous construisons.

Tout comme lorsque vous construisez une maison, vous savez, brique par brique, vous construisez quelque chose, puis vous prenez du recul et vous le regardez et vous vous dites: «Wow! Ça va être un bon abri quand la tempête arrive »et construire un album, c’est un peu comme ça.

Cela nous apporte une telle satisfaction quand il se rassemble enfin et que nous ressentons une puissance que nous voulions créer, mais que nous ne ressentons pas forcément dans notre vie de tous les jours.

Tu sais ce que je veux dire? Donc, il s’agit essentiellement de construire quelque chose de plus grand que nous-mêmes. Et j’aime ce sentiment en théorie. C’est aussi très stimulant et inspirant.

Joe, écrire et jouer de la musique est un processus de croissance continue. Qu’est-ce qui est différent de votre sensibilité musicale aujourd’hui par rapport à quand vous avez commencé ?

Vous savez, quand nous avons commencé, nous avions cette ambition de créer quelque chose de violent, de dissonant et de bizarre et qui allait vous surprendre tout le temps.

Et nous étions vraiment concentrés sur cette ambiance death metal que nous avions au début. Nous avons été fortement influencés par des groupes comme Death ou Morbid Angel, Cannibal Corpse, vraiment tous des groupes de Floride, vraiment [rires].

Mais nous avions cette dimension rock. C’est plus une dimension traditionnelle qui vient de Led Zeppelin ou Jimi Hendrix ou Pink Floyd, vous savez, grandir et écouter des groupes plus classiques.

Et je pense que ça commence à sortir et pourrait sortir naturellement. Maintenant que nous sommes plus âgés et que nous avons le désir de créer quelque chose qui soit peut-être plus ancré et qui prend du temps à s’exprimer. Et c’est vraiment bizarre parce que nous nous sentons plus grands.

C’est une sensation merveilleuse de jouer des choses qui étaient en quelque sorte jouées auparavant. Vous savez ce que je veux dire, comme des accords majeurs ou des progressions qui étaient présents à l’époque dans les années 70 ou 80, comme avec un groupe comme Iron Maiden, par exemple.

Donc, vous pouvez trouver un peu de cela dans notre musique aussi, et je l’apprécie vraiment. C’est aussi un bon changement par rapport à toutes ces vieilles chansons que nous jouons encore à ce jour.

New York est votre base, mais vous avez été en Europe tout au long de la pandémie. Quels aspects du protocole de voyage sont des indicateurs de la reprise de certains concerts?

Je ne sais pas. J’ai fait une petite pause de New York. Je trompe New York en ce moment et je me sens mal. Je vais devoir apporter des fleurs à mon retour.

Mais je venais de visiter la France l’année dernière. Et quand toute la pandémie s’est produite juste après avoir terminé Gojira Fortitude, j’étais censé retourner au mixage avec Andy Wallace et le même studio et tout le monde a juste dit qu’il n’était pas nécessaire pour moi de voyager et de prendre des risques.

Je suis donc resté là-bas et j’ai mis mes enfants dans une école publique ici en France, ce qui leur permet de perfectionner leur français, ce qui est bien.

Maintenant, je ne sais pas ce qui va se passer. C’est un peu frustrant d’annuler tout l’été de la tournée et tous nos projets. Et puis l’année d’après, nous sommes tous dans le même bateau. Alors on verra.

On dirait que nous n’avons rien annulé à partir de l’été 2021. Il y a donc encore cette tournée avec Deftones qui pourrait avoir lieu vers septembre aux États-Unis, ce qui me passionne vraiment.

Mais cela pourrait aussi être annulé. Qui sait? Espérons qu’en 2022, l’industrie sera toujours vivante et que nous pourrons toujours partir en tournée.

Gojira Fortitude : Les titres

No. Title Length
1. « Born for One Thing » 4:21
2. « Amazonia » 5:01
3. « Another World » 4:25
4. « Hold On » 5:30
5. « New Found » 6:37
6. « Fortitude » 2:08
7. « The Chant » 5:13
8. « Sphinx » 4:00
9. « Into the Storm » 5:02
10. « The Trails » 4:07
11. « Grind » 5:34

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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BMTH : Les 8 meilleures collaborations de Bring Me The Horizon

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 31/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Plongée dans l’univers du groupe de métal britannique : BMTH

Dans le monde du métal britannique, un groupe se distingue depuis plus d’une décennie pour son talent et son évolution musicale constante. Il s’agit de Bring Me The Horizon, souvent abrégé en BMTH. Ce groupe originaire de Sheffield, au coeur du Yorkshire, est devenu une référence incontournable pour les amateurs du genre.

Les débuts de Bring Me The Horizon

Le groupe a vu le jour en 2004, après la rencontre entre Oliver Sykes, Lee Malia et Matt Nicholson. Les membres initiaux ont très vite été rejoints par d’autres musiciens, dont Jordan Fish, Matt Kean et Matt Nicholls. Ensemble, ils forment BMTH et se lancent dans la création d’un style de métal bien à eux.

Au cours des premières années, le groupe explore différents styles, notamment le deathcore et le metalcore. Ils se font rapidement connaître grâce à leurs performances scéniques énergiques et cathartiques, qui captivent l’attention du public et provoquent de véritables coups de coeur chez certains fans.

Premier album : Count Your Blessings

En 2006, le groupe sort son premier album intitulé « Count Your Blessings ». Celui-ci reçoit des critiques mitigées, certaines personnes étant séduites par l’énergie brute du groupe et d’autres étant rebutées par le côté chaotique de leur musique. Néanmoins, cet album permet à BMTH de se faire remarquer sur la scène métal britannique et de construire une solide base de fans.

Un style en constante évolution

Au fil des années, le groupe n’a cessé d’évoluer musicalement, se nourrissant des influences diverses pour créer un style qui leur est propre. Chacun de leurs albums témoigne d’une véritable mutation musicale, propulsant Bring Me The Horizon vers de nouveaux horizons artistiques.

Le tournant mélodique avec Suicide Season

En 2008, BMTH sort « Suicide Season », un album marqué par un tournant mélodique dans leur musique. La voix d’Oliver Sykes, auparavant principalement criée, gagne en nuances grâce à l’utilisation du chant clair tandis que les compositions deviennent plus structurées.

Cet album est aussi marqué par des collaborations inédites pour le groupe, comme celle avec Lights, qui participe au morceau « Crucify Me ». Cette collaboration pose les bases d’un son plus expérimental qui caractérisera les productions suivantes de BMTH.

Sempiternal, l’album de la consécration

Le quatrième opus de Bring Me The Horizon, « Sempiternal », est souvent considéré comme l’album qui a fait passer le groupe au niveau supérieur. Sorti en 2013, il bénéficie d’une production de qualité signée Terry Date, producteur ayant travaillé avec des icônes telles que Deftones ou Pantera.

Sur cet album, BMTH explore des sonorités résolument plus atmosphériques et épurées que par le passé, créant ainsi un mélange envoûtant de puissance et d’émotion. Les textes abordent également des thématiques plus profondes, témoignant de la maturité artistique du groupe à cette période.

Vers des horizons toujours plus larges

Dans la continuité de leur évolution musicale, Bring Me The Horizon a continué à se réinventer avec leurs albums suivants : « That’s the Spirit » (2015) et « Amo » (2019). Ils ont également su s’imposer sur les scènes internationales grâce à d’impressionnantes performances live.

Des prestations scéniques à couper le souffle

En concert, BMTH offre une expérience explosive qui marque les esprits. La formation fait preuve d’une énergie inlassable qui galvanise le public, offrant ainsi des shows où la communion entre les musiciens et leurs fans est totale.

Leurs tournées les ont menés aux quatre coins du globe, se produisant dans les plus grands festivals métal et rock tels que le Download Festival, Hellfest ou encore Reading and Leeds Festival.

Nouvelles collaborations et projets annexes

BMTH n’hésite pas à collaborer avec d’autres artistes pour enrichir sa musique et proposer sans cesse de nouvelles choses à ses fans. Par exemple, Amy Lee d’Evanescence a prêté sa voix sur le titre

En dehors des albums et tournées, certains membres du groupe ont également exploré d’autres projets. Oliver Sykes, notamment, a lancé sa propre marque de vêtements appelée « Drop Dead Clothing » en 2005, tandis que Jordan Fish s’est investi dans la production musicale pour d’autres artistes.

Grâce à Bring Me The Horizon, l’avenir du métal britannique est assuré

En offrant un souffle nouveau au métal britannique à travers leur évolution constante, Bring Me The Horizon a su conquérir le coeur d’un large public. Leur engagement envers leur musique et leur désir de repousser les limites du genre rend leur parcours fascinant à suivre, donnant ainsi envie d’accompagner le groupe BMTH dans toutes leurs péripéties artistiques.

BMTH : Les 8 meilleures collaborations de Bring Me The Horizon

Les collaborations ne sont pas nouvelles pour BMTH , mais ces derniers temps, le groupe les embrasse de plus en plus.

De leur dernier effort avec la jeune star alternative YUNGBLUD aux noms variés qui ornent Music To Listen To… EP et album complet amo de l’année dernière , vous pouvez maintenant presque toujours compter sur Oli Sykes et co. pour appeler un ami célèbre et les inviter dans le studio.

Mais quels croisements ont le mieux fonctionné ? Ici, nous passons un long moment aux 8 plus grandes collaborations de BMTH de toute leur carrière…

BMTH

BMTH: Obey avec YUNGBLUD (2020)

Très bien, commençons par le débutant, d’accord? Que vous pensiez que YUNGBLUD appartient totalement à la scène rock ou non, il ne fait aucun doute qu’il envoie…

BMTH

Se déchaînant contre l’état du monde en 2020 , Obey est à la fois une chanson importante et stimulante pour ces temps fous – sans parler de fournir un carburant de premier ordre pour le moment venu et la musique live reviendra éventuellement. Oh ouais, pouvons-nous avoir la promesse que vous allez jouer ensemble sur scène dès que possible , les gars ?

BMTH: Wonderful life avec Dani Filth de Cradle Of Filth (2018)

Des riffs de nu-metal qui ont été initialement écrits pour Limp Bizkit ? Un spot invité de l’icône du métal extrême Dani Filth? Et un refrain pop colossal qui pourrait facilement remplir les arènes qu’Horizon a l’habitude de jouer ces dernières années? Vérifiez, vérifiez et vérifiez.

Alors qu’Oli avait averti avant la sortie d’amo que l’album serait« Certainement prendre quelques écoutes … parce que les chansons ont eu tellement de choses, » vie merveilleuse se sent déjà comme un aliment de base Bring Me the horizon. *

De plus, cela nous a apporté une vidéo officielle dans laquelle un Dani peint au cadavre mange des céréales et va faire l’épicerie, alors qu’est-ce qu’il ne faut pas aimer?

BMTH: Fuck avec Josh Franceschi de You Me At Six de (2010)

Lorsque Josh Franceschi et Oli Sykes font équipe, les résultats sont tout simplement superbes. L’apparition du leader d’Horizon sur You Me At Six’ S Bite My Tongue a tourné la 2011 seule dans un favori de la scène, mais l’année précédente, Josh avait déjà fourni un enfer d’un crossover sur Putain (tiré de 2010 ?

BMTH

Il est un enfer Croyez – moi , je l’ ai vu. Il Est un paradis, gardons-le secret).« Nous étions jeunes et amoureux / crises cardiaques en attente de se produire … » Croons Josh avec émotion devant un crescendo épique de synthés et des cris.

Tbh, le titre devrait probablement être changé en Fuck Yes .

BMTH: Football Season Is Over avec JJ Peters de Deez Nuts (2008)

Bien qu’il ait initialement voulu obtenir le roi de la fête Andrew WK sur ce fracas de metalcore sauvage, Horizon a finalement recruté l’ homme de Deez Nuts JJ Peters pour aider à marteler le message très important de Football Season Is Over:« Parti jusqu’à ce que vous passer dehors, boire jusqu’à ce que vous êtes mort / danser toute la nuit jusqu’à ce que vous ne pouvez pas sentir vos jambes . »

« Les paroles ne sont que faire la fête et être les gars, ce n’est pas trop d’une chanson sérieuse, » Oli a dit Kerrang !.« Et il a été écrit et enregistré quand j’étais ivre, que vous pouvez sans doute dire. » Ouais, nous avions une petite idée…

BMTH: ¿Avec Halsey (2019)

Si nous trichions ici, nous placerions la chanson de Halsey’s Birds Of Prey, avec la bande originale Experiment On Me, sur cette liste, étant donné qu’elle a été co-écrite par Oli et le claviériste / échantillons Jordan Fish.

Étant donné que nous parlons spécifiquement des chansons d’Horizon, nous opterons plutôt pour, à la place.

Tiré de l’ EP expérimental Music To Listen To… surprise du groupe à la fin de 2019 , c’est une écoute beaucoup plus morose que Experiment On Me, même en échantillonnant l’ouverture de Sempiternal Can You Feel My Heart? et interpoler une piste amo dans l’obscurité.

Les résultats, cependant, sont mauvais.«J’ai adoré BMTH » a tweeté Halsey,« Et je suis fan depuis que je suis, comme, 14 ans, afin d’ apprendre à travailler avec eux était super-surréaliste. »

BMTH: Crucify Me avec Lights (2010)

Horizon a deux collaborations avec le musicien électropop canadien Lights sur There Is A Hell en 2010 …, mais l’ouvreur Crucify Me le met au poteau parce que ce n’est qu’une façon vraiment géniale de lancer un disque.

Bien que le chant de Lights ne soit pas aussi important que sur son autre collaboration avec le groupe (Don’t Go), les passages de,« There is a hell, believe me I’ve seen it / There is a heaven, let’s keep it a secret,’  » sont magnifiquement envoûtante. comme elle ferme la chanson en chantant,« ‘I am the ocean, I am the sea / There is a world inside of me…» , il donne le ton pour ce qui est parfaitement à suivre …

BMTH

BMTH: Heavy metal avec Rahzel (2019)

‘« Parce que un enfant sur la« Gramme dans un réservoir Black Dahlia dit que ce n’est pas heavy metal … » a obtenu d’être l’ un des meilleurs paroles de ces derniers temps, non?

Mettant en vedette le beatboxer Rahzel des Roots, la réponse de BMTH aux trolls Internet qui ont affiché des opinions négatives sur l’évolution de leur carrière est un point culminant indéniable de l’amo de l’année dernière, avec Oli lâchant son plus beau rugissement pour faire bonne mesure pour prouver que, oui, BMTH peut encore être métal s’il le souhaite.

« Il y a un peu de cinq secondes clip à la fin de la piste qui est le plus lourd que nous avons sondé des années, » la Jordanie nous a dit dans une répartition piste par piste (non, pas ce genre …) de l’album.

BMTH : The Sadness Will Never End  avec Sam Carter d’ architects (2008)

C’était un régal de regarder Sam Carter se promener sur scène et rejoindre Bring Me The Horizon pour The Sadness Will Never End at All Points East l’année dernière. C’est un classique du metalcore qui tient toujours jusqu’à ce jour, avec BMTH et le leader d’Architects tirant à tous les cylindres.

Et si vous nous aviez dit en 2008 qu’ils finiraient par devenir deux des plus grands groupes de rock de Grande-Bretagne… eh bien, nous vous aurions probablement cru, pour être honnête.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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BMTH : interview

La semaine dernière , Bring Me The Horizon a commencé un nouveau chapitre de leur histoire créative apparemment sans fin avec la sortie de la ballade emo sTraNgeRs. Aujourd’hui , avant leur visite en Australie pour faire la une du festival Good Things , le claviériste et assistant de production, Jordan Fish a rejoint Maniacs pour une discussion sur la prochaine phase de l’évolution sonore de Bring Me The Horizon .

BMTH : retourne enfin sous terre pour jouer le Good Things Festival, après le chaos de ces dernières années, avez-vous hâte d’être de retour sur nos côtes ?

BMTH :« Tout à fait. Cela fait un petit moment que nous n’avons pas joué en Australie, donc je suis vraiment excité. C’était le premier endroit où j’ai tourné avec le groupe, et cela reste l’un de mes endroits préférés pour jouer.Nous avons beaucoup d’amis là-bas. Nous sommes donc très heureux de revenir.

Bring Me The Horizon a fait évoluer votre son depuis votre dernière visite, en sortant le premier EP POST HUMAN , quelques grosses collaborations et deux singles supplémentaires. Quelle a été l’impulsion de cette exploration inter-genres ?

BMTH :« Au départ, l’idée était que nous pouvions sortir de la musique plus rapidement et plus souvent. Bien que nous n’ayons pas vraiment fait cela, cette approche nous a permis de donner à chaque disque sa propre ambiance. Nous l’avons fait amo et s’il y a une chose que je Je regrette à propos de cet album que nous n’ayons pas autant misé sur une ambiance. J’ai l’impression que ça marche mieux quand chaque album a son propre genre d’ambiance dans une certaine mesure.

Donc je suppose que l’idée était d’essayer et être capable de faire des itérations différentes, légèrement différentes de « Bring Me » avec chaque disque que nous faisons. Nous pouvons donc en quelque sorte le mettre en place, afin que les gens sachent ce qu’ils vont obtenir.

Je pense que les gens seraient surpris d’apprendre que vous sentez que vous avancez lentement parce que du point de vue de l’auditeur, il semble que vous ayez constamment publié du contenu, que ce soit de nouvelles chansons, des collaborations ou des vidéos, il semble toujours qu’il se passe quelque chose avec Bring Me L’horizon. Pensez-vous qu’il y a quelque chose dans les partenariats d’écriture dans le groupe qui permet que ce soit le cas ?

BMTH :« Nous avons été un peu coincés sur ce disque, pour être juste, donc c’est un peu le mauvais moment pour répondre à cette question, parce que je me sens le contraire, en ce moment. J’ai l’impression que nous faisons un peu d’une tige pour nos propres dos un peu, en essayant de faire quelque chose de différent à chaque fois.

Ce n’est pas vraiment la façon la plus facile de travailler. Il serait plus simple de s’asseoir et de taper dix chansons sans vraiment se soucier du résultat et si ça sonne différent. Mais nous avons l’impression que nous devons découvrir quelque chose à chaque fois que nous faisons un nouvel album. Ce qui le rend plus difficile, mais cela le rend aussi plus amusant pour nous.

Il reste frais. Le groupe existe depuis 20 ans et je suis dans le groupe depuis 10 ans et chaque nouvelle chanson que nous écrivons me semble toujours essentielle. »

« Écrire sTraNgeRs n’a pas été comme écrire une autre chanson, c’était comme écrire la chanson la plus importante de notre carrière et c’était comme ça sur la dernière et celle d’avant. Nous avons ce sentiment tout le temps. Nous ne « Je ne veux pas laisser tomber une chanson de merde. Nous ne voulons pas que quelqu’un dise « oh, ça sonne comme une progression ennuyeuse ». Nous essayons de la faire avancer, parce que nous nous soucions du groupe et de ce que nous publions. « 

C’est définitivement évident sur sTraNgeRs, vous pouvez dire que beaucoup de réflexion a été consacrée non seulement à l’écriture de la piste, mais aussi au déploiement. Cela vous a-t-il semblé particulièrement important de partager ce message avec le monde de cette manière, en ce moment ?

Les paroles d’Oli « nous ne sommes qu’une pièce pleine d’étrangers » sont venues de l’idée d’être à un spectacle en direct. Lors d’un concert, vous vous trouvez dans une salle remplie d’inconnus, mais vous ressentez également cette connexion avec tout le monde qui chante. C’est comme ce sentiment primitif de communauté. Il a en quelque sorte grandi à partir de là.

Quand Oli travaille avec un concept qui ne lui est pas personnel, il aime trouver des liens vers un sens pour lui qui est personnel à sa vie. Il doit fonctionner à plusieurs niveaux. Donc, alors que pour nous, cela fonctionne comme une chanson live, mais pour Oli, cela a ce sens plus profond lié à une période qu’il a vécue en cure de désintoxication, lorsqu’il parlait à une salle pleine de personnes qu’il ne connaissait pas à propos de sa dépendance.

Il a donc toutes ces pensées profondes et internes, pendant que je barbote autour d’un ordinateur. Il est à un tout autre niveau,
À ce stade, Oli Sykes est une célébrité grand public, cela vous semble-t-il un peu étrange ou peut-être même surréaliste d’avoir un membre du groupe qui est sous un tel projecteur ?

BMTH : » S’il était un connard, ce serait un problème. Parce que si vous êtes le chanteur d’un groupe, tout le monde se concentrera sur vous. Donc, tout dépend de la façon dont le chanteur gère cela, et s’il laissez cela affecter leur ego à un point tel qu’ils ne sentent plus qu’ils ont besoin d’un groupe. Heureusement, ce n’est pas ce genre de personne, donc cela ne dérange aucun d’entre nous le moins du monde.

Il est de plus en plus célèbre le le groupe est devenu plus grand, mais finalement c’est une bonne chose pour nous tous parce que cela signifie que plus de gens aiment notre groupe. »
Vous avez été impliqué dans de nombreuses collaborations récemment, avec des gens comme Ed Sheeran, MGK et Sigrid ? Avez-vous une chanson préférée parmi toutes ?

BMTH :« Celui d’Ed Sheeran est la chanson d’Ed Sheeran, et la chanson de MGK est la chanson de MGK, donc ce serait celle de Sigrid parce que nous avons écrit la chanson. Ils sont tous géniaux à leur manière. La chanson de MGK est une chanson amusante et ça nous a ouvert à un public différent. Sigrid est une très bonne amie à moi et je l’aime en tant qu’artiste et en tant que personne.

C’était spécial parce que ça s’est bien passé et c’était un plaisir de travailler avec elle, J’aime que nous ayons eu cette expérience de travail ensemble. Sheeran était vraiment cool comme de la merde. Quand il nous a demandé, nous ne pouvions pas vraiment croire qu’on nous demandait de jouer à l’ouverture des Brits. Les BRIT Awards sont une chose énorme dans le Royaume-Uni et c’était une expérience tellement surréaliste.

Cela a énormément aidé notre carrière et j’aiJe ne suis même pas sûr qu’il se rende compte à quel point il a aidé notre carrière simplement en nous faisant interpréter une chanson avec lui. »
Je ne pense pas que les gens de notre coin du monde puissent vraiment comprendre à quel point Ed Sheeran est célèbre, c’est un autre niveau de renommée, n’est-ce pas ?

C’est un homme révélateur, quand vous rencontrez des gens comme ça. Il fait partie de ces personnes qui sont encore super terre à terre, ce qui est fou. Parce que quand vous arrivez à ce niveau, il est très rare que vous parveniez à conserver l’un de vous-même. Mais il est tellement terre-à-terre et normal que c’est en fait un peu bizarre. C’est un gars très cool et super sympa. »

Où allez-vous partir d’ici? Quelle est la trajectoire ascendante de Bring Me The Horizon ?

BMTH :« À ce stade, j’ai deux enfants et une famille, donc je ne suis pas vraiment aussi inquiet de devenir plus grand ou plus petit qu’avant. Nous jouons à un tas de festivals en ce moment et nous sommes passer un bon moment ensemble et c’est ce qui compte. Nous arrivons à ce point où nous apprécions simplement la balade.

Nous n’avons pas besoin d’être le plus grand groupe du monde, nous sommes qui nous sommes et tant que nous gardons profiter de ce que nous faisons et mettre le même niveau d’effort, alors nous serons bons. C’est tout ce qui m’importe. Je veux juste être heureux.

De plus, si jamais vous avez besoin d’un boost de dopamine, vous pouvez simplement regarder cette affiche du Good Things Festival et voir votre nom au-dessus des dieux du métal alternatif Deftones, et époustoufler votre adolescent !

BMTH :« Je me sens mal de répondre à cela, parce que je suis un si grand fan de Deftones. Je n’essaierais même pas de comparer nos carrières, car ce ne sont que des légendes. Ils ont été tellement influents pour moi personnellement, ils pourraient en fait être mon groupe préféré de tous les temps pour être honnête, Deftones. Je suis tellement excité de pouvoir jouer avec eux.

Nous n’avons eu la chance de jouer avec eux que quelques fois. Nous les avons soutenus une fois en Amérique et c’était juste incroyablement bon. Nous sommes juste de grands fans du groupe. « 

Dans l’esprit du Good Things Festival, quelles sont les bonnes choses dans ta vie en dehors de la musique, Jordan ?

BMTH :« J’ai deux enfants que j’aime bien et ma femme, ça me suffit ! »
Si vous pouviez avoir n’importe quelle chanson jouée lorsque vous entrez dans une pièce, dans un style pro-catch, quelle chanson aimeriez-vous que ce soit?

BMTH :« Les garçons sont de retour en ville. Ce serait une bonne chanson d’introduction. »
En regardant vers le prochain album, sTraNgeRs illustre-t-il ce à quoi ressemble l’avenir de Bring Me The Horizon ?

BMTH :« En quelque sorte, les deux singles que nous avons sortis, nous n’irons pas exactement là-bas, mais ce sera dans ce monde dans une certaine mesure. Certains contrasteront bien avec ces chansons. Il pourrait y avoir des trucs légèrement plus lourds là-bas . Il y a beaucoup de sous-genres que nous essayons de prendre et de moderniser un peu. sTraNgeRs est en quelque sorte une chanson de style emo grand public, DiE4u a plus une ambiance pop-emo, mais il y a tellement d’influences shouto et post-hardcore que nous j’explore ça pourrait finir sur le disque aussi. »

METALLICA HELLFEST 2022

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 31/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

METALLICA HELLFEST 2022 ? depuis quelques temps des rumeurs circulent mais c’est Tonton Zégut qui amène dernièrement une première pierre à l’édifice avec ce post :

 » Cela fait deux semaines que j’entends beaucoup de choses à propos du Hellfest, et plus particulièrement du Helfest 2, car oui il va y avoir un Hellfest 2 l’année prochaine, toutes les sources disent la même chose, tout est concordant donc ça authentifie l’incroyable présence de Metallica à Clisson au Hellfest 2, un aboutissement pour le festival et Ben Barbaud. » Les jours passent et le vent continue à souffler aux oreilles du Grand Zégut….

METALLICA HELLFEST 2022- METALLICA HELLFEST 2022 – METALLICA HELLFEST 2022

METALLICA HELLFEST 2022

Un Hellfest 2022 exceptionnel ?

Les festivals d’été ne seraient pas aussi passionnants sans plusieurs mois pour spéculer sur les artistes qui monteront sur scène cette année. Qui verrons-nous au Hellfest 2022?

2020 nous oblige à rester chez nous, car les festivals du monde entier sont annulés en raison de la pandémie de coronavirus. En avril, l’organisation Hellfest a annoncé l’annulation de l’édition 2020. Mais nous aimons regarder vers l’avenir et penser au retour des festivals d’été. D’autant plus que le Hellfest pourrait être deux fois plus long l’année prochaine !

Qui sera la tête d’affiche du festival français en 2022 ?

METALLICA HELLFEST 2022 – METALLICA HELLFEST 2022

Têtes d’affiche du Hellfest 2022

Nous pouvons supposer avec certitude que la première priorité du Hellfest est de déplacer sa programmation 2021 à l’année prochaine. Par conséquent, les plus grosses rumeurs sont les artistes qui étaient censés faire la une de l’édition de cette année. La rumeur la plus insistante est simple : du 17 au 19 juin 2022, les fans de musique extrême se retrouveront au Hellfest. Une semaine plus tard, Metallica clôturera le Hellfest 2…

Faith No More et System of a Down ont déjà annoncé des spectacles reprogrammés pour 2021, ils reviendront donc presque certainement. En revanche, il n’y a pas encore de nouvelles sur Deftones .

METALLICA HELLFEST 2022 ?

Metallica aime planifier à l’avance. Déjà en août 2019, des rumeurs ont commencé à circuler sur une tournée européenne en 2021. Presque comme d’habitude, c’est Francis Zégut qui a parlé de la rumeur la plus folle de 2021 : METALLICA HELLFEST 2022

La plupart des spectacles 2020 des titans du métal américains ont maintenant été annulés ou reportés, mais l’été prochain reste toujours ouvert. Ce serait une surprise si Metallica annonçait ses débuts au Hellfest !

METALLICA HELLFEST 2022

METALLICA HELLFEST 2022

À propos de Metallica

Metallica est un groupe de heavy metal américain basé à San Rafael, en Californie. Le groupe a été formé en 1981 à Los Angeles lorsque le chanteur / guitariste James Hetfield a répondu à une annonce publiée par le batteur Lars Ulrich dans un journal local.

La formation actuelle de Metallica comprend les membres fondateurs Hetfield et Ulrich, le guitariste principal de longue date Kirk Hammett et le bassiste Robert Trujillo.

Le guitariste Dave Mustaine (qui a ensuite formé Megadeth) et les bassistes Ron McGovney, Cliff Burton et Jason Newsted sont également d’anciens membres du groupe.

Les tempos rapides, les instruments et la musicalité agressive du groupe les placent comme l’un des «quatre grands» groupes fondateurs de thrash metal, aux côtés de Megadeth, Anthrax et Slayer.

Metallica a gagné une base croissante de fans dans la communauté musicale underground et a été acclamé par la critique avec ses quatre premiers albums; leur troisième album Master of Puppets (1986) a été décrit comme l’un des albums de thrash metal les plus influents et les plus lourds. Le groupe a élargi sa direction musicale et obtenu un succès commercial substantiel avec son cinquième album éponyme Metallica (1991), qui a séduit un public plus grand public.

L’album était également leur premier à faire leurs débuts au numéro un du Billboard 200, un succès qu’ils ont également obtenu sur leurs cinq albums studio suivants. En 2000, Metallica s’est jointe à d’autres artistes qui ont intenté une action en justice contre Napster pour avoir partagé le matériel protégé par le droit d’auteur du groupe sans consentement.

Un règlement a été conclu et Napster est devenu un service payant. La sortie de St. Anger (2003) a aliéné les fans avec l’exclusion des solos de guitare et de la caisse claire « au son d’acier », et un film intitulé Some Kind of Monster a documenté l’enregistrement de St. Anger et les tensions au sein du groupe pendant ce temps. temps.

Le groupe est revenu à son style musical d’origine avec la sortie de Death Magnetic (2008), et en 2009, Metallica a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. Après avoir tourné pendant la majeure partie des huit années suivantes, le groupe a enchaîné avec le double album Hardwired … to Self-Destruct (2016), qui a démontré des exemples de certains des différents styles musicaux que le groupe a essayés tout au long de sa carrière. Pour promouvoir l’album, le groupe a publié des vidéoclips pour les 13 nouvelles chansons de l’édition de luxe de l’album; avant la sortie de l’album, le groupe n’avait sorti que 26 vidéoclips dans sa carrière.

Metallica a sorti dix albums studio, quatre albums live, cinq pièces de théâtre prolongées, 39 vidéoclips et 37 singles. Le groupe a remporté huit Grammy Awards et six de ses albums ont fait leurs débuts consécutifs au numéro un du Billboard 200. L’album éponyme du groupe en 1991 s’est vendu à plus de 16 millions d’exemplaires aux États-Unis, ce qui en fait l’album le plus vendu de l’ère SoundScan.

Metallica se classe parmi les groupes les plus réussis sur le plan commercial de tous les temps, ayant vendu plus de 110 millions de disques dans le monde. Metallica a été répertorié comme l’un des plus grands artistes de tous les temps par de nombreux magazines, dont Rolling Stone, qui les a classés 61e sur sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps.

En 2017, Metallica est le troisième artiste musical le plus vendu depuis que Nielsen SoundScan a commencé à suivre les ventes en 1991, vendant un total de 58 millions d’albums aux États-Unis. Metallica a collaboré pendant une longue période avec le producteur Bob Rock, qui a produit quatre des albums studio du groupe entre 1990 et 2003 et a servi de bassiste temporaire pendant la production de St. Anger. En 2012, Metallica a formé le label indépendant Blackened Recordings et a pris la pleine propriété de ses albums et vidéos. Le groupe est actuellement en tournée mondiale pour promouvoir Hardwired … to Self-Destruct, sortie le 18 novembre 2016.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe.

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 19/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make

Les amplis Marshall ont été célébrés par certains des plus grands groupes et musiciens du monde, notamment: Jimi Hendrix, Eric Clapton, Slash, Oasis, Muse, Gorillaz et Bring Me The Horizon. On peut être vu en tournée avec des artistes comme Justin Timberlake, Kendrick Lamar et Lana Del Rey. Cependant, rien de tout cela ne serait possible sans le fondateur et révolutionnaire, Jim Marshall OBE et son fils Terry.

Après plus de 20 ans à jouer sur la route le 7 juillet 1960, Jim a ouvert un magasin de musique familial avec sa femme Violet et son fils Terry appelé «Jim Marshall and Son», au 76 Uxbridge Road, Hanwell, Londres. Aujourd’hui, vous trouverez une plaque sur le trottoir à l’extérieur pour célébrer nos modestes débuts.

Le magasin a vendu une variété d’instruments de musique et a attiré de nombreux jeunes talents émergents, tels que Pete Townshend, Ritchie Blackmore, John Entwistle et Big Jim Sullivan, qui étaient des amis de Terry et connaissaient le magasin de musique grâce aux étudiants en batterie de Jim, tels que Keith Moon.

Les amplificateurs de guitare Marshall sont parmi les plus reconnus au monde. Leur signature sonore, caractérisée par une distorsion grésillante et un «crunch», a été conçue par Marshall après que des guitaristes, tels que Pete Townshend , aient visité la boutique de batterie de Marshall se plaignant que les amplis de guitare alors sur le marché n’avaient pas le bon son ou assez de volume.

Après avoir gagné beaucoup de publicité, les amplis de guitare Marshall et les enceintes de haut-parleurs ont été recherchés par les guitaristes pour ce nouveau son et ce volume accru.

Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe

De nombreux amplis de guitare Marshall actuels et réédités continuent à utiliser des tubes à vide(également appelés vannes en Grande-Bretagne et dans certaines autres régions), comme cela est courant dans ce secteur de marché. Marshall fabrique également des amplis à semi-conducteurs, hybrides (tube à vide et à semi-conducteurs) et à modélisation moins chers.

Quel ampli Marshall choisir ?

Il y a plusieurs amplificateurs Marshall sur le marché qui conviendront à des besoins différents en matière de sonorisation. Si vous êtes un débutant, je vous recommande de considérer les séries d’amplificateurs Marshall MG ou Code, qui offrent des fonctionnalités abordables et faciles à utiliser. Si vous êtes un musicien expérimenté à la recherche d’un son plus puissant et plus professionnel, vous pourriez envisager les séries JCM ou DSL.

Il est également important de prendre en compte la puissance de sortie de l’ampli, la taille de l’ampli, et la compatibilité avec vos instruments. Il serait préférable de tester différents amplificateurs pour trouver celui qui convient le mieux à vos besoins et à votre style de jeu.

L’histoire de Marshall

Les Origines

Après une carrière réussie en tant que batteur et professeur de technique de batterie, Jim Marshall s’est lancé en affaires en 1962 avec un petit magasin à Hanwell , Londres, vendant des tambours, des cymbales et des accessoires liés à la batterie; Marshall lui-même a également donné des cours de batterie.

Selon Jim, Ritchie Blackmore , Big Jim Sullivan et Pete Townshend étaient les trois principaux guitaristes qui venaient souvent dans le magasin et poussaient Marshall à fabriquer des amplis de guitare et lui disaient le son et le design qu’ils voulaient. [6] Marshall Ltd. s’est ensuite agrandie, a embauché des concepteurs et a commencé à fabriquer des amplis de guitare pour concurrencer les amplis existants, dont le plus notable à l’époque était le Fenderamplis importés d’Amérique.

Ceux-ci étaient très appréciés des guitaristes et des bassistes, mais ils étaient très chers. Les trois guitaristes ont été parmi les premiers clients des 23 premiers amplis Marshall fabriqués.

Les amplis MARSHALL : l’histoire d’un mythe

Jim Marshall voulait que quelqu’un produise une alternative moins chère aux amplis de guitare fabriqués aux États-Unis, mais comme il avait une expérience limitée en génie électrique, il a fait appel à son réparateur d’atelier, Ken Bran, un technicien de Pan American Airways , Dudley Craven, un apprenti EMI.

Le plus aimé le son du Fender Bassman 4 × 10 pouces et a fait plusieurs prototypes en utilisant l’amplificateur Fender Bassman comme modèle. Le sixième prototype produit, selon les mots de Jim, le « Marshall Sound », bien qu’à cette époque, la seule implication de Jim était de vendre les amplis à la commission dans son magasin.

Au fur et à mesure que les affaires augmentaient, Marshall demanda aux trois de travailler pour lui dans son atelier, car il avait plus d’espace et de capital pour se développer.

 

L’idée originale a été évoquée tard un vendredi soir au début de 1963 dans un bar Wimpy à Ealing dans l’ouest de Londres par trois passionnés de radio amateur après avoir été à leur réunion hebdomadaire du radio-club de Greenford, l’indicatif d’appel de Dudley était G3PUN, celui de Ken Bran était G3UDC, et Ken Underwood était G3SDW.

À la mort de Dudley en 1998 et à la mort de Ken Bran en 2018, le seul individu original est Ken Underwood.

Les six premières unités de production ont été assemblées dans les abris de jardin de Ken Bran, Dudley Craven et Ken Underwood la même année, à Heston , Hanwell et Hayes , tous dans l’ouest de Londres. Ils étaient presque des copies du circuit Bassman, avec des soupapes de puissance 5881 en surplus militaire américain, un parent du 6L6.

Peu de haut-parleurs étaient alors capables de gérer plus de 15 watts,  ce qui signifiait qu’un amplificateur approchant 50 watts devait utiliser quatre haut-parleurs.

Amplis MARSHALL

Pour leur Bassman, Fender a utilisé quatre haut-parleurs Jensen dans le même baffle que l’amplificateur, mais Marshall a choisi de séparer l’amplificateur des haut-parleurs et a placé quatre haut- parleurs Celestion de 12 pouces dans un baffle fermé séparé au lieu des quatre de 10 pouces. Jensens dans un combo à dos ouvert.

D’autres différences cruciales comprenaient l’utilisation de vannes ECC83 à gain plus élevé dans tout le pré-ampli et l’introduction d’un filtre à condensateur / résistance après le contrôle du volume. Ces changements de circuit ont donné à l’ampli plus de gain, ce qui lui a permis de passer en over drive plus tôt sur le contrôle du volume que le Bassman, et a augmenté les fréquences aiguës.

Ce nouvel amplificateur, provisoirement appelé le « Mark II », a finalement été nommé le  » JTM 45 « , d’après Jim et son fils Terry Marshall et la puissance maximale de l’amplificateur.

Jimi Hendrix, Eric Clapton et d’autres groupes basés sur le blues rock de la fin des années 1960 tels que Free ont utilisé des stacks Marshall à la fois en studio et sur scène, ce qui en fait l’un des amplis les plus recherchés et les plus populaires de l’industrie.

Amplis MARSHALL

L’accord de distribution Marshall

Marshall a conclu un accord de distribution de 15 ans avec la société britannique Rose-Morris en 1965, ce qui lui a donné le capital nécessaire pour étendre ses activités de fabrication, bien que cela s’avérerait coûteux.

Rétrospectivement, Marshall a admis que l’accord Rose-Morris était « la plus grosse erreur que j’ai jamais faite. Rose-Morris n’en avait pas vraiment la moindre idée. Pour l’exportation, ils ont ajouté 55% à mon prix, ce qui nous a mis hors du monde. marché depuis longtemps.  »

Amplification du parc Marshall

Le nouveau contrat avait privé de leurs droits de nombreux anciens distributeurs d’amplis Marshall, dont son vieil ami Johnny Jones. Le contrat de Marshall ne l’a pas empêché de construire des amplis en dehors de l’entreprise, et Marshall a donc lancé le nom de marque Park , inspiré du nom de jeune fille de l’épouse de Jones.

Pour se conformer à ses stipulations de contrat, ces amplis avaient des changements de circuit mineurs par rapport aux amplis Marshalls réguliers et des changements mineurs à l’apparence.

Amplis MARSHALL

Par exemple, souvent les parcs avaient des panneaux avant argentés ou noirs au lieu de ceux dorés des amplis Marshall, certains des enclos étaient plus hauts ou de forme différente, et les commandes étaient disposées et étiquetées différemment.

À partir du début de 1965, Park a produit un certain nombre d’amplificateurs, dont une tête de 45 watts. La plupart d’entre eux avaient une disposition et des composants Marshall, bien que certains amplificateurs inhabituels aient été fabriqués, tels qu’un amplificateur de clavier de 75 watts avec des tubes KT88 .

Un combo 2 × 12 pouces avait la possibilité d’envoyer le premier canal dans le second, probablement inspiré par les utilisateurs de Marshall faisant la même chose avec un câble de raccordement. Le Park 75 de 1972 a produit environ 100 watts au moyen de deux KT88, alors que le modèle comparable de 50 watts 1987 de l’époque utilisait 2 tubes EL34 .

En 1982, Park a pris fin, bien que Marshall ait plus tard relancé la marque pour certains amplificateurs à transistors fabriqués en Asie. [9] Les parcs fabriqués du milieu des années 1960 à environ 1974 (les «années d’or»), avec un câblage point à point – selon la rumeur, être «un peu plus chaud» que les Marshall réguliers – atteignent des prix plus élevés que les «vrais» comparables aux amplis Marshalls de la même période.

Les autres noms de marque Marshall

Wall of Marshall Fridge: produits de réfrigérateur utilisant la marque Marshall.
Les autres noms de marque que Marshall Amplification avait utilisés pour diverses raisons commerciales comprenaient Big M (pour le marché ouest-allemand de l’époque), Kitchen / Marshall (pour la chaîne de vente au détail Kitchen Music au nord de Londres), Narb (le nom de famille de Ken Bran épelé à l’envers) et CMI ( Instruments de musique Cleartone).

Les amplificateurs vendus sous ces marques sont assez rares et se vendent aux collectionneurs à des prix élevés.

Amplis MARSHALL

Les premiers modèles d’amplis

Le Bluesbreaker

Pour réduire les coûts, Marshall a commencé à s’approvisionner en pièces au Royaume-Uni. Cela a conduit à l’utilisation de transformateurs fabriqués par Dagnall et Drake et à un passage à la vanne KT66 au lieu du tube 6L6 couramment utilisé aux États-Unis.

Les changements ont donné aux amplis Marshall une voix plus agressive, qui a rapidement trouvé la faveur de joueurs comme Eric Clapton , qui s’asseyait dans la boutique de Jim pour s’entraîner. Clapton a demandé à Jim Marshall de produire un ampli combo avec trémolo, qui rentrerait dans le coffre de sa voiture, et l’un des amplis Marshall les plus célèbres est né, l’ ampli  » Bluesbreaker « .

C’est l’amplificateur, en tandem avec sa Gibson Les Paul Standard de 1960 (le « Beano »), qui a donné à Clapton ce fameux ton sur l’Album de John Mayall & the Bluesbreakers de 1966, Bluesbreakers avec Eric Clapton .

La facade en Plexi  de Marshall

Les amplis Marshall de cette époque sont facilement identifiables grâce à leur façade en verre acrylique (aka Plexiglas ), qui leur a valu le surnom de « Plexi ». En 1967, Marshall a publié une version de 50 watts du Superlead de 100 watts connue sous le nom de modèle de 1987 . En 1969, le panneau en plexiglas a été remplacé par un panneau avant en métal brossé.

Parmi les autres premiers clients, citons Pete Townshend et John Entwistle de The Who , dont la recherche de volume supplémentaire a conduit Marshall à concevoir l’amplificateur à lampes classique de 100 watts.

Ken Bran et Dudley Craven, les développeurs de Marshall, ont doublé le nombre de vannes de sortie, ajouté un transformateur de puissance plus grand et un transformateur de sortie supplémentaire. Quatre de ces amplis marshall ont été construits et livrés à Pete Townshend, et le Marshall Super Lead Model 1959 , le Plexi original, est né en 1965. À la demande de Pete Townshend, Marshall a produit un baffle 8 × 12 pouces (bientôt remplacé par une paire de baffles 4 × 12 pouces) sur lequel la tête d’amplification 1959 a été placée, donnant lieu à la pile Marshall, une image emblématique du rock and roll.

La taille du mur des piles de Marshall « est devenue bientôt un indicateur de l’état du groupe », même lorsqu’elle est rendue obsolète par des systèmes de sonorisation améliorés; en fait, bon nombre des « tableaux ridiculement énormes de têtes et de cabines » comprenaient des mannequins.

Pourtant, la plupart des têtes modernes de 100 watts ont des racines dans la conception de Marshall, même si elles contiennent souvent beaucoup plus de fonctionnalités (ou des tubes différents, tels que les tubes 6L6 plus américains ).

Modèles milieu des années 1970 et 1980

L’Amplis MARSHALL JMPS

Après 1973, pour rationaliser la production, le câblage manuel à forte intensité de main-d’œuvre a été interrompu et les amplis à valve Marshall ont été remplacés par des circuits imprimés (PCB).

Une grande partie du débat sur la différence de ton entre les amplis Marshall à panneaux en plexiglas et en aluminium remonte à 1974, date à laquelle un certain nombre de changements de circuits ont été apportés aux amplis de 1959 et 1987; avec l’ajout de «mkII» ajouté au nom «Super Lead» sur le panneau arrière et «JMP» («Jim Marshall Products») ajouté à gauche de l’interrupteur d’alimentation sur le panneau avant.

Le distributeur américain de Marshall Unicord leur a également demandé de remplacer tous les amplis vendus aux États-Unis et au Japon par le General Electric 6550 beaucoup plus robuste.au lieu du tube de sortie EL34.

L’effet combiné de différents tubes et d’un circuit modifié a donné à ces Marshall du milieu des années 1970 un son très brillant et agressif qui était plus percutant que le son EL34, mais pas aussi riche, compressé et avait moins de distorsion de l’amplificateur de puissance.

À la fin de 1975, Marshall a présenté la série «Master Volume» («MV») avec le 100W 2203, suivi en 1976 par le 50W 2204. Il s’agissait d’une tentative de contrôler le niveau de volume des amplis tout en conservant les tonalités de distorsion saturées qui avaient devenir synonyme de la marque Marshall.

Pour ce faire, les concepteurs Marshall ont connecté les deux étages d’entrée en série plutôt qu’en parallèle sur le 2203, mais pas initialement sur le 2204, et ont modifié le circuit de l’étage de gain pour préserver les caractéristiques tonales du son «  Plexi à manivelle  » et ont converti le désormais obsolète. contrôle de volume du deuxième canal à un Master Volume en le connectant entre le pré-ampli et le circuit d’égalisation. Le 2204 a emboîté le pas au début de 1977 et a changé son circuit de pré-ampli pour correspondre au 2203 (alors) plus populaire.

Par Rick Reinckens, qui était un technicien électronique à court terme employé d’Unicord qui a testé les premières unités à leur arrivée d’Angleterre, Tony Frank, l’ingénieur en chef d’Unicord, a eu l’idée d’un contrôle à double volume (un gain de pré-ampli et un volume principal).

Les modifications des circuits ont été optimisées pour reproduire le son des Marshall non MV précédents avec le contrôle de volume principal réglé sur «  bas  », mais les joueurs se sont rapidement rendu compte que «  lancer  » le MV de ces nouveaux amplis Marshall produirait encore plus de distorsion overdrive, le ton dont était plus coupant et énervé, et a ensuite trouvé la faveur de joueurs tels que Randy Rhoads , Zakk Wylde et Slash .

Les modèles de volume non maître de 1959 et 1987 ont également continué sous la ligne JMP jusqu’en 1982.

Le Marshall  JCM 800

Peu de temps après la fin de l’accord Rose-Morris à la fin de 1980, Marshall a reconditionné deux modèles MV, le 2203 et le 2204 (à 100 et 50 watts, respectivement), ainsi que le Super Lead de 1959 et 1987 non maître dans une nouvelle boîte. avec un nouveau panneau, et l’a appelé la série  » JCM800  » (du nom de ses initiales et de la plaque d’immatriculation de sa voiture). [18] Marshall a fabriqué plusieurs amplis sous le nom de JCM800.

Le Jubilé Marshall

Une année marquante pour Jim Marshall fut 1987. Elle marqua 25 ans dans le domaine des amplis et 50 ans dans la musique. Cela a été célébré avec la sortie de la série d’amplis Silver Jubilee. La série Silver Jubilee comprenait le 2555 (tête de 100 watts), 2550 (tête de 50 watts) ainsi que d’autres numéros de modèle 255x dénommant divers combos et même une « tête courte ».

Les amplis Jubilee étaient fortement basés sur les JCM800 de l’époque, avec une section de sortie très similaire avec un nouveau préampli. Leur caractéristique la plus médiatisée était la commutation à demi-puissance, qui est activée par un troisième interrupteur à bascule à côté des interrupteurs standard «power» et «standby».

Sur le modèle de 50 watts, cela se reflétait dans la numérotation – 2550 est commutable de 25 à 50 watts – et reflétait également le 25e anniversaire des amplis Marshall et Jim Marshall ‘ s 50 ans dans la musique. Les amplis étaient recouverts d’un revêtement argenté et avaient une plaque frontale argentée brillante, ainsi qu’une plaque commémorative.

Le Jubilee comportait également une conception de «canal semi-divisé», dans laquelle deux niveaux de gain d’entrée différents pouvaient être réglés, passant par la même pile de sons et le même contrôle de volume principal. Cela a permis à un niveau de gain «Marshall classique» d’être commuté au pied jusqu’à un son moderne, à gain moyen à élevé, légèrement plus sombre et plus élevé en gain que le son plus brutal JCM800 qui caractérisait la musique rock des années 1980.

« Le son de ces amplis Marshall est particulièrement épais et sombre, même à l’échelle Marshall. Le gain par rapport aux standards actuels est moyen. » [19] Le son de distorsion de la gamme Jubilee est caractérisé par le travail en direct de Slash avec Guns N ‘Roses. Il utilisait rarement autre chose en direct, mais curieusement, le Jubilé n’apparaissait sur aucun Guns N ‘Appetite for Destruction (1987) et un JCM800 modifié sur les albums suivants.

Il peut être entendu sur certains desmatériaux Velvet Revolver . Les amplis Jubilee comportaient également un bouton «pull out» qui activait un circuit d’écrêtage de diode (similaire à l’augmentation de l’entrée de l’ampli avec une pédale d’overdrive).

Les autres utilisateurs notables de Jubilee incluent les Black Crowes , John Frusciante ( Red Hot Chili Peppers ) et Alex Lifeson ( Rush ), qui l’ont largement utilisé dans l’enregistrement de l’album Clockwork Angels (2012)de Rush.

Après l’année Jubilee, la production des amplis Marshall de la série 25xx a continué pendant un an de plus (sans changements internes), mais est revenue à une livrée Marshall standard de noir et d’or. On les appelle parfois les amplis personnalisés JCM800.

Modèles milieu des années 1980 et 1990

La concurrence des sociétés américaines amplificateur

Marshall a commencé à voir plus de concurrence des sociétés d’amplification américaines telles que Mesa Boogie et Soldano. Marshall a ensuite mis à jour la gamme JCM800 avec des modèles supplémentaires et de nouvelles fonctionnalités telles que la « commutation de canal », ce qui signifiait que les joueurs pouvaient basculer entre les sons clairs et déformés en appuyant sur un commutateur au pied.

Cette fonction a fait ses débuts dans les séries 2205 (50 watts) et 2210 (100 watts) et ces amplis Marshall contenaient plus de gain de pré-ampli que jamais grâce à une nouvelle innovation; coupure de diode. Cela signifiait qu’une diode à semi-conducteurs ajoutait une distorsion supplémentaire au chemin du signal, semblable à l’ajout d’une pédale de distorsion.

En tant que tels, les JCM800 à canal partagé étaient les Marshall à gain le plus élevé jamais construits – « Lors de leur première sortie, de nombreux joueurs ont été choqués (certains ont même été rebutés) par sa distorsion brillante et intense – bien plus que tout autre ampli de l’époque. »

Bien que vivement critiqués aujourd’hui par les puristes à lampes, ces amplis étaient plus populaires que jamais, trouvant une acceptation massive au sein de la communauté du hard rock et toujours utilisés aujourd’hui par beaucoup.

Les JCM800 à canal partagé sont toujours utilisés par Tom Morello (Rage Against the Machine, Audioslave) et ont été joués exclusivement par Michael Schenker (UFO) pendant de nombreuses années.

Marshall à cette époque a commencé d’autres expériences avec des amplis à semi-conducteurs , dont la qualité s’améliorait de plus en plus en raison des innovations technologiques, mais qui étaient toujours considérés comme des équipements de niveau débutant.

Quoi qu’il en soit, les gammes de produits à semi-conducteurs portant le nom Marshall ont été et sont toujours un succès féroce (bien que mis à prix critique) pour la société, permettant aux guitaristes débutants de jouer la même marque d’ampli que leurs héros.

Un Marshall d’entrée de gamme particulièrement réussi était la série combo Lead 12 / Reverb 12, qui comportait une section de préampli très similaire à un JCM800, et une section de sortie particulièrement douce. Ces amplis ont en fait été utilisés sur disque par Billy Gibbons de ZZ Top , et sont maintenant très demandés.

Les années 1990

Le Marshall  JCM 900

Dans les années 1990, Marshall a de nouveau mis à jour sa gamme de produits avec la série JCM900. Revu par le magazine Guitarist au Royaume-Uni et compte tenu de la ligne «Shredders, voici un ampli que vous n’aurez pas besoin de modifier», cette décision de Marshall était à nouveau une excroissance des désirs des musiciens, avec plus de distorsion que jamais et toujours populaire aspects des derniers modèles JCM800.

Cependant, malgré ces affirmations marketing, ils n’étaient pas aussi performants que ceux annoncés et utilisaient des composants à semi-conducteurs pour une grande partie de la distorsion de certains modèles – ce que de nombreux guitaristes n’aimaient pas.

Pourtant, sinon avec des shredders, la ligne JCM900 a été bien accueillie par les jeunes joueurs associés à la pop, au rock, au punk et au grunge qui était répandu au début des années 1990.

Il existe trois variantes différentes du JCM900. Les modèles les plus courants sont les modèles «Dual Reverb» 4100 (100 watts) et 4500 (50 watts), qui sont un descendant du modèle JCM800 2210/2205. Ces modèles comportent deux canaux, un préampli à semi-conducteurs et une distorsion de diode.

Les 2100/2500 Mark III sont essentiellement des JCM800 2203/2204 avec un écrêtage de diode supplémentaire contrôlable via un bouton sur le panneau avant et une boucle d’effets. Celles-ci sont assez rares et n’étaient pas en production depuis longtemps avant d’être remplacées par le 2100/2500 SL-X, qui a remplacé l’écrêtage de diode du Mk III par un autre tube de préampli 12AX7 / ECC83. Ce sont facilement la distorsion la plus élevée des trois variantes.

Un certain nombre d’entre eux ont été expédiés avec Sovtek 5881vannes, une variante robuste de la famille 6L6 de vannes de sortie, en raison d’un manque d’EL34 de qualité appropriée. La plupart des JCM900 et 6100 construits entre 1994 et 1998 ont quitté l’usine avec les 5881.

A cette époque, il a sorti quelques amplis Marshall « édition spéciale » dans cette gamme, dont un modèle « Slash Signature », une première pour la société. Il s’agissait en fait d’une réédition de l’ancien amplificateur Silver Jubilee 2555, avec des composants internes identiques, un look $standard et un logo Slash. Cet ampli a conservé des EL34 et 3 000 unités ont été produites de 1996 à 1997.

Le Marshall 30e anniversaire série 6100

1993 a marqué 30 ans dans le secteur des amplis. Pour commémorer cette étape importante, Marshall a sorti la série d’amplis 30th Anniversary, le 6100LE alimenté par EL34 avec un revêtement bleu commémoratif et une plaque frontale dorée, qui a été suivi par le 6100 (en tolex bleu et toujours alimenté par EL34) puis en 1994 le 6100LM (en standard Livrée Marshall mais maintenant 5881 alimenté comme les JCM900 de l’époque).

Toutes les versions du 6100 avaient trois canaux; clean, crunch et lead. Le canal clair comportait un mid shift, qui offrait l’option d’un son plus « à la Fender », et le canal crunch présentait trois modes recréant tous les sons crunch classiques de Marshall des trois dernières décennies.

Le canal principal comportait un gain de gain commutable et un commutateur de contour de milieu de gamme, ce qui lui donnait les niveaux de ton et de gain, ce que Marshall ‘ Les ingénieurs espéraient qu’il resterait compétitif dans le monde à haut gain du début au milieu des années 90. En fait, certains joueurs ont estimé que le canal principal était peut-être le maillon le plus faible de l’arsenal de l’amplificateur, et il a été révisé au cours de la troisième année de production (le LM signifie « Lead Mod »).

Cette révision présentait un gain encore plus élevé.

La série Anniversary a trouvé une place importante avec Joe Satriani en particulier, qui a favorisé les premières versions alimentées par EL34 et n’a utilisé que le canal clair en direct avec sa pédale de distorsion Vox Satchurator qui est basée sur son ancienne Boss DS-1 modifiée . Satriani a utilisé ces anciennes pédales Boss presque exclusivement pour le travail live et sur un certain nombre d’albums studio dont The Extremist (1992) jusqu’au début des années 2000.

Les modèles Anniversary étaient probablement les Marshall les plus compliqués de tous les temps (à part peut-être le dernier JVM), avec MIDIsélection de canal, commutation demi-puissance, commutation pentode / triode, excursion de haut-parleur réglable et commutateur de compensation de faible volume.

Malgré toute cette complication, les amplis  avaient un chemin de signal pur qui ne partageait pas les lampes de pré-ampli entre les canaux (contrairement aux conceptions  ultérieures comme la TSL et la JVM). Parmi les autres utilisateurs célèbres de 6100, citons Alex Lifeson sur l’album de Rush Test for Echo (1996) et le guitariste de Ocean Color Scene (OCS) Steve Cradock .

Les modèles Marshall actuels

Marshall produit actuellement un certain nombre d’amplificateurs, qui sont un mélange de designs modernes et de rééditions vintage. La plupart des modèles tentent d’inclure le « classique » Marshall « rugissement ».

Série modernes

À partir de 2012, Marshall a produit une large gamme d’amplis avec le look et le son de l’ampli à lampes Marshall. Le plus ancien de ces modèles est la gamme JCM2000, qui est divisée en séries à deux et trois canaux, appelées Dual et Triple Super Leads.

Ces amplis sont une continuation des séries JCM800 et 900, bien que le circuit d’écrêtage de diode controversé utilisé dans les derniers 800 et 900 ampères ait été supprimé au profit d’étages de gain de valve supplémentaires. Bien que regroupés en tant que modèles JCM2000, le DSL et le TSL ont des circuits différents et sont plus éloignés que la gamme de modèles ne le suggère.

Marshall s’est tourné vers un nouveau produit phare pour clouer tous les compromis des modèles précédents, la JVM, faite dans une variété de modèles et de gammes.

 Marshall Série Vintage

Amplis Marshall Vintage Reissue

En 2001, Marshall a réédité plusieurs de ses amplis antérieurs, comme le Model 1959-SLP , qui est conçu pour être une réédition de l’amplificateur « Plexi » de la fin des années 1960, mais qui sont en réalité des rééditions du Super Lead post-1973 modèles en ce qu’ils utilisent des cartes de circuits imprimés en interne pour réduire les coûts de fabrication.

La conception originale utilisait des circuits câblés à la main sur des cartes de tourelle, qui sont maintenant disponibles pour une prime dans la série «câblée à la main». D’autres rééditions sont conçues de manière similaire sur des circuits imprimés, même lorsque les originaux étaient câblés à la main, sauf indication explicite

Ampli à semi-conducteurs

Les amplificateurs «Valvestate» de contenaient un hybride de technologie à valve et à semi-conducteurs. Actuellement appelé la «série AVT» (bien que ceux-ci soient maintenant hors de production, remplacés par le «hommage AVT» pendant une courte période), il existe un certain nombre de modèles différents, tous moins chers que leurs homologues à soupapes .

Il s’agit de la gamme actuelle d’amplis Marshall «hybrides» , avec un tube de pré-ampli 12AX7 utilisé dans le pré-ampli (pour «réchauffer» le signal) ainsi que des composants à semi-conducteurs, avec un ampli de puissance à semi-conducteurs. Ceux-ci sont considérés et commercialisés comme des équipements de niveau intermédiaire pour combler l’écart entre la gamme de vannes supérieure et la série MG de gamme inférieure.

En janvier 2009, Marshall a sorti sa dernière variante de la gamme d’amplificateurs MG. Remplaçant la gamme MG3, le MG4 a été conçu pour offrir au guitariste une multitude de fonctionnalités tout en gardant le contrôle de l’amplificateur simple.

 Marshall  Série basse

Marshall fabrique actuellement une plate-forme de basse professionnelle à soupapes appelée VBA400. Il abrite huit soupapes de puissance 6550 plus trois soupapes de pré-ampli ECC83 et une ECC82 .

L’entrée reçoit les deux basses actives et passives pick-up ; il y a aussi une sortie XLR DI pour l’enregistrement complet avec élévation de terre ( mise à la terre ) et commutateurs Pre / Post EQ .

Récemment, Marshall a honoré Lemmy Kilmister de Motörhead avec sa toute première tête d’ampli basse signature, basée sur son super bass de 100 watts « Murder One ».

Il existe également des modèles à semi-conducteurs appelés série MB allant de 15 watts à 450 watts et des armoires d’extension.

amplis MARSHALL

Il y a plusieurs facteurs à considérer lorsque vous recherchez des enceintes Marshall. Voici quelques points importants à prendre en compte :

• Puissance de sortie : Assurez-vous que l’enceinte a une puissance de sortie suffisante pour votre ampli et pour les performances que vous prévoyez de donner.
• Taille et poids : Pensez à l’endroit où vous allez utiliser l’enceinte et à la facilité de transport.
• Fréquence de réponse : Assurez-vous que l’enceinte a une réponse fréquentielle suffisamment large pour reproduire tous les sons de votre instrument ou de votre système de sonorisation.
• Type de haut-parleur : Les enceintes Marshall utilisent généralement des haut-parleurs de grave, de médiums et d’aigus pour reproduire le son.
• Connexion : Vérifiez si l’enceinte est compatible avec votre ampli ou votre système de sonorisation.
• Design : Marshall est connu pour son design classique et élégant, si vous êtes un amoureux du style Marshall, vous pourriez vouloir opter pour une enceinte qui correspond à cela.

Il est important de noter que les enceintes Marshall sont généralement plus chères que les enceintes de marques concurrentes, mais elles ont généralement une qualité sonore supérieure et une plus grande durabilité. Il est donc important de bien réfléchir à vos besoins et à votre budget avant de faire un choix.

Comment connecter une enceinte Marshall ?

Il existe plusieurs façons de connecter une enceinte Marshall à votre ampli ou système de sonorisation. La méthode la plus courante consiste à utiliser des câbles de liaison à bornes, comme des câbles Speakon ou des câbles à bornes bananes. Voici les étapes à suivre pour connecter une enceinte Marshall à un ampli :

1. Assurez-vous que l’ampli et l’enceinte sont éteints et débranchés.
2. Localisez les bornes de sortie de l’ampli et les bornes d’entrée de l’enceinte. Il est généralement indiqué sur l’ampli et l’enceinte si il s’agit de bornes positives ou négatives.
3. Branchez les câbles de liaison à bornes aux bornes de l’ampli et de l’enceinte correspondantes. Assurez-vous que les câbles sont correctement branchés et que les bornes sont bien enfoncées.
4. Allumez l’ampli et réglez-le sur la puissance appropriée pour l’enceinte. Ajustez le volume de l’ampli pour éviter de surcharger l’enceinte.
5. Testez l’enceinte en jouant de la musique ou en utilisant un générateur de test de fréquence pour vous assurer qu’elle fonctionne correctement.

Il est important de noter que certains amplis ou systèmes de sonorisation peuvent utiliser des connecteurs différents, il est donc important de vérifier les spécifications de l’ampli et de l’enceinte pour s’assurer que les connecteurs correspondent. Il est également important de vérifier les limites de puissance de l’enceinte pour éviter de la surcharger.

FAQ sur la marque Marshall

1. Qui est Marshall ?

Marshall Amplification est une entreprise britannique fondée en 1962 par Jim Marshall, qui est devenu célèbre pour ses amplis pour guitares électriques. Au fil des ans, Marshall est devenu un nom synonyme de sonorités rock et de qualité supérieure.

2. Qu’est-ce qui rend les amplis Marshall si populaires ?

Les amplis Marshall sont connus pour leur sonorité distinctive et leur puissance. Ils ont été utilisés par certains des plus grands noms de la musique rock, notamment Jimi Hendrix, Eric Clapton et Slash. Les amplis Marshall sont également réputés pour leur robustesse, leur fiabilité et leur durabilité.

3. Quels types d’amplis Marshall sont disponibles ?

Marshall propose une large gamme d’amplis pour guitares électriques, allant des petits modèles portables aux grandes têtes d’amplis pour la scène. Certains des modèles les plus populaires incluent le JCM800, le DSL100 et le JTM45.

4. Comment choisir le bon ampli Marshall pour moi ?

Le choix de l’ampli Marshall qui convient dépend de vos besoins en matière de sonorité, de puissance et de budget. Si vous êtes un musicien débutant, un petit ampli Marshall peut être suffisant, tandis que les musiciens professionnels cherchent peut-être une tête d’ampli plus puissante pour jouer sur scène. Il est important d’essayer différents modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu.

5. Comment entretenir son ampli Marshall ?

Pour que votre ampli Marshall reste en bon état de fonctionnement, il est important de le nettoyer régulièrement et de le maintenir. Cela peut inclure le remplacement des lampes et des fusibles, le nettoyage des potentiomètres et des jacks d’entrée/sortie, et l’inspection régulière des câbles et des connexions.

6. Les amplis Marshall ont-ils une garantie ?

Oui, les amplis Marshall sont généralement couverts par une garantie du fabricant. La durée de la garantie peut varier en fonction du modèle et du pays de vente, mais elle couvre généralement les défauts de fabrication et les problèmes liés aux matériaux.

7. Marshall fabrique-t-il d’autres produits en plus des amplis ?

En plus des amplis pour guitares électriques, Marshall fabrique également des enceintes de sonorisation, des casques d’écoute, des pédales d’effets et des instruments de musique. La société propose également une gamme de produits sous licence, notamment des produits dérivés pour les fans de musique rock.

8. Qu’est-ce qui distingue les amplis Marshall des autres marques d’amplis pour guitares électriques ?

Les amplis Marshall sont souvent considérés comme ayant une sonorité plus chaude et plus organique que d’autres marques d’amplis

eric.canto@groupe-grim.com
continue
pour guitares électriques, grâce à leur conception et à leur construction. Les amplis Marshall sont également connus pour leur esthétique iconique, avec leur grille en tissu noir et leur logo blanc sur fond noir.

9. Comment se fait l’entretien d’un ampli Marshall ?

Il est important de maintenir régulièrement votre ampli Marshall pour qu’il fonctionne bien. Cela peut inclure le nettoyage des potentiomètres, des jacks d’entrée/sortie et de la grille en tissu, ainsi que le remplacement des lampes et des fusibles. Il est également important de s’assurer que l’ampli est stocké dans un endroit sec et à l’abri de la poussière et de l’humidité.

10. Où puis-je acheter un ampli Marshall ?

Les amplis Marshall sont disponibles dans de nombreux magasins de musique et en ligne, y compris sur le site web de la société. Il est recommandé d’essayer plusieurs modèles pour trouver celui qui convient le mieux à votre style de jeu et à vos besoins. Il est également important de vérifier les prix et les garanties avant d’acheter un ampli Marshall pour vous assurer que vous obtenez le meilleur rapport qualité-prix.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Muse : L’ascension vertigineuse d’un groupe visionnaire

par Eric Canto | Mis à jour le 24/09/2024 | Publié le 19/05/2021 | Inspiration, musique et idées créatives, make