The Black keys, un duo blues rock de choc depuis 2001

The Black Keys, formés en 2001 par le guitariste/chanteur Dan Auerbach et le batteur/producteur Patrick Carney à Akron dans l’Ohio sont à l’origine de nombreux tubes dont le célèbre morceau Howlin’for.

D’une variété plus grungy que les White Stripes, inspiré par le rocker Junior Kimbrough et influencé par le delta blues, ce duo de blues rock américain sort son 11^e album en 2022, Dropout Boogie, et annonce une tournée mondiale en 2023 avec notamment une date parisienne au Zénith les 18 et 19 juin et une au festival de Nîmes le 04 juillet.

J’aurai donc l’occasion de les photographier à nouveau.

En attendant de retrouver The Black Keys, sur scène, voici leur histoire.

The Black keys, des débuts prometteurs 2001-2007

Dan et Patrick sont amis d’enfance puisque voisins, ils ont côtoyé la même école, dans les années 90,  le Firestone High School. Les deux garçons se lient d’amitié malgré leurs différences ; alors que Patrick Carney est réservé, Dan Auerbach lui est capitaine de l’équipe de football.

Ils commencent à s’amuser ensemble sur différents instruments à l’adolescence ne faisant qu’un passage éclair à l’Université d’Akron.

Dan Auerbarch est un fan du bluesman Junior Kimbrough. C’est en écoutant ses chansons qu’il décide de se mettre à la guitare.

Les deux acolytes décident donc d’arrêter les études pour se consacrer pleinement à la musique, gagnant leur vie grâce à des petits boulots.

Chacun dans sa famille est associé à un musicien. Dan a pour cousin le guitariste Robert Quine, et Patrick est le neveu du saxophoniste Ralph Carney.

Ils forment leur groupe, The Black Keys en 2001, dont le nom vient de Alfred Mc Moore, un homme schizophrène qu’ils connaissent, et qui les menaçait de les envoyer en prison parce qu’il détenait des dossiers sur eux, « des notes noires ».

Très rapidement, The Black Keys sortent sont premier album, The Big Come Up, au début de l’année 2002,  enregistré dans le garage de Patrick et produit par le label  indépendant Alive Records, spécialisé en musique underground.

L’album, malgré des ventes modestes est une jolie réussite puisque il attire le public et leur permet avec des titres (reprises) comme I’ll Be Your Man (thème de la série Hung sur HBO)  Leavin’ Trunk et She Said, She Said de signer chez le label Fat Possum Records.

Sur cet opus,  The Black Keys rendent hommage au défunt guitariste Junior Kimbrough en réarrangeant certains de ses titres comme  Everywhere I Go.

Très rapidement, le groupe The Black Keys enregistre (en quatorze heures) et sort son 2^e album Thickfreakness en avril 2003, avec des titres phares comme Hard Row, Set You Free (utilisé dans les show TV),  Have Love, Will Travel (une reprise de Richard Berry).

Après un certain succès commercial, s’en suit un tournée éreintante que The Black Keys ne pourront pas honorer jusqu’au bout, devant annuler les dates européennes.

Ils enchaînent les apparitions TV notamment dans  Late Night with Conan O’Brien.

En 2004, après la sortie d’un EP The Moan, le 19 janvier, The Black Keys est en difficultés financières et cumule les dettes. En effet, leur tournée européenne est déficitaire. Pour renflouer les caisses, The Black Keys décident de vendre Set You Free  à Nissan pour une publicité, mais également pour les médias télévisés. Le groupe se produit également dans des festivals tels que le Coachella et le Bonnaroo.

Finalement l’année 2004 se terminera sous de meilleurs auspices avec la sortie de leur 3^e album en septembre  Rubber Factory, enregistré dans une usine désaffectée.

Cet opus confirme leur succès avec des singles tels que 10 A.M. Automatic, ‘Til I Get My Way, et Girl Is on My Mind ou encore When the Lights Go Out.

L’album atteint la 143^ème  place au Billboard 200 et leur musique est exploitée dans des jeux vidéos, publicités et films. The Black Keys enchaîne alors avec une tournée en Amérique du Nord, en Europe et en Australie, pour terminer par le festival Lollapalooza  puis sort en 2005 un album live intitulé Live.

Le 2 mai 2006, The Black Keys sortent Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough, un album six-titres de reprises de blues de Junior Kimbrough.

Encore une fois, le succès est au rendez-vous , puisque cet album permet à The Black Keys de signer chez un label majeur Nonesuch Records qui produit Magic Potion leur 4^e album,  plus morose.

The Black Keys, le succès continue depuis 2008

Le 1^er avril 2008, The Black Keys sort son 5^e album  Attack and Release, toujours ancré dans des racines bluesy-rock. Malgré des critiques mitigées, il culmine à la 14^e place au Billboard 200 avec des titres comme Strange Times et I Got Mine qui  sera d’ailleurs utilisé dans la bande originale du film Homefront  sorti en 2014. Leur musique sera aussi exploitée dans Grand Theft Auto IV et la série canadienne The Bridge.

Après un projet en 2009 avec Damon Dash, producteur de hip-hop, leur musique prend une nouvelle couleur.

The Black Keys se sépare quelques temps. Le batteur devant régler des problèmes conjugaux.

Puis c’est au tour de l’album Brothers, sorti le 18 mai 2010,  de marquer le public.  Avec ses 15 titres dont les singles Tighten Up, Howlin’ for You et Next Girl, il se vend à plus d’un million d’exemplaires, est récompensé par l’Award du meilleur album dans la catégorie musique alternative, et se classe à la seconde place du classement des meilleurs albums de 2010 selon le magazine Rolling Stone.

Il reste le plus gros album de The Black Keys.

La tournée qui s’enchaîne est aussi épuisante que les précédentes. Dan et Patrick font une pause et se retrouvent pour l’enregistrement de El Camino qui sort en 2011.

Ce 7^e album fait référence à l’histoire du rock américain avec des singles comme, Gold On The Ceiling et Little Black Submarines, Lonely Boy. C’est aussi un triomphe commercial puisque dès la 1ere semaine aux Etats-Unis, il se vend à plus de 200 000 exemplaires, se positionne 2^e au Billboard   et reçoit l’Award du meilleur album de rock en 2013. Il obtient également un disque de platine aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne.

Leur huitième album, Turn Blue, toujours en collaboration avec Danger Mouse, sort le 7 mai 2014. Il se place rapidement dans les charts pop.

Malheureusement, suite à un accident de surf sur une plage de Saint-Barthélemy, en janvier 2015, Patrick Carney est contraint de se mettre au repos. Finalement après un cycle promotionnel fatiguant, et des projets personnels entrepris chacun de leurs côtés, The Black Keys font une pause.

Pendant cette période Auerbach crée son studio et son label Easy Eye Sound.

Il faut attendre 2019 pour découvrir les singles Lo/Hi en mars, puis Eagle Birds en avril,  extraits de leur 9^e album Let’s Rock, qui parait le 28 juin 2019.

Cet opus de The Black Keys occupe la 4^e place du Billboard 200 et la 3^e place dans les charts britanniques. Puis parait Delta Kream en 2021 où sont mis en avant des artistes blues du Mississippi  comme R.L. Burnside et Junior Kimbroug.

Cet album de reprises est nominé aux Grammy Awards.

Leur 12^e et dernier album à ce jour Dropout Boogie sort le  13 mai 2022, avec comme premier extrait le single Wild Child. Pour cet opus The Black Keys collaborent avec des artistes tels que  Billy F. Gibbons de ZZ Top, Angelo Petraglia de Kings of Leon et Greg Cartwright de Reigning Sound.

The Black Keys, leur discographie

• 2002: The Big Come Up , Alive Records
• 2003: Thickfreakness , Fat Possum Records
• 2004: Rubber Factory, Fat Possum Records
• 2006: Magic Potion, Nonesuch Records
• 2006 : Chulahoma, Nonesuch Records
• 2008: Attack and Release, Nonesuch Records
• 2010: Brothers, Nonesuch Records
• 2011: El Camino, Nonesuch Records
• 2014: Turn Blue, Nonesuch Records
• 2019: Let’s Rock, Nonesuch Records
• 2021: Delta Kream, Easy Eye Sound Records
• 2022: Dropout Boogie (Nonesuch Records)

BONUS : Interview de Dan Dan Auerbach of The Black Keys is ready for a rock ‘n’ roll revival

Pour le Detroit Free Press ,  Brian McCollum, septembre 2019

Ne négligez pas l’avenir du rock ‘n’ roll pour l’instant.

Le genre vénérable peut être éclipsé en ce moment par d’autres sons, styles et modes de la culture américaine, et certaines personnes semblent déterminées à écrire sa nécrologie.

Mais pas si vite, déclare Dan Auerbach des Black Keys : Une étincelle, une explosion d’énergie juvénile, un riff entendu dans le monde entier, peut déclencher la prochaine révolution rock.

« On ne sait pas où va aller l’industrie de la musique. Mais en termes de rock ‘n’ roll et d’enfants qui jouent de la guitare électrique : mec, je pense qu’il suffit d’un seul groupe avec une seule chanson – vous savez, une personne de 18 ans -vieux gamin écrivant une chanson follement bonne », dit Auerbach. « Et ça va changer tout le paysage. C’est aussi simple que ça. »

Le guitariste voit des parallèles historiques qui suggèrent que le baril de poudre se met en place.  « Aussi édulcoré et commercial que soit le hip-hop, c’est presque comme si le hip-hop d’aujourd’hui était un peu comme le rock dans les années 80.

C’est un peu gonflé et ça roule dans la pâte. Tout sonne pareil », dit-il. . « Je pense que ce n’est qu’une question de temps – quelqu’un va faire quelque chose (en révolte). » Greta Van Fleet, le jeune quatuor du Michigan dont le son Zeppelinesque s’est révélé diviseur, ne reçoit que des félicitations d’Auerbach. 

« Écoutez, je ne reprocherai jamais à personne de jouer de la musique et de faire ce qu’il aime. Je suis trop vieux pour faire ça », dit-il. « C’est cool. Peut-être que leurs fans ne connaissent pas certaines des références que d’autres peuvent entendre si facilement. C’est juste un tout nouveau monde de fans de musique prêts à en entendre (rock). » Auerbach et son compagnon de groupe, l’ami batteur d’enfance Patrick Carney, ont certainement fait leur part en portant le drapeau de la musique graveleuse et axée sur la guitare.

Leur travail cinétique et accrocheur – au son frais mais ancré dans la tradition – a fait de The Black Keys l’un des rares groupes de rock du 21e siècle à atteindre le statut de tête d’affiche et de tête d’affiche.

Le duo originaire de l’Ohio, cette fois rejoint par deux autres guitaristes et un bassiste, fléchira ce muscle samedi à Little Caesars Arena, une première étape d’une tournée des Black Keys soutenant l’album d’été « Let’s Rock ». La course a débuté le 19 septembre au Wiltern Theatre de Los Angeles.

La tournée fait suite à une pause de quatre ans qu’Auerbach décrit comme un besoin, pas un choix : face à l’épuisement professionnel, les Black Keys ont choisi de s’effacer pendant un certain temps. Non pas qu’Auerbach et Carney se soient cachés, exactement.  

Tous deux ont poursuivi des projets individuels, y compris un emploi du temps chargé pour Auerbach dans son rôle de producteur dans son studio de Nashville. Ce travail comprenait l’album « Tell Me I’m Pretty », lauréat d’un Grammy en 2015, de Cage the Elephant. Pourtant, sur scène la semaine dernière, le groupe se sent rajeuni et réorienté.

Le guitariste-chanteur dit que les musiciens ajoutés – de vieux copains de l’Ohio Zach et Andy Gabbard des Shams, ainsi que le musicien vétéran Delicate Steve – ont apporté un nouveau coup de poing à la musique avec l’effet ironique de ramener les Black Keys à leur deux-homme les racines. 

« Pour être honnête, c’est presque mieux que jamais, avec cette équipe qui joue avec nous – trois guitares électriques, une basse et une batterie », a déclaré Auerbach. « Pour une raison quelconque, cela ressemble presque plus à la façon dont nos anciens disques sonnaient que jamais sur scène. Donc ça fait vraiment du bien là-haut. »

Un autre ancien compatriote est également à bord, contribuant à donner au spectacle un coup digne d’une arène. « Avec toute la grande scène, toutes les lumières, c’est sauvage », dit Auerbach. « Le gars qui dirige nos lumières, Mike Grant, est l’un de nos employés les plus âgés.

Il faisait le tour de la fourgonnette avec nous à l’époque. Alors il a juste laissé les choses se déchaîner. Il se passe toutes sortes de trucs fous. dans ma tête pendant le spectacle. »

La réactivation des Black Keys a été stimulée par une connexion encore plus profonde avec l’Ohio –   une connexion qui remonte à la fascination adolescente d’Auerbach pour le jeu de Glenn Schwartz, le guitariste de Cleveland surtout connu pour son travail avec le James Gang. Auerbach s’est retrouvé à travailler dans son studio de Nashville avec le musicien vétéran et collègue guitariste de James Gang Joe Walsh, et l’expérience a fait tourner les roues mentales. 

« Nous jouions toutes les vieilles chansons de Glenn, toutes celles que j’écoutais quand j’avais 17, 18 ans, quand je jouais pour la première fois avec Pat (Carney). Et il était clair et clair comme le jour que son ADN était partout. des trucs Black Keys que j’avais fait », raconte Auerbach. « Dès que j’ai terminé ce disque, j’ai appelé Pat. Depuis, c’est très centré sur la guitare électrique.

« Cela m’a juste ramené à cet endroit – avoir 18 ans, regarder jouer Glenn et être tellement bouleversé par ça. Cela m’a donné le même sentiment de vouloir immédiatement aller jouer de la musique avec Pat. C’est tellement drôle comment ça a fonctionné. » 

Cela fait 17 ans que The Black Keys a émergé d’Akron en tant qu’un autre groupe indépendant qui exerce son métier au milieu du renouveau du garage-rock.   Et cela fait une décennie que la stature grand public du duo a augmenté de façon spectaculaire, via une série d’albums à succès (« Attack & Release », « Brothers », « El Camino ») qui en ont fait les chouchous de la radio et des émissions de récompenses.

La scène de Detroit de l’époque s’est avérée cruciale pour la cause, dit Auerbach. Bien que le groupe de l’Ohio ne soit pas affilié à des groupes et à des événements dans la Motor City, il était parfaitement conscient de l’explosion de garage-rock qui s’y produisait, via des groupes tels que les Dirtbombs, Detroit Cobras, Rocket 455 et finalement les White Stripes. 

« Nous ne serions même pas ici sans toute cette résurgence du garage rock qui se produisait autour du studio Jim Diamond (à Detroit) », dit-il. « Cette renaissance était ce dans quoi nous nous sommes en quelque sorte entraînés, et cela a aidé. Cela nous a donné notre petite longueur d’avance. » Et il était logique qu’une si grande partie de la substance provienne du Midwest.

 « Vous ne pouvez pas nier qu’il n’y a que l’esthétique musicale de Rust Belt », déclare Auerbach. « C’est dans le subconscient. Nous sommes juste câblés d’une certaine manière. »

Auerbach est heureux de s’extasier sur l’héritage musical de Detroit – et pas seulement de flatter les milliers de fans qu’il est sur le point de visiter à la Little Caesars Arena.

À 40 ans, il s’enthousiasme toujours comme un jeune de 18 ans lorsqu’il s’agit de s’extasier sur la musique, y compris sur une certaine institution imposante de Motor City. « Honnêtement, j’ai l’impression que la musique est peut-être la plus grande forme d’expression que l’humanité ait inventée.

C’est comme le sommet d’une montagne », dit-il. « Et pour moi personnellement, ces choses qu’ils ont faites à Motown sont comme les plus grandes choses que l’humanité ait jamais concoctées. Ça ne va pas mieux. » En effet, Motown reste une star pour Auerbach alors qu’il nourrit son label et son studio, Easy Eye Sound. 

« Vous n’aviez même pas besoin de connaître l’anglais pour aimer les chansons de Motown – les mélodies sont si bonnes. Ensuite, les musiciens sont tellement fous et tous les ingénieurs sont les meilleurs. Il n’y avait aucune faille dans leur armure. Aucun point faible nulle part. »

Auerbach n’a pas grand-chose à dire sur l’étrange et courant bœuf entre les Black Keys et le natif de Detroit Jack White, qui a été révélé en 2012 lorsque White a banni Auerbach de son studio de Nashville. Après des années de poussées périodiques – y compris la prétendue menace de coups de poing à un moment donné – White a fait l’éloge du groupe dans une interview de Rolling Stone cet été. 

Interrogé sur la querelle, Auerbach semble réticent à aborder le sujet, disant seulement: « Mec, je ne sais vraiment pas. Je veux dire, tu en sais autant que moi. Je ne sais rien à ajouter.

«  Pour l’instant, l’accent est mis sur la route à venir. Les Black Keys ont encore 28 spectacles sur un calendrier qui les mènera jusqu’en novembre, et alors que Carney et Auerbach envisagent toujours leurs plans pour 2020, ils disent qu’ils réduisent définitivement le rythme de tournée qui a dominé leur vie pendant tant d’années.

« Je dirais que si vous êtes en Europe, vous voudrez peut-être réserver un billet pour Detroit », dit Auerbach en riant. « Parce que je pense que nous allons garder la tournée très simple et très axée sur l’Amérique du Nord pour le moment. »

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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The Hives, garage rock en noir et blanc depuis 1993

The Hives,  « les ruches »,  ce groupe de rock suédois frénétique, n’a pas sorti de nouvel album depuis 2012. Seuls un album live de 7 titres, Live at Third Man Records en 2020 ainsi qu’un single en 2019 intitulé I’m Alive ont paru ces dernières années.

Fan de punk anglais, des Stooges, des Ramones ou encore des Kinks, ce quintette se caractérise par un rock à la fois punk mais aussi pop, une musique frénétique au son brut.

Malgré une longue absence, The Hives, dont les albums ont été vendus à des millions d’exemplaires dans le monde,  reste encore considéré comme l’un des plus grands groupes de rock des années 2000, notamment par ses prestations scéniques, son identité visuelle reconnaissable parmi 1000, et sa musique qui a été récompensée mainte fois.

Retour sur l’histoire de The Hives, un groupe que j’ai eu l’opportunité de photographier sur scène.

The Hives, de « Barely Legal » en 1997  à   « Veni Vidi Vicious » en 2000

Formé en 1993 à Fagersta en Suède par Randy Fitzsimmons, (auteur-compositeur et manager du groupe), The Hives est constitué de : Howlin ‘Pelle Almqvist au chant, Nicholaus Arson à la guitare solo et aux chœurs, Vigilante Carlstroem à la guitare rythmique et aux chœurs, Christian Grahn (appelé aussi Chris Dangerous)  à la batterie/percussions, jusqu’en 2019, remplacé par Joey Castillo,  et de Johan Gustafsson qui a succédé à D^r Matt Destruction à la guitare basse en 2013.

Après l’enregistrement d’une démo « Sounds Like Sushi » en 1994, The Hives signe chez un label suédois indépendant, Burning Heart Records et sortent en 1997 leur 1^er album Barely Legal leur permettant de démarrer les tournées.

Le succès arrive avec la sortie de leur 2^e album Veni Vidi Vicious, à la fois brutal et sophistiqué, en 2000 qui contient notamment le single  » Hate to Say I Told You So « , « Main Offender » « Die All Right  » et « Supply and Demand ».

Ces cinq garçons en complet noir et blanc, « costard cravate »,  sont alors propulsés au 1^er plan, acclamés par les critiques, devenant disque d’or en Suède et  entrant dans le top 100 des albums de la décennie. Leurs prestations scéniques font d’eux le meilleur groupe rock  live, Pelle Almqvist étant même comparé à Mick Jagger.

The Hives signe ensuite chez Poptones, qui sort une compilation « best of-  Your New Favorite Band » en 2001, plaçant The Hives à la 7e place des charts britanniques ; puis chez Universal Music.

The Hives, de « Tyrannosaurus Hives » en 2004 au « Black and white album » 2007

Entre la pression médiatique et les intenses tournées le groupe décide de faire une pause et de se concentrer sur leur prochain opus. Les musiciens retournent à Fagersta et prennent le temps de composer leur 3^e album.

 Tyrannosaurus Hives sort en 2004, incluant les titres “Walk Idiot Walk”, “Two-Timing Touch And Broken Bones”  et “A Little More for Little You” qui rencontrent un large succès et se classent rapidement dans le top 50.

L’album « Tyrannosaurus Hives » est considéré comme l’un des meilleurs albums de The Hives, il est caractérisé par des chansons accrocheuses et des performances en direct énergiques. Les chansons les plus populaires de l’album incluent « Walk Idiot Walk », « Two-Timing Touch and Broken Bones » et « Abra Cadaver ». Le groupe a également tourné pour promouvoir l’album, effectuant des concerts dans le monde entier.

The Hives a été salué pour son style de musique garage rock unique et sa présence scénique explosive. Le groupe est considéré comme l’un des groupes de rock les plus importants et les plus influents de la scène musicale suédoise et internationale. Leur album « Tyrannosaurus Hives » reste l’un des meilleurs albums de leur carrière et a été un tournant important pour le groupe dans leur carrière.

Ce succès international s’accompagne d’une longue tournée, et de nombreuses collaborations, dont une avec le producteur Timbaland (notamment pour leur 4^e album), ou encore le groupe Maroon 5 pour une tournée aux Etats-Unis en 2007. Cet album leur permet d’obtenir également 5 Grammy Suédois et leur 1^er disque d’or aux Etats-Unis.

En 2006, The Hives enregistre leur 4^e album, « The Black and White Album », loin de la Suède,  avec les producteurs Pharell William et Dennis Herring (Elvis Costello).  Cet opus marque une étape pour le groupe qui conserve toutefois la même énergie et le même humour.

The Black and White Album est le quatrième album studio de The Hives, sorti en 2007. Il a été produit par Pharrell Williams, qui a également co-écrit plusieurs chansons de l’album. L’album a été enregistré dans les studios de Pharrell à Miami, en Floride, et a été marqué par un changement de direction musicale pour le groupe, avec un son plus élaboré et plus produit que leurs précédents albums.

L’album a été accueilli avec des critiques positives, avec les critiques qui ont loué son son élaboré et son énergie. Les chansons les plus populaires de l’album incluent « Tick Tick Boom », « You Got It All…Wrong » et « Well All Right! » . L’album a atteint le numéro un des classements suédois, et est entré dans les top cinq en Norvège, au Royaume-Uni et aux Pays-Bas.

The Hives a tourné pour promouvoir l’album, effectuant des concerts dans le monde entier. Le groupe a également joué aux festivals de musique importants tels que Glastonbury, Reading et Leeds, et Coachella. Le groupe a également été invité à jouer à la télévision américaine, notamment sur The Tonight Show avec Jay Leno et Late Show with David Letterman.

De cet album paru en 2007, le single « Tick tick boom » fait un triomphe, devenant l’identité d’une publicité pour Nike, le générique d’un célèbre tournoi de catch américain, les « WWE Survivor Series », le morceau du NHL All-Star Game de 2008 à Atlanta, et se classant dans le top 40 aux Etats-Unis. Ce titre apparaît également dans de nombreux films comme « Taken », des émissions tv, des jeux vidéos comme « MotorStorm : Artic Edge », Lego : Rock Land.

Il a été classé 25^e en Suède, 36^e aux États-Unis , 41^e en Angleterre  et 75^e en Australie.

En 2010, The Hives publie un EP et s’attaque à son 5e album. Et ce n’est qu’en mars 20112 que l’album Lex Hives sort.

The Hives, de « Lex Hives » en 2012

Le 12 mars 2012, cinq ans après son dernier album, The Hives sort son 1^er album auto-produit par leur propre label Disques Hives avec en titres phares « Go Right Ahead » et « Blood Red Moon ».  « 1000 Answers » apparaît dans le bande son du jeu FIFA 12.

Pour cet opus, The Hives a confié le mixage à Andrew Schepes, collaborateur de grands noms tels que les Red Hot Chili Peppers et Adele.

Cet album  sera également encensé par les critiques qui saluent ce rock énergique et fougueux et entrera dans le Top 50 en France, dans le top 10 en Suède.

« Un nouveau concentré de rock’n’roll pur qui reproduit la formule gagnante des précédents albums. » Metro

« Le disque sonne, comme toujours, très direct et évident. », Sud Ouest

The Hives enchaîne les concerts et les festivals dans le monde entier, notamment en 2013 en France  aux Solidays, aux vieilles charues, au Main Square Festival.

Depuis, The Hives se produit sur scène malgré la pandémie mondiale qui perturbe leurs plans. Après la tournée mondiale du Word Wide Web  et un Euro Tour en 2021,  The Hives a participé en 2022 à la Fête du Pointu et au festival Garorock en juillet 2021 en France.

Pour l’année 2023, seule une tournée suédoise d’été est pour le moment annoncée.

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Bonus 1: Les paroles de tick tick boom avec leur traduction:

Yeah, [x3]
Ouais, [x3]
I was right all along,
J’avais raison depuis le début
Yeah, [x3]
Ouais, [x3]
You come tagging along,

Exhibit A,
Preuve A,
On a tray,
Sur un plateau,
What you say,
Ce que tu dis
Ends up thrown in your face,
Fini jeté dans ta gueule
Exhibit B,
Preuve B,
What you see,
Ce que tu vois,
Well that’s me,
Ben c’est moi
I’ll put you back in your place
J’te remettrai à ta place

Yeah I’ve done it before,
Ouais je l’ai déjà fait
And I can do it some more,
Et je peux le faire encore
So what you waiting for ?
Alors qu’est-ce que t’attends ?
Yeah !
Ouais !
I was right all along !
J’avais raison depuis le début !

You know I’ve done it before,
Tu sais je l’ai déjà fait
And I can do it some more,
Et je peux le faire encore
I’ve got my eye on the score,
J’ai un oeil sur l’entaille
I’m gonna cut through the floor,
Je vais la couper à travers le sol
It’s too late,
C’est trop tard
It’s too soon,
C’est trop tôt
Or is it…
Ou est-ce…

Tick Tick Tick Tick Tick Tick Tick… Boom !
Tick Tick Tick Tick Tick Tick Tick Boom !

Yeah, [x3]
Ouais [x3]
I was right you were wrong,
J’avais raison, t’avais tord
Yeah, [x3]
Ouais [x3]
Going, going you’re gone !
En partant, partant t’as disparu
I saw you yesterday, waiting too much,
Je t’ai vu hier, attendant trop,
Till it slipped through your hands,
Jusqu’à ce que ça t’échappe des mains
And then you stagger to your feet and out the door,
Et puis tu titubes à tes pieds et devant la porte
Cos there’s no second chance !
Parce qu’il n’y a pas de seconde chance !

Bonus 2: interview pour The waster  de The Hives ‘Still Bloody Vicious’,

‘Applaudissez dans vos mains si vous en voulez plus !’ Je restai abasourdi par ce qui se passait sous mes yeux. « Allez ! », a crié Pelle Almqvist alors qu’il flattait le public de New York. J’étais trempé de sueur et mes sens étaient violés.

C’est à ce moment-là que j’ai développé une connexion particulière avec The Hives. Je ne sais pas ce qui était le plus séduisant, leur ressemblance avec The Stones au début des années 1960 ou leur intensité.  La réponse n’était pas claire, mais ce que je savais, c’est que ces gars n’oseraient pas me glisser une ballade.

Cela fait près de six ans depuis cette nuit au Hammerstein Ballroom. J’avais perdu la trace du groupe depuis lors. Ils semblaient s’effacer dans l’oubli des ensembles rock branchés qui entouraient le millénaire. Gâté et maltraité.

Mais comme tomber sur une vieille romance à l’aéroport, c’est un ami qui a récemment quitté Capitol pour Interscope Records, ce qui a ramené The Hives au premier plan.

Cet assaut audible de garage rock de nostalgie explosive était sur le point de croiser la route d’une personne très différente qui a été écrasée contre la barricade en 2002. L’autoroute Brooklyn-Queens était pleine de trafic et là, j’étais coincé dedans. La seule chose qui rompait la monotonie était le vol occasionnel d’un oiseau par la fenêtre d’une voiture qui passait; c’était jusqu’à ce que le téléphone sonne. 

« C’est pourquoi j’ai choisi de vivre à la campagne. Je n’ai pas à supporter ce genre de choses », ricane le batteur Chris Dangerous en faisant référence à la sérénité de sa villa suédoise à deux heures de Stockholm.

« Disons-le de cette façon, si je vivais en Amérique, j’aurais probablement un appartement à New York où je passerais la plupart de mon temps. J’irais à Los Angeles pour faire la fête pendant une semaine, au moins quelques fois par an, puis j’aurais une cabane dans le Colorado pour pouvoir aller skier. J’aime toujours me détendre », dit-il.

La vie est devenue douce pour The Hives depuis qu’ils ont rempli leur obligation de trois albums avec le label punk suédois Burning Heart. Leur line-up est resté intact mais l’idéologie du pli évolue. 

« Le plan initial était de faire trois disques punk rock dont nous pourrions nous souvenir quand nous avions 50 ans et dont nous pourrions être fiers », à savoir Barely Legal (1997), Veni Vidi Vicious (2002) et Tyrannosaurus Hives (2004).

« Nous ne pensions pas que quelqu’un achèterait un jour plus de vingt exemplaires de chaque disque. Nous pensions juste qu’à 50 ans, les enfants les trouveraient et les apprécieraient », explique Dangerous avant de livrer l’antithèse.

« Mais ensuite nous sommes devenus populaires et ça a tout foutu en l’air. Donc, quand nous avons décidé de faire ce quatrième disque, nous avons dû nous écarter du plan initial commencé quand nous avions dix-sept ans, le plan de faire trois disques. Il était temps de faire quelque chose de différent, quelque chose de nouveau. 

Ce quatrième disque s’intitulerait The Black and White Album, sorti en octobre 2007, et faisait écho à l’éclat octane du groupe ludique et arrogant que nous aimons. L’enregistrement est toujours puissant, toujours rempli de vengeance et toujours jonché de punk.

« Nous avons enregistré à Oxford, Mississippi », explique Dangerous. « Les enregistrements précédents nous ont pris environ trois semaines au total pour enregistrer.

Nous avons enregistré pendant dix semaines dans le Mississippi et n’avons même pas terminé neuf chansons. Nous avons dû retourner en Suède pour terminer l’enregistrement. Je vais vous dire ceci – le Mississippi est un putain d’endroit lent », alors que les rires s’ensuivent.

« Ce n’est pas un endroit très efficace quand on veut jouer du punk rock. Nous sommes tellement habitués à installer des tambours et à appuyer sur des boutons rouges. » Vous ne pourrez peut-être pas les distinguer par leur robe, mais les sons qu’ils émettent sont indubitables.

La voix de Howlin ‘Pelle Almqvist, la basse du Dr Matt Destruction, les percussions de Chris Dangerous, associées au gang de guitares de Nicholaus Arson et Vigilante Carlstroem, fusionnent pour fixer l’auditeur dans une transe de rock garage américain torride. « Il y a toujours eu beaucoup d’influence américaine.

Toute la Suède parle anglais, il n’y a donc pas que les gens de notre âge qui ont grandi en écoutant de la musique américaine, britannique ou australienne. Cela remonte à loin. Probablement à partir du moment où vous [l’Amérique] avez inventé le rock n’ roll. 

« Nous ne savions même pas qu’il existait quelque chose appelé garage rock jusqu’à assez tard. Nous avons commencé à jouer du punk et à écouter du punk. On écoutait des trucs comme les Ramones et les Sex Pistols. Nous n’avons trouvé des trucs comme les Sonics que plus tard. 

La conversation passe ensuite aux intentions.

« Nos intentions au début étaient de nous rebeller contre tout. Nous étions adolescents. Il ne nous a pas fallu très longtemps pour réaliser que les gens censés être rebelles et différents, les punks, étaient les connards les plus coincés que nous ayons jamais vus. Si vous aviez le mauvais type de bière, vous receviez une raclée.

Ce n’est pas ce que le punk représentait pour nous du moins. Nous avons commencé comme un groupe punk, mais il fut un temps où nous voulions nous rebeller contre le punk. 

« Quand les gens viennent voir notre groupe, c’est un samedi soir même si c’est un mardi et qu’il pleut », rigole Dangerous. «Nous voulons que les gens se sentent heureux, peu importe à quel point les choses sont misérables. »Pendant une heure et demie, ils peuvent vraiment oublier tout ce qui craint.

Je pense que c’est ce que nous essayons de faire avec notre musique. Nous essayons de nous amuser le plus possible en jouant. Je suppose que c’est ce en quoi je crois.  

« La montée d’adrénaline de tout cela est énorme. Bien sûr, c’est incroyable. Pour être honnête avec vous, les gens disent que nous sommes « le plus grand groupe live » et blahh blahh blahh, vous savez ? Mais je veux dire, honnêtement, c’est censé être un spectacle. C’est censé divertir les gens.

Vous ne pouvez pas faire cela en regardant vos pieds. Nous ne sommes pas là avec des guitares acoustiques. Ce n’est pas notre truc du moins. Pour obtenir toute cette énergie, nous devons y mettre beaucoup de choses. Je pense que plus de gens devraient faire ça parce que nous passons un si bon moment tous les soirs sur scène. Je pense que c’est beaucoup plus amusant que beaucoup d’autres groupes.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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FAQ sur le groupe The Hives

Question 1: Qui sont The Hives ?

The Hives sont un groupe de rock suédois formé en 1993. Le groupe est composé de Howlin’ Pelle Almqvist (chant), Nicholaus Arson (guitare), Vigilante Carlstroem (guitare), Dr. Matt Destruction (basse) et Chris Dangerous (batterie).

Question 2 : Quel est le style musical de The Hives ?

The Hives jouent du rock ‘n’ roll garage, qui est un style de rock brut, souvent enregistré de manière lo-fi et avec une énergie brute.

Question 3:  Quels sont les albums les plus connus de The Hives ?

Les albums les plus connus de The Hives sont « Veni Vidi Vicious » (2000), qui contient les singles « Hate to Say I Told You So » et « Main Offender », ainsi que « Tyrannosaurus Hives » (2004), qui contient les singles « Walk Idiot Walk » et « Two-Timing Touch and Broken Bones ». Ils ont également sorti d’autres albums tels que « Barely Legal » (1997), « Your New Favourite Band » (2001), « The Black and White Album » (2007) et « Lex Hives » (2012).

Question 4: Quels sont les membres les plus importants de The Hives ?

Les membres les plus importants de The Hives sont Howlin’ Pelle Almqvist et Nicholaus Arson, qui sont respectivement le chanteur et le guitariste principal du groupe.

Question 5 : Quelles sont les chansons les plus connues de The Hives ?

Les chansons les plus connues de The Hives sont « Hate to Say I Told You So », « Main Offender », « Walk Idiot Walk », « Two-Timing Touch and Broken Bones » et « Tick Tick Boom ».

Question 6: The Hives ont-ils remporté des prix ou des distinctions ?

Oui, The Hives ont remporté plusieurs prix, notamment un Swedish Grammy Award pour « Best Rock Album » en 2002 pour « Veni Vidi Vicious » et un NME Award pour « Best Live Band » en 2003.

Question 7: The Hives sont-ils toujours actifs ?

Oui, The Hives sont toujours actifs. Ils ont sorti leur dernier album, « I’m Alive », en 2021 et ont prévu de partir en tournée en 2022.

Question 8: Quels sont les autres groupes similaires à The Hives ?

Les groupes similaires à The Hives comprennent The Strokes, The White Stripes, The Vines, The Black Keys et Arctic Monkeys.

Eliminator, album culte du groupe légendaire ZZ Top, 1983

Eliminator, 1983, a été le premier album de ZZ Top à devenir un succès mondial.

Il a fait du groupe des « pop stars authentiques », selon le Financial Times.  En décembre 1996, Eliminator s’est vendu à plus de 11 millions d’exemplaires aux États-Unis, dix fois plus que n’importe quel album précédent de ZZ Top. 

Ce fût la sortie la plus réussie de ZZ Top en 1983 Les vidéos des chansons « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs » étaient en rotation régulière sur MTV. Retour sur cet album de légende.  

pochette de l’album Eliminator

Petite histoire de ZZ Top

Memphis au début du printemps 1982 était chaud, collant et humide, comme n’importe quelle autre année.

Cependant, le changement était définitivement dans l’air pour trois gentlemen texans qui s’étaient réunis dans la ville, même brièvement, pour établir les pistes de base de ce qui serait leur huitième album. 

Jusque-là, Billy Gibbons, Dusty Hill et Frank Beard, collectivement ZZ Top, avaient fait ensemble de la musique aussi fidèle à une tradition américaine que la tarte à la citrouille ; une musique imprégnée de blues électrique lancée par Jimmy Reed, Howlin’ Wolf, Muddy Waters et les deux Kings : BB et Albert.  

Pourtant, à ce moment précis, ZZ Top se retrouve à un carrefour de sa carrière. Et en tant que leur chef, Gibbons au moins avait déterminé qu’ils ouvraient une nouvelle voie. 

C’est Gibbons qui forme le groupe dans sa ville natale de Houston, soutenu par son directeur-producteur dévoué, l’entrepreneur et énigmatique Bill Ham.  Le premier line-up de ZZ a duré juste assez longtemps pour couper un single en 1969, un modeste chugger intitulé Salt Lick, et garantir à Gibbons et Ham un accord avec London Records.  

Billy Gibbons

Après quoi le bassiste Hill et le batteur Beard, déjà des vétérans du bar-band, ont été recrutés.  Le troisième album du trio, Tres Hombres de 1973, a été leur percée, avec une série de disques courts, pointus et émouvants qui en ont fait le plus grand groupe culte des États-Unis.

Ce premier chapitre a atteint son apogée avec Tejas de 1976 et la tournée mondiale du Texas qui a suivi sur 19  mois et 96 dates à travers les États-Unis. 

Après cette entreprise épique, le groupe s’est interrompu pour une pause de deux ans, au cours de laquelle Gibbons a parcouru l’Europe, Hill a visité le Mexique et Beard a fait un séjour prolongé en Jamaïque.  Leur album de retour en 1979, Deguello, est resté fidèle à la formule et s’est vendu à un million.  

Mais Gibbons avait ramassé un prototype d’échantillonneur/synthétiseur « Fairlight » lors de ses voyages et avait commencé à l’utiliser pour expérimenter de nouveaux sons.  

Le prochain album El Loco de 1981, s’est avéré trop choquant pour le public du cœur de ZZ et s’est vendu moins de la moitié de son prédécesseur.  

Transportant avant son groupe son album mal aimé à travers l’Europe, Gibbons est arrivé dans un club tard dans la nuit et a été frappé par le spectacle d’une foule de gens dansant sur le funk-a-thon aux membres élastiques des Rolling Stones Emotional Rescue.  

Les aînés de Gibbons d’une demi-décennie et plus, les Stones venaient alors de se redéfinir comme des explorateurs frais, vibrants, voire sonores, alors que son propre groupe s’était coincé dans une ornière de leur propre fabrication.  

ZZ Top, la conception d’Eliminator 

Le premier fruit éventuel de leur travail a été Eliminator, qui est devenu de loin l’album le plus réussi et le plus controversé de ZZ Top.

Dans les histoires respectives de Gibbons, Hill et Beard, Eliminator a été forgé pendant des mois de jam sessions très soudées, le groupe s’est d’abord retrouvé au Texas, puis dans leur studio préféré à Memphis.  

Certes, les travaux ont commencé à la maison de Gibbons sur l’île de South Padre, un bout de terre qui s’avance dans l’océan depuis la côte du golfe du Texas. C’est là-bas au début de 1982 que Manning a expédié un studio d’enregistrement portable. 

De là, l’enregistrement s’est déplacé vers la nouvelle maison de Beard à la périphérie de Houston.

Selon le batteur, pendant les semaines suivantes, Gibbons et Hill arrivaient chez lui à 13 heures et ils descendaient ensuite dans son studio au sous-sol pour forer les matières premières. 

Ford modèle B8- 1933 Hot Rod

« Nous savions dans quelle direction nous allions, donc nous ne volions pas à l’aveuglette », déclare Beard. « Nous nous battions tous les trois jusqu’à ce que nous soyons fatigués, parfois vers 17 heures, d’autres jusqu’à minuit. Billy plaçait une feuille de papier au milieu du sol et écrivait les paroles sur le sabot. »

Un associé du groupe Linden Hudson, un ancien DJ, fait également partie de l’aventure. Hudson avait construit le studio de Beard au lieu de lui payer un loyer et avait auparavant effectué un travail de pré-production non crédité sur El Loco. Il a repris le même rôle maintenant, travaillant en particulier avec Gibbons.  « Linden était une figure assez influente et inspirante », admet Gibbons.

Néanmoins, lorsque l’année suivante Eliminator sort, la contribution d’Hudson n’a pas été créditée une fois de plus. À cette occasion, il a intenté une action en justice, affirmant avoir été étroitement impliqué à la fois dans la création des sons et dans l’écriture des chansons de l’album.  « Tout cela a été une déception particulière pour moi », raisonne maintenant Beard. « En gros, Linden était une sorte de gardienne de maison pour moi. Il s’est occupé de ma maison quand nous étions en tournée. Ce qui s’est passé avec lui a été une vraie galère. Mais il faut avancer. »

jaquette de l’album

Le travail sur les morceaux de base a commencé au Studio A des Ardent Studios avec Bill Ham comme producteur.

Installé dans un magasin en briques rouges indéfinissable à un mile du centre-ville et des clubs de blues de Beale Street, Ardent avait accueilli, entre autres, Led Zeppelin, Joe Cocker, Leon Russell et les garçons locaux Big Star et avait été la base d’opérations de ZZ. pour chaque album depuis Tres Hombres. Gibbons affirme que le groupe s’en est tenu dans l’ensemble à une « routine dorée », faisant le plein tous les jours de 9h à 21h.

« Ardent était un endroit tellement remarquable et un grand club de gentlemen », poursuit-il.  Une grande partie de ce disque a fini par être faite dans le studio à Memphis. Après près d’un an d’enregistrement puis de mise au point, Eliminator (un terme pour gagner une course de dragsters), est sorti le 23 mars 1983.   Convenablement accéléré et à indice d’octane élevé, il était également enveloppé de manière appropriée dans une couverture représentant un Coupé Ford 1933 rouge de course avec un moteur Corvette qui avait été construit sur mesure pour Gibbons en Californie.

L’utilisation de la voiture comme accessoire pour le groupe avait permis au guitariste d’en déduire le coût de l’impôt. Il a également joué un rôle de premier plan dans le médium par lequel Eliminator exploserait en tant que véritable phénomène.

ZZ Top, Eliminator, le succès 

Au total, cela sonnait le travail d’un tout nouveau groupe, mais encore une fois intemporel. Eliminator était un changement si important qu’il a incité les puristes du blues à accuser le groupe d’un acte de quasi-hérésie.
Pourtant, il a perduré à tel point que, 33 ans plus tard, il a fourni plus d’un tiers des morceaux de Live Greatest Hits From Around The World, l’album live du groupe à l’époque.
« Mais si nous ne jouions pas ces chansons, nous serions probablement suspendus par les talons », note Frank Beard avec optimisme.

Et si à la surface, il est apparu une déclaration musicale entièrement cohérente, il se cache une vérité plus alambiquée et controversée derrière l’histoire de sa fabrication qui continue de garder des secrets et de fermenter le mauvais sang.  À ce jour, Eliminator s’est vendu à plus de 20 millions d’exemplaires dans le monde.
De plus, cela a eu un effet quasi instantané et profond sur la façon dont les disques de rock seraient faits pour sonner dans les années 80 et au-delà et en utilisant la technologie nouvellement disponible.

« Bien sûr, c’est toujours génial d’être associé à quelque chose qui devient un succès mondial, et cela a influencé ce qui est arrivé plus tard dans la musique – certains pour le bien, mais d’autres pour le pire », suggère-t-il. « Malheureusement, cela a peut-être contribué à la chute du rock’n’roll, à cause de la façon dont d’autres personnes ont commencé à utiliser des machines et des choses. »

Conclusion :

En conclusion, l’album Eliminator de ZZ Top est un album incontournable pour tous les fans de rock et de blues. Avec son mélange unique de guitares acérées, de rythmes entraînants et de paroles pleines d’humour, cet album a propulsé le groupe sur le devant de la scène et a contribué à redéfinir le rock pour les années 1980.

L’album contient des classiques tels que « Gimme All Your Lovin' », « Sharp Dressed Man » et « Legs », qui ont tous été des succès majeurs à l’époque et ont continué à être diffusés en radio et à apparaître dans des films et des émissions de télévision. Mais Eliminator est plus qu’un simple album de tubes ; il est cohérent dans son style et son approche, et chaque chanson est un témoignage de la créativité, de l’originalité et de l’habileté musicale du groupe.

Malgré le passage des années, Eliminator reste un album intemporel qui a inspiré des générations de musiciens et de fans de musique à travers le monde. Si vous ne l’avez pas encore écouté, il est grand temps de découvrir ce classique du rock et du blues et de vous laisser transporter par l’énergie contagieuse de ZZ Top.

ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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ZZ Top, La Grange le grand tube du groupe légendaire, 1973

ZZ Top avec son tube La Grange est mythique.

Ce groupe de rock américain formé en 1969 à Houston, au Texas a traversé les décennies. De ces cinquante et quelques années de musique, restent des tubes légendaires dont le morceau phare La Grange, ainsi que  Tush, « Tube Snake Boogie », « I Gotsta Get Paid » et tant d’autres… 

Voici la petite histoire de ce tube mondialement connu.

Alors, de quoi parlait vraiment « La Grange » ? 

Ce petit groupe du Texas, ZZ Top, est bien connu pour ses paroles humoristiques. Leur première chanson à succès, « La Grange », a attiré l’attention du monde entier sur la ville de La Grange, au Texas. Ou plus précisément, l’une des attractions de La Grange. 

Le parolier principal de ZZ Top est le chanteur à la guitare Billy Gibbons. Combinant un mélange d’humour et de narration, il peint un portrait vivant de lieux, de personnes et d’événements qui passeraient autrement sous le radar de la population.

La Grange est le single extrait de leur 3^e album Tres Hombres, sorti en 1973. 

C’est une petite chansonnette sur une « cabane à l’extérieur de La Grange ».  La Grange » est principalement un jam instrumental de forme libre débordant du solo de blues débridé de Gibbons. Les quelques paroles qu’il contient ont été inspirées par le tristement célèbre bordel Chicken Ranch situé à l’extérieur de La Grange, au Texas. 

La Grange, The Chicken Ranch 

En effet, principalement connu sous le nom de Chicken Ranch (le ranch du poulet), La Grange était un bordel texan ouvert de 1905 à 1973. Une simple ferme sans aucun signe annonçant son objectif, le Chicken Ranch fonctionnait avec la connaissance, sinon la bénédiction, des politiciens locaux et des forces de l’ordre. 

The Chicken Ranch », ou la pension de Miss Edna à La Grange, était probablement le plus ancien établissement du Texas dédié à la plus ancienne profession.  Il a été fermé par un journaliste de télévision zélé de Houston, qui n’a pas trouvé assez de vice et de corruption pour faire un reportage à Houston.

Il a défié le gouverneur sur la question de savoir pourquoi il continuait à fonctionner à la vue de tous. Le gouverneur n’a eu d’autre choix que d’ordonner au shérif de le fermer. 

Les filles de Mlle Edna recevaient des visites hebdomadaires des médecins locaux, elles étaient donc « propres ». Les filles ont dépensé leur argent à La Grange et lorsqu’un nouvel hôpital a été nécessaire, Mlle Edna a fait le premier et le plus gros don.  

La majeure partie du bâtiment est toujours debout, seule une pièce a été déplacée à Dallas pour une discothèque.

Un « Dix pour entrer » était le prix. Il y avait un code vestimentaire strict pour les clients – seuls les hommes bien habillés étaient autorisés à entrer.  

L’endroit dans cette chanson est le sujet du film de 1982 The Best Little Whorehouse In Texas, avec Dolly Parton et Burt Reynolds, qui a été adapté d’une pièce de Broadway de 1978. 

Dans une interview accordée en 1985 au magazine Spin, le bassiste de ZZ Top, Dusty Hill, expliquait :

« Avez-vous déjà vu le film, The Best Little Whorehouse in Texas ? C’est de cela qu’il s’agit. J’y suis allé quand j’avais 13 ans. , quand il est temps d’être un mec, est allé là-bas et l’a fait. Les pères ont emmené leurs fils là-bas. Vous ne pouviez pas jurer là-dedans. Tu ne pouvais pas boire. Il avait un air de respectabilité. 

C’est la femme qui dirigeait l’endroit, et vous savez qu’elle ne ressemblait pas non plus à Dolly Parton.  Je vais vous dire, c’était une femme d’apparence méchante. Mais les travailleurs des champs pétrolifères et les sénateurs seraient tous les deux là.

L’endroit était ouvert depuis plus de 100 ans, puis ce connard décide qu’il va faire un exposé et le fermer. Et il a tellement remué que ça a dû fermer. La Grange est une toute petite ville, et les petites villes du Texas sont vraiment conservatrices. Mais ils se sont battus contre cela. Ils ne voulaient pas qu’il soit fermé, car c’était comme un point de repère.

C’était dans un petit ranch en dehors de la ville, le Chicken Ranch.  Quoi qu’il en soit, nous avons écrit cette chanson et l’avons sortie, et elle était sortie peut-être trois mois avant qu’ils ne la ferment.  Ça m’a énervé. C’était un bordel, mais tout ce qui dure cent ans doit avoir une raison. »  Comme le rappelle Gibbons, «En grandissant au Texas, il y avait deux exigences pour devenir viril: vous deviez visiter La Grange et vous deviez vous rendre à la frontière mexicaine. Nous avons en quelque sorte capturé les deux en un seul voyage. » 

La Grange, un morceau inspiré de Buddy Holly 

Le guitariste se réfère à « Peggy Sue Got Married » de Buddy Holly, la suite du pionnier du rock à « Peggy Sue », comme inspiration de composition.

« Cette chanson nous a montré que vous n’aviez pas à rimer chaque strophe ou couplet », dit Gibbons. Ce morceau a non seulement inspiré le hit ZZ Top de 1973, mais aussi les adaptations de Broadway et cinématographiques de The Best Little Whorehouse in Texas. 

Billy Gibbons a expliqué comment il avait obtenu son son de guitare sur ce morceau dans une interview de 1995 avec Guitar World.

 « C’est de la guitare directement dans l’ampli, une Strat de 1955 avec un cordier d’arrêt via un Marshall Super Lead 100 de 1969. Ce son fuzz dans le lead et à l’avant et à l’arrière de la composition n’est qu’une pure distorsion à lampe.

Les différentiels de réglage tiennent compte des différentes tonalités. La partie d’ouverture a été jouée sur ce que nous avions l’habitude d’appeler «le réglage mystérieux» dans les jours sombres avant l’existence de l’interrupteur à bascule à cinq positions, lorsque trouver ce «tweener» parfait nécessitait du dévouement. » 

La Grange, un tube mondialement connu 

Ce tube blues a été le premier single du groupe à faire une brèche dans le Billboard Hot 100 (atteignant le numéro 41), et il a propulsé leur troisième album, Tres Hombres de 1973, dans le Top 10.

En 1974, il était classé 15^ème en Australie dans le Go-Set National Top 40. « La genèse et, bien sûr, le cœur de la chanson était ce backbeat boogie, que tout le monde et leur frère ont appris à jouer », dit Gibbons. 

« La rumeur se répand dans cette ville du Texas, au sujet de la grange près de La Grange, et vous savez de quoi je parle. Faites moi juste savoir si vous voulez y aller, dans cette maison là-bas dans les pâturages, oui il y a beaucoup de jolies filles Ah. Ayez pitié, Ah haw, haw, haw, haw, a haw. Bon, j’entends que c’est OK si vous avez le temps, et le pognon pour pouvoir y aller. A hmm, hmm hmm, hmm. Et j’entends que c’est complet presque tous les soirs, mais maintenant je peux me tromper… Hmm, hmm, hmm, hmm. Ayez pitié… » 

« C’était une chanson importante en termes de carrière, et à bien des égards, c’était la parfaite introduction de ZZ Top au monde », déclare Billy Gibbons à propos de la chanson.

ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons

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Artic Monkeys, groupe rock incontournable depuis 20 ans

Arctic Monkeys est un groupe britannique de rock indépendant dont la renommée est mondiale.

Artic Monkeys est composé de Alex Turner, de Matt Helders (clavier/chant), Jamie Cook (guitare), Nick O’Malley (guitare basse) et Andy Nicholson (batterie), remplacé en 2006 par Matt Helders.

Artic Monkeys  nous vient tout droit de Sheffield en Angleterre.

Ce groupe populaire a reçu de nombreuses distinctions : 7 Brit Awards, prix du meilleur groupe anglais, et du meilleur album, prix Mercury Prize en 2006.

Avec un nom régulier comme Alex Turner, il faut probablement un nom de groupe unique si l’on veut être mémorable dans un marché saturé de sons.

C’est donc ce qu’a fait le groupe d’origine britannique Arctic Monkeys.

Mené par Turner, l’auteur-compositeur et interprète à la voix douce mais indélébile, le groupe a vendu plus d’albums qu’il n’y a de flocons de neige, apparemment dans le lieu hivernal blanc dont il porte le nom. Et leur dernier, The Car, est sorti plus tôt cet automne. Il s’agit de leur septième LP.

« Quelqu’un m’a demandé quelle était la clé pour être un bon leader, et je pense que le fait d’avoir un sens de l’humour à ce sujet est assez proche du sommet de cette liste. C’est une position très étrange, et je ne prends pas ce rôle trop au sérieux. » (Alex Turner)

Mais quelle est la signification et l’origine du nom du groupe, exactement ? C’est l’objet de l’enquête d’aujourd’hui. Alors, sans plus tarder, plongeons-nous dans cela, d’accord ?

Artic Monkeys, Origines du groupe

Avant d’entrer dans la spécificité de l’origine du nom du groupe, plongeons un peu dans l’histoire générale du groupe. Le groupe de rock anglais a été formé à Sheffield, en Angleterre, en 2002 et est composé du chanteur principal Turner, du guitariste Jake Cook, du bassiste Nick O’Malley et du batteur Matt Helders.

« La musique de guitare ou le rock’n’roll, ça disparaît avec les modes, mais ça ne disparaîtra jamais complètement. Il ne peut pas mourir parce que c’est tellement séduisant. » (Alex Turner)

L’ancien membre Andy Nicholson, qui jouait de la basse, a quitté le groupe en 2006 après que le groupe ait sorti son premier album. Le groupe est devenu célèbre en grande partie grâce à sa popularité sur Internet.

Leur premier album en 2006, Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, est devenu le premier album le plus vendu de l’histoire des charts britanniques et est depuis considéré comme l’un des plus grands débuts rock de tous les temps.

Il a remporté le prix du meilleur album britannique aux Brit Awards 2007 et le groupe l’a suivi en 2007 avec la sortie de leur deuxième album Favorite Worst Nightmare.

 En 2013, le groupe a acquis une reconnaissance mondiale plus large avec son LP, AM. Ce disque a dépassé quatre palmarès Billboard et a été certifié platine aux États-Unis. Il est également devenu le troisième album du groupe à remporter l’album britannique de l’année aux BRIT Awards, et au Royaume-Uni, Arctic Monkeys est devenu le premier groupe indépendant à faire ses débuts au n ° 1 de la région avec ses cinq premiers albums.

« Je m’oppose à l’idée selon laquelle le talent est directement proportionnel à votre armoire à trophées. » (Alex Turner)

Artic Monkeys , histoire du nom

Formé au début des années 2000, les origines du groupe commencent par un quartier. Turner et Helders étaient tous deux des amis proches et des voisins et les deux ont ensuite rencontré Nicholson à l’école secondaire.

Turner a grandi dans une famille de musiciens et son père était professeur de musique. Au début, Turner a joué de la guitare, y compris dans un groupe instrumental avec Helders, qui jouait de la batterie. Nicholson jouait de la basse. Le guitariste Jamie Cook était également membre.

Le nom Arctic Monkeys était l’idée de Cook et est probablement une pièce de théâtre sur le terme «singe du nord», qui est un terme péjoratif pour quelqu’un du nord de l’Angleterre.

Mais les membres l’ont adopté tout comme ils ont embrassé leurs racines et bientôt le nom est resté et a contribué à leur faire connaître la renommée. Singes? De l’Arctique ? qu’est – ce que cela pourrai possiblement dire?

C’est probablement le processus de réflexion que traversent de nombreux fans de musique lorsqu’ils envisagent le groupe pour la première fois. C’est le genre de fenêtre légèrement ouverte qui peut faire une délicieuse entrée dans un nouveau son.

Et ça a marché. En ce qui concerne le groupe lui-même, au début, Turner était réticent à être le chanteur principal. Mais, selon Helders, Turner avait un « truc pour les mots » et était convaincu compte tenu de ses talents et de ses compétences en tant que leader, parolier et chanteur principal.

Le groupe a ensuite joué son premier concert le 13 juin 2003 au The Grapes dans le centre-ville de Sheffield. Ils ont commencé à enregistrer des démos peu de temps après dans les studios 2fly à Sheffield.

Quelque 18 chansons ont été enregistrées et celles-ci ont donné naissance à la collection Beneath the Boardwalk. Il a été gravé sur des CD et distribué lors de spectacles, qui ont ensuite été téléchargés sur Internet et partagés via des plateformes de partage de fichiers populaires.

Le nom Beneath the Boardwalk est né lorsque le premier groupe de démos a été envoyé. Le premier expéditeur les a nommés d’après l’endroit où il les a reçus pour la première fois – la promenade.

D’autres ont été partagés et tous sous ce nom. Ainsi, bien que Beneath the Boardwalk ne soit pas un album officiel, il s’agit en quelque sorte de la première sortie officielle du groupe. Les membres du groupe ont déclaré: «Nous n’avons jamais fait ces démos pour gagner de l’argent ou quoi que ce soit.

De toute façon, nous les donnions gratuitement – c’était une meilleure façon pour les gens de les entendre. Et « écoutez-les », ils l’ont fait. Maintenant, le groupe est l’un des plus grands groupes de rock au monde. Le reste, comme on dit, appartient à l’histoire de la musique.  

Après la sortie de leur dernier album « The Car » le 21 octobre 2022, considéré comme un des meilleurs albums du groupe et de l’année, le groupe a annoncé une tournée européenne et mondiale en 2023 (Hambourg, Munich, Linz, Oslo, Berlin, Amsterdam, Bristol, Manchester, Londres, Dublin, Lisbonne, Madrid, Milan, Rome, Chicago, Toronto, Boston, Vancouver, Portland…)    faisant une escale en France à l’Accor Arena de Paris le 09 et 10 mai 2023 et au festival de Nîmes le 13  juillet 2023. L’occasion de moi de shooter à nouveau ce groupe incroyable sur scène, qui déborde d’énergie et que je prends un grand plaisir à photographier.

Artic Monkeys,  les meilleures chansons

• I Bet You Look Good on the Dancefloor. …
• Crying Lightning
• Arabella
• Mardy Bum
• Snape out of it
• Fluorescent Adolescent. …
• …
• She’s Thunderstorms. …
• Why’d You Call Me When You’re High. …
• Star Treatment.
• 505
• Do I wanna know ?

Artic Monkeys, discographie 

Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006),

Favourite Worst Nightmare (2007),

Humbug (2009),

Suck It and See (2011),

AM (2013)

Tranquility Base Hotel and Casino (2018),

The Car (2022)

Album The Car

Favourite Worst Nightmare

Humbug

BONUS : Interview de Alex Turner, pour le magazine Variety, le 21/10//2022 par Alex Swhear

Alex Turner d’Arctic Monkeys raconte comment « The Car » réunit les sons historiques et actuels de l’un des groupes de rock les plus importants

Pour Arctic Monkeys, l’enregistrement de l’album n’est que le début. La prochaine étape est sa propre entreprise, redoutable pour un groupe au catalogue de plus en plus éclectique : trouver un moyen de faire coexister les nouvelles chansons avec les anciennes.

Arctic Monkeys est l’un des rares groupes de rock authentiquement énormes à une époque où la domination culturelle du genre a continué de décliner; plus rare encore, ils font partie des rares groupes authentiquement énormes à refuser de faire deux fois le même album. 

Alex Turner, le leader du groupe, dit que les Monkeys sont encouragés par les premières réactions au nouveau matériel. « Une chose qui semble se produire sur chaque disque, c’est que ce n’est que lorsque vous commencez à jouer ces choses devant un groupe de personnes qu’elles révèlent ce qu’elles sont vraiment », a déclaré Turner lors d’un appel Zoom.

« Ces nouveaux… ils ne rentrent pas n’importe où, mais on a l’impression que nous pouvons trouver un chemin à travers un ensemble. »

Les concerts du groupe intègrent progressivement plus de « The Car », le septième album du groupe. « The Car » partage un tissu conjonctif clair avec « Tranquility Base Hotel & Casino » de 2018, un opéra spatial lounge et de haut concept qui a poliment ignoré toute attente d’une réplique de « AM » de 2013, l’énorme mastodonte commercial qui a élevé le succès du groupe à un nouvel échelon.

Mais bien que les échos de « Tranquility » s’enregistrent immédiatement, « The Car » est sa propre déclaration : moins redevable à une ligne directrice conceptuelle ; plus profondément mélancolique dans la disposition; plus abstrait et moins accrocheur ; plus insulaire dans ses préoccupations où «Tranquility» regardait vers l’extérieur. Turner convient que l’album n’est pas facile à cristalliser en un pitch d’ascenseur digeste.

Alors que certains voient une nette rupture entre le rock simple et viscéral de « AM » et la « Tranquility Base » plus épineuse et plus intelligente, Turner pense que les deux côtés coexistent confortablement sur « The Car ». « Je pense qu’il y a encore un peu du groupe ‘R U Mine?’ sur ce disque. Il y a ce composant, il se met juste en avant et en arrière de manière plus dynamique et plus extrême », explique-t-il. « Il disparaît complètement dans certaines régions. Mais ça fait parfois des bulles sous la surface tout au long des 40 minutes.

Turner retrace les passages les plus animés du disque lors de sessions en studio dans la campagne anglaise, qui ont réuni le groupe après que la pandémie a forcé une interruption prolongée : Turner, Matt Helders (batteur), Nick O’Malley (basse), Jamie Cook (guitare et claviers) et producteur de longue date James Ford.

« Peut-être qu’avant la [session] à la campagne l’été dernier, je m’attendais à ce qu’il y ait moins de ce son de guitare qui bouillonne, en fait », dit Turner. « Mais quelque chose à propos de nous tous réunis à nouveau a fait ressortir un peu plus que ce à quoi je m’attendais. » Cette relation fraternelle est un facteur clé de la persévérance du groupe au cours des vingt dernières années, traversant de nombreuses phases divergentes et une industrie musicale en évolution rapide.

Turner se souvient du troisième album du groupe, l’opus de rock dentelé du désert de 2009 « Humbug », comme un point d’inflexion qui a suralimenté le groupe avec un objectif renouvelé.

« C’est à ce moment que les possibilités commencent à se présenter à nous de manière créative. Avant celui-là… nous étions presque à bout de souffle et ne savions pas où aller », dit-il. « Mais cette expérience et où elle était et avec qui nous travaillions à ce moment-là, tout cela a joué un rôle dans notre ouverture et en faisant moins attention à cela, je suppose… Nous sommes devenus moins précieux à aller dans des directions différentes. »

Le groupe est constamment à la recherche d’une étincelle similaire – des idées qui remettent en question ce à quoi devrait ressembler une chanson d’Arctic Monkeys. « The Car » est plein de ces discussions inattendues.

L’un des moments les plus excitants de l’album survient à mi-chemin lorsque, comme le décrit Turner, « le groupe disparaît au milieu et change de costume » pendant « Body Paint ». « On a presque l’impression qu’il y a trois actes séparés… vous avez le premier tiers, et il y a un moment au milieu où le groupe disparaît totalement, et ils reviennent à la fin dans une tenue différente de celle qu’ils portaient pour les deux premiers vers. 

D’autres chansons sont tout aussi imprévisibles, comme « Il serait préférable d’être une boule à facettes », la valse évanouie sur écran large qui, selon Turner, a façonné le reste de l’album : « La section instrumentale au début avait le sentiment de quelque chose que je voulais que tout le disque être capable de coexister avec et d’influencer tout ce qui l’entoure.

Turner dit que bien qu’il ne soit pas toujours facile de retracer la lignée de son travail, « Mirrorball » est un descendant clair de « Where Did Everyone Go? » de Nat King Cole, une chanson ornée du genre de cordes élégantes et cinématographiques qui ponctuent moments clés de « The Car ».

Turner reste l’un des grands paroliers modernes, livrant des tournures de phrases qui sautent aux yeux dans leur spécificité et leur esprit : « Les expressions vides m’invitent à soupçonner que je ne suis pas tout à fait où je pense que je suis », dit-il sur le paranoïaque.  « Je Ce n’est pas tout à fait là où je pense que je suis », continuant plus tard:« L’ensemble de picotements de rechange va courir dans votre colonne vertébrale si je le fais à ma manière ».

Sur la marche minimaliste de « Sculptures of Anything Goes »: « Percer votre bulle de relatabilité avec votre nouveau son horrible… Bébé, ces messages contradictoires ne sont plus ce qu’ils étaient quand vous les disiez à haute voix. 

 » Alors que la réputation de Turner en tant que parolier n’est plus à faire, il se surprend encore à remettre en question son travail : « Je n’ai jamais réussi à arriver à un endroit où vous en êtes complètement satisfait, ou si vous êtes à distance dans cet endroit, il on dirait que ça ne dure jamais très longtemps, et au moment où ça sort, on aurait aimé avoir plus de délibération.

Et bien que Turner aimerait éventuellement explorer des opportunités en dehors d’Arctic Monkeys sur un calendrier non spécifié (« Certainement pas ce soir, probablement »), il est convaincu que son succès est dû à la camaraderie facile et à l’alignement créatif du groupe. « Il y a une partie du processus qui consiste à découvrir où vous voulez aller. Le plus souvent, entre nous quatre, nous sommes généralement à peu près sur la même page, heureusement.

En 2022, un show d’Arctic Monkeys est une remarquable distillation des différentes itérations du groupe : l’invincible fanfaronnade juvénile de « Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not » ; la Britpop pétillante et ivre d’amour de « Suck It and See » ; maintenant, le grand sang-froid orchestral de « The Car ».

Turner dit qu’il aurait du mal à combler des phases aussi disparates sans l’alchimie unique du groupe. « Je pense que si j’étais là-haut tout seul à essayer de le faire, j’aurais du mal avec ça et je n’aurais qu’à le sortir de nulle part », dit-il. « Il y a une chanson qui s’appelle » [From the] Ritz to the Rubble « que je commence seule, et quand je la commence maintenant, je la commence toujours une octave plus bas que ce qu’elle est censée être.

Et ce n’est que lorsque le groupe arrive à la huitième mesure ou quoi que ce soit que je sois capable de l’accélérer et de trouver quelque chose à la périphérie de ce personnage. Je ne voudrais pas essayer de le faire moi-même.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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ZZ Top, un trio de légende depuis plus de 50 ans

ZZ Top est un groupe de rock américain formé en 1969 à Houston, au Texas.

Pendant plus de 50 ans, le chanteur-guitariste Billy Gibbons, le batteur Frank Beard et le chanteur-bassiste Dusty Hill, ont composé jusqu’à la mort de Hill en 2021.  

Développant un son signature basé sur la guitare blues de Gibbons et la section rythmique de Hill and Beard, le trio est resté populaire pour ses performances scéniques, ses paroles sournoises et humoristiques, ses lunettes de soleil, ses chapeaux et ses longues barbes. 

Le groupe a sorti 15 albums studio, vendu environ 50 millions d’albums dans le monde, et remporté trois MTV Video Music Awards. En 2004, les membres ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame.  

En 2015, Rolling Stone a classé Gibbons au 32e rang des plus grands guitaristes de tous les temps.

Retour sur ce groupe de légende que j’ai eu la chance d’immortaliser.  

ZZ Top, la formation, 1969 

Né à Houston, Texas en 1949, Gibbons est le fils d’un musicien qui a encouragé sa passion pour la musique. Lorsqu’il s’est d’abord intéressé à jouer des instruments à percussion, son père s’est arrangé pour qu’il prenne des cours avec l’icône de la musique latine Tito Puente.  

Cependant, assister à une session d’enregistrement avec B.B. King a eu un plus grand impact sur le jeune Gibbons, qui,  pour son 13e anniversaire, reçoit une guitare électrique et un ampli.  

Il  commence à jouer dans des groupes de rock alors qu’il vivait en Californie avec sa famille, mais ce n’est qu’à son retour au Texas qu’il forme son premier groupe remarquable, les Moving Sidewalks, un groupe psychédélique qui enregistre un hit local appelé « 99th Floor » et un album intitulé Flash.  

Peu de temps après la sortie de Flash, les Moving Sidewalks se séparent et Gibbons choisit de former un groupe plus orienté blues. Pour la petite histoire, à cette époque, Gibbons vient de se faire offrir une Fender Stratocaster par Jimi Hendrix, celui qu’il considère comme « l’un des meilleurs jeunes guitaristes d’Amérique »  

C’est la naissance de ZZ Top, le 20 juin 1969.

 Avec le batteur et le bassiste de Moving Sidewalks, Dan Mitchell et Lanier Greig, Gibbons forme un trio de blues et boogie qu’il appelle ZZ Top (ZZ du bluesman Z.Z. Hill, et Top comme pièce de théâtre sur King, comme dans B.B. King).  

Avec le manager Bill Ham comme producteur, le nouveau groupe enregistre un single pour le label local Scat Records, « Salt Lick » n/b « Miller’s Farm ».  Mais,  des différences créatives conduisent Greig et Mitchell à quitter le groupe.

Gibbons recrute une nouvelle section rythmique, le bassiste Billy Etheridge et le batteur Frank Beard. Après avoir acheté ZZ Top auprès de plusieurs maisons de disques, Ham persuade London Records de tenter sa chance.  

Etheridge n’étant pas satisfait des termes du contrat il  choisit de ne pas signer, et quitte le groupe. Ayant besoin d’un bassiste, Beard suggére de faire venir Dusty Hill, son compagnon de groupe dans American Blues.  Cette formation allait bientôt entrer en studio, enregistrer le premier album de ZZ Top en 1971, et travaillerait ensemble pendant les 50 prochaines années.  

ZZ Top, le succès des années 70’  

En l’espace d’un an, ils signent avec London Records et sortent leur premier album en 1971.  

Très rapidement, ils deviennent des stars du rock. 

De retour en 1972 avec le LP Rio Grande Mud ; qui  contient  » Francine  » et  » Just Got Paid « , le groupe devient incontournable, mais leur véritable percée vient avec leur troisième album, Tres Hombres de 1973.Cet album  suivi du single « La Grange » qui est une célébration d’un bordel notoire du Texas, est très largement diffusé à la radio rock.  

Tres Hombres figure dans le Top Ten, et leur permet d’obtenir leur premier disque d’or.  Le groupe devient une attraction majeure en tournée. Alors que la tournée mondiale du Texas traversait le pays en 1976 et 1977, ZZ Top sort Tejas en 1976, qui est le dernier album sous leur contrat avec Londres. 

Cette tournée épuisante, appelée le Worldwide Texas Tour, comprend des décors peints extravagants, une scène en forme de Lone Star State et une variété de flore et de faune locales (cactus, yucca, buffle et plusieurs serpents à sonnette).

Le groupe décide de faire une pause de 3 ans après la fin de l’épuisant Texas Tour.

Durant cette période, les trois musiciens apprennent le saxophone et peaufinent leur nouvelle apparence.

Gibbons voyage en Europe et en Jamaïque tout en explorant de nouveaux sons, Hill apaise son esprit en travaillant dans un aéroport de Dallas et Beard part  en cure de désintoxication pour se débarrasser de sa dépendance à la drogue.  

Pendant les temps d’arrêt du groupe, Ham a négocié un nouveau contrat d’enregistrement pour ZZ Top avec Warner Bros.

Ils reviennent avec l’album Degüello  en novembre 1979, qui comprend deux tubes « Cheap Sunglasses » et « I’m Bad, I’m Nationwide ». Le public découvre Gibbons et Hill avec une identité visuelle ; look barbu, version prospecteurs,  lunettes noires, que l’avènement du clip rendra mondialement célèbre au début des années 1980. 

ZZ Top, le succès se confirme dans les années 80’  

Le son plus incisif de Degüello est poussé plus fort sur El Loco de 1981, qui introduit des synthétiseurs dans le mix d’autres chansons « Tube Snake Boogie » et « Pearl Necklace » rencontrent leur public. 

Dans les années 80, ils se réinventent habilement, câblant à chaud leur son avec des séquenceurs et des synthétiseurs et devenant des héros MTV improbables avec une série de vidéos intelligentes qui transforment les chanteurs barbus Billy Gibbons (guitare) et Dusty Hill (basse) en une signature visuelle excentrique.  

Le pari est gagné. ZZ Top est l’un des seuls groupes de leur époque à non seulement survivre dans la nouvelle arène de la pop, mais à devenir plus populaire que jamais, gagnant un nouveau public sans sacrifier l’ancien.  

À la base, les chansons de ZZ Top n’ont jamais beaucoup changé, prenant des figures de blues standard, les filtrant à travers la guitare précisément torride de Gibbons, les mariant au groove simple mais funky de Hill et du batteur Frank Beard, et ajoutant des paroles imprégnées d’esprit surréaliste alors qu’ils traitait du sexe, de l’alcool, du blues et des particularités glorieuses de la vie au Texas.  

Eliminator sort en 1983. Cet album rencontre un succès phénoménal, se vend à plus de 10 millions d’exemplaires aux Etats-Unis, devenant 5 fois disque de platine.   

Synthétiseurs, séquenceurs et effets électroniques partagent un espace égal avec la guitare de Gibbons et leurs paroles pleines d’esprit mais orientées vers le blues. Les singles  « Legs », « Sharp Dressed Man« , « Got Me Under Pressure » et « TV Dinners » deviennent des tubes, et les clips font des rockers vétérans le toast de MTV.  

Eliminator devient le plus gros album de la carrière de ZZ Top, qui suit une approche similaire sur Afterburner en 1985 et Recycler en 1990, qui ont tous deux été des succès majeurs dans les charts. 

En 1987, le groupe sort The ZZ Top Six Pack, un ensemble de trois CD qui comprend les albums First Album de ZZ Top, Rio Grande Mud, Tres Hombres, Fandango, Tejas et El Loco.  Cependant, les albums présentés dans de nouveaux mélanges conçus pour les faire ressembler au son que le groupe a introduit sur Eliminator, suscite la  controverse parmi leurs fans plus âgés.   

ZZ Top, Dusty Hill et Billy Gibbons

ZZ Top, le succès s’estompe dans les années 90’  

Leur célébrité s’estompe au milieu des années 90 lorsque leurs albums ont cessé d’être en tête des charts, mais ZZ Top reste un groupe populaire pouvant remplir de manière fiable de grandes salles et offrir aux fans un grand spectacle. Recycler  sorti en 1990, se vend beaucoup moins bien et ne trouve pas son public.

En 1992, Warner Bros sort  ZZ Top’s Greatest Hits, une collection qui comprend une reprise de « Viva Las Vegas » d’Elvis Presley devenant un autre hit de MTV.  C’est sur leur dernier album pour le label, et en 1993, que le groupe révèle avoir signé un contrat de 35 millions de dollars avec RCA Records.

 Leur premier LP RCA,  Antenna en 1994, n’atteint pas le succès habituel bien qu’il soit disque de platine.Leurs albums suivants, plutôt orientés blues, Rhythmeen en 1996 et XXX en 1999 (sorti pour leur 30e anniversaire) suivent le modèle de Fandango  (de 1975) avec un côté studio et un enregistré en direct. Aucun des deux albums n’a fait une impression significative sur les fans ou les palmarès des ventes.    

ZZ Top, un groupe qui se cesse de tourner  

En 2003, ZZ Top conclut son contrat RCA avec Mescalero, tandis que Warner Bros sort un coffret de quatre disques.Cet album sera le seul des années 2000. Malgré un nouvel échec commercial, le groupe ne cesse de se produire sur scène et ce à l’international avec notamment une tournée mondiale en 2008. 

En 2004, ZZ Top est intronisé au Rock & Roll Hall of Fame, où Keith Richards prononce le discours d’intronisation.  Le groupe concentré sur ses tournées,  enregistre son concert, Live from Texas , qui sort en formats audio et vidéo en 2008.

Un autre ensemble de DVD en direct, Double Down Live suit en 2009, avec un concert tourné pour la télévision allemande en 1980 ainsi que des images d’émissions organisées en 2007 et 2008 à San Francisco, Paris, et Bixby, Oklahoma.  L’émission de 1980 obtient une sortie audio en 2011 sous le titre Live in Germany 1980.

Après une longue période de 9 ans sans enregistrement, ZZ Top signe avec American Recordings, et avec leur producteur Rick Rubin, ils font  La Futura en 2012. 

Salué par la critique comme un retour bienvenu à leur son pré-Eliminator, le groupe prend la route pour soutenir la sortie, et une autre collection de concerts, Live: Greatest Hits from Around the World, est publiée par Suretone en 2016.   

En octobre 2017, le groupe annule un certain nombre de spectacles lorsque Dusty Hill développe  des problèmes de santé. Ses médecins insistent pour qu’il fasse une pause.  Ils sont de retour en studio en 2018, et en 2019, ils réservent une résidence de huit nuits au Venetian Theatre de Las Vegas.

La même année, un long métrage documentaire sur le groupe, That Little Ol ‘Band du Texas, sort sur Netflix.  

Mais la pandémie de Covid-19 met entre parenthèses la résidence de Las Vegas après quelques spectacles ainsi que la tournée en 2020. 

Cependant, le groupe prévoit une longue tournée commençant en juillet 2021 et se prolongeant jusqu’en 2022. Mais, au cours du mois de juillet 2021, Dusty Hill chute, se blessant la hanche et  l’obligeant à rentrer chez lui.  

Le 23 juillet, le trio joue son premier concert sans Hill depuis 1970, avec leur guitariste, Elwood Francis, prenant le relais à la basse avec la bénédiction de Hill.  Le 28 juillet 2021, Dusty Hill décède chez lui à Houston, au Texas, à l’âge de 72 ans.  

« Nous, ainsi que les fans de ZZ Top à travers le monde, regretterons ta présence inébranlable, ta belle nature et ton engagement sans faille à donner cette assise au ‘Top’. Tu vas beaucoup nous manquer, amigo. » 

Peu de temps après que le décès de Hill, Billy Gibbons publie une déclaration disant que Hill avait insisté pour que le groupe continue d’exister après sa mort. Francis continue à maintenir la basse pour le trio.

Le premier album ZZ Top sorti après le décès de Hill est RAW: That Little Ol ‘Band du Texas, un album de concert de 2022 de la fin des années 2010 capturant le groupe dans l’intimité du dance hall texan Gruene Hall, et l’un des derniers albums avec Hill. 

ZZ Top continue de rendre hommage à Hill en posant son chapeau sur son micro et en reprenant Tush, avec la voix enregistrée de  Dusty.  

Le 12 décembre 2022, ZZ Top annonce une tournée en co-tête d’affiche avec Lynyrd Skynyrd pour l’été 2023, intitulée The Sharp Dressed Simple Man Tour.  La tournée devrait commencer le 21 juillet 2023 à West Palm Beach et se terminer le 17 septembre 2023 à Camden.

ZZ Top, les membres du groupe

Billy Gibbons – guitare, chœurs, chant solo, harmonica (depuis 1969),  fiddle (1976), saxophone (1979)

Dan Mitchell- batterie (1969)

Lanier Greig (†) – basse, orgue Hammond (1969), mort en février 2013.

Billy Ethridge – basse (1969)

Dusty Hill (†) – basse, claviers, chœurs, chant solo (1970-2021), saxophone (1979), mort le 28 juillet 2021.

Frank Beard – batterie, percussions, chœurs (depuis 1970), saxophone (1979)

Elwood Francis – basse (depuis 2021)

ZZ Top, leurs albums et leurs compilations

1971 : ZZ Top’s First Album (London Records)

1972 : Rio Grande Mud (London Records)

1973 : Tres Hombres (London Records)

1974 : Ten Legendary Texas Tails (Compilation

1975 : Fandango! (London Records)

1976 : Tejas (London Records)

1977 : The Best of ZZ Top

1979 : Degüello (Warner Bros. Records)

1981: Live in Germany

1981 : El Loco

1983 : Eliminator

1985 : Afterburner

1987 : The ZZ Top Sixpack (6 albums en un seul coffret)

1990 : Recycler

1992 : Greatest Hits

1994 : Antenna (RCA Records)

1994 : One Foot in the Blues

1996 : Rhythmeen

1999 : XXX

2003 : Mescalero

2003 : Compilation + inédits Chrome, Smoke and BBQ

2004 : Rancho Texicano

2006 : The Beginning of ZZ Top

2008 : Live from Texas

2008 : Greatest Hits

2012 : La Futura (American Recordings)

2014 : The Very Baddest of ZZ Top

2019 : Goin’ 50

2022 : RAW (« That Little Ol’ Band From Texas » Original Soundtrack)

Bonus: Interview de Billy Gibbons, avril 2022,

https://vwmusicrocks.com/

Nous avons récemment rencontré le fondateur de ZZ Top et célèbre six cordes, Billy Gibbons.

Chanteur principal de ZZ Top, il s’est assis pour discuter du prochain album Raw du légendaire groupe de rock et de l’accompagnement de Raw Whiskey Tour, du regretté bassiste Dusty Hill, et plus encore.

André :Billy, merci beaucoup d’avoir pris le temps. J’aimerais commencer par discuter de Raw, un tout nouvel album live dont la sortie est prévue le 22 juillet, qui coïncidera avec le prochain Raw Whiskey Tour pour célébrer les cinquante ans d’histoire remarquable du groupe. Quelles sont les origines de cet album en particulier ? 

Billy:Les producteurs de That Little Ol ‘Band From Texas, le documentaire ZZ Top, ont pensé que ce serait une bonne idée d’avoir un intermède de performance autonome dans le film pour informer les téléspectateurs d’une manière unique.

Le film couvre notre histoire, ce serait donc une façon de souligner que nous continuons à nous battre en termes clairs. Gruene Hall, le lieu, fait partie de l’histoire du Texas, tout comme nous, je suppose. C’était l’occasion d’obtenir un enregistrement vierge dans la boîte et c’est ce que nous avons fait.

André :Je vous ai vu décrire Raw comme un retour aux racines du groupe. Pouvez-vous nous en dire plus ? Quel était le plan de l’album ? 

Billy:Nous jouons tous les trois au même endroit, en même temps, avec un minimum de retouches en post-production. De nos jours, il est inhabituel d’enregistrer lorsque vous regardez réellement les personnes avec lesquelles vous enregistrez, mais Raw n’est que cela. 

André :Je m’en voudrais de ne pas mentionner le regretté Dusty Hill. Y a-t-il un souvenir ou une histoire à propos de Dusty qui se démarque ? 

Billy:Le jour où nous avons spontanément écrit « Tush » en 1973. Nous faisions une vérification du son dans un sol en terre battue à Florence, en Alabama, et nous étions en train de déconner lorsque le riff s’est présenté, et Dusty est intervenu et a commencé à chanter des paroles improvisées. En l’espace de dix minutes, nous avons eu un coup sur nos mains.

André :Le guitariste de longue date Elwood Francis assumera à nouveau les fonctions de basse pour la prochaine tournée. Qu’est-ce qui fait de lui un choix logique et qu’apporte-t-il à la formation?

Billy:Il fait partie de notre famille musicale depuis près de trente ans et sait comment ça se passe. Lorsque Dusty est tombé malade, il a indiqué que le spectacle devait continuer et a pensé qu’Elwood serait capable de gérer le remplacement à la lumière du fait qu’il est un musicien très accompli à part entière. Dusty avait bien sûr raison. 

André :Avant ZZ Top, vous faisiez partie d’un groupe appelé les Moving Sidewalks, où vous avez fait la première partie de Jimi Hendrix Experience lors de leur première tournée américaine en tant que tête d’affiche. Que retiens-tu de ces concerts, et en tant que jeune musicien, qu’as-tu pu apprendre de Jimi ? 

Billy: Jimi était un type timide en dehors de la scène mais un homme sauvage quand il était dessus. C’était un gars vraiment gentil et aimait comparer les notes – jeu de mots – et offrir des pointeurs. Nous sommes restés en contact jusqu’à sa disparition tragique et je lui rends hommage presque tous les soirs. 

André :Alors que nous réfléchissons aux cinquante ans de ZZ Top, j’aimerais revenir sur les années de formation du groupe. Comment le groupe s’est-il formé ? Frank [Beard] et Dusty ne se sont joints que plus tard, alors comment sont-ils finalement entrés en scène ? 

Billy:Nous avons recruté Frank et savions qu’il avait ce qu’il fallait pour nous garder à l’heure, pour ainsi dire. Nous avions besoin d’un bassiste, et il a suggéré Dusty, qui avait été son compagnon de groupe dans le blues américain. Dusty est venu et, au lieu d’une audition, nous avons juste jammé sur un blues shuffle en C.

Plusieurs heures de cela se sont suivies, et nous savions que nous avions la version «gardienne» du groupe.

André :Quel est votre souvenir des sessions d’écriture de chansons qui ont alimenté la sortie la plus réussie du groupe, Eliminator ? 

Billy:Certaines des chansons viennent d’une expérience personnelle, « Legs » en est un exemple. Nous avons vu une jeune femme, qui se faisait tremper par un orage et a décidé de faire demi-tour pour lui offrir un tour, mais au moment où nous sommes arrivés là où elle était, elle était partie. Elle avait des jambes et savait s’en servir.

Notre approche est de trouver des riffs et des paroles que nous aimons et de les essayer. Si nous les aimons toujours, ils sont enregistrés et, évidemment, avec les chansons de cet album, nous n’étions pas les seuls à les aimer. 

André :Merci encore d’avoir pris du temps, Billy. Je vous souhaite tout le meilleur dans vos projets futurs. Dernière question. Où Eliminator a-t-il été enregistré et que retenez-vous de ces sessions en studio ? 

Billy:Eliminator a été enregistré aux Ardent Studios à Memphis avec l’ingénieur Terry Manning. C’est là que nous avons rencontré le monde des synthés de manière significative et ouvert la porte à des expérimentations qui sont toujours en cours.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Royal Republic, rock’n’ roll déjanté depuis 2007

Royal Republic est un groupe de rock de la scène suédoise dont nous vient de grands noms d’artistes et de groupes reconnus tels qu’ ABBA, Roxette, Europe, The Cardigans, Ghost et tant d’autres.

Je suis de près Royal Republic, ce quatuor rock déjanté, aux rythmes endiablés, à tendance punk pop qui d’ailleurs est en couverture de mon 1^er livre, A moment suspended in time, en 2017.

Petit focus sur un de mes groupes préférés, Royal Republic, que j’aie eu la chance de suivre et d’immortaliser en coulisses et sur scène.

Royal Republic, shooting backstage

Royal Republic, la formation 2007

Ces quatre musiciens, Adam Grahn (chanteur et guitare rythmique), Hannes Irengard (guitare solo et chœurs), Jonas Almen (guitare basse, chœurs et co-chant)  et Per Andreasson (batteur et chœurs), originaires de Suède, se rencontrent fin 2007 à l’académie de musique de Malmö et créent Royal Republic.

«  On ne s’est connaissait pas avant. En fait, chacun avait entendu parler des autres mais on ne se connaissait pas. Ça sonne cliché, mais quelque chose est arrivé quand nous avons commencé à jouer ensemble. C’était incroyable quand nous faisions de la musique ensemble. Et on s’est dit – tant pis on fera connaissance plus tard. D’ abord nous allons faire de la musique. »

En 2009 Royal Republic enregistre We Are the Royal, sous la supervision du producteur suédois Anders Hallbäck à Malmö. Ce premier album de Royal Republic sort le 6 août 2009 et rencontre un large succès en Suède.  Tommy-Gun, un des singles de l’album, par exemple, atteint la 1^ère place  dans les charts MTV Rocks.

Royal Republic, clip de Tommy-Gun

Royal Republic remporte la finale du festival Emergenza en Suède, lui permettant de se produire sur une scène parisienne,  et sa carrière décolle lorsqu’il accompagne en 1^ère partie, le groupe américain très connu The Offspring.

« On vient tous de différents horizons musicaux, Jonas (basse) est plus dans le heavy metal, c’est pour ça qu’il crie comme un bourrin d’ailleurs, et puis Adam (chant) écoute vraiment de tout, comme nous le faisons tous en fait. On est très ouverts d’esprits. »

«  J’ai pour habitude de dire que nous avons toujours voulu être une version heavy des Beatles : un groupe qui peut écrire un jour « I’m The Walrus » et le lendemain une chanson comme « Yesterday » ! »

Royal Republic 1er album

Royal Republic, un groupe de scène

Après leur 2^e album Save the Nation, largement acclamé par la critique, Royal Republic part en tournée, à l’assaut des scènes d’Australie, de Grande-Bretagne, d’Allemagne, de France… et d’autres pays d’Europe. Le succès est au rendez-vous.

Les quatre acolytes de Royal Republic sont faits pour la scène et composent toujours en se projetant sur scène. Ils composent pour reprendre la route. Cela fait partie d’eux.   De fait, leurs morceaux dégagent une énergie forte, et leur prestation scénique est unique : costumes à paillettes, humour, autodérision, pas endiablés.  L’objectif pour le groupe Royal Republic est toujours de passer un bon moment, de rire, de s’amuser, de partager.

Royal Republic, backstage

« Écrire et composer des morceaux sans monter sur scène, c’est comme avoir une relation platonique avec quelqu’un. La scène c’est notre sexe. C’est un aboutissement. (…)

Le but de la tournée c’est vraiment ça : passer un maximum de temps sur scène. Sinon tu passes la plupart de ton temps dans un bus. On a la chance d’avoir une très bonne équipe autour de nous, donc les gens de cette équipe deviennent ta famille par procuration. À part ça, tu passes par toute l’Europe et c’est super mais tu n’as pas le temps de visiter quoi que ce soit. Je pense que cela fait 10 fois que je passe par Paris mais je n’ai jamais vu la Tour Eiffel ! C’est frustrant. » (Adam Grahn, Royal Republic, www.vacarm.net, 2 juin 2016)

Royal Republic sur scène

Même si en 2014, Royal Republic sort un album plus acoustique, Royal Republic and the Nosebreakers, il sillonne l’Europe en se produisant en France, en Allemagne, en Suisse, en Autriche, en Pologne, en Suède… toujours avec la même énergie.

Il en sera de même pour les deux derniers albums.

Le 4^e album Weekend Man  de Royal Republic sort le 26 février 2016. Cet album plus mature n’en est pas moins fou et original.  Adam dira qu’à travers cet album le groupe a trouvé sa propre identité.

« Pour le premier opus, nous avons juste copié d’autres musiciens et artistes que nous aimions, comme par exemple Danko Jones, The Hives… Sur cet album, c’est vraiment comme si nous savions qui nous étions, nous n’avions plus à aller voir et écouter ce que les autres faisaient, on a réellement commencé à faire ce que nous aimons tous ensemble. »

Suit le 31 mai 2019 « Club Majesty » qui dès l’été 2019 permet au groupe Royal Republic de reprendre le chemin de la scène, des festivals comme le Download, de partir en tournée dans toute l’Europe et rencontrer un large succès. Pour la petite anecdote, Le titre Stop Movin’ apparait dans le jeu Just Dance 2020.

Royal Republic, dernier album

« Lorsque vous êtes un groupe de rock, il y a des chemins que vous êtes censé de suivre et des chemins que vous n’êtes pas censé de suivre. On s’en fiche ! Nous avons juste fait tout ce que nous voulions faire. Nous avons donc pris ce que nous aimons, nous avons tout mis dans un pot et nous avons bien mélangé, tourné et secoué dans tous les sens. Et à la fin Club Majesty en est sorti.

Je pense que je parle pour nous quatre, quand je dis que nous sommes très fiers de cet album, et nous sommes fiers du fait que maintenant nous avons la confiance de faire ce que nous voulons faire. »

 Royal Republic en concert

BONUS ; interview pour minute minute de Royal Republic

https://minutenmusik.de/interview/interview-mit-royal-republic-ueber-club-majesty

Entretien avec Royal Republic à propos de « Club Majesty » , par Andrea Holstein, 31 mai 2019

Aujourd’hui, les héros du rock’n’roll suédois, Royal Republic, sortent leur cinquième album. Nous avons discuté avec le chanteur de Royal Republic et leader Adam Grahn de l’album, de bonnes chansons pour le sexe et de sa rencontre avec Campino. 

minutenmusik : Merci d’avoir pris le temps de l’interview.

Adam de Royal Republic : Merci ! C’est ma joie.

minutenmusik : Votre nouvel album Club Majesty sortira bientôt. Comment vous sentez-vous si proche de la libération ?

Adam de Royal Republic : « Excited » résume assez bien la situation. Nous travaillons sur cet album depuis environ l’été dernier. Et maintenant, il sort petit à petit. Pour nous, c’est toujours comme si nous avions attendu une éternité. Nous sommes vraiment impatients de le montrer enfin aux gens.

minutenmusik : Vous avez dû reporter votre tournée, qui était prévue pour le début de l’année, à cause de la production de l’album. Que s’est-il passé là-bas ? Cela a-t-il pris plus de temps que prévu ?

Adam de Royal Republic : Oui, il a fallu plus de temps pour réunir les personnes, les lieux et les horaires. Il ne s’agissait pas du matériau lui-même. Il s’agissait plutôt de ne pas faire de compromis lors de la production d’un album. On veut que ce mec mixe l’album, ensuite on aura ce mec. Point.

Et nous voulons ce producteur. Nous voulons enregistrer la batterie ici et les guitares là. Réconcilier toutes ces personnes s’est avéré plus difficile que prévu. En fin de compte, nous n’avons eu d’autre choix que de reporter la tournée. Nous ne voulions rien précipiter ni faire de compromis.

On avait une idée très claire de ce qu’on voulait faire et c’est comme ça qu’on a fait. Mais je pense que lorsque les gens entendront le résultat, ils comprendront.

minutenmusik : Vous êtes maintenant entièrement satisfait du résultat ?

Adam de Royal Republic :Je crois que oui. Quand on enregistre un album, on le fait deux fois. Nous ne faisons pas de démos iPhone ou quoi que ce soit du genre. Nous faisons des démos entièrement produites, mixées et polies. Et puis on réenregistre le tout, mais avec des micros plus chers.

Nous procédons de cette façon afin de pouvoir vivre avec les chansons pendant un certain temps avant de les mettre sur l’album. Quand tu as fini une chanson, tu es toujours très enthousiaste. Tu te dis « Ouais ! » et trois semaines plus tard tu l’écoutes à nouveau et tu te dis « Merde, ça craint ! » Alors on enregistre les chansons pour qu’on puisse les réécouter encore et encore pendant longtemps temps.

S’ils traversent cette période, nous nous disons : ‘D’accord, c’est bien, ça peut aller sur l’album.’ Alors oui, nous sommes très contents de l’album. On a toujours le sentiment qu’il faut dire : « C’est notre meilleur album à ce jour ! » Mais je ne dis pas ça. Je réfléchis.

minutenmusik : La deuxième chanson dit « You can’t fight the disco ». Combien de disco y a-t-il dans Royal Republic et surtout dans cet album ?

Adam de Royal Republic : Évidemment trop pour continuer à se cacher. Cela a toujours été dans notre ADN. Si vous regardez des trucs plus anciens comme Tommy Gun ou Full Steam Space Machineécoute, ou surtout les démos pour ça, c’est très, très sautillant.

C’est très dansant. Cela a toujours été une partie importante de notre son. Nous n’avons pas essayé de le cacher. Nous avons juste senti que le moment était venu de montrer toute notre diversité. Nous sommes un groupe très diversifié. On a un gros problème avec la différenciation des genres pour mettre un cachet sur la musique. Ce n’est pas grave si les gens font ça. Ce n’est pas le problème.

Je ne veux tout simplement pas que la musique soit estampillée du genre « Vous pouvez faire n’importe quoi dans cet espace, mais si vous le quittez… vous ne pouvez pas ! » Cela limite les possibilités et les expériences, le son et la musique. C’est de cela qu’il s’agit dans cet album. C’est très illimité, c’est éclectique et sans vergogne. Nous n’avons pas de « plaisirs coupables », nous avons juste du pur plaisir. C’est un peu le slogan de notre album.

Dans de nombreuses interviews, on nous demande : « Quelle est la chanson la plus embarrassante de votre playlist Spotify ? » Ensuite, ils veulent entendre quelque chose comme les Backstreet Boys et Taylor Swift. J

Je dis alors: «J’ai les deux sur ma liste. tu trouves ça gênant Pas moi. J’aime la musique. Il y a tellement de bonnes choses là-bas. Pourquoi ne pas profiter de tout ? Il y a tellement de bonnes choses là-bas. Pourquoi ne pas profiter de tout ? Il y a tellement de bonnes choses là-bas. Pourquoi ne pas profiter de tout ?

minutenmusik : Pourquoi est-il maintenant temps de laisser sortir cette partie de votre ADN ? Y a-t-il eu une certaine évolution ces dernières années ?

Adam de Royal Republic : Avec notre dernier album Weekend Man , nous avons posé les fondations, les bases du groupe. Lorsque nous avons sorti le premier album, le groupe n’existait que depuis six mois, peut-être un an. Avons-nous déjà défini notre son complet et trouvé notre place dans le monde ? Je ne pense pas. Ensuite, nous avons Save The Nation fait un tour complet.

C’était quelque chose de très différent et quelque chose que nous avons tous déconseillé, pourrais-je ajouter. Mais nous l’avons fait parce que nous pensions que c’était la bonne chose à faire à l’époque et parce que c’était ce que nous voulions faire. Nous avons toujours été fiers de garder le contrôle du groupe.

Aucun label ne contrôle ce groupe. Personne ne contrôle ce groupe à part le groupe lui-même, c’est la loi. Je pense que nos fans, qui nous suivent depuis le début, en sont conscients. Vous ne savez jamais vraiment ce que vous allez obtenir.

Certaines personnes pensent « Hé, j’ai mieux aimé ton premier album » ou « C’est la meilleure merde que tu aies jamais sortie. » Il y a toutes ces opinions différentes. Mais nous nous sentons suffisamment libres et confiants pour faire ce que nous voulons vraiment faire. Je pense que nous avons la confiance des gens qui nous suivent, y compris le label et le management.

Ils croient vraiment en ce que nous faisons. Parce que d’une manière ou d’une autre, cela fonctionne toujours. Les gens ont maintenant cessé de nous dire quoi faire parce qu’ils ont abandonné. Par conséquent, c’est maintenant le bon moment pour publier.

minutenmusik : J’ai entendu dire que la chanson Undercover n’était pas prévue à l’origine comme une chanson de Royal Republic. pouvez-vous m’en dire plus à ce sujet

Adam de Royal Republic : Eh bien, la demande est venue de l’un des plus grands fabricants de préservatifs au monde. Ils voulaient une chanson pour leur nouvelle campagne. Je suppose pour un préservatif.

Je pensais que c’était la chose parfaite pour Royal Republic. Ensuite, nous avons commencé ce jeu de mots enfantin sur « undercover », qui évidemment dans ce cas peut avoir plusieurs significations. Vous pouvez aller « sous les couvertures ». Vous pouvez mettre votre truc à l’abri. Quoi qu’il en soit! Nous avons donc commencé à écrire les lignes les plus ringardes auxquelles nous pouvions penser.

Et ce riff de guitare  (il imite le riff)ça ressemble à du sexe pour moi. Comme la guitare qui fait l’amour. Un autre journaliste a dit un jour : « Je ne tiendrais pas une minute à ce rythme ! » J’ai dit : « Pas de problème, fais-le deux fois moins vite. Nous avons une autre chanson sur l’album, essayez-la. Alors peut-être que vous pourrez durer plus longtemps. » (rires)

Eh bien, nous avions la chanson prête et nous l’avons envoyée et ils ne nous ont jamais rappelés. Nous avions donc une chanson publicitaire sur les préservatifs, mais sans publicité ni préservatif. Mais à la place, nous avions l’un de mes morceaux préférés de cet album. Et ironiquement, maintenant que la chanson est sortie, les gens auront toujours des relations sexuelles quand ils entendront la chanson et achèteront des préservatifs à cause de cela.

C’est donc gagnant-gagnant pour le fabricant de préservatifs.

musique minute : Haha, parfait ! Était-ce la chanson la plus facile à écrire pour vous sur l’album ? Ou y en avait-il un autre que vous aviez en tête pour l’album en premier ?

Adam de Royal Republic : Je pense que Fireman and Dancer était la première chanson. Like When I See You Dance With Another était la première chanson du dernier album. Nous avons toujours une chanson où nous pensons : « C’est la première.

C’est le drapeau qui montre la voie pour le reste. » Et une fois que nous avons cette première chanson, le reste est généralement plus facile à écrire. J’ai probablement environ 100 versions de Fireman and Dancersur mon ordinateur portable, avec des variations dans les riffs de guitare, la structure de la chanson, les paroles, les mélodies, tout.

Avec certaines chansons, vous savez juste que cela vaut la peine d’investir du temps. Certains prennent un an pour terminer. Certains arrivent juste en trois heures. Mais nous détestons écrire. Je suis honnête. Ce n’est pas que l’écriture soit la partie la plus difficile de notre travail ou que nous la bousillions.

C’est plus comme si nous étions si pointilleux et que nous contrôlions chaque seconde de chaque chanson. On joue quatre secondes et puis c’est : « Stop ! Cela m’ennuie.

Il faut faire ça différemment. » Puis on réécoute, une, deux, trois, quatre, cinq, six secondes et encore : « Stop ! C’est ennuyeux. Nous le faisons nouveau. » Nous le faisons pour que les gens ne s’ennuient pas plus tard. Donc:Fireman était la première chanson, mais Undercover était la plus simple.

minutenmusik : Et lequel a été le plus difficile ?

Adam de Royal Republic : Hmm, laissez-moi y réfléchir. (réfléchit) Je pense qu’Anna-Leigh a peut-être été la plus dure. Pas parce que c’était horrible à écrire, en fait c’était très amusant. Mais parce qu’il y a eu toute cette discussion au sein du groupe,  » Pouvons-nous vraiment faire ça ?  »

C’est ce dont j’ai parlé avant, que nous voulions rendre l’album sans limite. C’était définitivement un nouveau territoire. À la fin de la discussion, nous sommes tous tombés d’accord : « Bien sûr, pourquoi parlons-nous même de cela ? nous aimons tout

À qui devons-nous demander l’autorisation ? personne. Donc c’est bien. » Mais même après qu’il soit devenu clair que nous aimons tous la chanson, nous avons quand même retenu notre souffle alors qu’Anna-Leigh a été publié. Parce que c’est comme une déclaration.

C’est quelque chose de complètement différent et on ne sait jamais comment les gens y réagiront. Mais si vous lisez les commentaires sur les réseaux sociaux, il semble que la réponse ait été extrêmement positive. Nous ne pourrions pas être plus heureux à ce sujet.

minutenmusik : Donc ça valait le coup. Après ce temps d’enregistrement et de production, les scènes live vous attendent à nouveau.

Adam de Royal Republic : Oui, heureusement !

minutenmusik : Vous jouez dans quelques festivals cet été et la tournée européenne de l’album en hiver. Y a-t-il une chanson de Club Majesty que vous avez particulièrement hâte de jouer en live ?

Adam de Royal Republic : Je pense que la première et la dernière chanson. Nous allons jouer pas mal de chansons de Club Majesty sur cette tournée . Quand nous avons commencé à l’époque, notre premier album faisait 36 ​​minutes et nous devions encore jouer des concerts de 90 minutes.

On s’est dit : « Comment diable allons-nous transformer un album de 36 minutes en 1h30 ? » Nous avions toutes sortes de solutions folles. Mais maintenant, nous avons le problème de luxe que nous avons trop de chansons pendant 90 minutes que nous aimerions jouer.

C’est une concurrence sérieuse maintenant. Je veux dire, nous allons être Tommy Gunjouer. Mais il y a d’autres chansons que nous aimons vraiment, vraiment et qui ont toujours été des chansons importantes dans le set, et maintenant nous nous disons: « Eh bien, nous voulons jouer cette chanson et nous voulons jouer celle-ci aussi ».

Comment diable est-ce censé fonctionner ? » Je pense que nous devrons éventuellement faire une roulette ou un tirage au sort. Nous verrons quelles chansons intégreront le set à la fin.

minutenmusik : Alors j’espère que mes chansons préférées seront toujours là !

Adam de Royal Republic : Qu’est-ce que c’est ?

minutenmusik :  Tout le monde veut être un astronaute , par exemple. Parce que c’était l’une des premières chansons que je connaissais de toi

Adam de Royal Republic : Oooh, je suis vraiment désolé !

minutenmusik : Oh non, maintenant l’anticipation du Hurricane Festival est terminée.

Adam de Royal Republic : (rires) On verra, on verra.

minutenmusik : Qu’est-ce que tu préfères : jouer dans de grands festivals ou faire tes propres têtes d’affiche ?

Adam de Royal Republic : (réfléchit)Je ne peux pas décider. Ce que j’aime vraiment dans les festivals, c’est le fait que j’en ai une sorte de vision compétitive. J’ai grandi avec le sport, donc j’ai toujours aimé concourir avec les autres.

Je ne veux pas dire – ou peut-être que je veux dire – que vous partagez la scène avec d’autres groupes et que vous pensez : « Nous allons être meilleurs qu’eux. » Mais cela vous encourage vraiment à rester concentré et à faire de votre mieux. Principalement pour votre propre fierté, mais aussi pour le public et les amis des autres groupes qui regardent dans les coulisses.

Vous voulez bien faire votre travail pour qu’ils pensent que vous êtes cool. Et aussi pour vous faire sentir bien dans votre peau. J’aime généralement l’ambiance des festivals. Parce que nous avons tant voyagé dans toute l’Europe ces dernières années, presque tous les festivals ressemblent à un barbecue familial avec tous les groupes que nous avons rencontrés.

Mais c’est aussi génial de jouer vos propres émissions phares. On peut jouer aussi longtemps qu’on veut et on a plus de liberté. Eh bien, je ne peux vraiment pas décider, désolé!

musique minute : Pas de problème ! Tu viens de mentionner que tu as rencontré tellement de groupes. Vous semblez avoir une relation particulièrement bonne avec des groupes allemands tels que Donots, Toten Hosen et Kraftklub. Y a-t-il une histoire particulièrement drôle que vous pouvez nous raconter ?

Adam de Royal Republic :Je peux vous dire comment j’ai rencontré Campino pour la première fois et que je ne l’ai pas reconnu. Je viens de Suède, sans offenser Toten Hosen. Je veux dire, on se connaît bien maintenant et ils sont cool !

Mais j’ai raconté une fois l’histoire aux fans de Toten Hosen sur scène et ils ont hué. Et puis ri. Je viens de Suède et je n’ai pas grandi avec les Toten Hosen comme les Allemands. Nous avons donc joué au Rock am Ring pour la première fois en 2011 et avons été invités à l’afterparty des Beatsteaks en Backstage.

Je volais haut. Nous venions de jouer au Rock am Ring et c’était quelque chose d’énorme pour moi. J’ai vraiment fait la fête. Vers 22 heures, nous étions tous assez ivres et ce type est entré dans la salle des coulisses. Il portait un long trench-coat gris et oui, c’était Campino. Je n’en avais aucune idée.

Alors ce type est venu vers moi et il m’a dit : « Hey Adam ! Ravi de vous rencontrer. J’ai vu ton émission, tu étais super ! On devrait jouer ensemble un jour. » J’étais juste comme, « Qui est ce vieil homme ivre et comment a-t-il réussi à se débrouiller dans les coulisses? » Et il était toujours là, me serrant la main et attrapant mon épaule. Il a salué les gens avec qui je me suis levé et j’ai parlé. Et je me suis dit : ‘Ce type ne peut-il pas me laisser tranquille ?

J’essaie d’avoir une conversation ici. » Ensuite, j’ai regardé autour de la pièce et mon manager se tenait à l’autre bout de la pièce en agitant les bras comme un contrôleur aérien, « Adam, Adam, tu as tout gâché! » Je veux dire , Campino se tient devant moi et me dit : « Tu as été formidable, jouons ensemble. » C’est la meilleure chose qui puisse t’arriver en Allemagne. Alors mon manager est venu vers moi et m’a dit : « Adam, je t’ai vu avec Campino. »

Et puis ça a cliqué : « Ah, salut ! Comment ça va? Ravi de vous rencontrer ! » Mais finalement tout s’est bien passé et nous sommes partis en tournée avec eux. Ils étaient vraiment fantastiques avec nous qu’ils nous ont pris comme première partie. Pour l’un des plus grands groupes de l’histoire allemande !

Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie. Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Je t’ai vu avec Campino. » Et puis ça a cliqué : « Ah, salut ! Comment ça va? Ravi de vous rencontrer ! »

Mais finalement tout s’est bien passé et nous sommes partis en tournée avec eux. Ils étaient vraiment fantastiques avec nous qu’ils nous ont pris comme première partie. Pour l’un des plus grands groupes de l’histoire allemande ! Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie.

Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Je t’ai vu avec Campino. » Et puis ça a cliqué : « Ah, salut ! Comment ça va? Ravi de vous rencontrer ! »

Mais finalement tout s’est bien passé et nous sommes partis en tournée avec eux. Ils étaient vraiment fantastiques avec nous qu’ils nous ont pris comme première partie. Pour l’un des plus grands groupes de l’histoire allemande ! Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie.

Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie. Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen. Et aussi sur le plan personnel, ils nous ont bien traités en première partie.

Cela ressemble déjà à une famille. Je ne peux vraiment rien dire de mal à propos du Toten Hosen.

minutenmusik : Cela ressemble à un début spécial mais agréable pour une amitié.

Adam de Royal Republic :Oui, mais je dois ajouter une dernière chose : en fait, cela n’a pas si bien commencé. Quand nous avons tourné avec eux, ils avaient une table de ping-pong avec eux. Ils prennent le tennis de table au sérieux, surtout Andy et Vom.

Ce n’est vraiment pas amusant parce qu’ils le prennent très au sérieux et que tout le groupe est de très bons joueurs de tennis de table. Lors de notre premier show, je pense que c’était à Hambourg, j’ai rencontré Campino après le show alors qu’il sortait tout juste de la loge. Il venait de prendre une douche et était en route pour la rencontre avec les VIP.

Et j’ai dit : « Hé Campino, super spectacle ! Ping Pong ? » Il a dit : « Désolé, je dois aller chez les VIP. » J’ai dit : « Tu as peur de jouer contre moi ? » Et lui : « Alors tu veux que je t’achève ? Alors je t’achèverai. » Je pouvais déjà dire qu’il était un peu en colère, mais je suis allé avec toi. Et 30 autres personnes sont venues avec nous.

Nous avons joué un tour et je l’ai battu. Il a posé la batte, m’a serré la main et a dit : « Bon jeu, au revoir ! » Puis il est parti assez rapidement et un gars de la sécurité m’a regardé et a secoué la tête : « Mec… ». Mais ça allait, la prochaine fois je le laissais gagner.

minutenmusik : Quelle belle histoire ! C’étaient toutes mes questions maintenant. Y a-t-il autre chose que vous voudriez dire à nos lecteurs ?

Adam de Royal Republic : Tu ne peux pas lutter contre le disco ! N’essayez même pas.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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Le médiator personnalisé, tout savoir…

Le médiator personnalisé existe depuis de nombreuses années, même s’il reste assez récent. Il est difficile de donner une date précise de son apparition. En effet, les musiciens ont toujours cherché à personnaliser leur équipement, y compris leurs médiators, pour obtenir un son ou une sensation de jeu spécifique.

Cependant, avec l’avènement de la technologie moderne, il est devenu plus facile et plus courant de fabriquer des médiators personnalisés. Les fabricants de médiators ont commencé à proposer des services de personnalisation pour permettre aux musiciens de concevoir leur propre médiator avec des matériaux, des formes et des épaisseurs spécifiques.

De plus, avec l’avènement de l’impression 3D, le musicien a désormais la possibilité de créer son propre médiator personnalisé à partir de matériaux tels que le plastique, le métal et même le bois. Cette technologie a ouvert de nouvelles possibilités pour la personnalisation des médiators, permettant aux musiciens de concevoir des médiators uniques, adaptés à leurs besoins et à leurs préférences.

La popularité  du médiator personnalisé a donc augmenté avec l’avènement de la technologie moderne et des services de personnalisation proposés par les fabricants de médiators. De nos jours, le médiator personnalisé est de plus en plus courant et est apprécié par de nombreux musiciens pour sa capacité à offrir un son et une sensation de jeu uniques.

Retour sur l’histoire du médiator personnalisé,  ce petit accessoire indispensable pour les guitaristes, les bassistes et les autres musiciens qui jouent d’un instrument à cordes et qui perdent, cassent et remplacent fréquemment  leur médiator.

Muse

Le médiator, qu’est-ce que c’est ?

Le médiator, ou plectre, est un accessoire utilisé pour gratter les cordes d’une guitare ou d’un autre instrument à cordes. Les premiers médiators remontent au début du 20ème siècle, lorsqu’ils ont commencé à être utilisés comme une alternative aux ongles ou aux doigts nus pour jouer de la guitare. Les premiers médiators étaient souvent fabriqués à partir d’os, de corne, de nacre ou d’autres matériaux naturels.

Au fil du temps, de nouveaux matériaux ont été introduits pour la fabrication du médiator, tels que le celluloïd, qui était très populaire dans l’industrie de la musique dans les années 1920 et 1930. Depuis lors, de nombreux autres matériaux ont été utilisés pour fabriquer des médiators, notamment le nylon, le Delrin, l’ultem, la gomme naturelle et divers métaux.

Le médiator personnalisé,  est utilisé par de nombreux musiciens à travers le monde pour jouer de la guitare, de la basse et d’autres instruments à cordes pincées. Il est difficile de dire avec certitude qui utilise le plus le médiator, car cela dépend de nombreux facteurs tels que le genre musical, la culture musicale et les préférences individuelles de chaque musicien.

Scorpions

Cependant, le médiator personnalisé est particulièrement populaire dans les genres de musique rock, pop, blues, jazz, country et folk, où il est souvent utilisé pour créer des sons plus puissants et plus percussifs. Les guitaristes célèbres tels que Jimi Hendrix, Eric Clapton, Eddie Van Halen, Jimmy Page, Stevie Ray Vaughan, et bien d’autres ont tous utilisé des médiators pour jouer de la guitare.

Kiss

Jimi Hendrix : « Je ne suis pas le meilleur joueur de guitare du monde, mais je suis assez bon pour savoir qu’un médiator peut faire une énorme différence dans le son que vous obtenez. J’utilise souvent des médiators en nylon pour jouer de la guitare électrique, car ils me donnent une attaque plus douce et plus souple. »

Eddie Van Halen : « Je suis très particulier sur les médiators que j’utilise pour jouer de la guitare. J’aime les médiators en métal avec des bords pointus pour une attaque plus nette et plus précise. Je peux vraiment sentir la différence quand j’utilise le bon médiator. »

John Mayer : « J’ai commencé à jouer de la guitare avec mes doigts, mais j’ai rapidement réalisé que j’avais besoin d’un médiator pour créer les sons que je voulais. J’utilise souvent des médiators en plastique plus épais pour une attaque plus puissante et plus percussive. »

Bonnie Raitt : « J’utilise des médiators en acier inoxydable pour jouer de la guitare slide. Ils sont très résistants et me permettent de jouer avec un peu plus de force sans me blesser les doigts. »

Mark Knopfler : « Je joue souvent de la guitare avec mes doigts plutôt qu’avec un médiator, mais j’utilise parfois des médiators en cuir pour créer un son plus doux et plus chaleureux. »

Ces témoignages montrent que les musiciens ont des préférences et des habitudes différentes en ce qui concerne l’utilisation du médiator. Certains préfèrent jouer avec leurs doigts, tandis que d’autres considèrent le médiator comme un outil indispensable pour obtenir le son qu’ils recherchent.

L’histoire du médiator

Le médiator est un petit accessoire en forme de triangle utilisé pour gratter les cordes d’une guitare, d’une basse ou d’un ukulélé. Aussi connu sous le nom de « plectre », le médiator est fabriqué dans une variété de matériaux, allant du plastique aux métaux précieux, et est disponible dans une gamme de tailles et d’épaisseurs pour répondre aux besoins de chaque musicien.

L’histoire du médiator remonte au début du 20e siècle, lorsque les guitaristes ont commencé à chercher des alternatives aux doigts nus ou aux ongles pour jouer de la guitare. Les premiers médiators étaient en fait des morceaux d’os, de corne ou de nacre, mais ont rapidement été remplacés par des matériaux plus modernes, tels que le celluloïd, qui était alors un matériau de pointe dans l’industrie de la musique.

Au fil des ans, de nombreuses marques de médiators ont émergé sur le marché, chacune offrant des caractéristiques uniques pour répondre aux besoins de chaque musicien. Voici quelques-unes des marques les plus connues dans le monde des médiators :

• Dunlop : Fondée en 1965, la marque Dunlop est l’une des plus célèbres dans l’industrie des médiators. La marque propose une large gamme de médiators, allant des modèles en nylon standard aux modèles en Delrin, en ultex ou en gomme naturelle.
• Fender : Fender est une marque de guitare bien connue, mais elle fabrique également des médiators de haute qualité. Les médiators Fender sont disponibles dans une gamme de tailles, d’épaisseurs et de matériaux, et sont connus pour leur qualité de fabrication supérieure.
• Gibson : La marque Gibson est également célèbre pour ses guitares, mais fabrique également des médiators de qualité supérieure. Les médiators Gibson sont disponibles dans une gamme de matériaux, allant de l’acétate au celluloid, et sont connus pour leur durabilité et leur qualité sonore.
• Jim Dunlop : Jim Dunlop est le fondateur de la marque Dunlop, mais fabrique également des médiators sous son propre nom. Les médiators Jim Dunlop sont fabriqués à partir de matériaux de haute qualité et sont connus pour leur durabilité et leur précision.
• Clayton : La marque Clayton propose une gamme de médiators de qualité supérieure, allant des modèles en nylon standard aux modèles en acétate, en ultem ou en métal. Les médiators Clayton sont connus pour leur confort de jeu et leur sonorité exceptionnelle

En conclusion, le médiator est un petit accessoire essentiel pour tout guitariste, et les marques mentionnées ci-dessus sont toutes des choix de qualité pour les musiciens de tous niveaux et de tous styles musicaux. Quel que soit votre choix, il est important de trouver un médiator qui convient à votre style de jeu et à vos préférences personnelles, afin de tirer le meilleur parti de votre expérience musicale.

Le médiator, sa fabrication

Le processus de fabrication d’un médiator peut varier en fonction du matériau utilisé, du type de médiator et de la méthode de fabrication. Cependant, voici une description générale du processus de fabrication d’un médiator en plastique, qui est l’un des matériaux les plus couramment utilisés :

1. Préparation du matériau : Le plastique utilisé pour fabriquer les médiators est souvent fourni sous forme de feuille ou de bobine. Les feuilles sont découpées en bandes de la largeur voulue, puis ces bandes sont découpées en carrés ou en formes triangulaires.
2. Découpe : Les carrés ou les formes triangulaires sont découpés en médiators individuels à l’aide d’une presse de découpe spéciale. La presse est souvent équipée d’un moule en acier qui permet de découper les médiators à la forme et à la taille voulues.
3. Finition des bords : Les bords des médiators découpés peuvent être rugueux et avoir des bavures. Pour lisser les bords, les médiators peuvent être placés sur une machine à poncer qui les polit et les lisse.
4. Personnalisation : Si les médiators sont destinés à être personnalisés, cette étape peut être réalisée à l’aide d’une imprimante UV ou d’une machine de gravure laser. Les musiciens peuvent ainsi ajouter leur logo, leur nom ou leur image préférée sur le médiator.
5. Conditionnement et emballage : Les médiators sont ensuite triés en fonction de leur taille et de leur forme, puis emballés en vrac ou conditionnés dans des pochettes spéciales.

En somme, le processus de fabrication d’un médiator peut être relativement simple ou plus complexe en fonction du matériau et du type de médiator fabriqué. Cependant, la plupart des médiators sont fabriqués en utilisant une presse de découpe et une machine à poncer pour lisser les bords, avant d’être personnalisés et emballés pour la vente.

Le médiator personnalisé, une innovation récente

Le médiator personnalisé est une innovation relativement nouvelle dans le monde de la musique, qui permet aux musiciens de créer des médiators qui répondent exactement à leurs besoins individuels en termes de jeu de guitare. Les médiators personnalisés sont fabriqués à partir de matériaux de haute qualité, tels que du nylon, du Delrin ou de l’ultex, et sont disponibles dans une variété de tailles, de formes et d’épaisseurs.

Les médiators personnalisés offrent de nombreux avantages par rapport aux médiators standards. Tout d’abord, ils sont plus confortables à jouer, car ils sont spécialement conçus pour s’adapter à la taille et à la forme de la main du musicien. De plus, les médiators personnalisés peuvent être conçus pour offrir une réponse sonore spécifique, avec une attaque plus nette ou plus douce, une plus grande précision, ou encore une meilleure résistance à l’usure.

Pour créer un médiator personnalisé, un musicien peut utiliser un logiciel en ligne ou un service de fabrication spécialisé pour télécharger son design. Les designs peuvent inclure une variété d’éléments, tels que des images, des logos, des photos et des motifs personnalisés. Le musicien peut également choisir la taille, la forme et l’épaisseur du médiator en fonction de ses préférences.

Une fois que le design est finalisé, le médiator personnalisé est fabriqué à partir du matériau choisi et découpé selon les spécifications du design. Le processus de fabrication peut prendre quelques jours à plusieurs semaines, en fonction de la complexité du design et des matériaux utilisés.

Les médiators personnalisés sont populaires auprès des musiciens de tous niveaux, du débutant à l’expert. Les débutants peuvent trouver un médiator personnalisé qui leur convient parfaitement dès le début de leur apprentissage, ce qui peut améliorer leur technique et leur confort de jeu. Les musiciens plus avancés peuvent créer des médiators personnalisés pour répondre à des besoins spécifiques en termes de son et de jeu, et pour se démarquer de la foule.

Le médiator personnalisé est de fait, un outil précieux pour les musiciens qui cherchent à améliorer leur confort de jeu et leur son, tout en exprimant leur personnalité artistique. Les médiators personnalisés sont de plus en plus populaires, et leur disponibilité en ligne et en magasin spécialisé rend cette innovation accessible à tous les musiciens, quels que soient leur niveau et leur style musical.

Voici quelques citations de musiciens qui utilisent des médiators personnalisés :

• Eddie Van Halen : « Je suis très pointilleux sur les médiators que j’utilise pour jouer de la guitare. J’ai même conçu mes propres médiators en collaboration avec la société Dunlop pour obtenir exactement le son que je recherchais. »
• John Mayer : « J’utilise des médiators personnalisés depuis des années. Je préfère des médiators en plastique plus épais avec une surface texturée pour une attaque plus puissante et plus précise. »
• Billy Gibbons (ZZ Top) : « Je joue avec un médiator personnalisé en os depuis des années. J’aime la façon dont il se sent dans ma main et la façon dont il sonne sur les cordes de ma guitare. »
• Mark Tremonti (Alter Bridge) : « Je préfère des médiators personnalisés plus larges pour une meilleure prise en main et un meilleur contrôle de mes attaques. J’utilise souvent des médiators en nylon personnalisés avec une surface texturée pour une adhérence supplémentaire. »

Ces citations montrent que les musiciens sont très passionnés par leurs médiators personnalisés et qu’ils sont prêts à investir du temps et de l’argent pour trouver le médiator parfait pour leur son et leur style de jeu. Les médiators personnalisés offrent aux musiciens un moyen de se connecter encore plus étroitement avec leur instrument et de créer un son unique et personnel.

ZZ Top, Billy Gibbons

Le médiator personnalisé, sa fabrication

La fabrication d’un médiator personnalisé peut varier en fonction du fabricant et de la méthode de personnalisation utilisée. Voici cependant un aperçu général du processus de fabrication d’un médiator personnalisé :

1. Conception : Le premier pas pour fabriquer un médiator personnalisé consiste à concevoir la forme, la taille et les caractéristiques du médiator. Le musicien peut concevoir son médiator personnalisé en utilisant un logiciel de conception assistée par ordinateur (CAO), en dessinant à la main ou en envoyant des spécifications à un fabricant de médiators personnalisés.
2. Choix des matériaux : Le musicien peut également choisir les matériaux à utiliser pour son médiator personnalisé. Les médiators personnalisés peuvent être fabriqués à partir de divers matériaux tels que le plastique, le métal, le bois et même l’ivoire végétal.
3. Prototypage : Une fois que le design est finalisé, le fabricant de médiators personnalisés peut créer un prototype pour vérifier que le médiator fonctionne correctement et que sa forme et sa taille sont conformes aux spécifications du musicien. Ce prototype peut être créé en utilisant une imprimante 3D ou en sculptant à la main.
4. Production : Après la validation du prototype, le fabricant peut commencer la production en série du médiator personnalisé. Les médiators sont généralement produits en utilisant des presses de découpe ou des machines à commande numérique qui peuvent découper les médiators à la forme et à la taille voulues.
5. Personnalisation : La personnalisation est généralement réalisée à l’aide d’une imprimante UV ou d’une machine de gravure laser. Les musiciens peuvent ainsi ajouter leur logo, leur nom ou leur image préférée sur le médiator.
6. Finition : Après la personnalisation, le médiator personnalisé est souvent poncé pour lisser les bords et éliminer toute rugosité ou bavure.
7. Conditionnement et emballage : Les médiators personnalisés sont ensuite triés en fonction de leur taille et de leur forme, puis emballés dans des pochettes spéciales ou dans des boîtes personnalisées pour la vente.

En somme, la fabrication d’un médiator personnalisé implique des étapes supplémentaires de conception et de personnalisation par rapport à la fabrication d’un médiator standard, mais elle suit généralement un processus similaire de production en série et de finition.

Le médiator personnalisé, en bref

Le médiator personnalisé est de plus en plus populaire auprès des musiciens car il offre la possibilité d’avoir un outil de jeu unique et adapté à ses préférences individuelles. Un médiator personnalisé peut être fabriqué à partir de matériaux spécifiques, tels que des métaux, des plastiques, des bois exotiques, des cornes animales ou même des matériaux composites.

La forme et la taille du médiator peuvent également être personnalisées pour s’adapter à la main et au style de jeu du musicien. Certains musiciens préfèrent des médiators plus larges pour une meilleure prise en main, tandis que d’autres préfèrent des médiators plus minces pour une attaque plus rapide et plus précise.

Enfin, la texture de la surface du médiator peut également être personnalisée pour offrir une meilleure adhérence ou une meilleure résistance à l’usure. Certains musiciens choisissent des médiators avec des surfaces lisses, tandis que d’autres préfèrent des médiators avec des surfaces texturées pour une meilleure accroche.

En somme, l’utilisation d’un médiator personnalisé peut offrir un certain nombre d’avantages pour un musicien, notamment en termes de confort, de son et de technique de jeu. Cependant, il est important de noter que les préférences en matière de médiator peuvent varier considérablement d’un musicien à l’autre et qu’il est important de trouver le médiator qui convient le mieux à son propre style de jeu.

Eric CANTO Photographe : Photos de concerts, portraits, pochettes d’albums.

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