La fotografía artística es una fotografía creada de acuerdo con la visión del fotógrafo como artista, utilizando la fotografía como medio de expresión creativa.

El propósito de la fotografía artística es expresar una idea, un mensaje o una emoción. Esto contrasta con la fotografía figurativa, como el fotoperiodismo, que proporciona una relación visual documental de temas y eventos específicos, representando literalmente la realidad objetiva, no la intención subjetiva del fotógrafo; y fotografía comercial, cuya finalidad principal es la publicidad de productos o servicios.

 

Foto Artística

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La invención de la fotografía artística: los años 40

Un historiador de la fotografía ha afirmado que "el primer representante de las 'bellas artes' o la fotografía de composición fue John Edwin Mayall," quien exhibió daguerrotipos que representan el Padre Nuestro en 1851 ". Margaret Cameron, Charles Lutwidge Dodgson y Oscar Gustave Rejlander y otros en los Estados Unidos States, F. Holland Day, Alfred Stieglitz y Edward Steichen ayudaron a hacer arte fotográfico, y Stieglitz se destacó particularmente por estar incluido en las colecciones del museo.

 

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Fotografía artística en la década de 1960

En 1960, la fotografía no se consideraba realmente una obra de arte en Gran Bretaña.
El Dr. SDJouhar dijo en la fundación de la Sociedad de Bellas Artes de Fotografía: “La fotografía ahora se considera solo como un oficio. La fotografía ha sido reconocida como bellas artes en algunos lugares oficiales, se presenta en galerías y exposiciones como arte. En esta sala de estar de Londres, no hay un reconocimiento adecuado para la fotografía de imágenes, pero generalmente no se entiende como arte.

Tanto si la obra tiene valor estético como si no, se le llama "fotografía de imagen", un término muy ambiguo. El propio fotógrafo debe tener confianza en su obra, en su dignidad y en su valor estético, lo que le obliga a ser reconocido como un arte más que como una profesión. "

 

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Fotografía artística en la década de 1970

Hasta finales de la década de 1970 dominaron varias especies, como desnudos, retratos y paisajes naturales (ilustrado por Ansel Adams). Los artistas revolucionarios estrella de las décadas de 1970 y 1980, como Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Robert Farber y Cindy Sherman, todavía confiaban en estos géneros, incluso cuando los miraban con ojos nuevos.

Otros han estudiado un enfoque estético inmediato. Las organizaciones estadounidenses como la Fundación Aperture y el Museo de Arte Moderno han hecho mucho para mantener la fotografía a la vanguardia de las bellas artes. La creación del departamento de fotografía por la MOMA en 1940. El primer nombramiento de Beaumont Newhall como primer curador se cita a menudo como una confirmación institucional del estatus de la fotografía como arte.

 

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De nuestros días…

Actualmente, existe una tendencia a ajustar e iluminar cuidadosamente la imagen, en lugar de esperar "descubrirla" lista.

A los fotógrafos les gusta Gregory Crewdson y Jeff Wall son conocidos por la calidad de las obras expuestas. Además, las nuevas tendencias tecnológicas en la fotografía digital han abierto una nueva dirección en la fotografía de espectro completo, donde el filtrado cuidadoso de las opciones por ultravioleta, visible e infrarrojo conduce a nuevas visiones artísticas.

A medida que la tecnología de impresión ha mejorado desde alrededor de 1980, las impresiones artísticas reproducidas en un libro finamente impreso a partir de una edición limitada se han convertido en el tema de interés de los coleccionistas.

Según Art Market Trend en 2005, 7.000 fotos artísticas se vendieron en casas de subastas y las fotos registraron un aumento anual promedio de 7.6% en 1994-2004. Se han vendido aproximadamente 80% de fotografías de bellas artes en los Estados Unidos. Por supuesto, las subastas son solo una fracción del total de las ventas privadas.

Actualmente existe un creciente mercado de coleccionistas de fotografías artísticas en el que los fotógrafos más buscados crearán copias de archivo de alta calidad en ediciones estrictamente limitadas.

 

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Los intentos de vendedores de arte online vender hermosas fotos al público en general, así como impresiones de imágenes, ha producido resultados mixtos, con fuertes ventas provenientes solo de los "grandes nombres" tradicionales de la fotografía, como Ansel Adams.

Además del “movimiento digital” hacia la manipulación, el filtrado o los cambios de resolución, algunos grandes artistas buscan intencionalmente un “naturalista” que incluya la “iluminación natural” como un valor en sí mismo.

A veces una obra de arte, como en el caso de Gerhard Richter, consiste en una imagen fotográfica, que luego fue pintada con óleos y / o tiene un significado político o histórico más allá de la imagen, incluso ella misma. La existencia de “pintado con proyección fotográfica” desdibuja ahora la frontera entre pintura y fotografía, tradicionalmente absoluta.

 

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Tamaño de fotograma e impresión

Hasta mediados de la década de 1950, la fotografía artística era ampliamente considerada como un encuadre vulgar y pretencioso de fotografías para exhibir en la galería.
Las impresiones generalmente se pegaban simplemente a una tabla o madera contrachapada o un marco blanco en el cuarto oscuro, y luego se fijaban con alfileres en las esquinas de las cartulinas.

Por lo tanto, las impresiones se mostraron sin oscurecerlas por el reflejo del vidrio. La famosa exposición de Steichen, La familia del hombre, no estaba enmarcada, las pinturas estaban pegadas a los paneles. Incluso en 1966, la exhibición del MoMA de Bill Brandt no estaba enmarcada y se pegaban impresiones simples sobre madera contrachapada delgada.

Desde mediados de la década de 1950 hasta alrededor de 2000, la mayoría de los elementos que se exhiben en la galería se imprimieron en vidrio. Desde alrededor de 2000, ha habido una tendencia notable a mostrar grabados de galería modernos en placas y sin vidrio.

 

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Foto artística y política

La fotografía artística aparece principalmente como una expresión de la visión del artista, pero como subproducto, juega un papel importante en la consecución de algunas de las causas.

Un ejemplo es el trabajo de Ansel Adams en Yosemite y Yellowstone. Adams es uno de los fotógrafos más reconocidos del siglo XX y fue un acérrimo defensor de la conservación de la naturaleza. Si bien su enfoque principal fue la fotografía como arte, parte de su trabajo creó conciencia sobre la belleza de Sierra Nevada y ayudó a obtener apoyo político para su protección.

Esta foto también tuvo un impacto en la censura y el derecho a la libertad de expresión, debido a su preocupación por el cuerpo desnudo.

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Si bien la fotografía artística puede coincidir con muchos otros tipos de fotografía, la superposición de la fotografía de moda y el fotoperiodismo merece una atención especial. En 1996, se anunció que "recientemente se ha producido un desenfoque entre la ilustración comercial y la fotografía artística", especialmente en el campo de la moda. La evidencia de la superposición de la fotografía artística y la moda incluye conferencias, exposiciones, ferias, como Art Basel Miami Beach, y libros.

El ensayo fotográfico y la fotografía artística coinciden con “finales de los años sesenta y setenta, cuando… los fotógrafos de prensa entraron en contacto por primera vez con la fotografía y la pintura artística”. En 1974, se inauguró el Centro Internacional de Fotografía, enfatizando tanto el “fotoperiodismo humanitario” como la “fotografía artística”.

 

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En 1987, “Las fotos tomadas durante las misiones para revistas y periódicos aparecen regularmente [ed.] - en marcos - en las paredes de museos y galerías. En ocasiones, se utilizan nuevas aplicaciones para teléfonos inteligentes como Snapchat para fotografía artística.

 

Bono: el trabajo de Ansel Adams

Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 - 22 de abril de 1984) Fue un fotógrafo paisajista y ambiental estadounidense conocido por sus fotografías en blanco y negro del oeste estadounidense. Ayudó a crear el grupo f / 64, una asociación de fotógrafos que abogaban por la fotografía "limpia" que promovía un enfoque nítido y el uso de toda la gama tonal de la fotografía.

Junto con Fred Archer, desarrollaron un exigente sistema de imágenes llamado Zonal System, un método para lograr la impresión final deseada a través de una comprensión técnica completa de cómo se registra y desarrolla el rango tonal en la exhibición., Revelado negativo e impresiones. La claridad y profundidad resultantes caracterizan su fotografía.

Fotografía artística: Ansel Adams

Fotografía artística: Ansel Adams

 

Adams siempre ha sido un defensor de la protección del medio ambiente y su práctica fotográfica estuvo profundamente ligada a esta intercesión. A los 12 años recibió su primera cámara en su primera visita al Parque Nacional Yosemite. Desarrolló su primer trabajo fotográfico como miembro del Sierra Club. Más tarde fue contratado por el Departamento del Interior de los Estados Unidos para fotografiar parques nacionales. Por su arduo trabajo y apoyo, que ayudó a expandir la red de parques nacionales, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad en 1980.

Adams fue un asesor clave en el establecimiento del departamento de fotografía en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, que es un paso importante para garantizar la legitimidad institucional de la fotografía. Ayudó a organizar la primera exposición fotográfica en este departamento, ayudó a fundar la revista de fotografía Aperture y fue cofundador
el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona

 


 

Eric CANTO Fotógrafo: Fotos de conciertos, retratos, portadas de discos.

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