Rarindra Prakarsa capture des scènes de la vie rurale dans des photographies cinématographiques luxuriantes caractérisées par une atmosphère dense et une utilisation habile de la lumière volumétrique.

Bien que documentaires dans leur concept, les photographies de Prakarsa ont une mise en scène méticuleuse, presque comme une peinture. Combinant des sources de lumière naturelles et artificielles, des situations ordinaires comme des enfants jouant dans l’eau ou un vieil homme fumant une pipe regardent à travers son objectif ces majestueuses occurrences presque irréelles.
L’artiste né à Jakarta a commencé sa carrière d’artiste en arts graphiques en tant que graphiste dans les journaux locaux. Convergence des deux disciplines, le travail de Prakarsa a toujours dénoté un talent particulier pour la composition et une utilisation frappante de la couleur.

Prakarsa nous a donné un aperçu de son flux de travail et nous a donné quelques conseils pour capturer ses faisceaux lumineux cinématiques bien connus lors de ses prises de vue en extérieur.

D’où vient cette obsession pour la lumière?
La lumière venait de moi. J’aime toujours voir la lumière du matin et de l’après-midi. Je ne sais pas depuis quand j’aime tant cette belle lumière, mais je suppose que c’est depuis que j’ai appris la photographie alors que j’étais encore à l’université.
Alors que j’étudiais en arts graphiques, j’ai visité l’ambassade des Pays-Bas à Jakarta, située à quelques pas de mon collège, et il s’est avéré qu’il y avait une exposition de peinture.
Les images étaient si belles pour moi et très uniques en termes d’éclairage. Toutes les peintures concernaient l’Indonésie (en particulier Bali) mais avaient été réalisées par un peintre non indonésien. C’est alors que j’ai trouvé le nom du peintre: Walter Spies . Un peintre allemand qui a vécu en Indonésie de 1930 à 1940.
Ce travail a vraiment changé ma vision de l’éclairage et de ma vision du paysage indonésien. L’autre chose qui a vraiment changé la façon dont je vois la lumière est le film Le dernier empereur de Bernardo Bertolucci. Il montre une très belle lumière, surtout la lumière intérieure.

Comment obtenez-vous cette «sensation de studio» dans votre travail?
J’utilise un équipement «commun». Rien de spécial. Un Canon 5d Mark III et Sony A7 avec des objectifs allant du grand angle au téléobjectif et quelques flashes et quelques diffuseurs.

Vous êtes célèbre pour avoir adopté Photoshop comme une partie essentielle de votre flux de travail. Quand savez-vous que votre post-traitement est allé trop loin?
Je dirais que Photoshop n’est pas si essentiel pour moi. L’éclairage est beaucoup plus essentiel. De nombreuses personnes (généralement des étudiants / participants) pensent que Photoshop est essentiel pour créer un tel sentiment. Mais ils sont toujours surpris de regarder mes fichiers bruts ou de jeter un coup d’œil sur l’écran LCD de mon appareil photo.
Je ne nierai pas que Photoshop est important pour corriger, dramatiser et changer les couleurs / tons. Mais malheureusement, Photoshop n’est pas capable de changer le sens de la lumière.

Comment vous placez-vous par rapport au soleil?
La clé est de vous placer en diagonale, peut-être à 45 degrés, que ce soit derrière ou devant le soleil. Cela crée vraiment plus de dimension à soumettre. La prochaine chose à prendre en compte est la qualité et la quantité de lumière solaire avec laquelle nous souhaitons toucher le sujet.

Pouvez-vous nous donner quelques conseils pour créer de telles atmosphères? Utilisez-vous des machines à brume ou quelque chose du genre?
La lumière du matin et de l’après-midi est toujours utile pour créer des images plus spectaculaires et plus spectaculaires. Surtout quelques minutes après le lever du soleil et avant qu’il ne se couche. Ayez toujours vos lampes artificielles prêtes, que vous les utilisiez ou non. D’une manière ou d’une autre, 70% de mes photos utilisent maintenant des lumières artificielles. Une machine à brume (machine à brouillard) ou toute fumée / poussière de la nature peut faire ressortir votre sujet davantage. Vous perdez certains détails en arrière-plan, mais cela crée un «aspect féerique» dans vos photos.

Qu’est-ce qu’un étudiant peut attendre de vos ateliers? Avez-vous pensé à les développer pour les cours en ligne?
Je m’attends à ce que mes étudiants comprennent mieux en quoi la photographie fait partie de l’art. C’est la mentalité de base. Ils doivent donc enrichir leur sens de l’art. Cette idée est tout.Ce que j’enseigne habituellement (et ce qu’ils veulent) ne concerne que deux choses: l’éclairage et le post-traitement. Quelques thèmes supplémentaires sont la composition et la pose.Je pensais à un cours en ligne. Cependant, je comprends que les gens dépensent plus d’argent dans des cours hors ligne, c’est donc délicat. J’ai récemment commencé à suivre des cours privés sur Skype. Ce que j’ai vu, c’est que la plupart des gens veulent combiner études de photographie et voyages. Alors ils apprennent et expérimentent en même temps. C’est pourquoi de nombreux étudiants viennent apprendre et demandent des voyages et des ateliers.

Quelles sont les astuces rapides que n’importe qui peut appliquer, quel que soit l’appareil photo utilisé, pour améliorer la photo de son profil sur les réseaux sociaux?
Une petite LED, des flashs rapides ou un petit réflecteur peuvent vraiment rendre les images très différentes. Vous pouvez trouver des informations sur les ateliers et les cours Skype de Rarindra Prakarsa sur son site Web ou lui envoyer une question sur sa page Facebook et sur Instagram .

Source Feature Shoot
Site web : https://www.rarindraprakarsa.com/

Rarindra Prakarsa photographe