QU’EST-CE QUE LA PHOTO ARTISTIQUE ?

C’est une questions des plus difficiles : Qu’est ce que la photographie artistique ? Les domaines où la créativité et le point de vue individuel sont présent n’aménent pas de réponse évidentes.

«Est-ce de l’art? Commençant par la question de savoir si l’art peut être défini d’une manière utile, la question nécessite toujours une certaine quantité d’interprétation et de sentiment personnels pour répondre, ce qui signifie qu’il ne peut jamais y avoir de véritable consensus.

Que le mode d’expression soit la peinture, la musique ou la littérature, une œuvre peut être une œuvre d’art sublime pour certains et quelque chose de moins pour d’autres.

 

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La photographie n’est pas différente. Comme l’écriture, qui voit une division distincte entre le journalisme et la fiction, la photographie est comprise comme ayant une division claire entre le figuratif et l’artistique.

Le figuratif est la photographie qui cherche simplement à enregistrer une scène telle qu’elle s’est produite naturellement, sans aucune interférence, mise en scène ou même interprétation artistique. L’artistique cherche à créer quelque chose de beau mais pas forcément réaliste ou précis. La question de savoir ce qu’est la photographie artistique se résume finalement à ce concept de transformation.

 

Qu’est-ce qui définit la photographie artistique ?

Avant tout, la photographie artistique doit être transformationnelle, pas simplement représentationnelle. Bien que vous puissiez capturer une scène incroyable sur le chemin du travail, votre photo ne peut être considérée comme de l’art que si elle a été modifiée d’une manière ou d’une autre par votre intelligence et votre processus de réflexion.

Cependant, cela ne signifie pas que la photographie artistique ne peut être réalisée qu’avec une mise en scène et un éclairage complexes ou des effets numériques; en fait, certaines des photos les plus artistiques jamais prises ont été des paysages – par exemple, l’œuvre d’Ansel Adams.

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C’est parce que la transformation artistique est plus subtile que la plupart des gens ne le comprennent. Vous pouvez appliquer un filtre artistique à n’importe quelle photographie via les éléments suivants:

 

Le cadrage :

En choisissant simplement de cadrer ou de recadrer la scène d’une certaine manière, vous pouvez élever une photo au statut d’art. La célèbre photographie d’Alfred Stieglitz The Steerage (1907) est souvent considérée comme la première photographie artistique importante jamais prise.

Bien que cela puisse être considéré comme purement représentatif, les décisions de Stieglitz en matière de cadrage, de ce qu’il faut inclure dans la scène et de liaison des différentes formes et lignes qui se sont produites naturellement avant lui étaient en réalité transformationnelles, aboutissant à une photographie qui est un véritable art.

 

Le  choix du film:

À l’ère moderne, le choix du film, la couleur par rapport au noir et blanc, et d’autres décisions techniques peuvent agir comme un filtre artistique, transformant une scène même si aucune autre mise en scène ou modification technique n’y est apportée.

 

L’angle:

La photographie artistique représentationnelle doit simplement prendre en compte la scène qu’elle traverse. Cependant, la scène peut être élevée simplement en prenant la décision de prendre la photo sous un angle spécifique, un point de vue spécifique et à un moment précis.
La photographie artistique  nécessite la prise en compte du recadrage et du cadrage.

 

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La vision artistique :

À l’ère moderne, les questions entourant la photographie artistique ont été compliquées par la technologie. Les photographes disposent désormais d’outils incroyablement puissants qui peuvent changer complètement l’apparence des photos – tout comme la plupart des gens, sous la forme de filtres qu’ils peuvent appliquer sur les photos prises avec leurs smartphones et autres appareils.

Des applications informatiques comme Photoshop ont également placé des capacités incroyables entre les mains de photographes sans formation.

 

En conséquence, les photographes modernes se sont séparés en deux approchent

 

Une Manipulation accrue :

Manipulation directe du sujet et de la scène pour différencier leur travail non seulement de la photographie artistique figurative, mais du travail amateur produit par l’application automatique de filtres et d’effets.

 

 

Une approches plus naturalistes :

Certains photographes en sont venus à valoriser la lumière naturelle et les techniques sans effet, cherchant à transformer leurs photos en art en utilisant uniquement des méthodes traditionnelles comme le cadrage et le recadrage.

La plupart des gens reconnaissent plus facilement le premier comme un art en raison de la préparation et du travail nécessaires à la mise en place d’un plan – impliquant souvent des techniques d’éclairage, la construction de décors et la location de modèles.

Cependant, cette dernière approche, tout en se rapprochant d’un modèle de représentation, implique toujours le filtre d’un point de vue artistique. Bien que le résultat final puisse être plus subtil, c’est toujours de l’art.

 

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Une approche plus contreversée …

Une dernière approche plus controversée – adoptée par des artistes tels que Gerhart Richter – consiste à transformer les photographies via l’application d’autres matériaux, tels que la peinture sur la photographie ou la transformer physiquement.

Si l’œuvre finale peut facilement être considérée comme une œuvre d’art, la question de savoir si la photographie elle-même doit être considérée comme une photographie artistique – puisqu’elle n’avait pas de nature artistique inhérente avant l’application d’un processus externe – est solide. Cependant, beaucoup le considèrent simplement comme un équivalent analogique des filtres numériques.

En fin de compte, bien sûr, l’art est créé par le spectateur. Une photographie qui élève votre esprit, modifie votre vision du monde ou vous affecte d’une autre manière peut être considérée comme un art, quelle que soit sa qualification technique ou procédurale. Découvrez notre collection de belles photographies d’art et dites-nous ce que vous en pensez!

 

 

7 conseils pour commencer la photographie artistique.

L’aspect le plus important de la photographie d’art est la vision du photographe. Il ne s’agit pas de la réalité ou de ce qui est devant la caméra. Tout dépend du message ou de l’émotion que le photographe veut évoquer lorsque quelqu’un est témoin de cette image.

La photographie d’art peut parfois être très différente de la réalité. Mais vous pouvez toujours prendre des images réalistes de style documentaire tout en faisant de la photographie artistique.

Passons à un tas de conseils et d’idées que vous pouvez utiliser pour vous lancer dans la photographie artistique.

1. Créer un corpus de travail cohérent

une grille de 9 photos, chacune montrant une photographie de rue en noir et blanc différente

photographie artistique

 

Un corpus d’oeuvre signifie une collection d’images quelque peu liées les unes aux autres. Il peut s’agir du même type de sujet ou d’activité ou même d’un style de traitement. Parfois, une seule image ne suffit pas pour transmettre les sentiments ou la vision réels d’un photographe.

Par exemple, j’ai créé un petit corpus d’œuvres nommé Bustle. J’ai rassemblé 15  images illustrant les activités de personnes qui se dirigent vers leur destination dans leur vie de tous les jours.

Certaines des images de cette collection sont ci-dessus. Remarquez sur chaque image, comment les jambes des personnes sont en mouvement . Cette chose est commune à toutes les images avec le même style de traitement. Et c’est comme ça qu’ils sont liés.

Pour un travail décent, collectez au moins 10 à 15 images qui sont fortement liées les unes aux autres d’une manière que le spectateur peut facilement identifier.

 

2. Suivez le travail de photographes célèbres

Je sais que cette astuce est trop évidente. Je détestais ça aussi au début. Mais c’est la réalité à laquelle nous devons tous faire face.
La photographie artistique est un créneau très difficile et aucun livre, article ou atelier ne peut vous apprendre mieux que d’étudier les œuvres de photographes d’art célèbres eux-mêmes.

Prenons par exemple Annie Leibovitz, la célèbre photographe portraitiste des beaux-arts. Elle utilise un style d’éclairage unique avec des couleurs et des poses audacieuses . Josef Sudek et Philip-Lorca Dicorcia sont quelques autres photographes dont vous devriez découvrir le travail.

Choisissez un photographe d’art que vous aimez et étudiez son travail. Analysez comment leurs images sont connectées les unes aux autres. Voyez ce qui les rend spéciaux.

 

3. Photographie artistique : ne photographiez pas en noir et blanc uniquement

 

Un tir de photographie d'art d'un bâtiment architecturalement intéressant sous un angle intéressant

photographie artistique

 

Je sais que la première chose qui me vient à l’esprit à propos de la photographie artistique est le noir et blanc .  

La majorité de la photographie professionnelle des beaux-arts est en noir et blanc. Mais c’est uniquement parce que le noir et blanc réduit la distraction et vous permet de vous concentrer davantage sur le message d’une photographie.

Mais vous pouvez toujours obtenir la même chose avec des compositions plus propres et épurées.  En raison des compositions simples, les versions couleur sont bien meilleures et plus puissantes que le noir et blanc.

C’est le concept qui compte. Convertissez vos images en monochrome uniquement si cela ajoute vraiment de la valeur.

 

Un paysage aride et rocheux au coucher du soleil

photographie artistique

4. Avoir une déclaration d’artiste

Rédiger une déclaration d’artiste avant de démarrer un projet est très utile. Cela clarifie votre esprit sur l’objet de votre projet. Une fois votre déclaration prête, il vous sera facile de rechercher des sujets et de minimiser les distractions dans vos images.

La déclaration de l’artiste n’a pas besoin d’être pleine de jargon technique ou de longs paragraphes. Soyez bref .
Pour commencer, écrivez deux ou trois phrases qui donnent un aperçu de votre projet. Expliquez ensuite comment ces idées sont présentées dans votre travail. 

Voici un exemple : Les marchés et les arrêts de bus sont les endroits où l’on trouve toujours des gens pressés. Ils se précipitent vers leurs destinations. Ils n’ont pas le temps de s’arrêter et de réfléchir à ce qui se passe autour d’eux.

J’adore capturer les gens quand leurs gardes sont à terre. Mon travail se compose de photographies dans lesquelles mes sujets sont des personnes qui s’activent vers leur destination. Toutes les images ici sont capturées sous une forme purement candide.

Pour les galeries et autres espaces professionnels, vous pourriez avoir besoin d’un artiste BIO complet ou d’une déclaration d’artiste complète, mais cela sort du cadre de cet article.

 

5. Utilisez la vitesse d’obturation pour modifier la réalité sur vos photos artistique

 

Une photographie d'art en noir et blanc d'une plage rocheuse, avec un doux effet brumeux de l'eau autour des rochers et des falaises

photographie artistique

Étant donné que la photographie artistique concerne la vision de l’artiste, vous pouvez utiliser diverses techniques pour mettre en valeur votre message. Cela pourrait être un type spécifique de technique de post-traitement, dans la tromperie ou la composition.

Dans l’image ci-dessus, je voulais mettre l’accent sur la nature solitaire mais agressive de l’ océan . Une vitesse d’ obturation rapide comme 1/200 de seconde pourrait geler le mouvement. Trop lent et cela pourrait ajouter une sen


Vous pouvez utiliser cette technique pour déplacer des personnes, des voitures, etc., pour modifier les scènes et leur donner une signification spécifique. Essayez de montrer quelque chose dont nos yeux ne sont pas habitués à être témoins dans la vraie vie.

 

6. Photographie artistique : utilisez des styles uniques d’étalonnage et de traitement des couleurs

 

Une peinture couleur d'une maison

Le noir et blanc est trop courant. Tout le monde l’utilise. Avoir un style de traitement ou un étalonnage des couleurs unique est très important pour un photographe d’art. Cela aide les gens à reconnaître votre travail.

Prenez le peintre Vincent van Gogh. Il a un style très distinctif dans ses peintures. Si vous le connaissez, vous reconnaîtrez probablement ses toiles parmi des centaines d’autres toiles. C’est la puissance d’un style signature.

Vous ne pouvez pas créer un corpus de travail uniquement sur le style de traitement, mais avoir un style cohérent et unique aidera vos images à devenir plus cohérentes et connectées.

 

7. Utiliser un seul sujet pour un projet entier

Une grille de quatre photos de l'intérieur d'une église ou d'un temple
Vous pouvez utiliser un sujet spécifique pour l’ensemble de votre travail ou un mini projet si vous le souhaitez. C’est un bon début pour un projet de photographie d’art pour les débutants .

Il est facile à planifier et à exécuter. Les résultats sont plus cohérents. Et vous apprendrez les bases tout en vous concentrant sur un seul sujet.

Christian Richter est un photographe allemand qui a réalisé une série complète sur les lieux abandonnés à travers l’Europe.
Je vis dans un pays du Moyen-Orient, Oman, qui regorge de vieille architecture islamique . J’ai donc réalisé un projet nommé Arches d’Oman et photographié des arches dans divers bâtiments et mosquées.

Vous pouvez sélectionner n’importe quelle activité, lieu ou thème spécifique pour démarrer votre premier projet.

 

Évitez ces clichés de photographie artistique.

Voici donc une petite liste de clichés que vous devez comprendre avant de vous lancer. Et puis vous devriez les éviter.

1. Images extrêmement vagues

La photographie d’art n’est pas une énigme à résoudre. Si votre concept est un peu vague, présentez un corpus complet de travail afin qu’il soit facile à comprendre pour les gens.

2. Images bruyantes et granuleuses

Parfois, vous photographiez dans des conditions de lumière extrêmement faible et cela introduit du bruit. C’est compréhensible.
Cependant, ajouter du grain dans le post, juste pour couvrir une mauvaise exposition ou pour donner l’impression qu’il a été tourné sur un film, n’est pas acceptable.

 

3. Vignettes fortes

Les vignettes aident à concentrer l’attention du spectateur sur le sujet. 
Mais n’ajoutez pas de vignette forte juste pour donner l’impression que l’image a été tournée sur un film. Ou pour essayer de cacher une mauvaise composition.

Une photographie d'art en noir et blanc d'une plage rocheuse, avec un doux effet brumeux de l'eau autour des rochers et des falaises

Conclusion

La photographie d’art va au-delà de ce qui se trouve réellement devant la caméra. C’est l’interprétation très personnelle d’un artiste d’une situation qui peut être très différente de la réalité. 

Le cœur même de la photographie d’art est de transmettre un certain sentiment ou un message à travers votre photographie. La caméra n’est qu’un médium.

Vous faites tout ce qu’il faut pour transmettre votre message. Que vous ayez besoin d’utiliser des techniques de traitement à huis clos ou de post-traitement. Présenter vos images comme un ensemble cohérent de travail avec une déclaration d’artiste n’est pas seulement professionnel, mais il transmet également votre message plus clairement.

Avez-vous besoin d’un diplôme en beaux-arts pour cela ? A mon avis, non. Il est utile de comprendre l’histoire et l’évolution de la photographie artistique. Mais ce n’est pas une obligation.

Le plus important est de former votre vision et d’utiliser votre imagination pour faire ressortir quelque chose d’unique à partir de situations ordinaires. 

 


 

Eric CANTO Photographe : Photos de concert, portraits, pochettes d’album.

 

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